Nachdem Yang eine Roboterseele nach Sundance gebracht hat
Vor ein paar Tagen habe ich mich laut gefragt, ob die diesjährige große Übernahme von Sundance Cha Cha Real Smooth sein würde , die äußerst sympathische postgraduale Komödie, geschrieben, inszeniert und mit Cooper Raiff. Vielleicht hat Apple zugehört. Heute Morgen wurde bekannt, dass das Unternehmen Raiffs Film für 15 Millionen US-Dollar gekauft hat, um angeblich konkurrierende Angebote von Netflix, Amazon und Sony zu verdrängen. Es ist in der Tat der größte Verkauf des Festivals – obwohl auch gut 10 Millionen Dollar weniger als das, was Apple letztes Jahr für CODA bezahlt hat, den großen Jury- und Publikumspreisträger und einen Film, der zumindest oberflächlich mit Cha Cha Real Smooth vergleichbar ist mit dem Ziel, ein Lächeln auf die Gesichter zu zaubern und auch ein paar Tränen über sie zu schicken.
Ich habe keine Ahnung, ob CODA die rekordverdächtige Summe „wert“ war, die im vergangenen Januar für den Erwerb ausgegeben wurde. Im Streaming-Zeitalter reichen die Metriken, mit denen wir das einst ermittelt haben, nicht mehr aus. (Wäre Happy, Texas ein Hit auf Hulu gewesen?) Aber der Film hat ein Publikum gefunden. Und es läuft gut bei den Preiswählern. Dieser Morgen brachte nicht nur Neuigkeiten über die diesjährige große Sundance-Versteigerung, sondern auch die neueste Entwicklung in der märchenhaften Erfolgsgeschichte des letzten Jahres, wobei CODA Nominierungen von der Producers and Writers Guild hinzufügt, um die bereits vom Bildschirm aufgenommenen zu ergänzen Gilde der Schauspieler.
Vielleicht ist das die Art von Kapitalrendite, die Apple mit diesen großen Akquisitionen anstrebt. Ich frage mich, ob Oscar-Nominierungen für die Streaming-Giganten wertvoller sind als je zuvor für die Mini-Major-Studios, die ihre gefeierten Indies langsam auf verschiedenen Theatermärkten entfalten. Wie viele Streams und Abonnenten wird das Gütesiegel der Akademie kaufen? Wahrscheinlich mehr als die Tickets, die Apple verkaufen würde, wenn CODA Mitte nächsten Monats noch die Großstadtrunden drehen würde.
Wie bei jedem anderen Aspekt der Branche müssen Sundance und der übliche Kaufrausch, der damit einhergeht, jetzt bei der breiteren, pandemieeskalierten Verlagerung hin zum Home Viewing berücksichtigt werden. Vielleicht spielt es keine Rolle, dass weder CODA noch Cha Cha Real Smooth die Premieren in vollgepackten Hörsälen haben, die normalerweise einen zertifizierten Sundance-Publikumsliebling begrüßen. Schließlich werden sie viele Leute sowieso nicht vor einer vollen Menschenmenge sehen. Vielleicht ist es für Käufer besser, einfach zu versuchen, zu beurteilen, wie sich diese Filme im Vakuum des Heimkinoerlebnisses abspielen – oder zumindest zuzuhören, wie das virtuelle Publikum sie ohne die wohltuende Verstärkung eines Live-Lachtracks oder der Besetzung und Crew empfängt ein paar Reihen weiter unten im Eccles sitzen.
Die zarten Vorzüge von After Yang , einem Science-Fiction-Drama des Video-Essayisten und Sundance-Absolventen Kogonada, sind von der Couch aus perfekt zugänglich und ohne dass ein Publikum sie mit hörbaren Reaktionen untermalt. (Es ist nicht gerade die Art von Film, die für Applaus oder so etwas pausiert.) Trotzdem wünschte ich, ich hätte ihn auf der großen Leinwand sehen können, um mich besser in der glatten, geordneten Schönheit seiner Bilder zu sonnen und von der Stille seiner umhüllt zu werden melancholische Welt von morgen. Der Film wurde letzten Sommer in Cannes uraufgeführt und wie Happening – die Venedig-Gewinnerin Katie hat gestern darüber geschrieben – es kommt jetzt in Sundance als Teil des unschätzbaren Spotlight-Programms an, das eine Auswahl von anderen Festivals zusammenfasst, die in Park City gut ankommen könnten. Dass es hier etwas besser ankommt als in Cannes, sagt wahrscheinlich etwas über beide Feste aus.
Der Film spielt in einer unbestimmten, wahrscheinlich nicht besonders fernen Zukunft, in der Androiden alltäglich und weit verbreitet sind. Colin Farrell und Jodie Turner-Smith sind ein Ehepaar, das einen dieser sogenannten „Techno Sapiens“ als Kombination aus Babysitter, Geschwister und Kulturerzieher für ihre Adoptivtochter Mika (Malea Emma Tjandrawidjaja) erworben hat. Als Yang (Justin H. Min), wie dieser Roboterdiener genannt wird, eine Fehlfunktion erleidet und in einen katatonischen Werkseinstellungszustand verfällt, macht sich Farrells emotional distanzierter Vater/Ehemann Jake auf den Weg, um ihn zu reparieren – ein Fehlersuche-Exkurs, der zu einer Untersuchung wird Yangs geheime Herkunft und das Mysterium seines künstlich intelligenten Verstandes.
Das ist Science-Fiction der Sorte Her : mehr neugierig als besorgt über unser Verhältnis zur Technologie, ernsthaft emotionale Software in eine glatt ansprechende Hardware hüllen, angesiedelt in einer zukünftigen Welt, die in verschiedenen Details glaubwürdig futuristisch erscheint, aber nicht mit ihnen übertreibt (weil wir natürlich nur eine leicht verzerrte Version von jetzt sehen). Die Spezialeffekte werden minimal eingesetzt und sind in einigen Fällen alles andere als bemerkenswert; Yangs Speicherbank wird auf unkreative Weise als ein riesiges virtuelles Feld aus leuchtenden Miniaturansichten visualisiert, über das der Zugriffsberechtigte hin- und herwechseln muss. In Farrell, der manchmal roboterhafter erscheint als der Roboter, verkörpert der Film seinen Angriffsplan; Die scheinbare emotionale Distanz des Stars verdeckt eine Fülle verborgener Gefühle.
Nachdem Yang mit Satire flirtet, einen internationalen Webcam-Tanzwettbewerb einführt – ein Handlungselement, das einen anfänglich seltsamen Ton angibt, fällt der Film fast sofort ab – und einschließlich einer lustigen, toten Szene zwischen Jake und dem Kundendienstmitarbeiter, dem er in der vage dystopischen Version des Films begegnet ein Apple-Store. Meistens ist Kogonada jedoch zu sehr dem gefühlvollen Sci-Fi-Minimalismus des Films und seinen philosophischen Zielen verpflichtet, um viele exzentrische Umwege zu gehen. Es gibt Zeiten, in denen sein kritischer Hintergrund deutlich wird, und ich spreche nicht nur von einer Flashback-Szene, in der Jake und Yang über einen Les Blank-Film diskutieren. Wie sein schönes Regiedebüt, das Walk-and-Talk-Indie-Drama Columbus , diese konzeptionell ehrgeizige Fortsetzung hat die Angewohnheit, ihre Themen laut auszusprechen; es ist ein film über erinnerung und identität, der im wesentlichen immer wieder verkündet, dass es um erinnerung und identität geht.
Trotzdem, nachdem Yang zu mir kam. Kogonada kommuniziert in seinen wunderschönen Kompositionen mit dem Geist von Ozu; Es ist die Art von Film, die einem manchmal plötzlich das Herz packt, und zwar durch nichts anderes, als wie er die Figuren in Beziehung zueinander und zu ihrer Umgebung stellt. Und der Regisseur entdeckt ein sehr berührendes Gespenst in der Maschinerie seiner Erzählung. Yang, ursprünglich als buchstäbliches Bildungsinstrument eingesetzt, um Mika mit ihrem chinesischen Erbe zu verbinden, wird zu einem wandelnden Symbol für die Adoptionserfahrung; Je mehr Jake von seinem vergangenen „Leben“ aufdeckt, desto mehr wird dieser zurückhaltende Schnulzen zu einer Meditation darüber, wie die Identität von Kindern manchmal sowohl von der Kultur, in die sie hineingeboren wurden, als auch von der Kultur, in der sie aufgewachsen sind, geprägt wird. Wenn nach Yanggelegentlich einen Essay vorschlägt, der unvollkommen in eine narrative Form gebogen ist, einige seiner zahlreichen Ideen sind sehr ergreifend und seine Prosa ist alles andere als mechanisch.
Als ob Androiden nicht genug wären, wird das Klonen schließlich auch in die Handlung aufgenommen – obwohl es, wie fast alles andere, ein fantastisch hohes Konzept in After Yang ist, ist es hauptsächlich dazu da, thematische Untersuchungen zu erleichtern. Dieser wundersame Fortschritt der Wissenschaft erhält eine zentrale Position im geschickt betitelten Dual , obwohl er auch hier für mehr als nur dramatische Zwecke eingesetzt wird. Diese düstere Komödie von Autor und Regisseur Riley Stearns ( The Art Of Self-Defense ) besetzt Karen Gillan in einer, ähm, Doppelrolle: Sie spielt sowohl Sarah, eine orientierungslose junge Frau, die entdeckt, dass sie eine unheilbare Krankheit hat, als auch Sarahs Klon, der ihr Leben übernehmen wird, um ihre Mutter und ihren Freund vor Trauer zu schützen, nachdem sie gestorben ist . Doch als Sarah die unmöglichen Chancen überwindet und in Remission geht, findet sie sich in der vom Gericht angeordneten Position wieder, gegen ihr identisches genetisches Doppel bis zum Tod im Live-Fernsehen kämpfen zu müssen, um ihr eigenes Leben zurückzugewinnen.
Ich brauchte eine Weile, um auf die absurde Wellenlänge von Dual zu kommen (dessen Titel natürlich auch eine doppelte Bedeutung hat). Ein Teil dessen, was mir im Weg stand, war Gillans absichtlich gestelzte Zombie-Außenseiter-Routine, ihr lobotomie-geduldiger Shtick. Es hat eine harte Eintrittsbarriere geschaffen: Wenn Sarah sich kaum darum zu kümmern scheint, ob sie lebt oder stirbt, warum sollte ich es tun? Welches Gelächter auch immer ihre Cartoon-Gleichgültigkeit provozierte, es scheint den Film daran zu hindern, sich über das Niveau einer übertriebenen Skizze zu erheben, besonders als Sarahs Klon auftauchte und Gillans schauspielerische Übung darauf hinauszulaufen schien, nur noch toter Pan zu spiegeln.
Doch die Performance entpuppt sich als ebenso strategisch wie Farrells Kühle in After Yang . Unter dem beiläufigen Wahnsinn seiner dystopischen Gag-Maschinenwelt Dualist eine letztlich eher vernichtende Komödie über die seelenraubende Enttäuschung und Eintönigkeit des Alltags. Das Ende hat echte Zähne, abgesehen davon, dass es alles untergräbt, was der Bogen des Konflikts zu sein schien. Außerdem bin ich auf den komischen Ansatz von Stearns gestoßen. Er hat eine sehr lustige, gemeine Ader in sich und spielt mit unseren Emotionen während einer clever gelösten Szene, in der Aaron Pauls Selbstverteidigungslehrer – eine scheinbar obligatorische Figur in der Arbeit dieses Filmemachers – seinen eigenen Hund benutzt, um Sarahs Killerinstinkt zu testen. Irgendwann kam mir eine Miller-Analogie in den Sinn, die mich nicht mehr losließ: Stearns ist für Yorgos Lanthimos das gleiche wie Jared Hess für Wes Anderson.
Während Dual mich langsam überzeugte, stellte Resurrection meine Erwartungen ziemlich plötzlich und auf ziemlich teuflische Weise auf den Kopf. Es ist eine weitere der scheinbar unzähligen Genreauswahlen dieses Jahres bei Sundance, und für eine Weile sieht es aus wie ein ziemlich bekanntes Spiel mit zunehmender psychologischer Spannung. Rebecca Hall spielt Margaret, eine leicht angespannte Geschäftsfrau in Albany, New York, deren Tendenz, ihre 17-jährige Tochter (Grace Kaufman) nervös zu erziehen, auf Hochtouren läuft, als sie anfängt, einen Mann aus ihrer Vergangenheit (Tim Roth, Gebäude) zu entdecken ziemlich das Spätkarriere-Portfolio böser Kunstthriller). Wer ist diese mysteriöse Gestalt und warum versetzt ihr bloßes Erscheinen Margaret in eine rasende Panikspirale, einen Zusammenbruch der Angst?
Regisseur Andrew Semans verleiht Resurrection von Anfang an eine klare Dringlichkeit; Noch bevor irgendetwas offiziell aus dem Ruder läuft, nerven uns das geschwungene Gleiten der Kamera und die messerscharfe Effizienz des Schnitts. Dennoch sollten Festivalbesucher inzwischen mit dieser Art von Paranoia im Repulsion -Stil bestens vertraut sein. Als Semans schließlich sein großes Geheimnis preisgibt, nimmt der Film eine Wendung zum einzigartig Verrückten. Ich werde nicht einmal darauf hinweisen, was es ist, aber es ist zutiefst, bizarr beunruhigend – und irgendwie noch mehr dadurch, wie der Film es enthüllt, durch einen Monolog, der in einer bravourösen Einzeleinstellung vorgetragen wird, anstatt durch die offensichtlichere Wahl einer Rückblende .
Resurrection wird von hier an nur noch verrückter und knorriger, bis hin zu seinem verrückten großen Schwung eines Endes. Ich bin nicht ganz davon überzeugt, dass es viel über Mutterschaft, Trauma, Missbrauch, Kontrolle zu sagen hat – wirklich jedes der Themen, die es während Margarets mulmiger Abrechnung mit ihrer Vergangenheit berührt. Aber Hall hält alles mit ihrer zitternden Überzeugung zusammen. In den letzten zehn Jahren wurde sie zu einer Schutzpatronin des Horrors, die Geistergeschichten und Yuppie-in-Gefahr-Thrillern gleichermaßen emotionale Authentizität verleiht. Wenn Resurrection mich unvorbereitet erwischte, konnte es ihre fesselnde Flüchtigkeit in seinem Zentrum nicht. Sie bringt es immer mit.
