Detrás del velo negro de Nurhan Gokturk

Nurhan Gokturk resume el delicado equilibrio entre las experiencias conscientes y fisiológicas de la emoción humana a través de su exposición Behind the Black Veil. Al comprometer sus prácticas interdisciplinarias de dibujo, pintura, instalación y grabados, le da materialidad a la condición humana a través de abstracciones y representaciones estimulantes.

En el primer encuentro, la obra se apodera del espectador de una manera emocionalmente entusiasta. La colocación de la obra es muy estratégica, al igual que la iluminación. La primera sala, que está brillantemente iluminada, contiene obras que a primera vista son más grandes y naturalmente envolventes, casi como para dar al espectador la sensación de una ola de emociones que se apoderan del cuerpo. A través de la utilización de piezas de múltiples paneles con muchas capas, Gokturk busca intencionalmente provocar una respuesta emocional que hable a una conciencia desconcertante. Es a través de esta conciencia que el propio espectador queda expuesto y se hace vulnerable mientras se mueve por el espacio.

El trabajo es intrínsecamente emotivo: hay diferentes rangos de emoción que irradian de cada panel individual, pero dado que todos los trabajos son polípticos, luego se expanden a través de la suma de sus partes. Todo el trabajo se compone de tinta, aceite y cera en diferentes consistencias sobre papel fino. Una cosa es segura: todos contienen su propio velo. Como lo señala el título de la muestra, el velo es un factor clave para este cuerpo de trabajo, operando como un objeto transparente que simboliza el ocultamiento o la ofuscación.

En cuentos contados dos veces, un políptico continuo, la dificultad de la reconciliación se explora en las formas del centro, más ligero y con mucha tinta, y los paneles exteriores de cera y aceite negros, de varias capas y con mucha textura. Según el artista, las porciones de cera y aceite de las obras son indicativas de los extremos de las emociones humanas en un lado del velo (sentimientos como ansiedad, tristeza, miedo, culpa) que se yuxtaponen con los paneles más delicados en los que predomina la tinta. notado por su colorido inalterado como la vulnerabilidad del yo y la autoconciencia que existe al otro lado del velo. Hay una interpretación de la visibilidad y la invisibilidad que alude a una tensión entre lo que está en la luz, una danza de vulnerabilidad similar a un vals que surge y está velada por las extremidades oscuras y en capas, una inundación tórrida de emociones irregulares.

Hay una dureza en los grabados deliberados a través de las capas de aceite y cera, una serie de movimientos ansiosos, casi frenéticos, que solo tras una inspección más cercana se ve que están muy controlados. Esto recuerda a la angustia en medio de una emoción extrema, un velo del yo a través del lienzo como un cuerpo, hasta el punto de que el políptico casi se consume con la intensidad. Los paneles centrados y cargados de tinta funcionan como un ancla, un faro de la memoria que recuerda que no todo está perdido y que aún se puede encontrar a uno mismo. La tinta repetitiva y en bucle opera como su propio mantra reverberante de ser en sí mismo. Debajo de las capas pesadas y texturizadas de aceite y cera, se encuentran los dibujos en tinta en su estado original, invisibles pero sin cambios.

Según Gokturk, esta fluctuación entre la precisión y la imprudencia habla directamente de la dificultad de reconciliación entre el yo y el no-yo. Los secretos subyacentes, al salir a la superficie, aún mantienen un aire de separación a pesar de los continuos intentos de reconciliación. Hay un desafío, una tensión al tratar de volver a ese espacio, como lo demuestran las líneas verticales que cincelan el lienzo para revelar lo que está oculto.

Esta ofuscación visceral se promueve en Baptized in Dew , un díptico que contiene un motivo de alguien con gafas de sol o creando un filtro consciente de lo que se ve o no se ve. Con reminiscencias de agua burbujeando, todavía hay capas de tinta, cera y aceite, manteniendo la materialidad y el proceso de espacialidad que se ve en las otras obras. Sin embargo, la vitela opera como un escudo que no se ve en las otras obras, un velo más consciente y físico que evoca un deseo de exponer lo que está del otro lado.

En la segunda habitación, más oscura, hay una ola diferente de emociones, que crece desde una pequeña pieza de un solo panel y crece hasta convertirse en un video del tamaño de una pared. La ubicación cambia las dimensiones entre las dos habitaciones y, por lo tanto, cambia las capas de interacción desde la primera hasta la última obra. Aquí, somos llevados de la abstracción a lo relacional, de obras sobre lienzo resistente a obras más delicadas sobre papel.

Esta relatividad se nota más en Power Lines , un políptico de papel de 12 que comienza con marcas de tinta fragmentadas. Luego crece en escala para parecerse a las líneas eléctricas y postes de servicios públicos demasiado familiares que aterrizan al espectador en el paisaje visual de Nueva Orleans fuera del Barrio Francés. A medida que los paneles continúan, la atención se centra más en los transformadores, con más capas de cera y aceite hasta que, en última instancia, el último panel se consume por completo. Este velo en particular habla de la infraestructura, algo que se puede ocultar pero que es evidente en la miríada de formas que afectan las dinámicas de poder en un lugar.

El trabajo más palpable es The Orchard of Eve, un video animado proyectado en mylar de un solo dibujo que se superpuso varias veces. Creado en colaboración con Christina Molina y Ryan Wilson, el trabajo presentaba delicadas líneas de tinta y símbolos acompañados de orbes de varios tamaños que se invierten a medida que se superponen. Lo que una vez estuvo velado, queda develado. Hay una danza, un flujo y reflujo performativo entre revelar y ocultar, casi como si hubiera una vacilación en ser completamente uno u otro, ser vulnerable o ser consumido.

La palpabilidad se evidencia a través del elemento interactivo de la obra debido a su doble cara. Cuando en un lado, el espectador ofusca el video, pero en el otro lado, al que se puede acceder a través de una entrada separada, el espectador no puede. El lado no ofuscado también contiene una pieza oculta, Memory of a City, una impresión digital de un dibujo intrincado que sugiere el centro de una ciudad. Aunque el espectador no se ve detrás del velo de mylar de la animación, ambos lados pueden escucharse.

El velo se ha utilizado en una multitud de culturas y religiones por una miríada de razones, pero más comúnmente como símbolo de un estilo de vida exclusivo, ya sea por religión o estatus social; o, como escudo para un objeto o espacio que se considera sagrado. Con estas obras, Gokturk oscurece la fisicalidad de la gama de emociones que se sienten en cada precio, al mismo tiempo que permite que surjan fragmentos deliberados y controlados. Es una confrontación directa del velo que los humanos hacen en la vida, por mucho que lo intentemos, alguna verdad se filtrará. Esa aceptación agrega aún más peso a la vulnerabilidad de la obra, una vulnerabilidad a la que permite que los espectadores sean participantes receptivos. Así, al ver la obra, también nos estamos viendo a nosotros mismos. Sin embargo, en lugar de una réplica exacta,

Cuando se le preguntó qué quiere que el espectador se lleve del trabajo, Gokturk dijo que su esperanza es que reflexionen sobre la existencia de un "misterio" que existe entre ellos y quienes los rodean. “Y cuando digo misterio, me refiero a una niebla. No es como un misterio en el verdadero sentido. Como si hubiera niebla. Y hay un velo, algo que escondemos en nosotros mismos y algo que la gente nos ve. Y siempre hemos estado viviendo con esto. No es tan pronunciado, pero siempre está ahí”.

Behind the Black Veil se exhibe en The Front Gallery en Nueva Orleans del 11 de noviembre al 4 de diciembre de 2022. The Front está ubicado en 4100 St Claude Avenue y está abierto los sábados y domingos de 12 a 5 p. m.

Vea más del trabajo de Nurhan Gokturk en su sitio web e Instagram .