Miró-merisiert

„Ich versuche, Farben wie Wörter anzuwenden, die Gedichte formen, wie Noten, die Musik formen.“ — Joan Miro

Meine Liebe zu Joan Miró und seiner Kunst war der Anstoß für meine Reise nach Barcelona. Mirós bleibendes Vermächtnis ist in die Stadt eingraviert, als er der Stadt dabei half, Besuchern, die auf dem Luft-, See- und Landweg ankamen, einen herzlichen Empfang zu bereiten. Miró verwirklichte diese Vision, indem er ein „keramisches Wandbild“ schuf, das die Vorderseite des Terminals 2 am Flughafen schmückt. Diejenigen, die die Stadt über das Meer betreten, können auf „Mirós Mosaik“ im Herzen der La Rambla spazieren gehen – es ist erwähnenswert, dass unzählige Besucher sich der Tatsache nicht bewusst sind, dass sie auf ein echtes Miró-Meisterwerk treten. Die Skulptur „Frau und Vogel“ ist strategisch günstig im Joan-Miró-Park installiert, um diejenigen, die mit dem Auto in die Stadt kommen, herzlich willkommen zu heißen.

Während ich das Glück hatte, die Ausstellung „Joan Miró: Malerei und Anti-Malerei 1927–1937“ im MOMA in New York zu sehen, kann nichts mit der Erfahrung in der Fundació Joan Miró verglichen werden – einem Museum, das Miro selbst konzipiert und dem er gewidmet ist sein eigenes Werk. Das Museum ist ein atemberaubendes Gebäude, das von Miros Freund Josep Lluís Sert entworfen wurde und an die visionäre Kunstfertigkeit des katalanischen Künstlers erinnert. Es hat auch einen wunderschönen zentralen Innenhof und eine bezaubernde Dachterrasse, auf der Miros skulpturale Meisterwerke ausgestellt sind.

Ich habe den Pass bekommen , der sechs Museen abdeckte. Ich empfehle, das Ticket online zu kaufen, um Warteschlangen zu vermeiden. Die Fundació Joan Miró , die die bedeutendsten Werke des katalanischen Modernisten ausstellt, stellte mir einen herunterladbaren Multimedia-Führer mit wunderschönen Geschichten zur Verfügung. Hier habe ich versucht, nur einen winzigen Teil der riesigen und atemberaubenden Sammlung festzuhalten.

Barcelona, ​​Mallorca und Mont-roig: Jeder Ort spielte eine einzigartige Rolle bei der Vertiefung der Vision des Künstlers. Barcelona, ​​als sein Geburtsort und die kulturelle Hauptstadt Kataloniens, bot Miró ein prägendes Umfeld, das ihn mit vielfältigen künstlerischen Strömungen und intellektuellen Strömungen in Berührung brachte. Als seine geliebte Zuflucht und Zuflucht erlaubte ihm Mallorca, sich wieder mit der Natur und der Stille zu verbinden und seine spirituelle und poetische Seite zu kultivieren. Mont-roig, als emotionale Verbindung, ist das Landhaus seiner Eltern, wo er sich zunächst gegen den Willen seines Vaters entschied, sich der Malerei zu widmen.

„Im Boden von Mont-roig liegen die Wurzeln dieser beiden wunderbaren Bäume dieses Landes: Johannisbrotbaum und Olivenbaum. Die Wurzeln des Johannisbrotbaums sind für mich wie meine Füße, die in den Boden sinken, und dieser Kontakt gibt mir enorme Kraft. Ich bewundere auch dieses Zeichen der Vitalität von Johannisbrotbäumen, die niemals ihre Blätter abwerfen.“ — Joan Miro

Mirós frühere Arbeiten zeigen zahlreiche Landschaften des Dorfes Mont-roig und Porträts, wenn auch in einem Stil, der die künstlerischen Trends der Zeit widerspiegelt, anstatt einen eigenen Stil zu haben. Er ließ sich von einflussreichen Künstlern wie Vincent Van Gogh und Paul Cézanne sowie den lebendigen und auffälligen Farbtönen der französischen Fauve-Maler inspirieren.

1920 beschloss Miró, fasziniert von den Künstlern, die sich in Paris versammelten, in die Stadt der Lichter zu ziehen. Er traf Pablo Picasso, André Masson und andere Künstler, die die Landschaft des Surrealismus und Kubismus prägten. Bis 1924 hatte sich Miró den Vertretern des Surrealismus angeschlossen, blieb jedoch einer übergreifenden Klassifizierung seiner Kunst abgeneigt. Stattdessen zielte er darauf ab, die traditionellen Vorstellungen von Kunst herauszufordern und sie durch eine „Ermordung der Malerei“ zu untergraben.

„Ich will die Malerei ermorden! Ich beabsichtige zu zerstören, alles zu zerstören, was in der Malerei existiert. Ich verachte das Malen vollkommen … Ich werde ihre [kubistische] Gitarre kaputt machen.“ — Joan Miro

Bei der Verfolgung seiner unverwechselbaren künstlerischen Vision wandte Miró aggressive Taktiken an, die darin bestanden, rohe Leinwände zu durchstechen, Farbe direkt aus Tuben auf ungrundierte Oberflächen aufzutragen und unkonventionelle Materialien wie Federn, Korken, Schnüre, Reißnägel, Emaille und Zeitungsblätter darin zu integrieren seine Kompositionen. Er verwendete Nägel, Sandpapier, ein Seil, Kork, sogar ein Haarbüschel in seiner „ Spanischen Tänzerin “, 1928.

Joan Mirós individualistischer Stil wurde von verschiedenen Einflüssen geprägt, darunter die spontane Kreativität von Kinderkunstwerken, die traditionelle Volkskunst Kataloniens und die Erforschung des Unterbewusstseins. Durch diese Verschmelzung schuf er einen unverwechselbaren, spielerischen, rätselhaften Ansatz, indem er einfache Formen und lebendige Farben verwendete, um Werke zu schaffen, die ein kindliches Gefühl von Wunder und Mysterium ausstrahlen.

„Ich hatte es immer genossen, nachts aus den Fenstern zu schauen und den Himmel und die Sterne und den Mond zu sehen, aber jetzt durften wir das nicht mehr, also habe ich die Fenster blau gestrichen und meine Pinsel und Farbe genommen, und das war der Beginn der Konstellationen.“ — Joan Miró (an einen Freund)

Zu Beginn des Zweiten Weltkriegs zog Miró nach Varengeville in der Nähe der Normandie. Er wurde von dem Stromausfall inspiriert, der das Dorf heimsuchte, was zu einer seiner hellsten Kreationen führte – The Constellations . Inspiriert von seiner Sehnsucht, der Realität zu entfliehen, legten die Figuren in diesen Werken ihre aggressiven Qualitäten ab und nahmen eine idealisiertere Form an, die eine Welt darstellt, in der alle Wesen friedlich mit den verschiedenen Bewohnern des Himmels koexistieren.

Die Barcelona-Serie , eine Reaktion auf den spanischen Bürgerkrieg, verströmt einen wilden Geist – verzerrte und groteske Figuren und knurrende Gesichtszüge bevölkern die Serie von 50 Drucken. Diese Ogress-ähnlichen Figuren sind von der Hauptfigur Pére Ubu aus Alfred Jarrys Stück inspiriert, einem feigen Diktator und angeblich von Franco und seinen Generälen. In den Sternbildern wird die Frau als zartes und zartes Wesen dargestellt, das an Liebe, Musik und Poesie erinnert. In der Barcelona-Serie stellt Miró die Frau als Ogress dar – ein Symbol für Gewalt, Aggression und Abstoßung.

Während des letzten Jahrzehnts seines Lebens tauchte Miró in die Welt des traditionellen katalanischen Handwerks ein, das als Sobreteixim bekannt ist . Sobreteixim ist ein archaischer katalanischer Begriff, der sich auf ein kleines Stück Stoff bezieht, das verwendet wird, um einen größeren Stoff zu reparieren; es beflügelte die Fantasie des katalanischen Modernisten, als er mit dem Begriff der Collage spielte. Mirós Streifzug in diese besondere Textilform spiegelt sein tiefes Interesse an Volkskunst und -kultur wider. Seine Sobreteixims sind mit leicht identifizierbaren Symbolen, Vogelfiguren und verschiedenen Requisiten gefüllt, die von einer rustikalen und rauen Textur durchdrungen sind. Eines seiner beeindruckenden Werke im Museum war „ Sobreteixim mit acht Regenschirmen“.

Ein weiteres wunderbares Exponat, „ Woman Encircled by a Flight of Birds in the Night“ – die 11 x 11 Fuß große Leinwand auf Plane, so Miro, „ hat sie mir von einem Bauern gegeben, der sie für unsichtbar hielt“. Die Leinwand zeigt durch ihre Knoten und Griffe ein raues und mühsames Leben auf den Feldern. Ursprünglich zum Tragen von Trauben während der Ernte verwendet, dient die Plane als Grundlage für dieses Kunstwerk. Der Rahmen der Leinwand dient als physische Darstellung des Zeitablaufs und der Beziehung zwischen Mensch und Natur.

„Meine Figuren wurden der gleichen Vereinfachung unterzogen wie meine Farben. Vereinfacht wie sie sind, sind sie menschlicher und lebendiger, als sie es wären, wenn sie in all ihren Details dargestellt würden. Im Detail dargestellt, würden sie ihre imaginäre Qualität verlieren, die alles aufwertet.“ — Joan Miro

Eines von vielen faszinierenden Kunstwerken ist das doppelte und überlagerte „Selbstporträt“ in zwei völlig unterschiedlichen Momenten in Joan Mirós Leben. Die erste ist eine feine Strichzeichnung aus dem Jahr 1937, mitten im spanischen Bürgerkrieg, wo die detaillierten Gesichtszüge des Künstlers die weit geöffneten Augen und Nasenlöcher und die fest geschlossenen Lippen sind. Die oberste Schicht ist von 1960, vermeidet es, seine Sinnesorgane zu verbergen. Seine Augen sind eingekreist und eine der Pupille ist sogar rot hervorgehoben.

„Die Eroberung der Freiheit bedeutet für mich die Eroberung der Einfachheit. An der äußersten Grenze kann also eine Linie, eine Farbe ein Gemälde ergeben.“ — Joan Miro

Miró fuhr fort, einige berühmte Triptychen zu schaffen. „ Malerei auf weißem Hintergrund für die Zelle eines Einsiedlers I, II, III “ – ich beobachtete es genau, in der Hoffnung, das Geheimnis zu lüften – eine dünne schwarze Linie, die sich über die Leinwand nach oben schlängelte. Alle Symbole und Zeichen sind jetzt verschwunden, und wir haben eine unsichere Linie, die aussieht wie ein Pfad, der von einem Punkt zum anderen führt. Dies ist ein immersives Triptychon – das die Grenze zwischen dem Betrachter und der Kunst verwischt und eher zu einem Erlebnis als zu einem bloßen Betrachten anregt.

Miró sah die Linie als Ursprung aller Malerei und damit als Ursprung der Schöpfung und Existenz, ein Thema, das er während seiner gesamten Karriere erforschte. Ein weiteres Triptychon im nächsten Abschnitt war „ The Hope of a Condemned Man I, II, III, 1974“ – Das Kunstwerk zeigt deutlich eine dominante Linie, die ein Gefühl des Fallens und Seufzens vermittelt, begleitet von sporadischen, bunten Kritzeleien, die an verblassende Erinnerungen erinnern und ein leichter Farbspritzer. Viele vermuten, Miró könnte auf das Leben von Salvador Antich hoffen, einem jungen Anarchisten aus Katalonien, der im selben Jahr im Gefängnis erdrosselt wurde.

Zwei meiner Lieblingskunstwerke sind im Museum untergebracht.

„Das Gold des Azurblaus “ – ich lebte seit Jahrzehnten mit dem Kunstdruck bei mir zu Hause. Endlich war es ein Moment, das ursprüngliche Meisterwerk zu sehen! Der Multimedia-Leitfaden bot eine komplexe Darstellung des Erstellungsprozesses der Leinwand. Es zeigte einen flüchtigen Eindruck von Mirós anfänglicher grober Skizze! Dieses Meisterwerk hat sogar eine Verbindung zu seinem Triptychon „ The Hope of a Condemned Man“ von 1974. Man muss die Erzählung persönlich erleben, um ihre Bedeutung vollständig zu erfassen.

Dasselbe gilt für „ Das Lächeln einer Träne “ – der Prozess der Leinwanderstellung wurde durch immersives Geschichtenerzählen vermittelt, das Mirós persönliche Notizen, Kritzeleien und Fotografien kombinierte. Diese Detailgenauigkeit fügte der Erzählung Tiefe und Reichtum hinzu und machte das Erlebnis unvergesslich. In diesem Meisterwerk schlägt Joan Miró vor, dass wir „ nach dem in der Stille verborgenen Geräusch, der Bewegung in der Unbeweglichkeit, dem Leben in unbelebten Dingen, dem Unendlichen in der Endlichkeit, Formen in einer Leere und mir selbst in der Anonymität suchen“.

Die „Burnt Canvases“ verkörpern einen entscheidenden Aspekt in Mirós späterem Werk, das frankoistische Spanien, das mit seiner Kritik an einem korrupten Weltmarkt verwoben ist. In einem Interview sagte Miró: „ Ich habe diese Leinwände auf der Ebene der Form und des Berufs verbrannt und als eine andere Art, all jenen Scheiße zu sagen, die sagen, dass diese Leinwände ein Vermögen wert sind. ” So erneuerte Miró die ' Ermordung der Malerei ', indem er seine Leinwände während der wirtschaftlichen und politischen Krise des späten Francoismus verbrannte.

Die Entstehung der verbrannten Leinwände wurde von Francesc Català-Roca in einem Kurzfilm dokumentiert, der von der Fundació Joan Miró zur Verfügung gestellt wurde . Es war erschreckend, den Film zu sehen.

„Ich habe diese Bilder in einem Wahnsinn gemalt,
mit echter Gewalt, damit die Leute wissen,
dass ich lebe, dass ich atme,
dass ich noch ein paar Orte vor mir habe.
Ich gehe neue Wege.“

— Joan Miró, 1978

Am Ende des Tages saß ich bereichert und zufrieden im Museumscafé, nippte an einem Glas Wein und dachte über Joan Mirós riesige, vielfältige Kreationen nach. Man muss Miros Kunst erleben. Es ist für mich unplausibel, zu entziffern, welche Linien welche Emotionen symbolisieren, oder seine Verwendung von Vögeln oder Sternen oder der Farbe Blau zu analysieren. Auch wenn ich sein Blue I – III nicht beschreiben oder verstehen kann, wie die Liebenden mit den Mandelblüten spielten, kann ich doch sicherlich bei seiner Reise dabei sein, die komplex und doch wunderschön ist.

„Die Werke müssen mit Feuer in der Seele erdacht, aber mit klinischer Coolness ausgeführt werden.“
– Joan Miro