Arte abstracto

El arte abstracto es fascinante. Es verdaderamente revolucionario. Durante siglos, el arte se ha medido por la destreza con la que los pintores retrataban el mundo que los rodeaba, acercándose a un ideal ilusorio de la naturaleza. Más cerca de la década de 1900, la expresión artística se desarrolló de varias maneras. La distorsión de la naturaleza se aceptó en el art. Y esta distorsión llevó a la erradicación de todas las referencias figurativas en pintura y escultura.

La base filosófica del arte abstracto se remonta a Platón, quien identificó la belleza absoluta inherente a las líneas rectas y curvas independientemente de cualquier significado figurativo. Sin embargo, su aparición como forma de arte se vio acelerada por dos desarrollos en la segunda mitad del siglo XIX. Primero fue la popularización de la fotografía, que parecía haber logrado una reproducción científicamente exacta de la naturaleza. Otra fue la noción romántica de que todas las artes aspiran a la condición de la música, gloriosamente emocional, sugerente y, en última instancia, no figurativa. Según los escritos de Apollinaire de 1912, el arte abstracto iba a estar en la misma relación con el arte tradicional que la música con la literatura. Iba a abrir un nuevo mundo de expresión.

Las afirmaciones de Apollinaire eran bastante optimistas. Las formas y el color de Statis nunca tuvieron tanto impacto como los sonidos musicales. La naturaleza amorfa del arte abstracto es un desafío para el mercado. ¿Cómo mides su calidad? ¿Cómo lo valoras? Para establecer alguna estructura, el mercado recurre a la historia. Se impone una narrativa. El impresionismo fue el primer eslabón de una cadena inexorable. Entonces, el arte abstracto se ajusta a la vieja plantilla clásica versus romántica. El hilo clásico está representado por formas geométricas de Malevich y sus compañeros supremacistas, por óvalos y verticales curvos de Brancusi, por cuadrículas de Mondrian. El romántico es un expresionismo abstracto más subjetivo que culmina en la anárquica libertad de Jackson Pollock y la infinita sugestión de Rothko.

Al valorar el arte abstracto del pasado, ayuda evaluarlo dentro del marco histórico-artístico. Pero, al mismo tiempo, la estética es innegablemente esencial e impacta en los juicios. Primero, pensemos en el color: se valora más un Miró azul que uno marrón. Líneas: la rectitud pura de la incisión de una hendidura de Fontana es algo que debe admirarse infinitamente. Tales consideraciones simples son significativas. Sin embargo, pueden surgir disputas entre los puristas clásicos. Las cuadrículas de Mondrian inspiraron a Theo van Doesburg, pero se abrió una brecha entre ellas sobre la diagonal: van Doesburg mantuvo su dinamismo; Mondrian no aceptaría nada de eso. Como resultado, no intercambiaron una palabra durante varios años. Si piensas en los precios de Mondrian y los comparas con los de van Doesburg hoy, la opinión de Mondrian parece haber prevalecido.

La necesidad de estructura del mercado condujo a la reevaluación de artistas anteriores como buenos o significativos (lo que significaba valiosos). Se notó al escritor Victor Hugo mientras experimentaba con manchas de tinta. Las pinturas de manchas del colorista del siglo XVIII Alexander Cozens también llamaron la atención. Experimentó con manchas aleatorias o puntos de tinta en sus dibujos mientras representaba un paisaje. Inesperadamente, el último Monet se volvió más importante que el primero. Sus nenúfares, en los que los efectos de la luz sobre el agua se representan con amplias pinceladas, se consideraron ejemplos importantes del expresionismo abstracto, mientras que también podrían interpretarse como el esfuerzo de un impresionista por hacer frente a su vista defectuosa.

El arte abstracto invita al misterio de la creación artística, donde el arte pasa a ser no figurativo, donde el arte elimina sus lazos con lo objetivamente identificable y se vuelve incognoscible, infinitamente interpretable. ¿Se pueden hacer obras de arte por casualidad? Strindberg pensó que podrías. Escribió un artículo en 1894 en la Revue des Revues titulado 'Sobre el azar en la producción artística' que formula una teoría del 'arte automático' en la que el artista trabaja a través de una 'feliz mezcla de creación consciente e inconsciente'. El azar tiene un papel significativo que jugar en el arte abstracto, particularmente en el expresionismo abstracto: las manchas de tinta de Hugo y Cozens; la felicidad fortuita de las marcas creadas por una bicicleta sobre un lienzo; el feliz efecto de un pincel cargado que se desliza sobre la superficie de la pintura o se deja gotear aleatoriamente de un solo trazo. A este respecto,

Pero eso, al menos, no es difícil de aceptar para el mercado: si algo reflejan los mercados es el papel que juega la suerte y el azar en todos los intercambios humanos, especialmente en los comerciales.