Abstrakte Kunst

Abstrakte Kunst ist faszinierend. Es ist wirklich revolutionär. Seit Jahrhunderten wird Kunst an der Geschicklichkeit gemessen, mit der Maler die Welt um sich herum darstellten, wobei sie sich einem illusorischen Ideal der Natur näherten. Gegen 1900 entwickelte sich der künstlerische Ausdruck auf unterschiedliche Weise. Die Verzerrung der Natur wurde in der Kunst akzeptiert. Und diese Verzerrung führte zur Beseitigung aller figurativen Bezüge in Malerei und Skulptur.

Die philosophische Grundlage der abstrakten Kunst lässt sich auf Platon zurückführen, der die absolute Schönheit gerader Linien und Kurven unabhängig von jeglicher figurativer Bedeutung erkannte. Ihre Entstehung als Kunstform wurde jedoch durch zwei Entwicklungen in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts beschleunigt. Erstens kam es zur Popularisierung der Fotografie, die scheinbar eine wissenschaftlich genaue Wiedergabe der Natur ermöglichte. Eine andere war die romantische Vorstellung, dass alle Künste den Zustand der Musik anstreben, herrlich emotional, suggestiv und absolut nicht-figurativ. Laut Apollinaires Schrift aus dem Jahr 1912 stand die abstrakte Kunst im gleichen Verhältnis zur traditionellen Kunst wie die Musik zur Literatur. Es würde eine neue Welt des Ausdrucks eröffnen.

Apollinaires Behauptungen waren recht optimistisch. Statis Formen und Farben hatten nie eine solche Wirkung wie musikalische Klänge. Die Amorphie der abstrakten Kunst stellt eine Herausforderung für den Markt dar. Wie messen Sie die Qualität? Wie schätzen Sie es ein? Um eine Struktur zu schaffen, greift der Markt auf die Geschichte zurück. Eine Erzählung wird aufgedrängt. Der Impressionismus war das erste Glied in einer unaufhaltsamen Kette. Dann entspricht die abstrakte Kunst der alten Vorlage „klassisch vs. romantisch“. Der klassische Strang wird durch geometrische Formen von Malewitsch und seinen Suprematistenkollegen, durch Ovale und geschwungene Vertikale von Brancusi und durch Gitter von Mondrian repräsentiert. Das Romantische ist eher ein subjektiver abstrakter Expressionismus, der in der anarchischen Freiheit von Jackson Pollock und der unendlichen Suggestivität von Rothko seinen Höhepunkt findet.

Bei der Bewertung der abstrakten Kunst der Vergangenheit hilft es, sie im kunsthistorischen Rahmen einzuordnen. Aber gleichzeitig ist die Ästhetik unbestreitbar von wesentlicher Bedeutung und beeinflusst das Urteilsvermögen. Denken wir zunächst an die Farbe – ein blauer Miró wird mehr geschätzt als ein brauner. Linien – die reine Geradlinigkeit des Einschnitts eines Fontana-Schlitzes ist etwas, das man unendlich bewundern kann. Solche einfachen Überlegungen sind sinnvoll. Allerdings kann es unter klassischen Puristen zu Streitigkeiten kommen. Mondrians Raster inspirierten Theo van Doesburg, doch über die Diagonale hinweg wuchs eine Kluft zwischen ihnen: van Doesburg behielt seine Dynamik bei; Mondrian wollte davon nichts wissen. Infolgedessen wechselten sie mehrere Jahre lang kein Wort miteinander. Wenn man an Mondrians Preise denkt und sie mit denen von van Doesburg heute vergleicht, scheint sich Mondrians Ansicht durchgesetzt zu haben.

Das Bedürfnis des Marktes nach Struktur führte dazu, dass frühere Künstler als gut oder bedeutend (was wertvoll bedeutete) neu bewertet wurden. Der Schriftsteller Victor Hugo fiel auf, als er mit Tintenklecksen experimentierte. Auch die Blot-Gemälde des Koloristen Alexander Cozens aus dem 18. Jahrhundert erregten Aufmerksamkeit. Er experimentierte mit zufälligen Tintenklecksen oder Tupfen auf seinen Zeichnungen, während er eine Landschaft darstellte. Unerwarteterweise wurde der späte Monet wichtiger als der frühe. Seine Seerosen, in denen Lichteffekte auf dem Wasser in breiten Pinselstrichen wiedergegeben werden, galten als wichtige Beispiele des abstrakten Expressionismus, könnten aber auch als Versuch eines Impressionisten, mit seiner nachlassenden Sehkraft klarzukommen, gedeutet werden.

Abstrakte Kunst lädt in das Mysterium des künstlerischen Schaffens ein, wo die Kunst ins Nicht-Figurative übergeht, wo die Kunst ihre Bindung an das objektiv Identifizierbare auflöst und unerkennbar und unendlich interpretierbar wird. Kann man Kunstwerke durch Zufall erschaffen? Strindberg dachte, Sie könnten es. Er schrieb 1894 in der Revue des Revues einen Artikel mit dem Titel „Über den Zufall in der künstlerischen Produktion“, in dem er eine Theorie der „Art automatique“ formulierte, in der der Künstler durch eine „glückliche Mischung aus bewusster und unbewusster Schöpfung“ arbeitet. Der Zufall spielt in der abstrakten Kunst, insbesondere im abstrakten Expressionismus, eine wichtige Rolle: die Tintenkleckse von Hugo und Cozens; die zufällige Glückseligkeit der Spuren, die ein Fahrrad auf einer Leinwand erzeugt; der fröhliche Effekt eines geladenen Pinsels, der über die Farboberfläche streicht oder aus einem einzigen Strich zufällig tropfen lässt. Insofern,

Aber das zumindest ist für den Markt nicht schwer zu ertragen: Wenn es etwas gibt, was die Märkte widerspiegeln, dann ist es die Rolle, die Glück und Zufall in allen menschlichen Austauschen spielen, insbesondere im kommerziellen.