Las 25 mejores películas de 2024 (hasta ahora)

Ahora que los festivales de cine se han calmado y los éxitos de taquilla han comenzado a proyectarse en serio, es hora de recordar las películas del año hasta el momento, ya sea para apreciar lo que ya hemos olvidado de nuestras visiones de principios de invierno o para apuntalar Completa nuestras listas de seguimiento con gemas que nos pasaron por alto. Hasta ahora, las mejores películas de 2024 se han acercado sigilosamente a nosotros, colándose en los streamers y dominando silenciosamente las conversaciones sobre sus géneros, o su llegada ha sido anunciada durante tanto tiempo (mientras terminan su circuito de giras o obtienen premio tras premio en Cannes o SXSW). ) que corren el riesgo de decepcionarnos una vez que finalmente podamos comparar las exageraciones con la realidad.

Pero ya sea que las películas fueran franquicias masivas de ciencia ficción  o simplemente las fantasías deportivas cachondas del tipo "vendedor de pociones" , una cosa era segura: estaban protagonizadas por Zendaya. Pero incluso sin ella, algunas películas se las arreglaron solas. Ryusuke Hamaguchi y George Miller no decepcionaron en sus seguimientos de su trabajo cumbre, operando a niveles de volumen completamente diferentes. Jane Schoenbrun y Minhal Baig dieron saltos entre sus indies y encontraron formas aún más exuberantes de aprovechar los temas y la estética que los fascinan. Ryan Gosling le gritó a Taylor Swift. El Joker, trans y amándolo, bajó unas escaleras bailando kick y, por primera vez, fue bueno. Las películas de terror y acción agregaron nuevos sabores, al tiempo que remezclaban viejos favoritos como una de esas elegantes máquinas de refrescos con pantalla táctil. Y, sobre todo, tipos con trajes de castor perpetraban violencia entre sí.

Es posible que los viejos villanos del cine todavía estén aquí en 2024, ya sea que eso signifique una censura autoimpuesta o (increíblemente) un monopolio integrado verticalmente, pero también lo están todas las razones por las que seguimos aferrándonos a esta forma de arte. Incluso cuando las mejores películas del año se han escondido dentro del caparazón comercializable del espectáculo IP, en su núcleo existen todas las cosas que esperamos que nuestros cineastas, nuestros músicos, nuestros comediantes y nuestros escritores puedan introducir de contrabando en las producciones que pagan las cuentas. Estas películas juegan con la forma ( In A Violent Nature , The People's Joker ), nuestras expectativas en torno a nuestros cuerpos ( Thelma , I Saw The TV Glow ) y nuestra comprensión de qué tipos de ilusiones son posibles a través de las luces, la cámara y la acción ( The Fall Guy , Furiosa, Cientos de castores ). Si los enemigos de las películas vuelven a lo básico, todo lo mejor de las películas estará ahí para enfrentarlos.

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La bestia

Un drama humano con un concepto de ciencia ficción para andamios, inspirado en uno de los cuentos más inquietantes de Henry James, La Bestia de Bertrand Bonello toma su sentido de urgencia, lo combina con dos increíbles actuaciones centrales y ofrece una de las experiencias más impactantes. Es probable que tengas en el cine este año... incluso si te lleva un tiempo desenredar lo que acabas de ver. En 2044, gran parte de la fuerza laboral humana ha sido reemplazada por inteligencia artificial, que se considera más segura y menos emocional que el pensamiento humano defectuoso que creó catástrofes globales anteriores. En esta versión futura de París, Gabrielle (Léa Seydoux) está desesperada por encontrar un propósito. Ansiosa por demostrar su valía, acepta someterse a un procedimiento que supuestamente la limpiará de cualquier inestabilidad emocional al volver a sus vidas pasadas, con la idea de que confrontar y eventualmente eliminar cualquier trauma persistente en su código genético la hará no sólo más calificada para un trabajo, pero más satisfecho y dócil. A lo largo de todo, ella interactúa con tres versiones diferentes de Louis (George MacKay), quien a veces es un amante, a veces un amigo y a veces una fuerza letal. Hay una manifiesta desolación en este futuro imaginado, que se contrarresta con los tonos vibrantes que la cámara de Bonello evoca en los exuberantes rojos y verdes del París de principios de siglo y el fresco azul del agua de la piscina de Los Ángeles de 2014. Seydoux y MacKay hacen un trabajo tremendo y poderoso, exprimiendo cada gramo de sentimiento incluso en las secuencias más lentas. Mientras se abre paso cuidadosa y metódicamente a través de tres eras diferentes de la experiencia humana, La Bestia te clava sus garras y luego te pide que contemples las heridas que deja. [Matthew Jackson]

Retadores

Challengers , que aparentemente trata sobre tres tenistas, en realidad trata sobre tres personajes que juegan al amor como en un partido de tenis, para salir adelante y cosechar las recompensas que desean. El marco de la película es un importante encuentro en las carreras de Patrick (Josh O'Connor) y Art (Mike Faist), rivales y ex mejores amigos. Entre ellos está Tashi (Zendaya), exnovia de uno y actual esposa y entrenadora del otro. Luca Guadagnino siempre ha estado en sintonía con capturar las ardientes corrientes emocionales subyacentes de las relaciones, como lo demostró en películas como Soy el amor y Llámame por tu nombre . Para muchos de sus personajes, el deseo es su razón de ser y el motor de su arco narrativo. En el guión de Justin Kuritzkes, el deseo es un arma utilizada con audacia y, a veces, de forma manipuladora, por los tres protagonistas. La cámara de Sayombhu Mukdeeprom observa con los ojos los cuerpos de los actores, capturando cada destello de luz en sus ojos, cada labio tembloroso y cada frente sudorosa. Todo esto lo convierte en una película llena de calor sexual, algo que no se ve mucho en el cine estadounidense contemporáneo. Para los partidos de tenis, Guadagnino tiene algunos trucos bajo la manga. Primero está la música fuerte y estridente de Trent Reznor y Atticus Ross. Luego, la desaceleración de muchas escenas hasta casi detenerlas para mostrar cada matiz de movimiento en los rostros de los actores ignorando las pequeñas bolas amarillas poco interesantes. Challengers triunfa gracias a personajes complicados, interpretados por actores en camino de convertirse en brillantes estrellas de la pantalla. [Murtada Elfadl]

Duna: Segunda parte

Dune: Part Two continúa exactamente donde lo dejó su predecesor, luego logra tener el mismo ritmo, apariencia y sensación que la primera, para bien o para mal, ya que ninguna película puede ser independiente. Deberían tomarse en conjunto como una larga adaptación de cinco horas de la novela de Frank Herbert. Es una polémica sobre cómo los poderosos religiosos manipulan los sistemas de creencias de las personas para ganar poder, algo más de lo que el público suele ver en una superproducción de Hollywood. La historia sigue el ascenso de Paul Atreides (Timothée Chalamet) para liderar a la gente del polvoriento planeta desértico Arrakis contra las fuerzas del mal. Es bastante sencillo y tiene todo lo que se espera de una película de este tipo: un interés amoroso necesario, un enemigo violento y la comprensión y aceptación de su poder por parte del héroe. Pero son esos temas religiosos los que lo convierten en algo más que un simple espectáculo. Y también marca esa casilla: todo es un poco más lujoso y llamativo. Las batallas son más grandes, las tormentas de arena más violentas. Dune: Part Two es un viaje emocionante que merece totalmente su tiempo de ejecución de dos horas y media. [Murtada Elfadl]

El mal no existe

El mal no existe se toma su tiempo. Al principio hay una música inquietante en la banda sonora mientras la cámara se mueve a través de la naturaleza y la vegetación. Entonces aparece un personaje de la nada, sorprendiendo al público. Pasa casi media hora antes de que un personaje siquiera hable. En esa dicotomía de paciencia y alarma reside la genialidad de la continuación de Ryusuke Hamaguchi de la ganadora del Oscar Drive My Car . Es una fábula, como un simple juego del bien contra el mal, que se desarrolla con tal densidad narrativa que deja sin aliento. La escasa narración de Hamaguchi comienza con la construcción de una sensación de espacio. Se presenta al público la aldea montañosa rural de Mizubiki. La cámara se acerca al terreno, los manantiales de agua, los árboles altos, antes de revelar cualquier personaje. Cuando una agencia de marketing llega a la ciudad y revela sus planes para construir un glamping, un personaje ocupa un lugar central: Takumi (Hitoshi Omika), un experto en todos los oficios que parece saber más sobre la ciudad. Rápidamente la gente de la agencia (Ryuji Kosaka y Ayaka Shibutani) empiezan a verlo como alguien que podría ayudarles a convencer a la gente del pueblo de sus planes. Pero primero es necesario engatusar y persuadir a Takumi. Así comienza el juego; Se identifican los jugadores y se revela lo que está en juego. [Murtada Elfadl]

El chivo expiatorio

Por encima de todo, The Fall Guy complace al público. Adaptada por Drew Pearce ( Hotel Artemis ) de la serie de televisión del mismo nombre creada por Glen A. Larson, la película de David Leitch es una gran y hábil excusa para reunir en el mismo cuadro a actores que son auténticas bombas de encanto. Los rodea con explosiones y persecuciones de autos, pasando un buen rato mientras la música de KISS y The Darkness suena de fondo. El “chivo expiatorio” es Colt Seavers (Ryan Gosling), un especialista veterano que tiene un trabajo que le gusta y una novia, la operadora de cámara Jody (Emily Blunt), que le gusta aún más. Todo parece ir bien para Colt hasta que el actor al que dobla, el ególatra Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson), le exige que realice una enorme caída una vez más. Las cosas van mal, y así, Colt queda fuera del juego de acrobacias con una lesión en la espalda y una herida aún más dolorosa en su orgullo. Leitch comenzó su carrera trabajando en especialistas y aplica todos sus poderes en esta película, brindándonos de todo, desde una oda al Miami Vice hasta una inesperada escena de pelea con un camión de basura y, sí, muchas odas en pantalla a los equipos de especialistas que hacen el Trabaja en sets de filmación alrededor del mundo. Incluso con la acción y las acrobacias funcionando a toda velocidad, lo que realmente hace que The Fall Guy funcione es la asociación entre Gosling y Blunt. Él vuelve a interpretar al héroe derrotado en busca de redención, como lo hizo tan bien en películas como The Nice Guys , mientras que ella interpreta a la mujer ambiciosa que equilibra su carrera con los deseos de su corazón. Son dos horas de estrellas de cine siendo máquinas de encanto absoluto y, a veces, eso es todo lo que realmente necesitas. [Matthew Jackson]

Otra cara

No es necesario tener cierta edad para apreciar todo lo que Chris Wilcha se propone hacer en su nuevo documental Flipside, pero ciertamente ayuda. La forma en que este proyecto habla de la experiencia de la Generación X, especialmente si alguna vez te has considerado un artista, es tan específica que casi se siente como un ataque. Para ser claros, eso es un cumplido. Incluso el título de la película, que comparte con la tienda de discos antiguos de Nueva Jersey que aparece en ella, evoca ese momento de la vida en el que te das cuenta de que hay más detrás de ti que delante. No es que el mensaje de la película sea opaco para cualquiera fuera de la generación de Wilcha (también trata conceptos universalmente identificables como el arrepentimiento y el deseo de dejar una huella en el mundo), es solo que el viaje del director para reconciliar al niño idealista y ambicioso que Lo que alguna vez estuvo con el hombre de 50 y tantos en el que se ha convertido resonará más profundamente en aquellos que también están en condiciones de hacer un balance de sus propias vidas. Flipside es el intento de Wilcha de cerrar el círculo del trabajo de su vida, un regreso a la autorreflexión personal de The Target Shoots First , con la distancia y la retrospectiva que le brindarán 25 años de experiencias de vida. No es tan mirándose el ombligo como parece. Para ampliar su punto de vista, Wilcha incorpora imágenes de sus documentales abandonados e incluso regresa a algunos de sus temas anteriores en busca de algún tipo de cierre. Wilcha reconoce que su idealismo ha sido reemplazado por realismo y su ambición por complacencia. Él mira fijamente a su yo más joven y resiste la tentación de estremecerse. [Cindy Blanco]

Furiosa: Una saga de Mad Max

Furiosa: A Mad Max Saga officially enters my tightly regulated library of highly regarded prequels because George Miller is entirely interested in building up an inner life and history for Furiosa that can exist without Fury Road and still be a damn fine movie. And then Miller executes the pinnacle prequel trick of turning the relationships, connections, and losses collected in Furiosa into subtext that makes the already sublime Fury Road even better. Furiosa’s story is told in five chapters, opening when we meet her as a child (Alyla Browne) living within the hidden, idyllic community of the Green Place of Many Mothers, then through 15 years of her life, ending in her mid-twenties when she’s become the Imperator Furiosa (Anya Taylor-Joy) within a much younger Immortan Joe’s (Lachy Hulme) Citadel. And Furiosa is still an experience. It swallows you up like the sand and holds you tight until the very end. Cinematographer Simon Duggan (The Great Gatsby) doesn’t miss a step when taking the visual baton from Fury Road’s cinematographer John Seale. Furiosa overwhelms the senses, especially in IMAX, as Duggan and Miller immerse you within the vehicles as they rumble over the dunes, or pound the strips of road that connect the Citadel to The Bullet Farm and Gastown. Almost every piece of Furiosa comes across visceral and real, which reminds you how special it is to get this kind of experience at the movies every once in a while. [Tara Bennett]

Ghostlight

Co-directed by Alex Thompson and screenwriter Kelly O’Sullivan, Ghostlight counts among its stars a real-life married couple and their daughter, feeding its sense of authenticity. The result is a small, bespoke gem about finding constructive channels for deep and uncomfortable feelings. In an Illinois suburb, construction worker Dan (Keith Kupferer) is gripped by an emotional constipation that’s left him increasingly adrift from his wife Sharon (Tara Mallen) and their teenage daughter Daisy (Katherine Mallen Kupferer), who’s facing a threat of school expulsion for her latest incident of rebellious acting out. When Dan snaps at work, this fleeting moment of public rage catches the attention of actress Rita (Dolly De Leon). Sensing something, Rita pulls Dan into a table read and pitches him on joining her barebones community theater production of Romeo & Juliet, despite his unfamiliarity with the source text. Dan is outright dismissive at first, then skeptical, but he finds himself drawn back to the group’s rehearsals—a development which he keeps secret from his wife and daughter. As the movie unspools, the unspecified trauma hanging over the family—and the complicated, sometimes at-odds feelings the three of them have—comes into sharper focus. This family drama and healing then plays out against the backdrop of several twists and turns leading up to the play’s opening night. O’Sullivan and Thompson capably oversee a modest and straightforward technical package that yields unfussy charms. The film’s sharp eye for character detail and naturalistic blend of low-key humor and pathos, nicely captured in wide frames by cinematographer Luke Dyra, overcome its slightly heightened emotional pitch and innate eagerness to please. At its most basic, Ghostlight is a film about grief and the utility of community in processing it, and if that seems obvious, it’s still fairly piercing as rendered here. [Brent Simon]

Green Border

Green Border, the latest from master Polish filmmaker Agnieszka Holland , is nothing short of a call to direct action. The film provides a nuanced, if at times frankly brutal, account of the treacherous conditions migrants face on the Polish-Belarusian border, which are either exacerbated or assuaged by opposing military and activist forces. This particular frontier is dubbed the “green border” due to the thick, swampy forest that separates the two countries. Duped by a fraudulent campaign orchestrated by Belarus dictator Alexander Lukashenko, migrants from Africa and the Middle East travel to the Eastern European country (and noted Russian ally) after being reassured that they will find swift and safe passage to Poland, thus able to apply for asylum in the European Union. When they do cross over, however, Polish border patrol simply rounds the refugees back up and dumps them over barbed wire back into Belarus, where they are abused, robbed, and berated before being violently pushed back into Poland. Holland approaches the material with indignant rage and the irrefutable facts to back it up. Dialogue directly states the mounting migrant death toll in Europe and its characters were shaped through hours of pre-production interviews with refugees, activists, Polish borderland residents, and anonymous border patrol officers. By presenting the film in sumptuous black and white (expertly lensed by frequent collaborator Tomasz Naumiuk), Green Border feels timeless in its approach, again emphasizing past and ongoing violence against those deemed societal “threats.” The treatment of African and Middle Eastern refugees, of European Jews, of Palestinian civilians, are all connected by state-sanctioned sadism and those who blindly obey reductive propaganda. What’s most marvelous about Green Border—aside from its resounding commitment to humanization, buttressed by a thrilling and harrowing narrative—is that it doesn’t let anyone off the hook. [Natalia Keogan]

How To Have Sex

El primer largometraje de la escritora y directora Molly Manning Walker, How To Have Sex, sigue la tradición de muchas comedias sexuales para adolescentes. La diferencia es que Cómo tener sexo es valiente, realista y trata temas serios sobre el sexo y el consentimiento. La premisa suena familiar: tres amigos británicos pasan unas vacaciones de verano en Grecia durante el último año de secundaria. Skye (Lara Peake) y Em (Enva Lewis) tienen un poco más de experiencia que Tara (Mia McKenna-Bruce), quien espera perder su virginidad en este viaje. El cineasta está en sintonía con la forma en que los amigos adolescentes se comportan entre sí. La dulce forma en que se cuidan y demuestran su amor mutuo. Los pequeños agravios y las animosidades inexplicables que a veces impulsan la forma en que reaccionan entre sí. La camaradería y la superación. El abandono que sienten cuando no hay adultos presentes. La exaltación que viene con el alcohol. Además de eso, Manning Walker se encuentra a ambos lados de esa delgada línea cuando el consentimiento se convierte en disenso y el deseo en repulsión. Su cámara explora con sensibilidad los rostros de los actores y su entorno para contar la historia que los personajes no pueden verbalizar. Con reminiscencias de una joven Kate Winslet, con la misma cálida presencia en la pantalla y la misma valentía emocional, McKenna-Bruce presenta la película con una interpretación soberbia. Manning Walker se centra en el punto de vista de Tara, para que el público sienta lo que ella siente en todo momento. Y la mayor parte del tiempo Tara no está segura, y eso es lo que hace que su historia sea fascinante y esta película fascinante. [Murtada Elfadl]

Cientos de castores

Un trampero improvisado, Jean Kayak (coguionista y protagonista Ryland Brickson Cole Tews), recién descongelado y solo en la tundra, se ha visto empujado atrás en el tiempo, a una era en la que cada acción tiene una reacción cómica, a una época en la que Podríamos cortar el extremo de una tabla y luego quedarnos ahí en el aire, la gravedad nos daría el período de gracia para reírnos a carcajadas antes de pasar factura. La comedia en blanco y negro, sin diálogos, Hundreds of Beavers está compuesta de partes tan dispares como The Legend of Zelda , The Gold Rush de Charlie Chaplin , JibJabs, la animación de Terry Gilliam, Guy Maddin y Jackass . Acme tiene su nombre entre trucos tipo Méliès y títeres de los Muppety, mientras que su estética pasa de pintar una violencia amplia sobre un lienzo escaso y nevado a recorrer las entrañas sombrías de una elaborada fortaleza expresionista alemana. Es estúpido, es sublime. La primera vez que uno de los bichos disfrazados de mascota coma mierda en el paisaje helado, te reirás. Y no pararás hasta que lleguen los créditos. Una de las mejores comedias de los últimos años, Hundreds of Beavers en realidad podría contener más chiste que castores. Al reconocer y recuperar los métodos utilizados durante los primeros días del cine, la escandalosa escalada de la clásica dinámica cazador-cazado del cineasta Mike Cheslik se convierte en una milagrosa celebración casera de verdades duraderas y universales sobre cómo nos hacemos reír unos a otros. [Jacob Oller]

Vi el brillo de la televisión

With their previous feature, the excellent We’re All Going To The World’s Fair , writer-director Jane Schoenbrun charted that kind of obsession in the form of an obscure internet game with potentially dangerous consequences. This time, Schoenbrun gets more personal, and more primally haunting. I Saw The TV Glow is a remarkable portrait of pop-culture obsession—how it can unite us, change us, and ripple down through our entire lives in ways both uplifting and unsettling. The particular pop-culture obsession dominating I Saw The TV Glow is The Pink Opaque, a supernatural teen drama that airs late on Saturday nights. It follows two best friends united across a long distance by a psychic connection, which helps them battle all manner of monsters. Owen (played by Ian Foreman as a pre-teen and Justice Smith as a high-schooler) is a lonely kid who’s caught glimpses of the show while channel surfing, and is intrigued enough to approach superfan Maddy (Brigette Lundy-Paine) about The Pink Opaque’s true nature. The film’s visuals conjure the sense that we’re watching two people adrift in a sea of boring, faded reality, sailing this way and that in search of the connective tissue that will lend meaning to their lives. Of course, the real meat of I Saw The TV Glow comes as Schoenbrun dials into the transformative nature of their characters’ obsession, which might bring about a metamorphosis or might just be triggering dangerous, numbing dissociative episodes. If you’re willing to lean into the film, and follow Schoenbrun’s tone-poem instincts, you’ll find something magical. They’ve charted a narrative that’s simultaneously a tale of a piece of media changing someone’s life and a tale of someone taking the long way ’round to who they really are. [Matthew Jackson]

The Idea Of You

Starring one of the best actresses of her generation delivering one of her finest performances, and filled with a sincere sense of passion that will have eager audiences humming in their seats, The Idea Of You is one of the best romantic comedies we’ve seen in quite a while. The Idea Of You follows Solène (Anne Hathaway), a single mom who’s poured all of her energy into raising a teenage daughter (Ella Rubin) and running a trendy art gallery in L.A.’s Silver Lake neighborhood. But Solène also isn’t shy about admitting that she’s searching for something more, some sense of fulfillment that she hopes to find on a solo camping trip she’s planning. That is, until her frustrating ex-husband (Reid Scott) bails on taking their daughter and her friends to Coachella to see August Moon, a One Direction-esque boy band that she loved in junior high. Solène finds herself face to face with Hayes Campbell (Nicholas Galitzine), August Moon’s handsome and charming lead singer, who’s taken by her self-assuredness and her initial failure to recognize him. It’s a nice meet-cute, one that Solène shrugs off, at least until Hayes shows up at her gallery in an effort to get her know her, setting off a whirlwind romance that will take the 40-year-old single mom around the world with the 24-year-old pop star. Hathaway relaxes into a very human, very vulnerable role, sitting right in the key emotional pockets of the story, and simmering with a mixture of longing, doubt, and joy. That Galitzine is able to share the screen with her without getting completely blown out of focus is an achievement, but then he goes further, matching her emotional rhythms for some great work of his own. All that, plus some very catch boy-band tunes, a breezy comedic tone, and a third act that keeps even seasoned rom-com fans guessing at least a little bit, means that The Idea Of You is a very welcome new piece to the rom-com canon. [Matthew Jackson]

In A Violent Nature

Chris Nash’s feature film debut, In A Violent Nature, immediately involves the audience in the shifting mire of the slasher’s ecosystem, with its protagonist Johnny (Ry Barrett) crawling out from a layer of silt and dead leaves after a fairly innocuous conversation between disembodied voices. It’s like the woods themselves are possessed, blurring the line between setting and characters–all of which is characteristic of Nash’s unusual filmmaking. Background bleeds into foreground, action into inaction, violence into natural serenity. With such an unhurried outlook—one that remains unfailingly locked into the villain’s perspective—there is the potential for it to feel like a video game gimmick, but Nash teases out the cinematic value of this methodical vantagepoint. Any sense of being tricked is sidestepped by the director’s tight control of tone and space. Shots are painstakingly composed with long single takes, absorbing the sound of creaking boughs and snapping twigs with no interfering music, letting the patient spanning of the world around substitute the score. Through the escalating violence—culminating in one of the goriest kills ever preserved in film (you’ll know it when you see it)—Nash appeals to the purely physical sensation of witnessing death, employing a visceral, bodily empathy. With In A Violent Nature, Nash crafts something entirely new; composed, near and real. But the film’s sense of tone and timing prove that he also intimately understands why audiences were always invested in these marathons of blood, gore, and guts. [Anna McKibbin]

Infested

In Sébastien Vanicek’s Infested, a lone exotic spider makes its way into a French apartment building where an enterprising young man (Théo Christine) and his family and friends are trying to build a better life. Over the course of the following days, that lone spider becomes an army of deadly, relentless, constantly multiplying arachnids in a film that gives spider horror classic Arachnophobia a run for its money. What starts as a satisfyingly creepy creature feature eventually morphs into a survival horror clash for the ages, culminating in some truly jaw-dropping, brutal moments of eight-legged fury. [Matthew Jackson]

Janet Planet

Set in Western Massachusetts during the hazy summer of 1991, Janet Planet, the cinematic debut from Pulitzer-winning playwright Annie Baker, exquisitely captures the texture of this time and place through an adolescent gaze. While Baker’s plays involve extended scenes in enclosed spaces, her foray into filmmaking is formally assured, implementing her long-held interest in sharp yet meandering dialogue alongside lush 16mm imagery. Some might find her style to be narratively insipid, but fans of her broader oeuvre will find familiar comfort—and broadened fascination—in the quiet minutiae she transmits to celluloid. After calling home with deadpan threats of suicide, 11-year-old Lacy (impressive newcomer Zoe Ziegler) adequately convinces her mother, Janet (Julianne Nicholson), to pick her up from what was supposed to be an extended sleepaway camp. Only then does Lacy realize that returning home may not have been the wisest decision, as she’ll need to share space with her mother’s current boyfriend, Wayne (Will Patton). While the relationship between Lacy and her mother is peppered with textbook signs of codependency, Janet is all too eager to share her time with a revolving door of lovers, friends, and spiritual counsel, much to her daughter’s ill-concealed frustration. Janet Planet hones in on would-be mundanity, from Lacy’s solitary walk to and from dreadful piano lessons to Avi’s long-winded spiritual ramblings. Yet Baker is also attuned to how routine environments can become heightened by a child’s rosy perspective—a mall becomes an elaborate playground, a new shampoo at showertime a titillating experiment—compounded here by the magic of summer smog. Few artists can so seamlessly transcend artistic labels, but Annie Baker has proven that she possesses the natural knack for quiet storytelling across mediums. [Natalia Keogan]

Kinds Of Kindness

There was a subversive thrill to the original title of Yorgos Lanthimos’ new anthology movie, the “triptych fable” Kinds Of Kindness. Calling a movie “And” would have broken pretty much every commonsense SEO and marketing rule; the very idea of it felt like a cheeky two-fingers up to studio execs and search engines everywhere (even if it would have posed a bit of a nightmare for anyone trying to find showtimes). But watching Kinds Of Kindness—which sees Lanthimos reunite with Efthymis Filippou, his writing partner on nearly everything besides The Favourite and Poor Things —the wisdom of its retitling becomes clear, and the rebellious appeal of the original name is quickly forgotten. If you’ve ever seen a Lanthimos film, you’ll recognize an obvious ironic undertone to this new title, as compassion and selflessness are routinely absent from his sterile worlds. But more than Lanthimos and Filippou’s other collaborations, Kinds Of Kindness is also an intensely icy immersion into the duo’s psychological dystopias—where identities are surreally warped and emotion disconcertingly cold—and so the title’s emphasis on human connection feels perfectly fitting. Kinds Of Kindness’ three chapters are most obviously linked by their titles: “The Death of RMF,” “RMF is Flying,” and “RMF Eats A Sandwich,” which all reference a silent and otherwise anonymous man who is closer to being a plot axle than an actual character. Each episode also shares a tight troupe of actors: Jesse Plemons, Emma Stone, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Hong Chau, Mamoudou Athie, and Joe Alwyn (with Hunter Schafer appearing only in the concluding chapter). But at their core, what most unites the movie’s trio of stories is their common exploration of choice and control, subjugation and submission. The movie is not unlike a sicko’s take on The Five Love Languages—only here, voluntary “acts of service” are reimagined as sacrifices made to satisfy the sadistic demands of emotional tyrants. At first glance, Kinds Of Kindness may seem to lack some of the surface elements most associated with Lanthimos’ work: For example, cinematographer Robbie Ryan largely retires his fish-eye lens here, after putting it in heavy rotation on Poor Things. But in deeper ways, the movie feels like peak Lanthimos. After a few years of collaborating with other writers on more accessible films, the director reunites with Filippou to dig their heels in on their idiosyncratic style, never bolder or more divisive than it is here. Following Poor Things’ brief foray into happy endings, Kinds Of Kindnessve a Lanthimos regresar al tipo de película que parece perverso decir que "disfrutas". En resumen: el fenómeno griego ha vuelto. [Farah Cheded]

La Quimera

El pasado está tan cerca que casi puedes tocarlo en la romántica búsqueda del tesoro de Alice Rohrwacher, La Quimera . Ambientada en el espacio liminal entre la vida y la muerte, más conocido como la campiña italiana, la narrativa cuidadosamente excavada de Rohwacher descubre una meditación divertida y profundamente satisfactoria sobre la pérdida y la esperanza. Conocemos a Arthur (Josh O'Connor) en un sueño. Desde su perspectiva en primera persona admira el rostro de la mujer que amó, perdió y está desesperado por volver a encontrar, Beniamina (Yile Yara Vianello). Ella persigue a Arthur desde un lugar más allá de su alcance, dejando atrás un hilo rojo del pasado que él anhela tirar. Por suerte, eso es lo que Arthur hace mejor. La principal búsqueda de Arthur es encontrar un santo grial de otro tipo. Al regresar a Italia con la esperanza de volver a conectarse con Beniamina y pagar una deuda pendiente, Arthur, a regañadientes, vuelve a formar equipo con su antigua pandilla de tomoli italianos, o asaltantes de tumbas. Buscan objetos de valor encontrados en su patio trasero, ayudados en gran parte por, ejem, la conexión sobrenatural de Arthur con los subsótanos de antaño de la Toscana. Los tombaroli viven entre ruinas y llaman hogar a chozas destartaladas sin calefacción, muebles o incluso suelos. En esta etapa, con el traje de lino blanco en descomposición con el que aparentemente nació, Arthur comienza a parecerse a las reliquias que caza. Encuentra su primera tumba en la casa de Beniamina, donde reside su madre, Flora (una Isabella Rosellini que la reconforta sin esfuerzo). Con bordes redondeados que recuerdan su fotografía de 16 mm, la película tiene una sensación de viejo mundo, como si estuviéramos viendo algo descubierto del pasado. Escrito con Carmela Covino, quien contribuyó a Happy As Lazzaro de Rohwacher y su cortometraje nominado al Oscar Le Pupille , y Marco Pettenello, el guión de Rohwacher esconde sorpresas detrás de cada línea, revelando elementos del pasado de Arthur y recontextualizando su presente. La Quimera, un deleite formal al que no le faltan sorpresas, encanta al espectador con sus espacios decadentes y sus animadas actuaciones. [Matt Schimkowitz]

Hombre mono

Dev Patel did his homework. But it’s one thing to know your influences, and another entirely to put them into practice onscreen while losing none of your own singular voice. For all its many triumphs—and Monkey Man is a film packed with triumphs on a moment-by-moment level—Patel’s film may have found its greatest success in the way it seamlessly, powerfully translates the director’s pure, kinetic love of cinema into something bold, new, and unforgettable. Patel stars as Kid, a bedraggled young man who lives in the slums of India. Kid has scars, both mental and physical, that will never fade, at least not until he’s finally worked his way close enough to pull the trigger and get his vengeance on the men responsible for his pain. Within Monkey Man’s many action sequences, viewers will see everything from Taxi Driver to The Big Boss to The Raid to The Villainess, and so much more, all delivered with unbridled, frenzied energy by Patel and cinematographer Sharone Meir. But Patel’s not just stringing together references, nor is he playing by all the rules that a lifetime of watching action movies might have taught him. For all the blood and all the brutality—and there is a lot of it, all expertly crafted—Monkey Man is at its most powerful when it quiets down. Kid is not just a fighter carrying decades of pain, but a man trying to find a way to still his restless mind and soothe his aching heart. Patel gets deeper into the metaphors of the story he’s telling than an action story would seem to suggest, embedding Kid not just with the poor, but with the outcasts who dare to walk their own path in a society that keeps pushing them backward. It imbues the film with a sense of community and adds to the mythic tone in ways that Kid’s journey as a loner never could. Monkey Man is a muscular, emotional, ferocious triumph of a movie, and when it’s over, you’ll want to go right back in and watch it all over again. [Matthew Jackson]

Orion And The Dark 

The notion of an animated feature for children written by Charlie Kaufman, the anxiety-riddled scribe of metaphysical nesting-doll movies like Eternal Sunshine Of The Spotless Mind, sounds about as unlikely as a G-rated Disney movie directed by David Lynch, or Nine Inch Nails frontman Trent Reznor composing a Pixar score. Yet those things did happen, to acclaim aplenty, and now, so has this. Orion And The Dark may look almost nothing like any Charlie Kaufman film to date, but it bears his personality. While that might be a bit much for the youngest kids, for 11-year-olds like those depicted in this story, it may strike a chord simply by refusing to underestimate their intelligence. Here, he takes a children’s tome, one designed to help 4-year-olds overcome their fear of the dark, and makes it about existential dread, right at the age most kids are starting to experience such a thing without necessarily having a name for it. Director Sean Charmatz (Trolls: Holiday In Harmony) keeps the visuals kid-friendly, but he also keeps Kaufman’s voice recognizable throughout. And though Orion And The Dark appears to go through the motions of a family flick, it throws some serious curves en route to a loving yet emotionally devastating resolution. Will kids enjoy it? Let’s just say that the references to David Foster Wallace, Saul Bass, and Werner Herzog (playing himself) probably aren’t for them—but they’re very much for you. The original book requires a parent’s judgment call as to whether their 4-year-old is ready to face fears of the dark; the movie requires one regarding their 11-year-olds’ abilities to deal with fear of death, bullies, climate apocalypse, and literally everything else they can think of ... and beyond. [Luke Y. Thompson]

The People’s Joker

Bursting with DIY creativity, a casual observer might think The People’s Joker is simply a fan project spearheaded by a marginalized creator. However, filmmaker Vera Drew, with co-writer Bri LeRose, uses the rough outline of 2019’s Joker as a springboard to explore her own experiences with the calcified halls of the comedy industry, the ways damaged individuals harm one another out of shame and ignorance, and her struggles with discovering her transgender identity. Retrospectively narrating her story from humble rural beginnings as a child in Smallville, Joker the Harlequin (Vera Drew) guides us through a young adulthood where her mother (Lynn Downey) puts her on a regimen of the antidepressant drug Smylex, and comedy stardom is a path to escape on the stage of UCB Live, an unsubtle send-up of the Upright Citizens Brigade, SNL, and its showrunner Lorne Michaels (a flailing animated facsimile voiced by Maria Bamford). Shot entirely on green screen, The People’s Joker bears a proudly artificial aesthetic that balks at conventional notions of consistency. Characters animated in 3D and stop-motion or as puppets interact with the human cast, sometimes with deliberate care in their construction, other times with an equally deliberate post-punk carelessness. Some scenes are just entirely animated in 2D, not only for high action but for deeply intimate moments, signaling this creative choice is not meant solely to cut budgetary corners. It’s a chaotic aesthetic that comes across as coherent because it is so chaotic. On one level, it directly lampoons the artificial mechanisms by which big-budget blockbusters tell their stories, yet it also provides an avenue for deeply personal storytelling within the framework of our shared cultural mythology. The People’s Joker is a chimera built of conflicts and contradictions, but so are we all. Our jigsaw assemblage of human experiences is universally messy, and if there’s one thing Drew seems to be telling us, it’s that we should be relishing those paradoxes. Then we won’t have to paint on smiles anymore. We can just be happy. [Leigh Monson]

Robot Dreams

El ecléctico cineasta español Pablo Berger ha hecho películas mudas antes, pero nunca una como Robot Dreams . Un anuncio de turismo de Nueva York para cualquiera que piense que WALL-E se vendió a Big Talkie después de romper su voto inicial de silencio, Robot Dreams comunica los dolores, las penas y las alegrías de una amistad postergada sin una palabra de diálogo. Aunque sus personajes mínimamente diseñados no hablan, los detalles de los sueños de este robot complican la gira de Berger por Nueva York, llena de auténticos paisajes sonoros urbanos y una población de animales antropomórficos y sus compañeros robots. Robot Dreams, que se abre en el puente de Queensboro bajo un atardecer azul profundo, nos presenta a Dog, un perro callejero solitario que vive en los años 80 y pasa otra noche con Atari y macarrones con queso congelados. Después de vencerse a sí mismo en Pong (nuevamente), Dog finalmente reconoce la soledad de vencerse a sí mismo en Pong (nuevamente). Entonces, a instancias de un infomercial perfectamente sincronizado, encarga un nuevo amigo: Robot. Con un movimiento del cuello, Robot cobra vida como una PC de la era Reagan cargando DOS y, de repente, la vida de Dog tiene un propósito. La fuerza de Robot Dreams está en Robot y Dog, que se asemejan a sombras animadas de Abbott y Costello o Laurel y Hardy. Con esos arquetipos en mente, Berger destaca sus diferencias para lograr la máxima comunicación. El perro es pragmático y cuidadoso, consciente de las consecuencias de las infracciones sociales y paga el precio por ellas. Robot tiene una mente más abierta y está listo para recibir cada nueva aventura con una sonrisa y un saludo de bienvenida. Pero en su separación, les resulta difícil conectarse con quienes los rodean. Con Robot Dreams , Berger también ha creado una ciudad de Nueva York estéticamente amable pero emocionalmente endurecida. Operando bajo la creencia de que hay poco que uno pueda controlar en una ciudad de ese tamaño, Berger permite que su película tome vuelos de fantasía que devuelvan el compañerismo. ¿Cómo puede una ciudad tan llena de gente sentirse tan sola? Sin pronunciar palabra, Robot Dreams tiene una respuesta. [Matt Schimkowitz]

movimiento parada

Aisling Franciosi protagoniza esta escalofriante e incómoda historia como una animadora stop-motion que se ve arrastrada por una nueva idea para una película hasta tal punto que se vuelve alienante, aterradora y, en última instancia, peligrosa. La promesa de explorar el espacio del terror a través de la animación stop-motion es razón suficiente para ver la película de Robert Morgan, pero la poderosa actuación de Franciosi impulsa el Stopmotion más allá de los trucos y hacia el reino del terror emocional verdaderamente desgarrador, mientras el arte y el artista se fusionan en algo nuevo y violento. , e inolvidable. [Matthew Jackson]

telma

How often does a film come along that you can comfortably recommend to literally everyone in your life? Not often enough. For that reason alone, Thelma deserves to be celebrated. That’s not just down to the playful action-spoof premise or the multigenerational cast, though those are both worth praising. Thelma is simply an enjoyable film with an endearing protagonist you can’t help but root for. It helps in this case that the protagonist is played by the indomitable June Squibb (Nebraska, and many, many more ). At 93 years old she capably holds down the center of this film in the title role, with a little help from the late Richard Roundtree (Shaft himself) as her longtime friend and adventuring sidekick Ben. It’s a delight to spend time with these feisty characters as they traverse the San Fernando Valley via motorized scooter on a quixotic quest to track down the thieves who scammed $10,000 out of Thelma over the phone. First-time filmmaker Josh Margolin—who wrote, directed, and edited the film—has said that he based the character of Thelma on his own grandmother. There are lots of little touches that add dimension to the characters, like a running gag in which Thelma keeps thinking she recognizes random strangers, or Ben playing Daddy Warbucks in an all-senior production of Annie, or the moments that aren’t played for laughs, like when they talk about all the people they know who have died. Margolin wisely stays out of the actors’ way in these scenes. He just gives them space and lets them cook. On one level, Thelma is a fun and funny twist on the action genre. It’s an entertaining ride that lasts for a breezy 90 minutes or so. If that’s all you take away from it, that’s perfectly okay. On a deeper level, though, it has some important things to say about the final stages of life. It may make you think of words like “dignity” and “decency.” It asks you to appreciate how hard it is to hold on to your sense of self as your body and mind start slipping away. It encourages you to look at the elders around you with respect. Whichever way you approach the film, it makes for a fine summer outing for audiences of all ages. [Cindy White]

We Grown Now

Desde el primer plano, la magistral We Grown Now de Minhal Baig te atrapa. Una toma fija de un pasillo vacío (en, según sabemos, el proyecto de viviendas Cabrini-Green en Chicago) te invita a descubrirlo, a dejar que las muchas vidas que alberga te atraviesen. Escuchamos raspaduras. Oímos chirriar las zapatillas. Escuchamos, y pronto vemos, a dos niños. Llevan un colchón. Hay una curiosidad pausada que despierta esta imagen, esta acción. Y con el tiempo, el último largometraje de Baig se establece aún más como una magnífica joya de película con un distintivo y fascinante sentido del lugar. Es el año 1992 y los dos chicos que conocemos por primera vez en esa secuencia inicial son los mejores amigos Malik y Eric (Blake Cameron James y Gian Knight Ramirez), dos chicos negros que han aprendido cómo hacer de Cabrini-Green un espacio ampliamente imaginado en el que vivir. prosperar. Ese colchón que bajan con esmero por varios tramos de escaleras y luego a través de un área abierta asfaltada antes de colocarlo junto a varios otros desechados pronto se convierte en otra forma más de saltar: de volar hacia la infancia inocente que sin saberlo aprecian. Semejante inocencia es el principio rector de We Grown Now, cuyo título evidentemente nos lleva hacia donde acabará la película, en el momento en el que Malik y Eric tendrán que decir adiós. A lo largo de todo el proceso, observamos a estos dos niños y sus familias evaluar el mundo en constante cambio que los rodea: la madre soltera de Malik (una conmovedora Jurnee Smollett) lucha por ser promovida y tomada en serio en el trabajo, un trabajo que apenas cubre sus gastos de manutención. El padre soltero de Eric (un Lil Rel Howery castigado) todavía está de duelo, sin saber cuál es la mejor manera de mantener a raya a su pequeño y rebelde hijo. Quizás lo que necesitan es una salida. Pero si abandonan Calibri-Green, ¿qué significa eso para la vida que han hecho allí? Al abordar esas preguntas (y otras más amplias sobre la vivienda pública, la brutalidad policial, el racismo y la planificación urbana), la película de Baig es una tierna meditación sobre lo que hacemos con lo que tenemos y sobre los vuelos de imaginación necesarios para abrir nuevos caminos. [Manuel Betancourt]