Mode als Erinnerungsarchiv

Ein persönliches Projekt zur Kuratierung der Vergangenheit durch Kleidung.

Als meine Oma starb, war eines der ersten Dinge, von denen meine Mutter sagte, dass wir ihren Kleiderschrank durchgehen müssten, um herauszufinden, welche Gegenstände es wert seien, behalten zu werden.

Als sie alte Handtaschen ausleerte und ihre Habseligkeiten in einen „Aufbewahren“- und „Entsorgen“-Stapel sortierte, kam mir der Gedanke, dass wir gerade dabei waren, meine Oma anhand ihres Kleides aufzulisten. Wir haben gewissermaßen ihre Erinnerung durch ihre Kleidung kuratiert. Objektiv betrachtet konnte ich verstehen, warum vieles von dem, was sie getragen hatte, nicht mehr wertvoll war; Ein schlichtes, preiswertes T-Shirt ohne erkennbare Merkmale wirkte nicht so „kostbar“ wie eine Wildlederjacke oder ein Schmuckstück, das glänzte, wenn man es in den Händen drehte.

Mir wurde jedoch klar, wie viele Kleidungsstücke meiner Großmutter ich trug und liebte. Keiner dieser Gegenstände, die ich so sehr schätzte, war von großem „Wert“. Vielmehr waren die Kleidungsstücke, die sie mir gegeben hatte und die ich mit größter Begeisterung und Liebe trug, sichtlich abgenutzt; fehlende Knöpfe, zerfetzte Ärmel, unentfernbare Flecken.

Warum ist das?

Durch dieses Projekt habe ich meine Verbindung und die meiner Kollegen zu unserer Kleidung neu bewertet. Dabei habe ich einige zentrale Fragen berücksichtigt:

Wann verliert ein Gegenstand seinen kulturellen Wert und wie nimmt sein Wert mit der Zeit ab?

Könnte es sein, dass Kleidung, die ihren materiellen Wert verloren hat, aber ihren emotionalen Wert behält, indem sie den Träger mit einer Person oder einem Moment aus der Vergangenheit verbindet, etwas „schatzen“ kann?

Könnte die Verwendung von „Erinnerung“ und „Emotion“ als Maßstab für den Wert von Kleidung die Art und Weise, wie wir Kleidung tragen und konsumieren, radikal verändern?

Ich bin nicht der Einzige, der über unsere visuellen und materiellen Aufzeichnungen der Vergangenheit nachgedacht hat, sei es durch Kleidung oder auf andere Weise.

In Elizabeth Wilsons bahnbrechendem Essay „ Fashion & Memory “ versucht die Autorin und Forscherin, die Beziehung des 20. Jahrhunderts zur Erinnerung und ihren scheinbaren Kontrast zum „beständigen Streben der Modebranche nach Neuem“ zu entschlüsseln.

Konkret untersucht Wilson das Thema Mode und Erinnerung durch die Linse der Modefotografie, die sie als „eher anders als einige andere Arten der Fotografie, da sie im Wesentlichen Bilder der ewigen Gegenwart macht“ beschreibt.

Zur Fotografie erklärte der deutsche Philosoph Walter Benjamin:

„Wie kunstvoll der Fotograf auch sein mag, der Betrachter verspürt den unwiderstehlichen Drang, in einem solchen Bild nach dem winzigen Funken der Zufälligkeit, des Hier und Jetzt zu suchen, mit dem die Realität das Motiv sozusagen eingebrannt hat, um die unauffällige Stelle zu finden.“ wo in der Unmittelbarkeit dieses längst vergessenen Augenblicks die Zukunft so beredt existiert, dass wir sie im Rückblick vielleicht wiederentdecken.“

In Cheryl Clarks und Hazel Buckleys Artikel „Conceptualising Fashion in Everyday Lives“ stehen die beiden Wissenschaftler im Dialog mit Wilsons Argument, dass Mode oft „ein ständiges Streben nach Neuem“ sei. Sie erkennen an, dass „ein vorherrschendes Interesse [innerhalb der Modestudien] weiterhin an den Mode-„Syntaxen“ der Jugend, der Neuheit des „Looks“ und der Aktualität des neuesten Stils besteht – ob recycelt, gebraucht, revivalistisch oder neu '.

Sie behaupten, dass „das Alltagsleben den Prozess der Modernisierung als eine unaufhörliche Ansammlung von Trümmern registriert: Die Moderne produziert Obsoleszenz als Teil ihrer kontinuierlichen Nachfrage nach Neuem (die neueste Version wird immer häufiger zum Modell des letzten Jahres)“, und dass die Mode erst dazu kam mit der Moderne in Verbindung gebracht werden, da sich die Lieferketten Ende der 1970er Jahre beschleunigten und die Produktionstechnologien weiterentwickelten.

Indem wir die „Faszination der Mode durch ein eifriges Bekenntnis zu [ihren] spektakulären – wenn auch oft vergänglichen – Qualitäten“ anerkennen, übersehen wir vielleicht die Fähigkeit von Kleidung, eine emotionale Verbindung mit unserer Vergangenheit zu fördern. Indem wir die Kleidung, die wir besitzen, durch die Linse unserer eigenen persönlichen Geschichten, Erinnerungen und Verwandtschaften betrachten, können wir diesen Grundgedanken der Branche neu strukturieren und eine bewusstere Beziehung zur Mode fördern.

In „Worn Clothes and Textiles as Archives of Memory“ von Carole Hunt liegt der Fokus nicht auf visuellen Darstellungen von Mode, sondern auf der Materialität und Tragbarkeit von Kleidung. Auf diese Weise verlagert Hunt im Gegensatz zu Wilson den Akt des Hervorrufens von Erinnerungen durch Kleidung von einem Akt des Schauens oder Sehens zu einem Akt des Tragens und Berührens. Hunt geht davon aus, dass es einen Unterschied zwischen „kollektiver“ und „privater Erinnerung“ gibt; die Idee, dass durch Kleidung hervorgerufene Erinnerungen sowohl ein soziales Phänomen als auch eine zutiefst individualistische Erfahrung sind.

Zumindest trägt die visuelle Dokumentation von Mode dazu bei, das Vergängliche ewig zu machen. Während sich dieses Projekt mit der Materialität „einprägsamer“, gebrauchter und getragener Kleidung beschäftigt – und wie spezifisch sie diese Gebrauchsspuren zeigt und sammelt – wird es auch in hohem Maße visuelle Aufzeichnungen von Kleidung aus der Vergangenheit als weiteres Medium zur Verbindung zwischen uns nutzen zu dem, was wir im Laufe der Zeit „abgetragen“ und „abgenutzt“ haben.

Bei den meisten Bildern für dieses Projekt handelt es sich um Originalbilder oder anderweitige Quellennachweise. Ein Teil wurde aus Hunderten physischen Familienfotos aus den 1920er bis 1990er Jahren ausgewählt. Anhand dieser visuellen Aufzeichnungen werde ich die Kontinuität mit der Vergangenheit durch Kleidung erforschen, wie zeitgenössische Marken Nostalgie und physische „Abnutzungserscheinungen“ nutzen.