Die Zep-Ursprungsgeschichte

Zehntausend Dollar pro Show! Das klingt mächtig fett, nicht wahr? Und denken Sie daran, dieses Lied kam vor fünfzig Jahren heraus, sodass zehn G's heutzutage eher 75 G's sind. Sogar die Aufteilung in vier Richtungen, gute Arbeit, wenn Sie das hinbekommen. Aber 10 Gs pro Nacht waren Peanuts für The G.

Als Led Zeppelin Anfang der 70er Jahre durch Amerika tobte, sicherte sich Peter Grant routinemäßig 100, 200, 300 Gs pro Nacht, manchmal sogar mehr für seine Jungs. Sie bekamen beispiellose 90 Prozent der Zustimmung, und wenn es den Veranstaltern nicht gefiel, konnten sie einfach abhauen.

Freunde und Familie nannten ihn The G, manchmal auch Big G. Und er war ein G, na ja, ein OG … Original Gangsta Peter Grant wurde 1935 geboren, fast ein Jahrzehnt vor dem ältesten seiner jungen Schützlinge, dem Kriegsbaby Jimmy Page.

Der G wuchs in bescheidenen Verhältnissen auf – Mutter war Sekretärin, Vater war nicht da. Er war eines von Tausenden britischen Kindern, die während des Krieges aus dem Großraum London aufs Land evakuiert wurden, um sie vor deutschen Bombern zu schützen. Vielleicht war The G von der Erfahrung gezeichnet, wer weiß. Er sprach nicht viel über seine Kindheit. Es lässt sich leicht feststellen, dass Peter Grant schnell, zäh und selbstständig aufgewachsen ist. Mit 15 Jahren hatte Big G die Schule verlassen und war alleinerziehend, ein harter Kerl aus der Nachbarschaft, der in einer Blechwerkstatt arbeitete.

Er war ein großer Junge, der ein großer Erwachsener wurde. Und wie eine Art Brite Paul Bunyan wird er mit jeder Erzählung größer.

Die oft wiederholte Legende besagt, dass der G bei einer Höchstgröße von 1,90 m und einem Gewicht von 300 Pfund die Waage erreichte. In Wirklichkeit war er wahrscheinlich eher 1,80 m groß und sein Gewicht schwankte im Laufe seines Erwachsenenlebens auf und ab. In einigen Interviewaufnahmen sieht er hager aus, wie ein großer Mensch, der zu viele Crash-Diäten gemacht hat.

Ganz gleich, wie groß er tatsächlich war, mit dem G war niemand zu spaßen. Er mochte zwar die Mittelschule abgebrochen haben, aber Peter Grant war schlagfertig und scharfzüngig und verfügte über einen Master-Abschluss in Rauferei.

Die Kaffeebar „2i's“ in Soho wurde 1970 endgültig geschlossen. Sie hatte einen guten Lauf – fast 15 Jahre lang als angesagter Veranstaltungsort für Musik, einer dieser coolen kleinen Orte, um einen aufstrebenden Star zu erwischen … oder einen etablierten Künstler zu sehen Dienstagabend für einen spontanen Jam. Als wir in Kapitel 7 die Beatles vorstellten, sprachen wir ein wenig über Soho im Allgemeinen und die 2i im Besonderen. Peter Grant arbeitete Anfang der 60er Jahre an der Tür des Two i's.

Er lernte die Musiker vor Ort kennen und lernte etwas, was jeder gute Türsteher weiß: Wenn man ausreichend einschüchternd wirkt, wenn man einen gewissen bedrohlichen Unterton kultiviert, ist tatsächliche Gewalt selten nötig. Peter Grant entwickelte und verfeinerte hier seine furchterregende „I Will Brook No Bullshit“-Aura. Es war genauso effektiv – wenn nicht sogar effektiver – wie seine dicken Arme und seine schnellen, starken Hände.

Einige Jungs aus der Grafschaft Surrey, die sich Nashville Teens nannten. Ihren einzigen Hit hatten sie 1962 mit dem rockigen Cover von „Tobacco Road“. Ordentlicher Schnitt. Es wurde vom Country-Songwriter John Loudermilk geschrieben, der den Titel aus Erskine Caldwells tragikomischem Roman über das White-Trash-Georgia übernommen hat.

Wir haben bereits darüber gesprochen – britische Kinder in den späten 50ern und frühen 60ern waren regelrecht verrückt nach amerikanischer Kultur und Musik. Wir wissen das sehr zu schätzen – so sind wir zu den Beatles gekommen –, aber wir verstehen es nicht ganz … Wie auch immer, die Nashville Teens waren der erste Act, den Peter Grant leitete. Man vermutet, dass sie weniger als 10.000 Dollar pro Show einnahmen.

Von da an leitete The G die Tournee zahlreicher anderer Acts, darunter auch hochkarätige Künstler wie Chuck Berry und Little Richard. In den nächsten fünf Jahren baute er seinen furchterregenden Ruf auf und lernte, sich in Amerika zurechtzufinden. Im Jahr 1967 sprach das Musician's Grapevine in London es laut und deutlich aus: Peter Grant kümmert sich um seine Jungs. Tour mit The G durch Amerika und du wirst bezahlt.

Außerdem wird sich NIEMAND mit dir anlegen.

112 englische Pfund. Etwa 300 US-Dollar. So viel verdienten die Yardbirds während ihrer gesamten US-Tournee im Sommer 1966. Diese Version der Yardbirds zeichnete sich durch echte sechssaitige Feuerkraft aus, wobei sich Jimmy Page und Jeff Beck die Leadgitarrenaufgaben teilten. Auf einer Etappe der Tour spielten sie als Vorband der Rolling Stones. Wohin sie auch gingen, die Kinder drehten durch. Aber die Bezahlung war Kleingeld. Von Meer zu strahlendem Meer machten sich die Yardbirds an die Arbeit.

Jeff Beck wurde schwer krank und verließ die Tour mitten in der Tour. Jimmy Page hat es durchgehalten. Nach eigener Aussage war das Tourleben für ihn damals noch neu, er hatte noch Sterne in den Augen.

Auf dieser enttäuschenden, unterbezahlten Yardbirds-Tour, seinem ersten Besuch in Amerika, fiel Jimmy Page etwas auf. Diese Kids drüben in Amerika ... liefen nicht herum, ließen sich verprügeln und riefen Gespräche über den Lärm der Band hinweg. Sie waren nicht damit beschäftigt, cool auszusehen und sich cool zu benehmen. Sie beugten sich vor und achteten aufmerksam.

„Sie waren ein zuhörendes Publikum“, sagte Jimmy Jahre später in einem Magazininterview. Ein zuhörendes Publikum. Auch ein größeres, besser zahlendes Publikum. Solange man jemanden hat, der schlau genug und hart genug ist, um etwas einzusammeln.

Dann, Anfang 1967, sah Jimmy, wie seine Freunde Eric Clapton und Pete Townshend ihre Bands – Cream und The Who – in die Staaten mitnahmen und aufräumten. Draußen im Überflugland fanden die Kinder diese britischen Rocker exotisch und faszinierend. Die Häuser waren voll und die Fans waren wegen der Musik da.

Besser als das Spielen vor ein paar Dutzend abgestumpften, betrunkenen Londonern.

Man konnte auch nach seinen eigenen Vorstellungen spielen: Shows verlängern, Songs verlängern … und es war kein schlaffes Hippie-Dippie-Zeug. Die Kinder liebten diese psychedelische Ästhetik: lange Jams, Lichtshows … und sie mochten sie besonders, als Cream und The Who sie mit etwas British Steel verstärkten.

Sie wurden durch einige wichtige technologische Fortschritte unterstützt und begünstigt. Ende der 60er Jahre machten die Soundsysteme einen großen Fortschritt. Jetzt gab es ein Monitoring auf der Bühne sowie Leistungsverstärker und Lautsprechersysteme, die einer explosiven, stundenlangen, großen Rockshow gewachsen waren.

Im Fillmores – im Osten und Westen – im Shrine in LA, im Grande Ballroom in Detroit, im Spectrum in Philly … und an hundert verschiedenen College-Veranstaltungsorten schufen Veranstalter wie Bill Graham und Frank Barsalona das moderne Rockkonzert. Und Zep, Deep Purple und Black Sabbath waren alle da, genau zur richtigen Zeit am richtigen Ort.

Das ist es, was diese bahnbrechenden Heavy-Rock-Bands gemeinsam haben: Sie haben sich auf Tournee in Amerika die Knochen gemacht. Sie hatten noch etwas anderes gemeinsam. Wir werden gleich darauf zurückkommen.

Amerikanische Kinder haben es aufgegessen. Mit Beginn der 70er Jahre wurde es immer mehr aufgefressen. Sie wollten keine Kaugummibands, die zweieinhalbminütige Hits lippensynchronisieren. Sie wollten eine knallharte Rockshow, ein immersives Langzeiterlebnis.

Daher muss jede Diskussion über die Ursprünge von Prog, Metal und Heavy Rock Vanilla Fudge einbeziehen. Vanilla Fudge hatte nie eine Hit-Single oder ein Album, das sich gut verkaufte, aber sie waren trotzdem eine große Sache. Weil sie im Konzert absolut wild waren. Fudge spielte schnell, körperlich und laut, vorangetrieben von der kraftvollen, präzisen Rhythmusgruppe von Tim Bogert am Bass und Carmine Appice am Schlagzeug.

Fudges Sache war es, Pop-Hits wie „You Keep Me Hangin' On“ von The Supremes zu Long-Live-Jams zu erweitern. Viel Build-and-Release-Dynamik, große Refrains, epische Keyboard- und Gitarren-Duelle. Cream and the Who, Zep, Purple, Sabbath … diese ganze Erstsemesterklasse britischer Hardrocker, sie alle kreuzten sich mit Fudge, als sie in Amerika unterwegs waren, und alle schenkten ihm gespannte Aufmerksamkeit.

Ritchie Blackmore sagte, die frühen Deep Purple seien im Grunde Vanilla Fudge gewesen, mit einem Schreihals als Frontmann. Jeff Beck ist gerade aufgestanden und hat Bogert und Appice engagiert, um für eines seiner Projekte Bass und Schlagzeug zu spielen. Jimmy Page mochte ihre Dynamik, das Laute und das Leise, sie zerlegte und baute sie wieder auf.

„Licht und Schatten“, so beschrieb er es gern.

Aber es könnte hart und turbulent werden, in Amerika zu touren. Jimmy hat das beim ersten Mal auf die harte Tour gelernt. Damit es sich bezahlt machte, brauchte man jemanden. Jemand, der loyal und hart ist und bereit ist, sich zu streiten und hinterherzulaufen.

Jimmy Page war höflich, schlank und hatte eine sanfte Stimme. Er war ein vernarrtes Einzelkind, ein Kunstschüler aus den grünen Vororten von Surrey. Klug und zielstrebig, ein geborener Anführer … aber Jimmy war kein harter Kerl. Die Yardbirds waren jetzt seine Band. Wenn er sie nach Amerika zurückbringen und dafür sorgen wollte, dass sie sich bezahlt machten, brauchte er jemanden.

Betreten Sie The G. Der imposante Herr Peter Grant.

Nachdem sich Jeff Beck zurückzog – oder gefeuert wurde, hängt davon ab, an wen man glaubt … wurde G in der darauffolgenden Umstrukturierung Tourmanager der Yardbirds.

Sie waren unwahrscheinliche Freunde, Jimmy und The G, aber sie verstanden sich sofort. Vielleicht sah jeder Mann in den anderen Eigenschaften, die ihm selbst fehlten. Schon früh legte Peter Grant die Parameter ihrer Beziehung fest: Du kümmerst dich um die Musik, ich kümmere mich um alles andere.

Und er tat es.

Diese Jimmy Page-Version der Yardbirds – die endgültige Version – war eine Band im kommerziellen Niedergang. Es gab keine Hit-Singles. Sie machten zwei Alben und keines davon sorgte für Furore. Aber sie waren ein starker Live-Act, und da war Amerika. Unter der Leitung von Peter Grant reisten die Yardbirds kreuz und quer durch die Staaten bis 67 und 68. Dieses Mal ließen sie kein Geld auf dem Tisch.

Endlich zurück in London, ihre Bankkonten waren überfüllt, aber das reichte nicht. Im Frühsommer 1968 zerfielen die Yardbirds endgültig. Aber genau zu diesem Zeitpunkt bekam Jimmy Page seine Villa in Surrey. Pangbourne, ein in ein dreistöckiges Landgut umgebautes Bootshaus am Ufer der Themse.

County Surrey, südlich und westlich von London, Geburtsort von Eric Clapton, Jimmy Page und Jeff Beck.

Den Anstoß dazu bekam der alte Freund John Paul Jones von seiner Frau Maureen. Mo hörte, dass Jimmy eine Band gründete, und sagte ihrem Mann, er solle zum Telefon greifen.

Es standen Auftritte an. Die Yardbirds waren vertraglich verpflichtet, im Herbst durch Europa zu touren. Es lag also an Jimmy, etwas zusammenzustellen und es auf die Straße zu bringen. Die neuen Yardbirds.

Die Suche nach einem Sänger begann.

Terry Reid, ein Blues-Shouter in der Clubszene, war Jimmy Pages erste Wahl als Frontmann, aber Reid lehnte das Angebot ab. Er erwähnte den Namen eines Jugendlichen aus den Midlands, Robert Plant. Schauen Sie sich ihn an, er ist etwas Besonderes. Also fuhr Jimmy mit dem Big G am Steuer nach Norden, um den Jungen singen zu hören.

Als sie das erste Mal hereinkamen, dachte G, der große, struppköpfige 21-Jährige sei ein Roadie. Als die Band ihren Auftritt begann, dachte Peter, sie seien ziemlich gut, aber Jimmy dachte nicht viel darüber nach. Aber dieser Sänger, Mann. Ein paar Songs später wusste Page, dass er seinen Mann gefunden hatte.

Groß und gutaussehend, eine fesselnde natürliche Präsenz auf der Bühne ... und Robert Plant könnte in nur einer Strophe von Elvis Croon bis zum Arena Rock Wail und wieder zurück wechseln.

Page traf sich nach der Show mit Plant und lud ihn zu einem Interview-Slash-Vorsprechen nach Pangbourne ein.

Robert brachte ein Joan-Baez-Album mit. Er liebte ihre Version von „Babe I'm Gonna Leave You“, geschrieben von Anne Bredon. Auf dem Album wurde es fälschlicherweise als „Traditionell, arrangiert von Joan Baez“ bezeichnet. Plant wollte, dass Page es hörte und seine Gedanken mitteilte. Jimmy kannte das Lied gut; Tatsächlich hatte er schon seit einiger Zeit sein eigenes Arrangement ausgeheckt.

Der Zweck des Besuchs bestand natürlich darin, Musik zu teilen, Kompatibilität innerhalb der Musik herzustellen und hoffentlich eine Freundschaft aufzubauen, und zu diesem Zweck erwies sich „Babe, I'm Gonna Leave You“ als die entscheidende Verbindung.

Auch Jimmy liebte das Lied und hatte vorgehabt, es Robert vorzuspielen, eine symbiotische Übereinstimmung, die Robert dabei half, dieses Vorsprechen – wenn es denn überhaupt so war – mit Bravour zu bestehen.

Das ist aus „No Quarter“, Martin Powers Biografie von Jimmy Page aus dem Jahr 2016.

Page und Plant teilten auch eine leidenschaftliche Vorliebe für den überdrehten, hart klingenden Chicago Blues. Dieser Chess Records-Sound. Wir haben in unseren ersten Kapiteln ziemlich viel darüber gesprochen.

Vielleicht wollte er sich bei seinem neuen Freund einschmeicheln oder suchte nach einem Verbündeten in dieser neuen, künftigen Gruppe … oder ein wenig von beidem. Plant empfahl John Bonham, einen ehemaligen Bandkollegen. Bonzo hatte sich in den Midlands einen Namen gemacht. Bester Schlagzeuger auf der Tour.

Jetzt war Jimmy Page ein erfahrener Session-Spieler. Als solcher kannte er viele hervorragende Schlagzeuger. Er hatte einige Leute im Sinn, aber Plant drängte ihn. Bevor Sie irgendwelche Anrufe tätigen, gehen Sie einfach zu diesem Bonham-Typen.

Also machten Page und The G eine weitere Fahrt nach Norden.

Hier ist noch einmal Martin Power:

John war ein wahrer Knaller von einem Mann, der mehrere Straßen weiter ohne Unterstützung einer PA zu hören war. Er dominierte sein Ludwig-Set auf eine Weise, die Jimmy noch nie zuvor gesehen hatte ...

Im Laufe der nächsten Tage verfolgten Jimmy und Peter Grant John Bonham wie ein verliebter Liebhaber. Als sie herausfanden, dass der Schlagzeuger zu Hause kein Telefon hatte, wurden etwa 30 Telegramme an seine Stammkneipe geschickt, um ihn für die Gruppe zu gewinnen.

Sie kamen in Pangbourne zusammen, um als New Yardbirds zu proben. Sie begannen, ein Set für Europa vorzubereiten.

Als wir mit Rock N Roll Archaeology begannen, sagten wir uns und sagten Ihnen: Wir werden unsere Ansichten anpassen, sobald neue Beweise vorgelegt werden. Und wir haben es versucht, das haben wir wirklich.

Also: Lasst uns ein verdammt problematisches Thema auswählen und darüber diskutieren. Kulturelle Aneignung steht heute auf der Tagesordnung.

Kulturelle Aneignung: die unbestätigte oder unangemessene Übernahme der Bräuche, Praktiken und Ideen … eines Volkes oder einer Gesellschaft durch Mitglieder eines anderen – typischerweise dominanteren – Volkes oder einer anderen Gesellschaft.

Das ist die Definition des Oxford Dictionary für kulturelle Aneignung. Es ist auch eine ziemlich gute Definition von Rock N Roll. Von Anfang an wurde Rock N Roll von der dominanten weißen Kultur zu Unrecht und auf unverschämte Weise von einer unterdrückten schwarzen Minderheit übernommen.

Entspannen Sie sich, lassen Sie es ruhig angehen. Wir sagen NICHT, dass man Rockmusik nicht genießen kann, weil sie vereinnahmt wurde. Wir sagen Ihnen nicht, was Ihnen gefällt. Oder was man nicht mag. Wir haben nicht das Ziel, NIEMAND, JEDER ZEIT UND JEDEN ZEITPUNKT zu stornieren oder zu zensieren.

Hör einfach damit auf. Das ist hier weder der Sinn noch der Zweck. Wir denken einfach, dass es offensichtlich wahr ist, und es macht keinen Sinn, etwas anderes vorzutäuschen.

Und übrigens, wir reden hier nicht nur von Rockmusik.

Für einen Großteil des letzten Jahrhunderts … VIEL von dem, was Amerika der Welt als einzigartig amerikanischen Charakter verkaufte – Musik, Tanz, Mode, Humor, Spiritualität, Basispolitik, Slang, Literatur und Sport – war seinem Ursprung und seiner Konzeption nach einzigartig afroamerikanischer Herkunft , und Inspiration.

Das ist Greg Tate, ein Sohn von Harlem und ein großartiger Schriftsteller und Kulturkritiker. Es stammt aus dem Titelessay eines Buches mit dem Titel „Everything But The Burden“.

Wenn Sie sich jetzt gerade etwas defensiv fühlen, reagieren Sie nicht, sondern hören Sie stattdessen zu ... und sitzen Sie einfach eine Minute lang mit diesem Gefühl da und versuchen Sie, es zu verstehen.

Sie müssen nicht aufhören, das zu mögen, was Ihnen gefällt. Sie müssen Ihre Plattensammlung oder ähnliches nicht verschenken. Versuchen Sie einfach zu verstehen und zu erkennen. Wenn man es anerkennt, wenn man die Stützen gibt und den Reichtum teilt, dann beginnt es, sich von etwas Ungerechtem zu entfernen … und es fängt an, etwas Gütigeres zu werden.

Es beginnt zu werden: Hommage. Beeinflussen. Tribut. Lernen Sie die Arbeit derer kennen und bauen Sie darauf auf. Damit hat niemand ein Problem.

In Ordnung. Kehren wir nun nach London zurück und sprechen über einen der berüchtigtsten – und überaus erfolgreichen – kulturellen Aneigner in der gesamten Rockgeschichte.

Wir beginnen mit einem Zitat von Stephen Hyden, einem unserer Lieblingsrockautoren, der für Grantland Dot Com schreibt.

Es stimmt, dass Zeppelin bei seinen Diebstählen skrupellos war. Es stimmt, dass Zeppelins frühe Platten gelegentlich eine beunruhigende (aber elektrisierende und daher doppelt beunruhigende) Blackface-Parodie des Blues präsentieren.

Nun zu einer etwas halbherzigen Verteidigung von Page und Plant. Schon bei den ersten Proben in Pangbourne war allen klar, dass sie ein Monster in ihren Händen hatten. Ein paar Auftritte in Europa wie die New Yardbirds bestätigten es. Jimmy Page war erst 24 Jahre alt, aber er war bereits ein Veteran der Musikindustrie. Er war schon ein paar Mal dort gewesen. Sein Partner Peter Grant umso mehr. Als sie sahen, dass sich eine riesige Chance bot, ergriffen sie diese natürlich. Wir machen dafür niemandem einen Vorwurf.

Also machten sich die Jungs auf den Weg und Jimmy trug das Masterband mit sich herum. Wo immer sie die Möglichkeit hatten, ein Studio für ein oder zwei Tage zu buchen, taten sie es auch. Die ersten beiden Alben von Led Zeppelin wurden an ihren freien Tagen auf Tour aufgenommen und im Abstand von etwa neun Monaten veröffentlicht.

Das ist eine sehr, SEHR fleißige Rockband. Und so machten sie noch drei weitere Jahre weiter.

Und sie waren eine brandneue Rockband, zwei Veteranen und zwei Neulinge, die mit einer unglaublichen Nachfragewelle zu kämpfen hatten. Die Definition von Erfolg über Nacht.

Sie brauchten Material. Also schnappte sich Jimmy Page es, wo er konnte. Wir dulden es nicht, aber wir verstehen es. Er erhob sich von sich selbst – „Dazed and Confused“ und „Over the Hills and Far Away“ sind beides Neubearbeitungen von Stücken, die Jimmy mit The Yardbirds gemacht hat.

Und er hob sich von anderen ab.

Als nächstes wollen wir darauf hinweisen: Zeppelin hat zwar Songs kooptiert und angeeignet, aber sie haben ihnen ihren eigenen Stempel aufgedrückt. Der dreckig-sexy Mittelteil von „Whole Lotta Love“. Dieses gigantische Build-and-Release-Arrangement von „Babe I'm Gonna Leave You“. Originalwerk, und es ist herausragend, großartig.

Und je weiter Zep vorankam, desto besser wurden sie bei der Aneignung. Das dritte Album beginnt mit „Immigrant Song“. Es ist völlig originell und ein Killer. Sie eröffneten damit Shows für die nächsten Tourneen. Hören Sie sich die Version an, die „How the West Was Won“ eröffnet, live im Los Angeles Forum im Jahr 1972. Einfach ein wilder musikalischer Amoklauf; Diese Jungs könnten so mächtig sein.

Zep Three ist übrigens irgendwie ein unterschätztes Album – wenn überhaupt etwas von Led Zeppelin als unterschätzt bezeichnet werden kann. Es ist eine Übergangsplatte, ein bisschen anders; es gefällt uns eigentlich sehr gut. Nicht so bombastisch – oder so abgeleitet – wie die ersten beiden. Manchmal ruhig und nachdenklich. Viel Licht und Schatten darauf.

Und Jimmy Pages Produktion … der große Drumsound, der das Stereofeld voll ausnutzt, die Art und Weise, wie er Gitarrenspuren überlagert, war bahnbrechend, brillant. Das gilt für alle ihre Aufnahmen.

Aber ... sogar ihr Meisterwerk, das unbetitelte vierte Album – Sie kennen das ... mit „Black Dog“ und „Rock And Roll“ und „Stairway to Heaven“ – dieses. Auf Zeppelin Four ist auch eine nicht im Abspann aufgeführte Aneignung zu sehen!

„When the Levee Breaks“ schließt das Album ab und es ist ein Hammer-Song, wir lieben ihn verdammt noch mal.

Es handelt sich außerdem um ein nicht im Abspann aufgeführtes Remake einer Delta-Blues-Platte von Memphis Minnie. Und damit sind wir bei unserem letzten Wort zu diesem Thema.

Manchmal kommt es nicht darauf an, was man tut, sondern wie man es tut. Und das ist unser Problem mit Zep. Sie waren kaum die einzige Rockband, die sich den Delta Blues aneignete. Und sie zahlten die Lizenzgebühren – große Schecks mit vielen Nullen – und korrigierten die Songwriting-Credits.

Aber erst Jahre später und nach einer Menge Klagen.

Darüber hinaus gibt es diese lässige „Ich weiß nicht, worum es in der ganzen Aufregung ging“-Einstellung, die wir oft von Jimmy Page – und in geringerem Maße auch von Robert Plant – gesehen und gehört haben. Vielleicht haben ihre Anwälte ihnen geraten, das zu tun, es zu vertuschen und sich überrascht zu verhalten.

Was auch immer. Es sieht immer noch beschissen aus.

Nun: Wir sind nur Fans, wir kennen diese Jungs nicht. Sie schulden uns nichts. Trotzdem können wir nicht anders, als darüber nachzudenken. Zeps Mangel an Reue, ihre Unehrlichkeit … sich einen großen Teil ihres Katalogs anzueignen … sind eine Art Arschloch.

Es trübt ihren Glanz. Ein Verlust unserer Wertschätzung dafür, wie großartig diese Jungs wirklich waren.