Der Fall für die Könige

Beau Jangles, der selbsternannte „Fuckboy für die Generation deines Urgroßvaters“, singt in einer Südlondoner Taverne in ein altmodisches Mikrofon. Er trägt einen dreiteiligen Anzug mit Frack und einem lila Kummerbund und hält ein Glas Scotch in einer Hand, während der Diamant in seiner Krawatte blinzelt und die glatten Locken auf seiner Stirn verwegen schwingen. Er wirft einer Frau im Publikum ein strahlendes Lächeln zu. Sie seufzt verträumt über die Eskapaden des Königs und erinnert sich an eine Zeit von Schlagersängern wie Stormé DeLarverie.

In einem Aufnahmestudio knallt und swingt der in Chicago ansässige Tenderoni zu einer professionell choreografierten Nummer, die mühelos mit R&B lippensynchron ist. Sein lila Lidschatten mit ausgeprägten Schulterpolstern, die silberne Haremshose und die roten Lederhandschuhe machen eine gute Figur, wie ein Boy George des 21. Jahrhunderts.

Bei Europas erster Drag-Convention springt ein gehörnter Mann mit riesiger lila Mähne und Bart rückwärts von einem Stuhl. Er landet hart auf seinen zehn Zentimeter hohen Plateausandalen und stampft wild über die Bühne, wobei die Bahnen seines römischen Lederrocks weit fliegen. Ödipussi Rex, der „bärtige Drag-Barbar“, beginnt dann, Leonard Cohens „Hallelujah“ zu knurren und fordert das Publikum zum Mitsingen auf.

Es ist Mitte April und wir sind mit der 14. Staffel von RuPaul's Drag Race fast fertig . Die Kandidaten – Drag Queens aller Couleur – tänzeln und moderen durch die Show. Sicher, sie sind Meister ihres Fachs, talentierte Freudenfiguren, die hart gearbeitet haben, um diese Stufe zu erreichen. Dennoch kommt man nicht umhin, die Wiederholung zu spüren. In den letzten anderthalb Jahrzehnten hat eine Drag Queen nach der anderen um diesen Titel gekämpft, während dynamische Drag Kings wie Beau Jangles , Tenderoni und Oedipussi Rex von unseren Bildschirmen abwesend sind, größtenteils versteckt vor dem Mainstream.

Der Frust ist weit verbreitet . „Ich bin mir nicht sicher, ob ich Ihnen einen einzigen Drag King nennen könnte, der denkt, dass Drag Race in irgendeiner Weise eine echte, inklusive Reflektion von Drag ist, so wie es ist“, sagte Beau Jangles zu Isebel. „Ich habe viele Darsteller gehört,in die Drag Race -Form passen , sogar einige, die in der Show waren, über ihre mangelnde Einbeziehung seufzen.“

Unter den vierzehn Drag-Queen-Teilnehmern von Drag Race in diesem Jahr war Maddy Morphosis, der erste heterosexuelle Cis-Mann, der an der Show teilnahm. Das Recht von Maddy Morphosis, eine Königin zu sein, war für viele Könige nicht die Debatte . In einer E-Mail mit Jezebel sagte Tenderoni: „Ich denke, Maddy könnte eine andere Perspektive zeigen und einigen Zuschauern sogar ein anderes Konzept dessen vorstellen, was die Drag-Kultur wirklich ist: eine gemischte Tüte.“ Doch nur wenige bemerkten, dass Kerri Colby und Kornbread „The Snack“ Jeté ebenfalls gecastet wurden, was das erste Mal war, dass zwei farbige Transfrauen gleichzeitig gegeneinander antraten. Es fühlte sich an, als würde die Sensation von Maddys Casting diesen historischen Moment in den Schatten stellen. Darüber hinaus war Maddys Casting nur ein weiteres Beispiel dafür, wie die Show weiterhin bestimmte Gruppen von Drag-Darstellern ausschloss, während antiquierte Vorstellungen darüber, was Drag ist und wer es ausführen kann, verstärkt wurden.

In der Vergangenheit waren Queens Cisgender-Männer, die sich als Cisgender-Frauen verkleideten, und Drag Kings galten als Cisgender-Frauen, die sich als Cisgender-Männer verkleideten. Aber die alten Richtlinien, wer welche Art von Drag ausführen kann, sind aus dem Fenster gerissen, zusammen mit der Annahme, dass Geschlecht und Sexualität in einer strikten Zweiteilung existieren. Kein Wunder, dass sich viele dem Drag als kreatives Werkzeug des Selbstausdrucks und der Befreiung von den Grenzen des Lebens in einer heteronormativen Gesellschaft zuwenden.

„Die meisten Menschen, die Drag Kings sind, haben höchstwahrscheinlich Unterdrückung oder Frauenfeindlichkeit durch die Art von Charakteren erfahren, die sie darstellen“, überlegte Beau Jangles. „Also, entweder neigen sie dazu, sich in diese problematische Sache hineinzulehnen, oder sie zeigen, was gesunde Männlichkeit sein könnte – oder im Fall von nicht-binären und Trans-Drag-Kings, zeigen Sie Ihre eigene Männlichkeit und nehmen Sie sie an, nachdem die Gesellschaft Ihnen gesagt hat, dass Sie es können. Ich habe es nicht.“ Drag ist zu einem Lebensunterhalt, einem Beruf für eine ganze Reihe von LGBTQ+-Menschen geworden, und für einige ist es der einzige Ort, an dem sie das Gefühl haben, auftreten zu können.

Für Sigi Moonlight, einen in London ansässigen König und Mitglied des queeren, panasiatischen Kabarett-Kollektivs Bitten Peach , war Maddys Casting für Drag Race eine Ausrede, die „alles erfüllt, was die Leute für nötig halten , um eine heteronormative Gesellschaft zu verprügeln. “, sagte er Isebel per E-Mail – „Menschen“ meint die allgemeine Öffentlichkeit, die mit den gelebten Realitäten queerer Politik und Identitäten möglicherweise nicht vertraut ist. „Aber für diejenigen von uns, die tatsächlich die Menschen ausmachen, die die Show auf globaler Ebene zu repräsentieren versucht, macht es wirklich das Gegenteil davon, dies zu reflektieren.“

„Diese Casting-Wahl zeigt, wie sexistisch die Perspektive der Show wirklich ist“, sagte Hugo Grrrl , ein König, der kürzlich den neuseeländischen House of Drag gewonnen hat . „In ihren Augen sind Männer die Menschen, die am besten ziehen. Das ist verdammt problematisch.“ Louis CYfer betonte, dass Königinnen oft Anwälte für Könige wie ihn seien. „Es ist nur RuPaul. Ich glaube nur, dass er noch keinen gesehen hat, der ihm genug gefällt, um ehrlich zu sein.“

Diese schwelende Unzufriedenheit ist nicht aus dem Nichts aufgetaucht. Seit Jahren gibt es Kontroversen über die mangelnde Inklusivität von Drag Race . Im Jahr 2017 war Peppermint die erste Transfrau-Königin, die sich der Show anschloss. Im folgenden Jahr wurde RuPaul vom Guardian gefragt, wie eine Transfrau eine Königin sein könne. RuPaul stellte klar, dass Peppermint noch „wirklich umstellen“ musste, bevor sie an der Show teilnahm, und behauptete: „Sie können sich als Frau identifizieren und sagen, dass Sie umsteigen, aber es ändert sich, sobald Sie anfangen, Ihren Körper zu verändern. Es nimmt etwas anderes an; es verändert das gesamte Konzept dessen, was wir tun.“

Diese fehlgeleiteten Bemerkungen stießen auf heftige Gegenreaktionen , und RuPaul gab eine Entschuldigungserklärung ab. In den folgenden Jahren unternahm Drag Race deutliche Anstrengungen in Richtung Inklusion. Die erste Staffel von Drag Race UK besetzte Scaredy Kat, ihre erste offen bisexuelle Kandidatin. In der zweiten Staffel schlossen sich Bimini Bon Boulash und Ginny Lemon, beide nicht-binäre Darsteller, an, und in der dritten Staffel war Victoria Scone die erste Cisgender-Lesbe, die als Königin ins Rennen ging. In der letztjährigen Staffel in den USA war Gottmik zu sehen, der erste Transmann-Konkurrent der Show. Diese Präzedenzfälle sind unter anderem äußerst positiv.

Es bleiben jedoch weitere Fragen über die Show offen, und niemand könnte so tun, als würde sie eine echte Repräsentation ausstrahlen. Diese Realität zeigt sich in der Tatsache, dass nur Personen, die Weiblichkeit darstellen – Drag Queens – in das Rennen aufgenommen wurden. Mit anderen Worten, wo sind all die Drag Kings?

Seit fast 200 Jahren stellen Darsteller in den Vereinigten Staaten die uralte Meinung in Frage, dass Männer die besten Interpreten von Drag sind. Zu bestimmten Zeiten erlangten diese Künstler für ihre Arbeit Berühmtheit, ja sogar Berühmtheit. Aber die Launen einer patriarchalischen Gesellschaft – gegründet auf zerbrechlicher, leicht verletzter Männlichkeit – sind immer launisch. Immer wieder wurden diejenigen, die es ins Rampenlicht geschafft hatten, in den Schatten zurückgedrängt, wenn sie die Grenze von Neuheit zu einer legitimen Bedrohung für die Machthaber überschritten.

In Bezug auf das historische Archiv sind „Drag Kings“ relativ neu – Drag King History sagt, dass der Begriff erstmals 1972 in gedruckter Form erschien .„Männliche Imitation“ geht jedoch auf die 1870er Jahre in Amerika zurück, als es zu einem äußerst beliebten Theaterhandwerk wurde, das sowohl heterosexuelle als auch queere Frauen gleichermaßen anzog, da es auf der amerikanischen Varieté-Bühne Vielseitigkeit bieten konnte. Durch Identitätswechsel konnten sie die begrenzten Rollen aufgeben, die Schauspielerinnen zu dieser Zeit erlaubt waren; sie konnten komödiantisch sein und das Publikum bis ins hohe Alter unterhalten. Aber laut Jack Halberstam, Professor für Gender Studies und Englisch an der Columbia University, galt es in einer patriarchalischen Gesellschaft als „eine Art bedrohliche Leistung“, ein Drag King (oder in diesem Fall ein männlicher Imitator) zu sein. „Wenn Weiblichkeit eine abgewertete Ausdrucksform ist“, sagte er Isebel, „dann kann sich jeder daran beteiligen. Aber wenn Männlichkeit eine geschützte und privilegierte Ausdrucksform ist, dann wird es Einschränkungen geben, wer es tun darf.“

Eine Zeit lang machte die Karikatur der Spitze der Gesellschaftsordnung – wohlhabende weiße Männer der Oberschicht – männliche Imitatoren des 19. Jahrhunderts zu einem Hit unter Männern der Mittelschicht und der Arbeiterklasse, sagte Gillian Rodger, Autorin des meisterhaften Buches Just One of die Jungen: Cross-Dressing von Frau zu Mann auf der amerikanischen Variety-Bühne. Die Aufmerksamkeit, die den Koryphäen des Handwerks zuteil wurde, war riesig, und seine großen Stars – Persönlichkeiten wie Annie Hindle und Ella Wesner – machten lukrative Karrieren, indem sie in Zigarettenwerbung auftauchten und männliche Kleidung modellierten. Tausende junge Frauen kauften Plakate und schrieben liebevolle Briefe an sie.

Ihre Tage waren immer gezählt. „Die Männer und ihre Bereitschaft, Karikaturen von sich selbst zu sehen, haben die Popularität der Imitatoren bestimmt“, sagt Elyssa Goodman, Autorin des demnächst erscheinenden Buches Glitter and Concreteüber Drag-Geschichte in New York, erzählte Isebel. In Zeiten sozioökonomischer Spannungen zwischen der Unter- und Oberschicht, wie der Long Depression und der Prohibition, und in Momenten der künstlerischen Verbreitung, wie der Harlem Renaissance und dem Pansy Craze, war die männliche Personifizierung in Mode. Umgekehrt, als die Männlichkeit entweder bedroht war oder ein Trauma erlitten hatte – wie während des Frauenwahlrechts, der Weltwirtschaftskrise und der Zeit nach dem Ersten Weltkrieg – wuchs das Interesse des männlichen Publikums daran, sich darüber lustig zu machen. Durch solche patriarchalischen Beschränkungen gebunden, gerieten männliche Imitatoren in Ungnade. Der vernichtendste Schlag schien in den 1930er Jahren zu kommen, als Hollywood eine Liste der Selbstzensur veröffentlichte, die de facto Cross-Dressing beinhaltete. Im Rampenlicht konnte männliche Identität nicht mehr existieren – sei es auf der Bühne oder auf der Leinwand.

Das soll nicht heißen, dass die Tradition gestorben ist; Rodger wies darauf hin, dass dies zwar für weiße, amerikanische Theaterkünstler nicht mehr akzeptabel sei, aber viele, die als „anders“ oder „exotisch“ genug angesehen würden, in der Lage seien, auf die Regeln zu verzichten. Ausländer wie Greta Garbo und Marlene Dietrich etwa traten in Filmen im Dreiteiler auf. Aber es war die schwarze Gemeinschaft, die die Tradition der männlichen Identität im 20. Jahrhundert am besten bewahrt und neu interpretiert hat. In den Kabaretts von Harlem war das Publikum von den queeren und transsexuellen Darbietungen von Sängerinnen wie Gladys Bentley begeistert. Geprägt von der Harlem Renaissance und offen lesbisch, kleidete sich Bentley sowohl auf der Straße als auch auf der Bühne als Mann, trat vor schwarzem und weißem Publikum gleichermaßen auf und besuchte berühmte Veranstaltungsorte wie das Apollo und den Cotton Club. Sie war eine der bestbezahlten schwarzen Frauen ihrer Zeit. dennoch war sie nicht immun gegen die Zerbrechlichkeit gesellschaftlicher Erwartungen; Während der rachsüchtigen Jahre des McCarthyismus begann sie, Kleider zu tragen. 1939, dieJewel Box Review , Amerikas erstes rassistisch inklusives Wanderkabarett, ging mit 25 weiblichen Imitatoren und vor allem einem männlichen Imitator auf Tour: Stormé DeLarverie, der in den 50er und 60er Jahren als Moderator fungierte. Sie freundete sich mit Billie Holiday an, wurde von Diane Arbus fotografiert und – Gerüchten zufolge – warf sie den Schlag, der die Stonewall-Unruhen auslöste.

Der männliche Identitätswechsel fand auch in von der Mafia betriebenen Veranstaltungsorten ein unwahrscheinliches Zuhause. Mit dem Ende der Prohibition waren Speakeasys nicht mehr notwendig, aber das Ausschank von Alkohol an Homosexuelle blieb illegal, also begann der Mob, schwule und lesbische Nachtclubs zu betreiben. Es war ein solider, bilateraler Handel: Der Mob bekam sein Geld, und die Queers hatten ihre Räume, frei von Belästigungen. In Lesbenbars im West Village war es oft so, dass sowohl Kellner als auch Darsteller männliche Imitatoren waren. Blackie Dennis, oft mit Frank Sinatra verglichen, war damals sowohl ein beliebter Arbeitgeber als auch ein wichtiger Nachtclub-Headliner.

Laut Halberstam haben die dunklen Tage der Aids-Krise die modernen Könige geprägt. Als AIDS die Schwulengemeinschaft erfasste, zögerten viele schwule Männer, Clubs zu besuchen. „In San Francisco“, sagte Halberstam, „gab es eine Reihe hochkarätiger Schwulenclubs, in denen man vor der AIDS-Krise nicht einmal Frauen gesehen hat. Während der Krise war der Freitagabend den Frauen vorbehalten, denn das bedeutete die Krise. Männer gingen nicht aus.“ Bei diesen „Frauenabenden“ begannen Königinnen wie Herrin Formika, Frauen unter ihre Fittiche zu nehmen, um sie in der Kunst des Schleppens auszubilden. Gleichzeitig ging es bei der Drag-Queen-Performance um „Protest, Sichtbarkeit und Trotz“, sagte Goodman, genauso wie um „Menschen, die angesichts der Verwüstung einfach eine gute Zeit haben“. Der Moment, so argumentierte sie, „war ein Sirenenruf, man selbst zu sein und zu erschaffen, was man erschaffen wollte,

Die Königinnen gaben ihre Drag-Fähigkeiten sowie den Sirenenruf, man selbst zu sein, an die Könige weiter, die in gleicher Weise antworteten. Durch Kostüme, Make-up und Performance – die Einflüsse von Johnny Science und Diane Torr waren hier entscheidend – entstand die Drag-King-Generation der 90er Jahre. Bis zu diesem Zeitpunkt ging es beim Identitätswechsel darum, einen Mann genau darzustellen. Bei Kinging ging es darum, männliche Rollen zu interpretieren, zu definieren und herauszufordern, oft durch Karikaturen oder Übertreibungen. Mo B. Dick, ein Gründervater der modernen Drag-King-Bewegung, sagte bekanntlich: „Anstatt eine wütende Frau zu sein, wurde ich ein lustiger Mann.“

1995 eröffnete Mo B. Dick den Club Casanova in New York, die erste wöchentliche Varieté-Show, die Königen gewidmet war. Es wurde zu einer sofortigen Sensation; Halberstam erinnert an Fotografen und die New York TimesJournalisten, die Sonntagnacht um 2 Uhr morgens um die Plätze in der ersten Reihe drängen, wobei jeder Darsteller fest von seinem unmittelbaren Ruhm überzeugt ist. Doch trotz der großen Menschenmenge und des Erfolges des Clubs (wenn auch nur von kurzer Dauer; er hielt keine zwei Jahre an), sagte Halberstam: „Publikum will Camp … und heterosexuelles Publikum hat nicht die Sexiness queerer Männlichkeit bekommen.“ Sie hatten Mühe zu verstehen, was sie sahen. „[Sie] wollten am Ende die große Enthüllung – das Äquivalent zu einer Drag Queen, die ihre Perücke auszieht.“ Schon bald verlor das heterosexuelle Kontingent das Interesse an den Königen, und Journalisten machten sich auf die Suche nach der nächsten Partei, die abstürzte.

In den vergangenen Jahren ist Drag als Kunstform immer beliebter geworden. In diesem Zeitgeist sind die Könige wieder ins Rampenlicht gerückt. Auch die Medien, so kapriziös sie auch sein mögen, hofieren sie wieder: Im letzten Jahr bezeichneten der Guardian , sie und die New York Times sie als die heißeste neue Sache in Sachen Drag. Aber historisch gesehen haben wir ähnliche Momente gesehen, in denen sie (oder Iterationen davon) unglaublich erfolgreich wurden und Ruhm, Fans und Reichtum sammelten, bevor es aufhörte. Die Zwänge der westlichen patriarchalischen Gesellschaft sagten: „Okay, du hattest deinen Spaß daran, ein Mann zu sein, es ist Zeit, jetzt aufzuhören. Du bist zu weit gegangen." Und was das Patriarchat sagt, gilt. Die brennende Flamme des Drag Kinging wird niedergeschlagen.

RuPauls fortgesetzte Entlassung von ihnen dämpft diese Flamme erneut, genau dann, wenn es für Könige (und Dinge und Königinnen und jeden, der nicht in RuPauls Plastik-Süßigkeiten-Werbeform passt) lebenswichtig ist, um auf dieser weltweit anerkannten Bühne um Sichtbarkeit zu kämpfen. Diese Phase zu ergreifen, wäre Teil eines umfassenden Aktivismus gegen die Art von Kräften, die sie in der Vergangenheit unterdrückt haben. Es würde im weiteren Sinne verhindern, dass sich die Geschichte wiederholt.

Als Performer und Showrunner hat RuPaul Drag in einen Lebensunterhalt verwandelt, wobei die Praktizierenden ihr Spiel ständig auf fast olympisches Niveau an Innovation, Showmanier und Handwerk steigern. Es ist daher überraschend zu erfahren, dass Drag Queens als Mainstream-Unterhaltungsform – zumindest wie wir sie in den letzten 30 Jahren gesehen haben – ein relativ neues Phänomen sind.

Als RuPaul 1992 ihr ikonisches Musikvideo zu „Supermodel (You Better Work)“ veröffentlichte, war es für Queens dürftig, ihr erster großer Durchbruch. 1995 drehte der Designer hinter RuPauls Kostümen einen Levi's-Werbespot in Drag, den die amerikanischen Medien kollektiv nicht im Fernsehen ausstrahlen wollten. Obwohl beliebte Filme der 1990er wie To Wong Foo, The Birdcage und sogar Mrs. Doubtfire und der Dokumentarfilm Paris Is Burning Königinnen mit unterschiedlichem Maß an Sympathie und Integrität dargestellt hatten, galt dies immer noch als eine Praxis, die am Rande der Gesellschaft existierte. selbst innerhalb der queeren Community ernsthaft verpönt“, so Goodman. Plötzlich mit der Premiere von The RuPaul ShowAuf VH1 hatten die Amerikaner 1996 eine Drag Queen in ihrem Wohnzimmer, die Cher und Diana Ross interviewte. „Die Leute haben gesehen, dass es irgendwie möglich ist, mit Drag seinen Lebensunterhalt zu verdienen“, sagte Goodman, und Drag-Performer begannen aus dem Holzwerk zu kommen.

Dann kam Drag Race , das Anfang 2009 uraufgeführt wurde. Es war sofort eine Sensation und ermutigte eine neue Generation, ihre LGBTQ+-Identität anzunehmen und auszudrücken, viele von ihnen durch Drag. Der Rahmen, den es einsetzte, bestand jedoch im Wesentlichen aus Cisgender-Männern, die Weiblichkeit darstellen, und verzerrte die Wahrnehmung der Öffentlichkeit darüber, was Drag ist, und die Bandbreite der Geschlechter, Rassen und Ethnien, die es ausführen könnten. Einfach ausgedrückt, Männer führten Drag aus, und Drag = Drag Queens.

Aber in Großbritannien finden Sie Sigi Moonlight, einen Chamäleonkönig, der sich gekonnt in eine Reihe von Charakteren verwandeln kann: den Kung-Fu-Meister mit einem Fu Manchu, den Boxer aus den 1920er Jahren mit einem altmodischen Ganzanzug, den koreanischen Diktator und den Gangster , um ein paar zu nennen. In Amerika können die Menschen von Landon Cider , einem zeitgenössischen „Monster“-König und Maskenbildner, verblüfft sein, zu dessen verblüffenden Verwandlungen ein Außerirdischer mit schillernden Augen in der Größe von Kiwis, ein Gremlin mit gelben Reißzähnen und ein blutiger weißer Hase gehören. In einem Interview mit der New York Times im Jahr 2021 kündigte Mo B. Dick diese neue Generation an: „Ich freue mich, wie außergewöhnlich diese Kinder heute sind“, sagte er. „Jetzt gibt es mehr Kunstfertigkeit und mehr Make-up. Ein König zu sein ist „draggy“. Die Showmanier sind phänomenal.“ Alle können sehenDie zu starke Vereinfachung von Drag Race entspricht nicht der wahren Qualität der heutigen Könige da draußen.

Jeder kann ein Drag King, eine Queen oder ein Ding sein (ja, es gibt Drag Things; Aliens, Fabelwesen, was auch immer). Das Ergebnis davon ist ein glorreiches Durcheinander – eine Kakophonie von Performance-Stilen, die sich in verschiedenen Gruppen manifestieren, die an einem Handwerk teilnehmen, das für Meinungsfreiheit, individuelle Kreativität und wechselnde Identitäten einsteht. Wenn Drag Race und andere Wettbewerbe sie ausschließen, scheint die Implikation nicht nur zu sein, dass ihre Interpretationen von Drag ungültig sind, sondern auch ihre LGBTQ+-Identität. Schließlich war Dragging historisch gesehen ein sicherer, queerer Raum, um das Selbst auszudrücken.

Große Drag-Wettbewerbe vollziehen bereits den Übergang zu einer breiteren Inklusivität. 2018 gewann Hugo Grrrl House of Drag . 2019 gewann Landon Cider Dragula und wurde zum „World's Next Drag Supermonster“ gekrönt. Prinx CHIYO , ein Afro-Latinx Drag King, war die erste Transperson, die in der Mr. Gay World antrat. Prinx Silver eroberte 2019 die Szene im Sturm, nachdem er Silber beim Gold Rush und den zweiten Platz bei den Man Up-Wettbewerben gewonnen hatte. Im Jahr 2021 begrüßten die Drag Queen-Superstars Alaska und Lola LeCroix Könige in Alaskas Drag Queen of the Year. „Lola und ich wollten diesen Festzug ursprünglich als Experiment durchführen“, sagte Alaska gegenüber Entertainment Weekly. „Was würde passieren, wenn wir einen Wettbewerb veranstalten würden, der alle Arten von Drag-Performern willkommen heißt, unabhängig von ihrer Geschlechtsidentität, Anatomie oder Geschichte – alle auf derselben Bühne?“ Letztes Jahr nahm Tenderoni den Preis mit nach Hause. Und in Hulu's Life and Beth, HBO's Somebody Somewhere und Fox' Welcome to Flatch werden Sie feststellen, dass Murray Hill TV-Geschichte des Drag Kings schreibt.

In einem kürzlich erschienenen Artikel für Metro sagte die Promi-Queen von Drag Race UK Bimini Bon Boulash: „Da müssen Könige dabei sein.“ Doch viele – Gelehrte, Zuschauer, Drag-Performer – äußern Skepsis gegenüber der Notwendigkeit, sich überhaupt mit RuPaul zu beschäftigen. Wenn andere Wettbewerbe sie willkommen heißen, lautet das Argument, warum brauchen sie Drag Race ? Schließlich ist es nur eine einzige Sendung. „Getrennt, aber gleich funktioniert nicht“, sagte Beau Jangles. Für ihn ist es eine Frage der Ressourcen und des Platzes: „[Sie] werden uns nicht so zugeteilt wie bei Shows wie Drag Race . Wir starten nicht mit einer gleichberechtigten Plattform.“

Daran ist eine tiefe Wahrheit, nicht zuletzt, weil die Show einen enormen wirtschaftlichen Einfluss auf die Drag-Industrie hat. „Sie positioniert sich als Torwächterin des Drag“, sagte Beau Jangles über RuPaul. „Das A und O! Was sie sagt, ist, Drag goes.“ Den Königen die gleiche Plattform zu verweigern, habe einen echten „Trickle-Down“-Effekt, der lokale Szenen und Möglichkeiten für Drag Kings beeinträchtigt, argumentierte er. „Auf regionaler und lokaler Ebene schauen Buchungsagenten darauf, was Drag Race als Beispiel dafür auswählt, wen sie für ihre Auftritte auswählen. Wenn ein Drag-Performer aus der Minderheit aus der Show ausgeschlossen wird, haben sie Schwierigkeiten, engagiert zu werden. Sie sind in der Tat ein weniger wertvolles Gut.“

Sie könnten auch fragen: Wenn Drag Race um die Pantomime von Frauen herum organisiert ist, wie könnte die Show neu ausgerichtet werden, um eine Pantomime von Männern einzuschließen? Das Layout der Festspiele würde laut Hugo Grrrl „genau gleich“ aussehen! „Wir machen im Grunde die gleiche Kunstform. Es müsste keine Änderung am Format von Shows wie dieser vorgenommen werden, damit Drag Kings problemlos aufgenommen werden können, vielleicht nur eine längst überfällige Aktualisierung der häufig verwendeten geschlechtsspezifischen Sprache. Tenderoni möchte „mehr kreative Herausforderungen“ wie Nähen, Malen und Tanzen zu Drag Race hinzufügen, damit Könige und Königinnen gegeneinander antreten können. „Dies würde [der Welt] viel von der harten Arbeit zeigen, die es hinter den Kulissen braucht, um Drag zu machen.“

In der Tat harte Arbeit – und harte Arbeit, die in diesem Land mindestens in den letzten zwei Jahrhunderten von Imitatoren und Königen geleistet wurde, ob in Gunst oder Ungnade. In der Vergangenheit waren es heterosexuelle Cisgender-Männer, die, nachdem sie das Interesse daran verloren hatten, ihre Männlichkeit parodiert zu sehen, Imitatoren die Türen versperrten. Man mag sich fragen, wer heute das Gatekeeping und das Sperren durchführt. Studioleiter? Ein heterosexuelles Publikum, das Königinnen bevorzugt? Oder ist es ein Teil der cisgender, schwulen männlichen Bevölkerung, die Drag Kinging nicht als wertvolles Handwerk akzeptieren kann?

Wie Goodman es ausdrückte: „Eine Person in Frauenkleidern ist immer Punkrock, ein Fick dich zur Frauenfeindlichkeit.“ In der Tat ist der Prunk von Drag Kings, Drag Things, Drag Monsters, Enby, Afab und behinderten Darstellern eine Ausstellung ihrer lebendigen Präsenz in unserer zeitgenössischen, patriarchalischen Landschaft, in der, seien wir ehrlich, Männlichkeit eine Parodie gebrauchen könnte. Wenn RuPaul ein breiteres Spektrum an Darstellern in ihrer Show willkommen heißen würde – und damit die Türen des Mainstreams öffnen würde – wäre dies ein Akt des Trotzes angesichts von Frauenfeinden, Transphoben und staatlichen Gesetzgebern, die uns letztendlich alle wieder im Schrank haben wollen . Es wäre eine brillante Erinnerung an das alte Sprichwort, dass Einheit Stärke ist.

Amanda Chemeche ist eine queere Autorin und Folkmusikerin, die zwischen Edinburgh und NYC lebt. Als Alumni des Yale und des Trinity College Dublin arbeiten sie derzeit an ihrem ersten Buch und absolvieren einen MFA in Creative Writing an der Columbia University.