„Requiem für einen Traum“ (2000)

Darren Aronofsky und ein herzzerreißendes Meisterwerk.

„Bald werden mich Millionen von Menschen sehen und sie werden mich alle mögen“, sagt Ellen Burstyn in ihrer unglaublichen Darstellung von „Sara Goldfarb“, die die zentralen Themen des Films verkörpert: Besessenheit, Zwang, mangelndes Selbstwertgefühl und Ablenkungen eine Außenwelt, während die Mauern der Verzweiflung sich schließen.

Ich bin ein Jahrzehnt zu spät zu „Requiem for a Dream“ gekommen, aber wie Sie weiter unten lesen werden, habe ich eine tiefe Zuneigung zu diesem Film, seit ich Anfang 2014 meine ursprüngliche ausführliche Rezension geschrieben habe, und jetzt, fast ein Jahrzehnt später, ist dieses melancholische Meisterwerk unter der Regie von Darren Aronofsky entstanden belegt auf der www.imdb.com- Liste der 250 Filme aller Zeiten den 83. Platz, zwei Plätze unter „ Good Will Hunting“ und zwei Plätze über „Singin' in the Rain “.

„Harold, ich werde im Fernsehen sein!“

13 Jahre seit seiner Erstveröffentlichung haben die Kraft dieses unglaublichen zweiten Films von Darren Aronofsky nicht gemindert. Dieser bahnbrechende Film bleibt auch 13 Jahre später bemerkenswert gestochen scharf und lebendig und einer meiner absoluten Favoriten. Basierend auf dem gleichnamigen Originalbuch von Hubert Selby Jr. wird sowohl Selby als auch Aronofsky zugeschrieben, das Drehbuch zu einem Film geschrieben zu haben, der ständig schockiert, die Herzen berührt, oft unglaublich schwer anzusehen ist, aber ein absoluter Triumph ist. Die beiden Haupterzählungen des Films sind auf die drei dominanten Akte „Sommer“, „Herbst“ und „Winter“ aufgeteilt.und zwischen den Leben von vier Hauptcharakteren, die alle höchst süchtig machende Persönlichkeiten teilen, die in einem surrealen und herzzerreißenden Film miteinander verflochten sind. Obwohl es sich eher um eine Struktur mit drei Akten handelt, ist „Sommer“ bei weitem die längste der Jahreszeiten, wobei „Herbst“ und „Winter“ fast ein einziger Akt sind. Wie bei Aronofskys Debütfilm „ Pi“ sind die letzten 35 Minuten dieses Films eine Achterbahnfahrt der Gefühle, des Herzschmerzes und einer teilweise äußerst schwierigen Betrachtung, die durch den Beginn von „Herbst“ gekennzeichnet ist.

Auf den ersten Blick scheint der Film nichts weiter zu sein als ein Drama rund um Drogen und das Suchtleben, das diese Substanzen kontrollieren, um den nächsten Hit und eine friedvolle Vision eines Lebens, in dem ständig Drogen vorhanden sind. Es gibt ständige und anschauliche Darstellungen des Drogenkonsums, aller verfügbaren Drogen und ihrer surrealistischen Höhen und Tiefen, der epischen „Partitur“ und der seelenzerstörenden Leere des Seins ohne. Wie bei Trainspotting und Fear and Loathing in Las VegasDieser Film wurde zu Beginn seiner Veröffentlichung wegen seiner Verherrlichung des Drogenkonsums kritisiert, aber das ist völlig unzutreffend und geht am Kern der Sache völlig vorbei. Beide Seiten der Medaille werden anschaulich dargestellt, und obwohl Drogen und Drogenkonsum eindeutig im Mittelpunkt stehen, handelt es sich bei dem Gesamtthema um Besessenheit und Zwang und um den Versuch, diesen Traum, dieses glückliche Bild vom Himmel in Ihrem Leben zu verwirklichen. Sei es Drogen, Fernsehen, Spielshows, Diäten und vieles mehr, denn unsere Charaktere folgen dem, was Hubert Selby Jr. selbst als den „Großen Amerikanischen Traum“ bezeichnet.

In seinem Buch und dem adaptierten Drehbuch, das in Aronofskys Film so anschaulich dargestellt wird, hat jede Figur einen Traum, dem sie folgen kann, und den obsessiven Wunsch, diesen zu verwirklichen. Manchmal dienen diese Träume rein egoistischen Zielen, um sich eine weitere Ladung Drogen zu sichern und eine hedonistische Zeit zu genießen oder einfach nur einen Grund, weiterzuleben, morgens aufzustehen und sich dem bevorstehenden Tag zu stellen. Trotz der deprimierenden Themen und der depressiven Untertöne des Films ist er ein wahrer Triumph mit vier Hauptcharakterdarstellungen, die einem auf ihre ganz eigene Weise das Herz brechen.

„Sara Goldfarb“ (Ellen Burstyn) Ellen wurde im Jahr 2000 zu Recht mit einer Oscar-Nominierung als beste Hauptdarstellerin ausgezeichnet und spielte 2008 auch in Aronofskys Film „ The Fountain “ und Oliver Stones fehlerhaftem W mit Eine karrierebestimmende Leistung, und was für eine Leistung es auch ist. Von Aronofsky überredet, die Rolle anzunehmen, ist Burstyns Verwandlung im Verlauf des Films zunächst subtil, doch wie auch der letzte Akt des Films, „Fall“, zeigt, ist ihre Verwandlung schnell und grafisch abgeschlossen. Besessen von der Spielshow im Tagesfernsehen kommt die Motivationsshow „Month of Fury“Ihr obsessives Verlangen und ihr Zwang erreichen neue Höhen und tiefe Tiefpunkte, nachdem sie ausgewählt wurde, in ihrer Lieblingssendung aufzutreten. Sara ersetzt ihre Grundnahrungsmittel aus Schokolade und Spielshows durch Diäten, dramatischen Gewichtsverlust und Diätpillen, nur um ihr rotes Lieblingskleid zu tragen. Jede Besessenheit wird durch eine andere ersetzt, während die Wände ihrer winzigen Wohnung immer näher an sie herankriechen. Sara lebt allein und einsam und lebt auch zwanghaft in der Vergangenheit. Dies gibt ihr einen Grund, morgens aufzustehen und sich dem Tag zu stellen, und ihre Darstellung ist wirklich herzzerreißend, wenn sie ihren Höhepunkt erreicht. Umgeben von einer tickenden Uhr, einem ständig klingelnden Telefon und einem „Summen“, der sie umgibt, kann Sara nur zu ihren bizarren Freunden aus der Nachbarschaft fliehen, die gleichermaßen zu einer weiteren ihrer Zwänge und Obsessionen werden.„Bald werden mich Millionen von Menschen sehen und sie werden mich alle mögen“ bringt Saras Zerbrechlichkeit, Einsamkeit und Besessenheit auf den Punkt und wird durch Ellen Burstyns großartige, karriereprägende Leistung brillant dargestellt.

„Harry Goldfarb“ (Jared Leto) Leto ist eher als Leadsänger der Rockband 30 Seconds to Mars bekannt und hatte Cameo-Auftritte in The Thin Red Line und Fight Clubvor seinem karrierebestimmenden Auftritt als Harry Goldfarb. Da er überaus kritisch ist, ist Letos Auftritt der schwächste der vier Hauptstars, aber das heißt nicht, dass sein Auftritt nicht großartig ist, wie es offensichtlich ist. Harrys Rolle ist der zentrale Mittelpunkt im Leben seiner Mutter, seiner leidenschaftlichen Liebesbeziehung mit Marion und seiner tiefen Freundschaft mit Tyrone. Aber seine Obsessionen behindern paradoxerweise die Leidenschaften seines Lebens, wie seine zersplitterte Beziehung zu seiner Mutter und in gewissem Maße auch zu Tyrone treffend darstellt. Seine Liebesbeziehung mit Marion ist der zentrale Erzählstrang des Films und wiederum paradoxerweise sowohl zärtlich als auch schön und manchmal wirklich schrecklich. Ihr zartes „Herunterkommen“Die Szenen sind das Herzstück des Films und wurden von Regisseur Aronofsky wunderschön arrangiert und gedreht, brillant zusammengefasst im gemeinsamen Drehbuch, das einem das Herz bricht:

„Ich dachte immer, du wärst das schönste Mädchen, das ich je gesehen habe.“

„Marion Silver“ (Jennifer Connelly) Eine herausragende Rolle in dem unterschätzten Film „A Beautiful Mind“ folgte bald auf Connellys Auftritt hier, aber selbst diese überragende Darstellung konnte diese nicht in den Schatten stellen. Sie ist tief in Harry verliebt, hat aber zu allem anderen im Leben außer ihrer Drogenbesessenheit keine Liebe mehr. Ihre körperliche Zerbrechlichkeit wird schon sehr früh im Film deutlich, aber Marion versucht immer, „ein bisschen Zeit zu verschwenden“, Spaß zu haben und „sich abzustoßen“ , um der obsessiven Flucht aus einer lieblosen, distanzierten Beziehung zu ihren Eltern und ihrem „Quatschpsychologen“ zu entkommen. . Talentiert, ehrgeizig und schön, aber dennoch zerbrechlich und verzweifelt, wird ihr außer Kontrolle geratenes Leben am anschaulichsten dargestellt.

„Tyrone C Love“ (Marlon Wayans) Autor, Produzent und Schauspieler, dies ist eine weitere karriereprägende Schauspielleistung von Wayans. Wayans ist die am wenigsten entwickelte der vier Hauptrollen und verfügt über minimale Dialoge. Er zeigt eine offensichtliche Drogenbesessenheit, während er beim Rauchen fast ständig einen Joint in der Hand hält. Seine anderen Obsessionen sind jedoch subtiler und werden im Verlauf des Films immer deutlicher. Auch er hat eine friedvolle Vision für ein Leben abseits der Straße und des Alltagstrotts. Diese eine Ladung „Pure“ zu ergattern , die ihn und Harry auf absehbare Zeit, aber nicht für immer, fit machen wird. Im Verlauf des Films entdecken wir eine immer obsessivere Seite von Tyrone, seinen Kindheitsträumen und Sehnsüchten, die viel mehr mit Harry gemeinsam haben als auf den ersten Blick, aber der Grund dafür ist, dass er ständig Harry anruft„Jim“ verwirrt mich weiterhin!

Unterstützt werden diese herausragenden Rollen durch die wunderbaren Auftritte von Christopher McDonald als „Tappy Tibbons“, dem Star von Saras Fernsehbesessenheit tagsüber, und Keith David als „Big Tim“. Es gibt zahlreiche Cameos für wiederkehrende Stars aus Aronofskys erstem Film, darunter Mark Margolis als „Mr. Rabinowitz“, Samia Shoaib als „Nurse Mall“, Ben Shenkman als „Dr. Spencer“ und Sean Gullette als leicht unheimlicher und bizarrer Esstherapeut „Arnold The Shrink“. .

Auch die beiden Eltern von Darren Aronofsky spielen kleinere Cameo-Rollen.

Der Film als Ganzes ist viel größer als PiMit einer entsprechend größeren Besetzungsliste dreht sich der Film jedoch einfach um unsere vier Hauptstars und diese viel kleineren, aber entscheidend wichtigen Nebenrollen, die sie umgeben. Der Film dreht sich außerdem um eine wirklich wundervolle Musik von Clint Mansell und einen Soundtrack, der als eigenständiger Kauf außerhalb des Films selbst sehr zu empfehlen ist. Es ist von Anfang bis Ende ein Juwel von wahrhaft eindringlicher Schönheit, das vom Kronos-Streichquartett mit häufig eingefügten „Dream“-Stücken im gesamten Film gespickt wird. Der Titeltrack „Dream“ wird vielen bekannt sein, da er in den vergangenen Jahren seit der Veröffentlichung des Films von Paul Oakenfold und vielen anderen DJs gesampelt und gemischt wurde. Der Soundtrack ist oft einfach und subtil und sprudelt im Hintergrund vor sich hin.

Die Eröffnungsszene des Films gibt wirklich den Ton an und prägt in den kommenden 102 Minuten den Stempel des Regisseurs. Vor dem Hintergrund des Verkaufs des Fernsehers, um die Drogensucht des Sohnes und Tyrones zu finanzieren, spielt sich eine zersplitterte und schwierige Mutter-Sohn-Beziehung ab. Der Fernseher ist das Tor der Mutter zur Welt und zu ihrer täglichen Obsession. An die Wand gekettet, um einen Einbruch zu verhindern, wird es nun von ihrem eigenen verzweifelten Sohn gestohlen, während seine Mutter sich in einem Nebenzimmer einschließt und nicht zusehen kann. Um sich zu beruhigen, spricht sie mit ihrem toten Ehemann und versichert ihm, dass alles gut wird ok und „am Ende ist alles schön“ .Während die Mutter in einem Raum eingesperrt ist und ihr Sohn verzweifelt versucht, den Fernseher zu bewegen, wird alles im Splitscreen abgespielt und ist der erste von vielen solchen Splitscreen-Segmenten im gesamten Film. Harry und Tyrone beginnen nun damit, den Fernseher die Straße entlang zu schieben, vorbei an amüsierten Nachbarn von Sara und vor der Kulisse unseres Filmschauplatzes, Coney Island, New York, und seines berühmten Jahrmarkts, bevor sie ihn an einen örtlichen jüdischen Marktstandbesitzer verkaufen.

Das Motiv der Split-Screen-Segmente wird durchgehend durch zahlreiche Montagesequenzen durch Zeitrafferfotografie ergänzt, vom „Abstoßen“ oder Rauschen von starkem Drogenkonsum bis hin zu seinem schließlichen Niedergang, bis hin zu Saras zerstrittenem Geist, der inmitten extremer Nahaufnahmen und gezackter Schnitte zum Ausdruck kommt . Die Sequenzen des Drogenkonsums sind alle auf diese Weise gerahmt und gedreht, mit extremen Nahaufnahmen einer gerollten Banknote, eines Haufens Kokain oder einer Tüte Heroin, kurz unterbrochen von Blut, das durch eine Vene und immer, immer, einem Augapfel pumpt. Zu Beginn des Films „The Fall“ folgt auf diese erschütternden Zeitrafferabschnitte unbedingt eine herunterkommende und melancholischere Sequenz, in der die vier Leben allmählich der obsessiven Kontrolle entgleiten.

Ähnlich wie bei Pi gibt es auch hier eine Kakophonie aus schroffen und bearbeiteten Soundeffekten, die die Szenen begleiten, ein ständig klingelndes oder abgenommenes Telefon, einen summenden Fernseher oder, was noch wichtiger ist, den Kühlschrank. All dies und noch mehr verleihen dem Film eine ständige „Stimmung“, um das Publikum in das Leben der Charaktere und ihre widerspenstigen Gedanken und Entscheidungen eintauchen zu lassen. Auch die Steadicam- und beweglichen Kameraaufnahmen von Pi kehren hier zurück, ebenso wie zahlreiche sich drehende und kreisförmige Kameraaufnahmen, um das Gefühl, von allem und jedem umgeben zu sein und die Unfähigkeit, seinen Obsessionen zu entkommen, wo auch immer man sich hinwendet, noch einmal zu verstärken. Ähnlich wie bei Pi gibt es zahlreiche Zoom-Nahaufnahmen innerhalb eines kleinen geschlossenen Bereichs, während bei PiEs handelte sich hauptsächlich um einen Schrank, hier zeigen die Aufnahmen auch einen Briefkasten, in dem Sara ständig und zwanghaft ihre Post überprüft, und einen weiteren Schrank, in dem Harry und Tyrone ihre Waren verstecken.

Das Bild, das ich bisher gezeichnet habe, zeigt ein klaustrophobisches, spiralförmiges Leben, das einem das Herz bricht, und ist manchmal besonders schwer anzusehen. Ein Film, der ständig nervös ist, zackig und ruckelt, mit zusammengefügten Zeitrafferabschnitten gegen starken Drogenkonsum. Ein Film, der zuweilen so völlig surreal und bizarr ist, dass er auch in Echtzeit reale Erkenntnisse aus dem wirklichen Leben vermittelt. So viel ist wahr und noch viel mehr! Aber dieses kurze Resümee wird diesem Film überhaupt nicht gerecht, da der zentrale Kern des Films trotz ihrer Charakterschwächen die allumfassende Liebe für einen anderen ist. Obwohl Saras Mutterfigur und Harrys Sohnfigur aneinander geraten und ihre Beziehung unruhig ist, lieben sie sich beide mit brennender Leidenschaft, und die Gegenüberstellung ihrer Leben macht dies deutlich.

Wo Requiem for a Dream seinen Stallkameraden und ersten Aronofsky-Film Pi übertrifft , sind die zarten und schönen Szenen, die mit dem Wahnsinn vermischt sind. Tyrones Liebesbeziehung ist wunderschön gefilmt, Harrys und Marions alles verzehrende Liebe ist oft von fliegenden Papierfliegern umgeben oder sie sitzen allein am Strand von Coney Island und ihre zahlreichen Montagesequenzen purer Glückseligkeit in den Armen des anderen. Alle wunderschön gedrehten Szenen, alle mit einem Hauch (oder einer großen Portion!) Surrealität umgeben, aber alle verpackt in den Triumph eines Films, der einem das Herz brechen kann. Bei mir ist es so.

Jedes Mal.

Ein Film, der mehr Oscar-Anerkennung verdient als nur Ellen Burstyns einzige Nominierung. Wenn ich mir diesen Film im Nachhinein noch einmal ansehe, bin ich verblüfft, dass der Film weder für seine Regie von Aronofsky noch für die Kameraführung seines langjährigen Mitarbeiters Matthew Libatique Anerkennung fand, und vielleicht noch verblüffender ist die mangelnde Anerkennung für den hervorragenden Schnitt von Jay Rabinowitz. Fügen Sie eine wunderschöne Musik und Charakterdarstellungen hinzu, die Sie immer wieder in eine fesselnde Erzählung hineinziehen, und Sie haben einen ganz wunderbaren, wenn auch verstörenden Film. Wie Pi haben diese Filme keine Anziehungskraft auf den Mainstream, was vielleicht zu Unrecht durch die fehlende Anerkennung untermauert wurde, aber es bleibt auch 13 Jahre nach seiner Veröffentlichung eine lebendige Auseinandersetzung mit einem sehr dunklen menschlichen Zustand.

Danke fürs Lesen . Wie immer nur zum Spaß und immer eine menschliche Reaktion und keine Spoiler in Hülle und Fülle. Meine drei zuletzt veröffentlichten Filmartikel sind unten verlinkt, oder es gibt weit über 200 Blogartikel (mit mehr als 400 einzelnen Filmrezensionen) in meinem Archiv, aus denen ich wählen kann: