2024년 최고의 영화 25편(현재까지)

Jun 25 2024

중반에 우리는 테니스 삼합회부터 퓨리오사의 원작 스토리에 이르기까지 대형 스크린이 제공할 수 있었던 최고의 작품을 기념합니다.

왼쪽 위부터 시계 방향으로: Green Border(Kino Lorber), I Saw The TV Glow(A24), Evil Does Not Exist(Janus Films), Kinds Of Kindness(Searchlight Pictures), Furiosa: A Mad Max Saga(Warner Bros.)

이제 영화제도 자리를 잡고 블록버스터 영화들이 본격적으로 개봉하기 시작했으니, 이제까지 한 해 동안의 영화들을 되돌아보며, 초겨울 관람에서 이미 잊고 있었던 것들을 감상하거나, 바다로 나가야 할 때입니다. 우리를 지나친 보석으로 관심 목록을 작성하세요. 2024년 최고의 영화는 지금까지 스트리머에 몰래 들어가 해당 장르에 대한 대화를 조용히 지배하거나, 오랫동안 개봉을 알리며 우리에게 다가왔습니다(로드쇼 순회를 마치거나 칸이나 SXSW에서 수상 후 상을 받을 때). ) 우리가 마침내 과대 광고를 현실과 비교하게 되면 그들은 우리를 실망시킬 위험이 있습니다.

그러나 영화가 대규모 공상 과학 프랜차이즈 항목이든 단순히 "물약 판매자"남자 의 흥분된 스포츠 환상 이든 한 가지 확실한 점은 Zendaya가 주연을 맡았다는 것입니다. 그러나 그녀 없이도 일부 영화는 스스로 모든 것을 관리했습니다. 하마구치 류스케와 조지 밀러는 완전히 다른 볼륨 수준에서 작업하면서 최고의 작업에 대한 후속 작업에서 실망하지 않았습니다. Jane Schoenbrun과 Minhal Baig는 인디 사이를 뛰어넘어 자신들을 매료시키는 주제와 미학을 활용하는 훨씬 더 풍부한 방법을 찾았습니다. 라이언 고슬링은 테일러 스위프트에게 울었다. 트랜스젠더이자 그것을 좋아하는 조커는 계단에서 킥댄스를 추었고 처음으로 좋았습니다. 공포와 액션 영화는 새로운 맛을 더하는 동시에 멋진 터치스크린 탄산음료 자판기와 같은 오래된 인기 영화를 리믹스했습니다. 그리고 무엇보다도 비버 옷을 입은 남자들이 서로에게 폭력을 행사했습니다.

짐승

헨리 제임스(Henry James)의 가장 잊혀지지 않는 이야기 중 하나에서 영감을 받아 공상과학 컨셉의 비계를 갖춘 휴먼 드라마인 베르트랑 보넬로(Bertrand Bonello)의 야수(The Beast )는 긴박감을 두 가지 놀라운 중심 공연과 결합하여 여러분에게 가장 영향력 있는 경험 중 하나를 전달합니다. 올해 영화를 볼 가능성이 높습니다...방금 본 내용을 이해하는 데 시간이 걸리더라도 말입니다. 2044년에는 인간 노동력의 대부분이 인공지능으로 대체되는데, 이는 이전에 세계적인 재앙을 초래했던 결함이 있는 인간의 사고보다 더 안전하고 덜 감정적인 것으로 간주됩니다. 파리의 미래 버전에서 가브리엘(레아 세이두)은 목적의식이 절실히 필요합니다. 자신을 증명하고 싶어하는 그녀는 과거의 삶을 되돌아가서 자신의 정서적 불안정성을 정화할 절차에 동의합니다. 그녀의 유전 암호에 남아 있는 트라우마에 직면하고 궁극적으로 제거하면 그녀는 단지 더 많은 자격을 갖추게 될 뿐만 아니라 직업이지만 더 만족스럽고 유순합니다. 이 모든 과정을 통해 그녀는 때로는 연인, 때로는 친구, 때로는 치명적인 세력이 되는 세 가지 다른 버전의 루이스(조지 맥케이)와 상호 작용합니다. 이 상상된 미래에는 명백한 암울함이 있는데, 이는 Bonello의 카메라가 세기 전환기 파리의 화려한 빨간색과 녹색, 그리고 2014년 로스앤젤레스의 시원한 수영장 물 블루스에서 연상시키는 생생한 색상과 대조됩니다. Seydoux와 MacKay는 엄청나게 느린 시퀀스에서도 모든 느낌을 짜내며 엄청나게 강력한 작업을 수행합니다. 인간 경험의 세 가지 서로 다른 시대를 조심스럽고 체계적으로 통과하면서 The Beast는 발톱을 당신에게 꽂은 다음 그것이 남기는 상처에 대해 생각해 보라고 요청합니다. [매튜 잭슨]

도전자

세 명의 테니스 선수처럼 보이는 챌린저스는 실제로 앞서 나가서 원하는 보상을 얻기 위해 테니스 경기처럼 사랑을 플레이하는 세 명의 캐릭터에 관한 것입니다. 영화의 틀은 패트릭(조시 오코너)과 아트(마이크 파이스트), 라이벌이자 전 가장 친한 친구의 경력에서 중요한 일치입니다. 그들 사이에는 한 사람의 전 여자친구이자 다른 사람의 현재 아내이자 코치인 타시(젠다야)가 있습니다. Luca Guadagnino는 I Am Love 및 Call Me By Your Name 과 같은 영화에서 증명했듯이 항상 관계의 불타는 감정적 기류를 포착하는 데 익숙했습니다 . 그의 많은 등장인물들에게 욕망은 그들의 존재 이유이자 서사의 원동력입니다. 저스틴 쿠리츠케스의 각본에서 욕망은 세 주인공이 대담하게, 때로는 조작적으로 사용하는 무기이다. Sayombhu Mukdeeprom의 카메라는 배우들의 몸을 바라보며 그들의 눈에서 깜박이는 빛, 떨리는 입술, 땀에 젖은 눈썹을 모두 포착합니다. 이 모든 것이 성적 열기가 높은 영화를 만드는데, 이는 현대 미국 영화에서는 많이 볼 수 없는 것입니다. 테니스 경기를 위해 구아다니노는 몇 가지 비법을 준비했습니다. 첫 번째는 Trent Reznor와 Atticus Ross의 시끄럽고 쿵쿵거리는 음악입니다. 그런 다음 흥미롭지 않은 작은 노란색 공을 무시하면서 배우들의 얼굴에 움직임의 모든 뉘앙스를 보여주기 위해 많은 장면의 속도를 거의 정지 상태로 늦췄습니다. Challengers는 반짝이는 스크린 스타가 되기 위한 과정에서 배우들이 연기하는 복잡한 캐릭터 덕분에 성공합니다. [무르타다 엘파들]

듄: 2부

듄: 파트 2는 전작이 중단된 지점부터 정확히 집어들고, 좋든 나쁘든 첫 번째 영화와 동일한 리듬, 모양, 느낌을 유지합니다. 두 영화 모두 단독으로 존재할 수 없기 때문입니다. 이 두 작품은 프랭크 허버트(Frank Herbert)의 소설을 5시간 분량으로 각색한 것으로 통합되어야 합니다. 종교 권력 중개인이 권력을 얻기 위해 어떻게 사람들의 신념 체계를 조작하는지에 대한 논쟁입니다. 이는 할리우드 블록버스터에서 관객이 일반적으로 얻는 것보다 더 많은 것입니다. 이 이야기는 폴 아트레이드(티모시 샬라메)가 먼지로 뒤덮인 사막 행성 아라키스의 사람들을 이끌고 악의 세력에 맞서는 과정을 따릅니다. 그것은 충분히 간단하며 그러한 영화에서 기대되는 모든 것을 갖추고 있습니다. 필수 사랑에 대한 관심, 폭력적인 적수, 영웅의 깨달음과 자신의 힘을 포용하는 것입니다. 그러나 그것을 단순한 광경 이상으로 만드는 것은 종교적 주제입니다. 그리고 그 상자도 확인합니다. 모든 것이 조금 더 화려하고 인상적입니다. 전투는 더 커지고, 모래폭풍은 더 격렬해집니다. Dune: Part Two는 2시간 30분의 실행 시간을 완전히 얻을 수 있는 스릴 넘치는 놀이기구입니다. [무르타다 엘파들]

악은 존재하지 않는다

악은 존재하지 않습니다 . 시간이 걸립니다. 처음에는 카메라가 자연과 초목을 가로질러 움직일 때 사운드트랙에 불길한 음악이 나옵니다. 그러던 중 갑자기 등장하는 인물이 등장해 관객들을 놀라게 한다. 캐릭터가 말을 하기까지 거의 30분이 소요됩니다. 인내심과 경각심이라는 이분법 속에 하마구치 류스케의 오스카상 수상작 드라이브 마이 카(Drive My Car) 의 후속작이 탄생했습니다 . 그것은 선과 악의 단순한 게임처럼 숨이 막힐 정도로 밀도 높은 내러티브를 풀어내는 우화입니다. 하마구치의 희박한 스토리텔링은 공간감을 구축하는 것에서 시작됩니다. 관객은 미즈비키의 시골 산간 마을을 소개받습니다. 카메라는 인물을 드러내기 전에 지형, 샘물, 키 큰 나무에 가까이 다가갑니다. 마케팅 대행사가 글램핑장 건설 계획을 밝히며 마을에 왔을 때 한 인물이 중심이 됩니다. 타쿠미(오미카 히토시)는 마을에 대해 가장 잘 아는 것처럼 보이는 만능의 잭입니다. 곧 회사 직원(코사카 류지와 시부타니 아야카)은 그를 마을 사람들에게 그들의 계획을 설득하는 데 도움을 줄 수 있는 사람으로 보기 시작합니다. 하지만 먼저 타쿠미를 회유하고 설득해야 합니다. 따라서 게임이 시작됩니다. 플레이어가 식별되고 스테이크가 공개됩니다. [무르타다 엘파들]

가을 남자

무엇보다도 The Fall Guy 는 군중을 즐겁게 해줍니다. Glen A. Larson이 제작한 동명 TV 시리즈의 Drew Pearce( 호텔 아르테미스 )가 각색한 David Leitch의 영화는 진정한 매력 폭탄인 배우들을 같은 프레임에 모으는 크고 교활한 변명입니다. 그는 KISS와 The Darkness의 음악이 배경에서 울리는 동안 즐거운 시간을 보내며 폭발음과 자동차 추격전으로 그들을 에워쌉니다. "낙상 남자"는 자신이 좋아하는 직업을 가진 베테랑 스턴트맨 콜트 시버스(라이언 고슬링)와 그가 더 좋아하는 여자친구, 카메라 오퍼레이터 조디(에밀리 블런트)입니다. 모든 것이 콜트의 뜻대로 흘러가는 것 같았지만, 자기중심적인 배우인 톰 라이더(아론 테일러-존슨)가 콜트에게 한 번 더 대규모 낙하 스턴트를 하라고 요구합니다. 상황이 잘못되어 콜트는 허리 부상과 자존심에 더욱 고통스러운 상처를 입어 스턴트 게임에서 벗어났습니다. Leitch는 스턴트 분야에서 경력을 시작했으며 그의 모든 힘을 이 영화에 적용하여 마이애미 바이스 에 대한 찬사부터 예상치 못한 쓰레기 트럭 싸움 장면에 이르기까지 모든 것을 제공합니다. 예, 스턴트 팀에 대한 많은 화면상의 찬가입니다. 전 세계의 영화 세트장에서 일합니다. 최대 속도로 작동하는 액션과 스턴트 작업에도 불구하고 The Fall Guy를 실제로 작동하게 만드는 것은 Gosling과 Blunt 간의 파트너십입니다. 그는 The Nice Guys 와 같은 영화에서 큰 성공을 거두었던 것처럼 구원을 추구하는 구타당한 영웅 역을 다시 한 번 맡게 되는 한편, 그녀는 자신의 경력과 마음의 욕망의 균형을 맞추는 야심찬 여성 역을 맡게 됩니다. 2시간 동안 영화배우가 완벽한 매력을 발산하는 경우가 있는데, 때로는 그것이 정말로 필요한 전부이기도 합니다. [매튜 잭슨]

플립사이드

Chris Wilcha가 자신의 새 다큐멘터리 Flipside에서 하고자 하는 모든 것을 감상하기 위해 특정 연령이 될 필요는 없지만 확실히 도움이 됩니다. 이 프로젝트가 X세대 경험에 대해 말하는 방식은 특히 자신을 예술가라고 생각해 본 적이 있다면 너무 구체적이어서 공격처럼 느껴질 정도입니다. 분명히 말하면 그것은 칭찬입니다. 영화에 많이 등장하는 빈티지 뉴저지 레코드 가게와 공유하는 영화 제목조차도 앞에 있는 것보다 뒤에 있는 것이 더 많다는 것을 깨달을 때 인생의 그 지점을 불러일으킵니다. 영화의 메시지가 Wilcha 세대 이외의 누구에게나 불투명할 것이라는 것은 아닙니다. 또한 후회와 세상에 자신의 흔적을 남기려는 열망과 같은 보편적으로 관련되는 개념을 다루고 있습니다. 한때 50대 남성과 함께했던 그의 모습은 자신의 삶을 되돌아볼 자리에 있는 이들에게도 더욱 깊은 공감을 불러일으킬 것이다. Flipside 는 Wilcha가 자신의 인생 작업을 완전한 원점으로 되돌리려는 시도이며, 25년 간의 인생 경험이 제공하는 거리감과 뒤늦은 통찰력을 통해 The Target Shoots First 의 개인적인 자기 성찰로의 복귀입니다 . 들리는 것만큼 배꼽을 쳐다보는 것은 아닙니다. 더 넓은 의미를 표현하기 위해 Wilcha는 버려진 다큐멘터리의 영상을 통합하고 일종의 종결을 찾기 위해 이전 주제 중 일부로 돌아갑니다. Wilcha는 자신의 이상주의가 현실주의로, 야망이 안일함으로 대체되었음을 인정합니다. 그는 어린 자신을 내려다보며 움츠러들고 싶은 유혹에 저항합니다. [신디 화이트]

퓨리오사: 매드맥스 사가

퓨리오사: 매드 맥스 사가(Furiosa: A Mad Max Saga)는 엄격하게 규제되는 높이 평가되는 전작 라이브러리에 공식적으로 들어왔습니다. 왜냐하면 조지 밀러(George Miller)는 퓨리 로드 없이도 존재할 수 있고 여전히 훌륭한 영화일 수 있는 퓨리오사의 내면의 삶과 역사를 구축하는 데 전적으로 관심이 있기 때문입니다 . 그런 다음 Miller는 Furiosa 에서 수집된 관계, 연결 및 손실을 이미 숭고한 Fury Road를 더욱 좋게 만드는 하위 텍스트로 바꾸는 최고의 전편 트릭을 실행합니다. 퓨리오사의 이야기는 5개의 장으로 구성되어 있습니다. 우리가 많은 어머니들의 녹색 장소라는 숨겨진 목가적인 공동체에 살고 있던 어린 시절(Alyla Browne)을 만났을 때부터 시작해 15년의 삶을 거쳐 20대 중반에 끝납니다. 그녀는 훨씬 더 어린 Immortan Joe(Lachy Hulme)의 Citadel 내에서 Imperator Furiosa(Anya Taylor-Joy)가 되었습니다. 그리고 퓨리오사는 여전히 경험입니다. 모래처럼 너를 삼켜 마지막까지 꽉 붙잡아준다. 촬영감독 Simon Duggan( 위대한 개츠비 ) 은 Fury Road의 촬영감독 John Seale 의 시각 지휘봉을 이어받아 한 발짝도 놓치지 않습니다 . Furiosa는 특히 IMAX에서 감각을 압도합니다. Duggan과 Miller가 모래 언덕을 뛰어다니거나 Citadel과 The Bullet Farm 및 Gastown을 연결하는 도로를 질주하는 차량 안에 여러분을 몰입시키는 모습을 볼 수 있습니다. 퓨리오사(Furiosa) 의 거의 모든 작품은 본능적이면서 현실적입니다. 이는 가끔씩 영화에서 이런 종류의 경험을 얻는 것이 얼마나 특별한지 상기시켜 줍니다. [타라 베넷]

고스트라이트

알렉스 톰슨(Alex Thompson)과 시나리오 작가 켈리 오설리반(Kelly O'Sullivan)이 공동 감독한 Ghostlight는 실제 결혼한 부부와 그들의 딸을 주연으로 삼아 진정성을 부여합니다. 그 결과 깊고 불편한 감정을 위한 건설적인 채널을 찾는 데 대한 작은 맞춤형 보석이 탄생했습니다. 일리노이주 교외의 건설 노동자 댄(키스 쿠퍼러)은 정서적 변비에 사로잡혀 아내 샤론(타라 말렌)과 10대 딸 데이지(캐서린 말렌 쿠퍼러)로부터 점점 더 멀어지고 있다. 그녀의 최근 반항적인 행동 사건. Dan이 직장에서 찰칵 소리를 내는 순간 대중의 분노가 찰나의 순간에 여배우 Rita(Dolly De Leon)의 관심이 집중됩니다. 뭔가를 느낀 리타는 댄을 테이블 낭독 장소로 끌어들여 원본 텍스트에 대한 익숙하지 않음에도 불구하고 로미오와 줄리엣 의 기본 커뮤니티 극장 제작에 합류하도록 제안합니다. Dan은 처음에는 완전히 무시하다가 회의적이었지만 그룹의 리허설에 다시 관심을 갖게 되었습니다. 이 과정은 아내와 딸에게 비밀로 유지됩니다. 영화가 개봉되면서 가족이 겪고 있는 불특정 트라우마, 그리고 세 사람이 갖고 있는 복잡하고 때로는 상충되는 감정이 더욱 선명하게 드러납니다. 이 가족 드라마와 치유는 연극 개막일 밤까지 이어지는 여러 우여곡절을 배경으로 펼쳐집니다. O'Sullivan과 Thompson은 까다롭지 않은 매력을 만들어내는 겸손하고 간단한 기술 패키지를 능숙하게 감독합니다. 캐릭터 디테일에 대한 영화의 예리한 눈과 낮은 키의 유머와 애절함의 자연주의적 혼합은 촬영 감독 Luke Dyra가 넓은 프레임에 훌륭하게 포착하여 약간 고조된 감정적 피치와 타고난 즐거움을 향한 열망을 극복했습니다. 가장 기본적으로 Ghostlight는 슬픔과 그것을 처리하는 데 있어 공동체의 유용성에 관한 영화입니다. 그것이 분명해 보인다면 여기에 렌더링된 것처럼 여전히 상당히 날카로운 것입니다. [브렌트 사이먼]

녹색 테두리

폴란드 거장 아그니에 슈카 홀랜드(Agnieszka Holland) 의 최신작 그린 보더 (Green Border) 는 직접적인 행동을 촉구하는 작품이다. 이 영화는 폴란드-벨로루시 국경에서 이주민들이 직면한 위험한 상황에 대해 때로는 솔직하게 잔혹하기는 하지만 미묘하게 설명하며, 이는 반대하는 군대와 활동가 세력에 의해 악화되거나 완화됩니다. 이 특별한 국경은 양국을 분리하는 울창하고 늪지대 숲 때문에 "녹색 국경"이라고 불립니다. 벨로루시 독재자 알렉산더 루카셴코가 주도한 사기 캠페인에 속아 아프리카와 중동 출신의 이민자들은 폴란드로 빠르고 안전하게 갈 수 있다는 확신을 얻은 후 동유럽 국가(그리고 유명한 러시아 동맹국)로 여행하여 신청할 수 있습니다. 유럽연합의 망명. 그러나 그들이 국경을 넘으면 폴란드 국경 순찰대는 난민들을 간단히 모아 철조망 너머로 벨로루시로 돌려보냅니다. 그곳에서 그들은 학대, 강탈, 질책을 당하다가 폭력적으로 폴란드로 밀려납니다. 홀랜드는 분개한 분노와 이를 뒷받침하는 반박할 수 없는 사실을 가지고 이 자료에 접근합니다. Dialogue는 유럽에서 증가하는 이주민 사망자 수를 직접적으로 언급하며, 그 캐릭터는 난민, 활동가, 폴란드 국경 지역 거주자, 익명의 국경 순찰대원과의 제작 전 몇 시간의 인터뷰를 통해 형성되었습니다. 영화를 호화로운 흑백으로 제시함으로써(빈번한 협력자 Tomasz Naumiuk가 전문적으로 촬영) Green Border는 접근 방식에서 시대를 초월한 느낌을 주면서 사회적 "위협"으로 간주되는 사람들에 대한 과거와 현재의 폭력을 다시 강조합니다. 아프리카와 중동 난민, 유럽 유대인, 팔레스타인 민간인에 대한 대우는 모두 국가가 승인한 사디즘과 환원주의적 선전에 맹목적으로 복종하는 사람들과 연결되어 있습니다. 그린 보더(Green Border) 의 가장 놀라운 점은 인간화에 대한 확고한 헌신과 스릴 넘치고 끔찍한 서사로 뒷받침된다는 점 외에도 누구도 그 곤경에서 벗어나도록 내버려두지 않는다는 것입니다. [나탈리아 케오건]

섹스하는 방법

작가이자 감독인 몰리 매닝 워커(Molly Manning Walker)의 장편 데뷔작인 How To Have Sex는 많은 십대 섹스 코미디의 전통을 따릅니다. 차이점은 How To Have Sex가 투박하고 현실적이며 섹스와 동의라는 심각한 주제를 다룬다는 것입니다. 전제는 친숙한 것 같습니다. 세 명의 영국인 친구가 고등학교 마지막 해에 그리스에서 여름방학을 보냅니다. 이번 여행에서 처녀성을 잃고 싶어하는 스카이(라라 피크)와 엠(엔바 루이스)은 타라(미아 맥케나-브루스)보다 경험이 조금 더 많습니다. 영화 제작자는 십대 친구들이 서로 주변에서 행동하는 방식에 적응하고 있습니다. 서로를 배려하고 서로에 대한 사랑을 표현하는 달콤한 방법. 때때로 그들이 서로에게 반응하는 방식을 이끄는 사소한 불만과 설명할 수 없는 적대감. 동지애와 원업맨십. 어른들이 없을 때 느끼는 버림받은 느낌. 술과 함께 오는 승영. 게다가 매닝 워커는 동의가 반대가 되고 욕망이 반발이 될 때 그 경계를 넘나들고 있습니다. 그녀의 카메라는 배우들의 얼굴과 주변을 예민하게 탐색하여 등장인물이 말로 표현할 수 없는 이야기를 전달한다. 젊은 케이트 윈슬렛을 연상시키는, 따뜻한 화면 존재감과 정서적인 두려움을 지닌 맥케나-브루스는 뛰어난 연기로 영화의 중심을 잡았습니다. 매닝 워커는 타라의 관점에 초점을 맞춰 관객들이 항상 타라가 느끼는 감정을 느낄 수 있도록 해준다. 그리고 대부분의 경우 Tara는 확신하지 못하며, 그것이 그녀의 이야기를 매혹적으로 만들고 이 영화를 마음을 사로잡는 이유입니다. [무르타다 엘파들]

수백 마리의 비버

즉흥적으로 사냥꾼인 Jean Kayak(공동 작가/배우 Ryland Brickson Cole Tews)는 새로 해동되어 툰드라에 홀로 남겨진 자신이 시간을 거슬러 올라가 모든 행동이 코믹한 반응을 보이는 시대로 되돌아가는 것을 발견했습니다. 판자의 끝을 톱질하고 공중에 서 있을 수도 있었고, 중력은 우리에게 대가를 치르기 전에 웃어넘길 수 있는 유예 기간을 제공했습니다. 대화가 없는 흑백 코미디인 Hundreds of Beavers는 The Legend of Zelda , Charlie Chaplin의 The Gold Rush , JibJabs, Terry Gilliam 애니메이션, Guy Maddin 및 Jackass 만큼 서로 다른 부분으로 구성되어 있습니다 . Acme는 Méliès와 같은 중지 트릭과 Muppety 인형극 속에서 이름이 확인되었으며, 그 미학은 희박한 눈 덮인 캔버스에 광범위한 폭력을 그리는 것에서부터 정교한 독일 표현주의 요새의 그늘진 창자를 통과하는 것까지 달라졌습니다. 그것은 어리석은 일이고 숭고한 일이다. 마스코트 복장을 한 동물 중 하나가 얼음이 덮인 풍경 위에서 처음으로 똥을 먹으면 여러분은 웃게 될 것입니다. 그리고 크레딧이 올라갈 때까지 멈추지 않을 것입니다. 지난 몇 년간 최고의 코미디 중 하나인 Hundreds of Beavers는 실제로 비버보다 더 많은 핵심을 담고 있습니다. 영화 초기에 사용된 방법을 인식하고 되찾음으로써 영화감독 Mike Cheslik의 고전적인 사냥꾼 사냥 역동성을 터무니없이 확대하는 것은 우리가 서로를 웃게 만드는 방법에 대한 지속적이고 보편적인 진실에 대한 기적적인 DIY 축하 행사가 됩니다. [제이콥 올러]

나는 TV가 빛나는 것을 보았다

작가 이자 감독인 Jane Schoenbrun은 이전 장편 영화인 We're All Going To The World's Fair에서 이러한 종류의 집착을 잠재적으로 위험한 결과를 초래할 수 있는 모호한 인터넷 게임의 형태로 도표화했습니다. 이번에는 Schoenbrun이 더욱 개인화되고 더욱 원시적으로 잊혀지지 않습니다. I Saw The TV Glow는 대중문화에 대한 집착을 놀랍게 묘사한 작품입니다. 그것이 어떻게 우리를 하나로 묶고, 변화시키고, 기분을 좋게 하고 불안하게 만드는 방식으로 우리 삶 전체에 파문을 일으킬 수 있는지 말입니다. I Saw The TV Glow를 지배하는 특별한 대중 문화 집착은 토요일 밤 늦게 방송되는 초자연적 십대 드라마 The Pink Opaque 입니다 . 두 명의 가장 친한 친구가 정신적 연결을 통해 먼 거리에 걸쳐 뭉쳐 모든 종류의 괴물과 싸우는 데 도움이 됩니다. Owen(10대 초반의 Ian Foreman과 고등학생의 Justice Smith가 연기)은 채널 서핑을 하다가 쇼를 잠깐 본 외로운 아이로, 열성 팬인 Maddy(Brigette Lundy-Paine)에게 접근할 만큼 흥미를 느낍니다 . 핑크오페이크 의 정체. 영화의 영상은 지루하고 빛바랜 현실의 바다에서 표류하는 두 사람이 자신의 삶에 의미를 부여할 결합 조직을 찾아 이리저리 항해하는 모습을 보고 있는 듯한 느낌을 줍니다. 물론, I Saw The TV Glow 의 진짜 핵심은 Schoenbrun이 캐릭터의 집착의 변형적 성격을 다루면서 나옵니다. 이는 변형을 가져오거나 위험하고 마비되는 해리 에피소드를 유발할 수 있습니다. 영화에 기꺼이 의지하고 Schoenbrun의 톤시 본능을 따른다면 마법 같은 것을 발견하게 될 것입니다. 그들은 누군가의 삶을 변화시키는 미디어 이야기와 자신이 진정 누구인지에 대해 먼 길을 가는 누군가의 이야기를 동시에 나타내는 내러티브를 차트로 작성했습니다. [매튜 잭슨]

당신의 아이디어

그녀의 세대 최고의 여배우 중 한 명이 그녀의 최고의 연기를 선보이고 열성적인 청중이 자리에서 흥얼거리게 될 진지한 열정으로 가득 찬 The Idea Of You 는 우리가 본 최고의 로맨틱 코미디 중 하나입니다. 꽤 오래. 아이디어 오브 유( The Idea Of You )는 10대 딸(엘라 루빈)을 키우고 LA 실버레이크 인근에서 트렌디한 미술관을 운영하는 데 모든 에너지를 쏟는 미혼모 솔렌(앤 해서웨이)을 따릅니다. 그러나 Solène은 또한 그녀가 계획하고 있는 솔로 캠핑 여행에서 찾고자 하는 성취감, 즉 뭔가 더 많은 것을 찾고 있음을 주저하지 않고 인정합니다. 그녀의 좌절한 전남편(레이드 스콧)은 딸과 그녀의 친구들을 Coachella로 데려가 그녀가 중학교 때 사랑했던 One Direction 스타일의 보이 밴드인 August Moon을 보기로 결정했습니다. Solène은 August Moon의 잘생기고 매력적인 리드 싱어인 Hayes Campbell(Nicholas Galitzine)과 대면하게 됩니다. 그녀는 그녀의 자신감과 처음에 그를 알아보지 못한 것에 사로잡혀 있습니다. Solène은 어깨를 으쓱하는 멋진 만남입니다. 적어도 Hayes가 자신을 알리기 위해 갤러리에 나타나서 40세 미혼모를 전 세계로 데려갈 회오리바람 로맨스를 시작하기 전까지는 말이죠. 24세의 팝스타와 함께. Hathaway는 매우 인간적이고 매우 취약한 역할로 긴장을 풀고 이야기의 핵심 감정 주머니에 앉아 갈망, 의심, 기쁨이 혼합되어 끓어오르고 있습니다. Galitzine이 초점이 완전히 흐트러지지 않고 그녀와 화면을 공유할 수 있다는 것은 성취이지만, 그는 더 나아가 자신의 훌륭한 작품을 위해 그녀의 감정적 리듬을 일치시킵니다. 이 모든 것, 아주 눈길을 끄는 보이 밴드 곡, 경쾌한 코미디 톤, 노련한 로맨틱코미디 팬들조차 조금이라도 추측하게 만드는 3막까지 더해 The Idea Of You 가 미국에서 매우 환영받는 새로운 작품이라는 것을 의미합니다. 롬컴 캐논. [매튜 잭슨]

폭력적인 성격 속에서

Chris Nash의 장편 데뷔작인 In A Violent Nature는 슬래셔 생태계의 변화무쌍한 수렁 속으로 관객을 즉시 끌어들입니다. 주인공 Johnny(Ry Barrett)는 실체 없는 목소리 사이의 상당히 무해한 대화를 나눈 후 미사와 낙엽 더미에서 기어나옵니다. . 마치 숲 자체에 홀린 듯한 느낌이 들고, 배경과 등장인물 사이의 경계가 모호해집니다. 이 모든 것이 내쉬의 특이한 영화 제작의 특징입니다. 배경은 전경으로, 행동은 무활동으로, 폭력은 자연의 평온함으로 번집니다. 악당의 관점에 끊임없이 고정되어 있는 이러한 여유로운 전망에는 비디오 게임의 특수 효과처럼 느껴질 가능성이 있지만 Nash는 이 체계적인 관점의 영화적 가치를 애타게 설명합니다. 감독의 톤과 공간에 대한 엄격한 통제 덕분에 속은 듯한 느낌이 전혀 들지 않습니다. 샷은 긴 싱글 테이크로 공들여 구성되었으며, 방해가 되는 음악 없이 가지가 삐걱거리는 소리와 나뭇가지가 부러지는 소리를 흡수하여 전 세계에 걸쳐 있는 환자가 점수를 대체할 수 있게 했습니다. 점점 더 커지는 폭력을 통해(영화에 보존된 가장 잔혹한 살인 사건 중 하나로 정점에 도달함) 내쉬는 본능적이고 육체적인 공감을 사용하여 죽음을 목격하는 순전히 육체적인 감각에 호소합니다. In A Violent Nature를 통해 Nash는 완전히 새로운 것을 만듭니다. 구성되고 가깝고 현실적입니다. 그러나 영화의 어조와 타이밍 감각은 왜 관객들이 항상 피와 유혈, 배짱이 난무하는 마라톤에 투자했는지를 그가 잘 이해하고 있음을 증명합니다. [애나 맥키빈]

감염된

Sébastien Vanicek의 Infested 에서는 진취적인 청년(테오 크리스틴)과 그의 가족, 친구들이 더 나은 삶을 살기 위해 노력하는 프랑스 아파트 건물에 외로운 이국적인 거미 한 마리가 침입합니다. 다음 날부터 그 고독한 거미는 거미 공포의 고전 거미 공포증에 돈을 벌게 하는 영화에서 치명적이고 잔인하며 끊임없이 번식하는 거미류의 군대가 됩니다. 만족스러울 정도로 소름끼치는 생물의 특징으로 시작된 것이 결국에는 오랜 세월에 걸친 생존 공포의 충돌로 변해, 정말 입이 떡 벌어질 정도로 팔다리가 달린 분노의 잔혹한 순간으로 정점을 이룹니다. [매튜 잭슨]

자넷 플래닛

1991년 흐릿한 여름 매사추세츠 서부를 배경으로 한 퓰리처상 수상 극작가 애니 베이커의 영화 데뷔작 인 자넷 플래닛(Janet Planet) 은 청소년의 시선을 통해 이 시대와 장소의 질감을 절묘하게 포착합니다. Baker의 연극은 밀폐된 공간에서 확장된 장면을 포함하지만 영화 제작에 대한 그녀의 진출은 공식적으로 보장되어 풍부한 16mm 이미지와 함께 날카로우면서도 구불구불한 대화에 대한 그녀의 오랜 관심을 구현합니다. 어떤 사람들은 그녀의 스타일이 서사적으로 무미건조하다고 생각할 수도 있지만, 그녀의 광범위한 작품을 좋아하는 팬들은 그녀가 셀룰로이드에 전달하는 조용한 세세한 부분에서 친숙한 편안함과 더 넓은 매력을 발견할 것입니다. 무자비한 자살 위협으로 집에 돌아온 11세 소녀 레이시(인상적인 신인 조 지글러)는 어머니 재닛(줄리안 니콜슨)을 적절하게 설득하여 장기 잠복 캠프에서 그녀를 데리러 온다. 그제서야 Lacy는 어머니의 현재 남자친구인 Wayne(Will Patton)과 공간을 공유해야 하기 때문에 집으로 돌아가는 것이 가장 현명한 결정이 아닐 수도 있다는 것을 깨닫게 됩니다. Lacy와 그녀의 어머니 사이의 관계는 교과서적인 상호 의존의 징후로 가득 차 있지만 Janet은 그녀의 시간을 연인, 친구 및 영적 조언의 회전문과 공유하기를 너무 열망하며 이는 딸의 숨은 좌절감에 훨씬 더 가깝습니다. Janet Planet은 Lacy의 고독한 산책에서부터 끔찍한 피아노 레슨을 오가는 Avi의 장황한 영적 산책에 이르기까지 평범함을 연마합니다. 그러나 Baker는 또한 여름 스모그의 마법과 결합하여 어린이의 장밋빛 관점(쇼핑몰은 정교한 놀이터가 되고, 샤워 시간의 새 샴푸는 기분을 좋게 만드는 실험이 됨)으로 인해 일상적인 환경이 어떻게 고양될 수 있는지에도 잘 적응하고 있습니다. 예술적 레이블을 이렇게 완벽하게 초월할 수 있는 예술가는 거의 없지만 Annie Baker는 매체를 넘나들며 조용한 스토리텔링에 대한 타고난 재주를 보유하고 있음을 입증했습니다. [나탈리아 케오건]

친절의 종류

Yorgos Lanthimos의 새 선집 영화인 "삼부작 우화" Kinds Of Kindness 의 원래 제목에는 전복적인 스릴이 있었습니다 . 영화를 " 그리고 "라고 부르는 것은 거의 모든 상식적인 SEO 및 마케팅 규칙을 위반했을 것입니다. 그것의 아이디어 자체는 스튜디오 임원과 모든 검색 엔진에 대한 건방진 두 손가락처럼 느껴졌습니다 ( 상영 시간을 찾으려는 사람에게는 약간의 악몽이 되더라도) . 그러나 Lanthimos가 The Favorite and Poor Things 이외의 거의 모든 작업에 대해 그의 작문 파트너인 Efthymis Filippou와 재결합하는 것을 보는 Kinds Of Kindness 를 보면 제목을 다시 붙인 것이 지혜로워지고 원래 이름의 반항적인 매력은 빨리 잊혀집니다. Lanthimos 영화를 본 적이 있다면, 그의 메마른 세계에는 동정심과 이타심이 일상적으로 없기 때문에 이 새로운 타이틀에 분명히 아이러니한 분위기가 있다는 것을 알게 될 것입니다. 그러나 Lanthimos와 Filippou의 다른 협업보다 Kinds Of Kindness는 정체성이 초현실적으로 왜곡되고 감정이 당황스러울 정도로 차가운 듀오의 심리적 디스토피아에 대한 냉담한 몰입이기도 합니다. Kinds Of Kindness 의 세 장은 "The Death of RMF", "RMF is Flying", "RMF Eats A Sandwich"라는 제목으로 가장 명확하게 연결되어 있습니다. 실제 캐릭터보다 플롯 축. 각 에피소드에는 Jesse Plemons, Emma Stone, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Hong Chau, Mamoudou Athie 및 Joe Alwyn(Hunter Schafer는 마지막 장에만 등장) 등 긴밀한 배우 극단이 출연합니다. 그러나 그 핵심에서 영화의 세 가지 이야기를 가장 잘 하나로 묶는 것은 선택과 통제, 복종과 복종에 대한 공통된 탐구입니다. 영화는 다섯 가지 사랑의 언어 에 대한 미친 사람의 해석과 다르지 않습니다 . 여기서만 자발적인 "봉사 행위"가 정서적 폭군의 가학적인 요구를 충족시키기 위한 희생으로 재구성됩니다. 언뜻 보기에 Kinds Of Kindness 에는 Lanthimos의 작업과 가장 관련된 표면 요소 중 일부가 부족한 것처럼 보일 수 있습니다. 예를 들어 촬영 감독 Robbie Ryan은 Poor Things 에서 어안 렌즈를 크게 회전시킨 후 여기에서 어안 렌즈를 대부분 폐기했습니다 . 그러나 더 깊은 면에서 이 영화는 란티모스의 정점처럼 느껴집니다. 좀 더 접근하기 쉬운 영화를 위해 다른 작가들과 몇 년간 협력한 후, 감독은 Filippou와 재회하여 지금보다 더 대담하거나 분열을 일으키는 그들의 독특한 스타일에 발을 들여놓습니다. Poor Things의 해피 엔딩에 대한 간략한 진출에 이어 Kinds Of Kindness가 출시 되었습니다. Lanthimos가 "즐긴다"고 말하는 것이 비뚤어진 느낌의 영화로 돌아 오는 것을 봅니다. 한마디로: 그리스 괴짜가 돌아왔다. [파라 체디드]

라 키메라

과거는 앨리스 로르바허(Alice Rohrwacher)의 낭만적인 보물찾기 라 키메라(La Chimera) 에서 거의 만질 수 있을 만큼 가깝습니다 . 이탈리아 시골로 더 잘 알려진 삶과 죽음 사이의 경계 공간을 배경으로 한 Rohwacher의 신중하게 발굴된 내러티브는 상실과 희망에 대한 재미있고 깊은 만족감을 주는 명상을 찾아냅니다. 우리는 꿈에서 아서(조시 오코너)를 만난다. 그는 1인칭 시점에서 자신이 사랑했지만 잃었고, 다시 찾고 싶어하는 베니아미나(일레 야라 비아넬로)의 얼굴을 존경한다. 그녀는 그가 당기고 싶어하는 과거의 붉은 끈을 남기고 그의 손아귀 너머에서 Arthur를 괴롭힌다. 다행히도 그것이 Arthur가 가장 잘하는 일입니다. Arthur의 주요 퀘스트는 다른 종류의 성배를 찾는 것입니다. 베니아미나와 다시 연결되어 계속 빚을 갚기 위해 이탈리아로 돌아온 Arthur는 마지못해 그의 옛 이탈리아 토마롤리 갱단, 즉 무덤 침입자들과 다시 팀을 이룹니다. 그들은 뒷마당에서 발견된 귀중품을 샅샅이 뒤지고 있는데, 이는 아서 가 옛날 투스카니의 지하실과 초자연적인 관계를 맺은 데 적지 않은 도움을 받았습니다. 톰바롤리는 폐허 사이에 살며 난방, 가구, 심지어 바닥도 없는 허름한 판잣집을 집으로 부릅니다. 이 단계에서, 자신이 태어났을 때 입었던 듯한 썩어가는 흰색 리넨 슈트를 입은 아서는 자신이 사냥하는 유물과 닮아가기 시작합니다. 그는 베니아미나의 어머니 플로라(쉽게 위로하는 이사벨라 로젤리니)가 살고 있는 베니아미나의 집에서 자신의 첫 번째 무덤을 발견합니다. 16mm 사진을 연상시키는 둥근 모서리 덕분에 영화는 마치 과거의 것을 발견한 듯한 고풍스러운 느낌을 줍니다. Rohwacher의 Happy As Lazzaro 와 그녀의 오스카상 후보 단편 Le Pupille 에 기여한 Carmela Covino 와 Marco Pettenello와 함께 쓴 Rohwacher의 대본은 모든 대사 뒤에 놀라움을 숨기고 Arthur의 과거 요소를 드러내고 그의 현재를 재맥락화합니다. 놀라움이 가득한 형식적 즐거움인 라 키메라(La Chimera)는 부패한 공간과 생동감 넘치는 퍼포먼스로 관객을 매혹시킨다. [맷 쉼코비츠]

원숭이 남자

데브 파텔이 숙제를 했어요. 하지만 자신의 영향력을 아는 것과 자신만의 독특한 목소리를 하나도 잃지 않으면서 이를 화면에서 실제로 실행하는 것은 완전히 별개의 문제입니다. 많은 성공에도 불구하고(그리고 Monkey Man은 순간순간의 승리로 가득 찬 영화임) Patel의 영화는 영화에 대한 감독의 순수하고 역동적인 사랑을 원활하고 강력하게 번역하는 방식으로 가장 큰 성공을 거두었을 것입니다. 대담하고 새롭고 잊을 수 없는 것. 파텔은 인도의 빈민가에 사는 수렁에 빠진 청년 키드 역을 맡았습니다. 아이에게는 정신적, 육체적 상처가 있는데, 적어도 그가 마침내 방아쇠를 당기고 자신의 고통에 책임이 있는 사람들에게 복수할 수 있을 만큼 가까이 다가갈 때까지는 결코 사라지지 않을 상처가 있습니다. Monkey Man 의 다양한 액션 장면 에서 시청자는 택시 운전사 부터 The Big Boss , The Raid , The Villainess 등 모든 것을 Patel과 촬영 감독 Sharone Meir의 자유롭고 열광적인 에너지로 전달되는 모든 것을 볼 수 있습니다. 그러나 Patel은 단지 참고 자료를 연결하는 것뿐만 아니라 평생 액션 영화를 보면서 배웠을 모든 규칙을 따르지도 않습니다. 온갖 유혈과 잔인함에도 불구하고 몽키 맨 은 조용할 때 가장 강력한 힘을 발휘합니다. 키드는 수십 년의 고통을 안고 있는 투사가 아니라, 불안한 마음을 진정시키고 아픈 마음을 달래는 방법을 찾으려고 노력하는 남자입니다. 파텔은 액션 스토리가 제안하는 것보다 자신이 말하는 이야기의 은유에 더 깊이 빠져들어 키드를 가난한 사람들뿐만 아니라 계속해서 뒤로 밀어내는 사회에서 감히 자신의 길을 걷고자 하는 소외된 사람들과도 함께합니다. 이는 영화에 공동체 의식을 불어넣고 키드의 외로운 여정이 결코 할 수 없었던 신화적인 분위기를 더해줍니다. 원숭이 남자(Monkey Man) 는 근육질이고 감성적이며 맹렬한 영화의 승리이며, 영화가 끝나면 바로 다시 들어가서 다시 보고 싶을 것입니다. [매튜 잭슨]

오리온 앤 더 다크

Eternal Sunshine Of The Spotless Mind 와 같은 형이상학적인 중첩 인형 영화의 불안한 서기인 Charlie Kaufman이 쓴 어린이용 애니메이션 장편이라는 개념은 David Lynch 또는 Nine이 감독한 G 등급 디즈니 영화만큼 가능성이 없는 것처럼 들립니다. Inch Nails의 프론트맨 Trent Reznor가 Pixar 음악을 작곡하고 있습니다. 그러나 많은 찬사를 받을 만큼 그런 일이 일어났고, 지금도 마찬가지입니다. Orion And The Dark는 지금까지의 Charlie Kaufman 영화와 거의 달라 보일 수 있지만 그의 개성을 담고 있습니다. 가장 어린 아이들에게는 그것이 다소 과할 수도 있지만, 이 이야기에 묘사된 것과 같은 11세 아이들에게는 그들의 지능을 과소평가하지 않는다는 것만으로도 감동을 받을 수 있습니다. 여기에서 그는 4세 어린이가 어둠에 대한 두려움을 극복하도록 돕기 위해 고안된 어린이용 책을 가져와 실존적 공포에 대해 설명합니다. 대부분의 어린이가 반드시 이름을 갖지 않고도 그런 일을 경험하기 시작하는 바로 그 나이에 말입니다. 그것. Sean Charmatz 감독( 트롤: 홀리데이 인 하모니 )은 어린이에게 친숙한 시각적 요소를 유지하면서 전체적으로 Kaufman의 목소리를 알아볼 수 있도록 유지했습니다. Orion And The Dark는 가족 영화의 움직임을 보이는 것처럼 보이지만 사랑스러우면서도 감정적으로 파괴적인 결의안으로 가는 도중에 심각한 곡선을 던집니다. 아이들이 좋아할까요? David Foster Wallace, Saul Bass 및 Werner Herzog(본인 연기)에 대한 언급은 아마도 그들을 위한 것이 아닐 수도 있지만 여러분에게는 매우 도움이 될 것입니다. 원본 책에서는 4세 아이가 어둠에 대한 두려움에 직면할 준비가 되었는지에 대한 부모의 판단을 요구합니다. 영화는 11세 아이들이 죽음에 대한 두려움, 괴롭힘, 기후 대재앙, 그리고 문자 그대로 그들이 생각할 수 있는 모든 것, 그리고 그 이상을 다룰 수 있는 능력에 관한 것을 요구합니다. [루크 Y. 톰슨]

인민의 조커

DIY 창의력으로 가득 찬 평범한 관찰자는 The People's Joker가 단순히 소외된 제작자가 주도하는 팬 프로젝트라고 생각할 수도 있습니다. 그러나 공동 작가 Bri LeRose와 함께 영화 제작자 Vera Drew는 2019년 조커 의 대략적인 개요를 발판으로 사용하여 코미디 산업의 석회화된 홀에 대한 자신의 경험, 손상된 개인이 수치심과 무지로 인해 서로에게 해를 끼치는 방식, 그리고 그녀는 자신의 트랜스젠더 정체성을 발견하는 데 어려움을 겪습니다. 할리퀸 조커(베라 드류)는 어린 시절 스몰빌의 초라한 시골에서 시작했던 이야기를 회고하면서 어머니(린 다우니)가 그녀에게 항우울제 스마일렉스를 처방하고 코미디 스타덤에 오르는 젊은 성인기를 안내합니다. Upright Citizens Brigade, SNL 및 그 쇼러너 Lorne Michaels(Maria Bamford의 목소리로 흔들리는 애니메이션 팩시밀리)의 미묘한 파견인 UCB Live 무대에서 탈출할 수 있는 길입니다 . 전체가 녹색 화면으로 촬영된 The People's Joker는 일관성에 대한 전통적인 개념을 거부하는 자랑스럽게 인공적인 미학을 담고 있습니다. 3D 및 스톱 모션으로 애니메이션되거나 꼭두각시 인형으로 애니메이션된 캐릭터는 인간 출연진과 상호 작용하며 때로는 구성에 신중을 기하고 때로는 똑같이 고의적인 포스트 펑크 부주의를 사용합니다. 일부 장면은 액션이 많을 뿐만 아니라 매우 친밀한 순간을 위해 전체가 2D로 애니메이션화되어 있으므로 이러한 창의적인 선택이 단지 예산 절감만을 위한 것이 아니라는 점을 알립니다. 그것은 너무 혼란스럽기 때문에 일관되게 보이는 혼란스러운 미학입니다. 어떤 면에서 이 작품은 예산이 큰 블록버스터 영화가 자신의 이야기를 전달하는 인위적인 메커니즘을 직접적으로 풍자하면서도 우리가 공유하는 문화적 신화의 틀 내에서 매우 개인적인 스토리텔링을 위한 길을 제공하기도 합니다. 인민의 조커 는 갈등과 모순으로 만들어진 키메라이지만, 우리 모두도 그렇습니다. 인간 경험에 대한 우리의 직소 배열은 보편적으로 지저분합니다. Drew가 우리에게 말하는 것이 있다면 그것은 우리가 그러한 역설을 즐겨야 한다는 것입니다. 그러면 우리는 더 이상 미소에 그림을 그릴 필요가 없을 것입니다. 우리는 행복할 수 있어요. [리 몬슨]

로봇의 꿈

다양한 스페인 영화감독 파블로 버거(Pablo Berger)는 이전에도 무성 영화를 만들었지만 로봇 드림(Robot Dreams) 만큼 좋은 영화는 없었습니다 . WALL-E가 침묵의 서약을 깨고 Big Talkie에 매진했다고 생각하는 사람들을 위한 뉴욕 관광 광고인 Robot Dreams는 대화 한 마디 없이 연기된 우정의 아픔, 고통, 기쁨을 전달합니다. 최소한으로 디자인된 캐릭터는 말을 하지 않지만, 이 로봇의 꿈의 기본 사항은 실제 도시의 소리 풍경과 의인화한 동물과 로봇 동료들로 가득 찬 Berger의 뉴욕 여행을 복잡하게 만듭니다. 깊고 푸른 황혼 아래 Queensboro Bridge에서 개장하는 Robot Dreams는 80년대에 살면서 Atari와 냉동 맥앤치즈와 함께 또 다른 밤을 보내는 외로운 똥개 Dog를 소개합니다. Pong 에서 다시 자신을 때린 후 Dog는 마침내 Pong 에서 다시 자신을 때리는 외로움을 인정합니다 . 그래서 그는 완벽한 시기의 정보 광고의 요청에 따라 새로운 친구인 로봇을 주문합니다. 목을 가볍게 치면 로봇이 DOS를 로드하는 레이건 시대의 PC처럼 부팅되고 갑자기 Dog의 삶에 목적이 생깁니다. Robot Dreams 의 강점은 Abbott와 Costello 또는 Laurel과 Hardy의 애니메이션 그림자를 닮은 Robot과 Dog에 있습니다. 이러한 원형을 염두에 두고 Berger는 의사소통을 극대화하기 위해 차이점을 강조합니다. 개는 실용적이고 신중하며 사회적 위반의 결과를 인식하고 그에 대한 대가를 지불합니다. 로봇은 더욱 개방적이며 환영받는 미소와 손을 흔들어 새로운 모험을 맞이할 준비가 되어 있습니다. 그러나 그들은 별거 중에 주변 사람들과의 연결이 어렵다는 것을 알게 됩니다. Berger는 Robot Dreams를 통해 미적으로는 부드럽지만 감정적으로는 확고한 뉴욕시를 만들었습니다. 그 정도 규모의 도시에서는 통제할 수 있는 사람이 거의 없다는 믿음으로 운영되는 Berger는 그의 영화가 동료애로 돌아가는 환상의 비행을 허용합니다. 사람들로 가득한 도시가 어떻게 그렇게 외로울 수 있습니까? 한마디도 말하지 않고도 Robot Dreams 는 답을 가지고 있습니다. [맷 쉼코비츠]

스톱모션

Aisling Franciosi는 이 오싹하고 불편한 이야기에서 영화에 대한 새로운 아이디어에 휩쓸려 소외되고 무섭고 궁극적으로 위험해지는 스톱 모션 애니메이터로 출연합니다. 스톱모션 애니메이션을 통해 공포 공간을 탐험하겠다는 약속은 로버트 모건의 영화를 확인하기에 충분한 이유가 되지만 프란치오시의 강력한 연기는 예술과 예술가가 새롭고 폭력적인 무언가로 합쳐지면서 스톱모션을 기믹을 넘어 진정으로 참혹한 감정적 공포의 영역으로 몰아넣습니다. , 그리고 잊혀지지 않습니다. [매튜 잭슨]

델마

말 그대로 모든 사람에게 편안하게 추천할 수 있는 영화가 얼마나 자주 나오나요? 자주는 아닙니다. 그 이유만으로도 Thelma는 축하받을 가치가 있습니다. 장난스러운 액션 스푸핑 전제나 다세대 출연진에만 국한된 것은 아니지만 둘 다 칭찬할 가치가 있습니다. Thelma는 응원할 수밖에 없는 사랑스러운 주인공이 나오는 즐거운 영화입니다. 이 경우 불굴의 June Squibb( 네브래스카 등 ) 이 주인공을 연기하는 것이 도움이 됩니다 . 93세인 그녀는 오랜 친구이자 모험을 즐기는 조수 Ben인 고 Richard Roundtree(샤프트 자신)의 도움을 받아 타이틀 역할에서 이 영화의 중심을 유능하게 유지하고 있습니다. Thelma에서 전화로 10,000달러를 횡령한 도둑을 추적하기 위해 전동 스쿠터를 타고 San Fernando Valley를 가로지르는 이 혈기왕성한 캐릭터들과 함께 시간을 보내는 것은 즐거운 일입니다. 영화의 각본, 감독, 편집을 맡은 신인 영화감독 조시 마골린은 자신의 할머니를 모델로 하여 델마의 캐릭터를 만들었다고 말했습니다. Thelma가 낯선 사람을 계속 인식한다고 생각하는 달리기 개그, Annie 의 수석 프로덕션에서 Daddy Warbucks를 연기하는 Ben , 또는 재생되지 않는 순간 과 같이 캐릭터에 차원을 추가하는 작은 터치가 많이 있습니다. 마치 그들이 알고 있는 모든 사람들 중 죽은 사람들에 대해 이야기할 때처럼 웃습니다. Margolin은 이러한 장면에서 배우들의 방해를 현명하게 피합니다. 그는 단지 그들에게 공간을 주고 요리하게 놔두었습니다. 어떤 면에서 Thelma는 액션 장르를 재미있고 재미있게 변형한 작품입니다. 약 90분 동안 진행되는 재미있는 라이딩입니다. 그것이 당신이 그것에서 가져가는 전부라면, 그것은 완전히 괜찮습니다. 하지만 좀 더 깊이 생각해 보면 인생의 마지막 단계에 관해 말해 줄 몇 가지 중요한 사항이 있습니다. '품위', '품위' 같은 단어가 떠오를 수도 있습니다. 몸과 마음이 점점 멀어지기 시작하면서 자아감을 유지하는 것이 얼마나 힘든지 이해해 달라고 요청합니다. 주변의 어르신들을 존경하는 마음으로 바라볼 수 있도록 격려합니다. 어떤 방식으로 영화에 접근하든 이 영화는 모든 연령대의 관객에게 멋진 여름 나들이가 될 것입니다. [신디 화이트]

우리는 지금 성장했습니다

첫 장면부터 Baig 민할의 뛰어난 We Grown Now가 여러분을 사로잡습니다. 빈 복도의 스틸 샷(우리가 알고 있듯이 시카고의 Cabrini-Green 주택 프로젝트에서)은 당신이 그것을 발견하고 거기에 수용된 많은 삶이 당신을 통해 표류하도록 손짓합니다. 긁는 소리가 들립니다. 운동화가 삐걱거리는 소리가 들립니다. 우리는 두 아이의 이야기를 듣고 곧 보게 됩니다. 그들은 매트리스를 들고 있어요. 이 이미지, 이 행동으로 인해 서두르지 않은 호기심이 깨어납니다. 그리고 시간이 지나면서 Baig의 신작은 독특하고 몰입도 높은 장소성을 지닌 영화의 아름다운 보석으로 더욱 자리매김하게 되었습니다. 때는 1992년이고 오프닝 시퀀스에서 우리가 처음 만난 두 소년은 가장 친한 친구인 말릭과 에릭(블레이크 카메론 제임스와 지안 나이트 라미레즈)입니다. 두 흑인 소년은 Cabrini-Green을 광대하게 상상된 공간으로 만드는 방법을 배웠습니다. 번창하다. 그들이 힘들게 몇 세트의 계단을 내려간 다음 아스팔트로 포장된 열린 공간을 가로질러 다른 버려진 매트리스 옆에 배치한 그 매트리스는 곧 그들이 자신도 모르게 소중히 여기는 순진한 어린 시절로 날아가는 또 다른 점프 방법이 됩니다. 이러한 순수함은 We Grown Now 의 지침 원칙입니다 . 이 제목은 Malik과 Eric이 작별 인사를 해야 하는 순간에 영화가 끝날 곳을 분명히 알려줍니다. 전반에 걸쳐 우리는 이 두 소년과 그들의 가족이 주변의 끊임없이 변화하는 세계를 평가하는 것을 지켜봅니다. Malik의 미혼모(영혼이 넘치는 Jurnee Smollett)는 직장에서 진지하게 받아들이고 승진하는 데 어려움을 겪습니다. Eric의 홀아버지(현실적인 Lil Rel Howery)는 여전히 슬픔에 잠겨 있으며, 다루기 힘든 어린 아들을 견제하는 최선의 방법을 확신하지 못합니다. 아마도 그들에게 필요한 것은 탈출구일 것입니다. 하지만 그들이 Calibri-Green을 떠난다면 그곳에서 살아온 삶에 어떤 의미가 있을까요? 공공 주택, 잔혹한 치안, 인종차별, 도시 계획에 대한 더 넓은 질문을 포함하여 이러한 질문을 다루는 Baig의 영화는 우리가 가진 것을 가지고 무엇을 만드는지, 그리고 앞으로 새로운 길을 개척하는 데 필요한 상상력의 비행에 대한 부드러운 명상입니다. [마누엘 베탕쿠르]