예술과 인공지능

예술과 인공지능 1부

지난 몇 주 동안 Ai 및 예술 세계의 최근 발전에 대한 반응의 물결이 있었는데, 이는 Verge의 이 기사 에 잘 나타나 있습니다. 왜 이런 생각이 잘못된 이유로 잘못된 질문을 하고 있다고 생각하는지에 대해 알아보고 싶지만 조금 참아주셔야 합니다.

나에 대해 조금 시작 하겠습니다 . 저는 음악 제작, 시각 예술, 작문 등 다양한 매체에서 많은 작업을 해왔다는 의미에서 "멀티 하이픈" 아티스트입니다. 나는 유명하지 않지만 이미 방법론을 개발했고, 대체가 아닌 도구로서 어떤 유용성을 제공하는 것처럼 보이는 앱이 나올 때까지 작년의 초기 Ai 앱에 많은 관심이 없었습니다.

여러 아티스트 친구와 이야기를 나누면서 MidJourney 가 아티스트를 염두에 두고 라이선싱에 접근하고 있다는 소식을 들었습니다. 호기심이 발동했습니다.

다음 질문은 이 도구가 기존 워크플로우에서 사용할 수 있는 도구입니까, 아니면 낙서하는 데 약간의 추가 시간을 절약할 수 있는 도구입니까?

지난 몇 달 동안 그 질문에 답하려고 노력하면서 그것은 영감, 흥분, 심지어 터무니없는 유머의 원천이 되었습니다. 비록 내가 보기에 - 적어도 현 단계에서 - 그것이 생산하는 것은 아무것도 없지만 말입니다. -박스 제작 준비중입니다. 절반 정도입니다. (중간, 당신은 말할 수 있습니다).

그러나 그것은 거의 하나의 트릭 조랑말입니다. 텍스트 프롬프트를 구문 분석하는 방법에 대한 핸들을 얻으면 Midjourney의 개발 중인 베타 테스트 버전은 나중에 실제 점토, 특정 스타일의 유화 또는 프로덕션 디자인 요소에서 작업할 점토 저부조 디자인을 이미 상상할 수 있습니다. 벽에 걸린 그림과 같은 세트에서.

보다 광범위하게는 예술적 생산을 위한 상상 조산사 또는 중개자(성별 선호도인 경우)로 훨씬 더 잘 이해되는 것 같습니다 . 예술가가 아닙니다. 머신 러닝 알고리즘에는 대행사가 없으며 대부분의 사람들이 그대로 유지하고 싶어합니다. 우리의 실적을 감안할 때 그것도 마찬가지입니다.

컷업과 랜덤화에 대한 Gysin/Burroughs/Bowie 접근 방식, 즉 리프와 생성의 수단을 사용하면서 90년대 후반부터 개발해 온 시각적 워크플로우에 아주 자연스럽게 들어맞는다는 것을 알게 되었습니다. 여전히 인간 행위자의 개입에 크게 의존하는 예상치 못한 조합.

이것은 제가 작업한 많은 음악 프로젝트에도 해당되지만 시각적으로는 콜라주, 디지털 콜라주, 포토배싱, 포토배싱 또는 연필을 사용하여 모노크롬화된 언더페인팅 등의 디지털 페인팅으로 시작했습니다.

처음에는 소위 "전통 예술"이 병행하여 수행되었는데, 이는 제가 동시에 수행했지만 매우 다른 방식으로 수행한 것입니다.

시간이 지남에 따라 모든 것이 일치했고 방법론의 차이는 점점 덜 중요해졌습니다. 스타일과 매칭하는 방법의 문제가 되었습니다. 저에게 프로세스는 항상 대화입니다. 당신의 의도에 부합하도록 노력하는 것과 당신이 실제로 얻는 것에 따라 당신 자신의 의도를 따르도록 하는 것 사이를 오가는 것입니다. 발견된 예술과 콜라주는 비슷한 기술을 가르쳐줍니다.

조각 자체와의 대화일 수도 있고, 여러 소스 조각과 발견된 개체와의 대화일 수도 있고, 공동 작업자 또는 팀 구성원과의 대화일 수도 있습니다. 또는 당신에게 영감을 주고 당신이 스스로 탐구하고자 하는 작품으로.

여기에서 타이어가 도로와 만나는 지점이 분명해야 합니다. 그러나 포럼에는 Ai가 당신이 요청한 것을 정확하게 전달해야 하는 하인이거나 최종 목표가 즉시 완성된 이미지를 전달하는 것이라는 생각이 끈질기게 있는 것 같습니다. 그 생각에 도전하고 싶습니다.

대신 하는 것처럼 보이는 것은 훨씬 더 재미있고 혼란스러운 것입니다. 의사 소통 및 해석 시도와 그에 따른 때로는 창의적인 오해입니다. “이건 제가 요구한 바가 아닌데 사실 상당히 흥미로운 방향입니다”라는 반응이 일반적입니다. 발견은 미리 제공되지 않고 일러스트레이션 프로세스 전반에 걸쳐 혼합됩니다. 적어도 나에게 이것은 새로운 것이 아닙니다.

동료 아티스트, 프로그래머 등과 함께 수행한 테스트에서 MidJourney 봇이 중재하는 서로의 시각적 아이디어를 공유할 수 있는 공유 채널을 갖는 것이 이미 상당히 가치 있는 것으로 입증되었습니다. 롤플레잉 게임과 같은 활동에 대한 그것의 유용성은 명백하고 또한 이 정도로 대부분 미개척입니다.

Lee Pace가 Halt and Catch Fire 에서 말했듯이 "문제가 아니라 문제에 도달하는 것입니다 . " 그 자체로 최종 목적지가 아니라 인간 간의 상상력 과정을 가속화하기 위한 도구입니다.

Discord에서 MidJourney 주간 토크를 들으면서 저는 Devs와 Mods가 특히 이러한 이유로 커뮤니티 중재라는 절대적인 악몽을 기꺼이 처리할 의향이 있다는 것을 느꼈습니다. 지금까지 내 유일한 불만은 이 선택에서 비롯된 것이지만, 그들이 왜 기꺼이 위험을 감수하는지 이해하게 된 것 같습니다. 그들은 계속 증가하는 단어 목록을 금지함으로써 출력을 제어하기 위해 다소 무차별적인 시도를 사용하고 있으며 그 중 많은 단어가 무해한 의미를 가지고 있습니다. 그것은 그들이 잘 알고 있는 문제이지만, 그들이 다루고 있는 규모에서 무차별 대입 조치는 적어도 중재 직원과 더 미묘한 것을 시도할 수 있는 방법이 있을 때까지 앞으로 나아갈 길로 보입니다. 이것은 아마도 다른 날의 이야기 일 것입니다.

나는 이전에 내 프로세스가 여전히 내 자신의 선택을 꽤 중심에 두고 있다고 말했습니다. 그러나 일반적으로 수학( Schoenberg의 12개 톤 행 과 같은 ), 페인트 얼룩 또는 자연의 힘과 같은 다양한 소스에서 무작위화하여 창작 과정에서 인간 요소를 부분적으로 또는 완전히 제거하는 동등하게 유효한 미적 전통이 있습니다 . 따라서 예술가를 제거하는 것조차 거래를 깨뜨리는 것은 아니지만 그 방법론은 항상 나에게 혐오스러운 것입니다.

"예술이란 무엇입니까?" “왜 예술인가?” "예술은 어때?" 대중화된 현대 및 포스트모던 예술의 대부분은 거의 1세기 동안 이러한 아이디어를 심문했습니다. Warhol, De Kooning, Duchamp, Cage, 미술 학교에서 가르치는 모든 사람들. 해 아래 새 것이 없나니

우리는 같은 질문을 반복하며 이 막다른 골목에 영원히 갇혀 있습니까? 우리는 종종 우리가 창조하는 것과 관련하여 일종의 소중함을 느낍니다.

티베트 모래 그림은 가치 있는 연습을 제공할 수 있습니다. 또는 더 가능성이 희박하게도 내가 일했던 여러 회사의 아트 부서에서 얻은 것인데, 우리 모두 테이블이나 화면에 우리의 구성 요소를 던지지만 누가 무엇을 만들었는지에 대한 논의는 하지 않고 일하다. 서로의 스타일을 배우고 누가 무엇을 만들었는지 추측할 수 있지만 중요한 것은 그것이 중요하지 않다는 것 입니다. 일, 그리고 그것이 하는 일과 하지 않는 일이 중요합니다.

아이러니하게도 비평이 종종 날카롭게 개인적이라는 점을 제외하고는 비슷한 방법론으로 많은 미술 수업을 들었습니다. 학생들은 자신을 위한 일종의 대용물이나 초상으로서 예술을 공격하거나 옹호하는 일에 자주 빠진다. 아티스트로서 기댈 곳이 많지 않습니다. 당신은 당신의 작업을 합법화해야 하고, 그것이 돈으로 볼 수 없다면 당신이 당신의 예술을 위해 기꺼이 갈 정도까지.

여기서 깨달을 수 있는 통찰이 있다고 생각합니다. 예술가로서 자신의 능력을 증명하는 것에 대한 많은 불안이 있을 수 있고, 만약 당신이 조금이라도 성공한다면, 그 작품을 그 대리 자아로 만들 수 있는 많은 기회들 — 여기에 소유권과 통제의 구조가 많이 얽혀 있습니다.

예술은 개인적인 것이고 그것에 대해 이의를 제기할 생각은 없지만, 우리가 산꼭대기에 고립되어 있더라도 고립되어 발생하지 않습니다. 마치 아이를 대학에 보내는 것처럼 영감으로 시작하여 현실과 타협하고 마지막으로 놓아주는 대화입니다.

이것은 내가 책과 같은 주요 프로젝트를 끝냈을 때 항상 내 감각이지만 지금 생각하면 훨씬 더 극적인 의미입니다. 좋든 나쁘든 이제 세상에 나왔습니다. 새로운 친구를 사귈 수 있기를 바랍니다.

우리 자신의 일에 우리의 자아를 부여하는 것은 내가 나 자신을 위해 풀기 위해 몇 년을 보냈던 것입니다. 약간의 성공은 있지만 쉽지 않습니다. 예술가로서 일을 하려고 한다면, 매듭을 깨끗이 완전히 끊는 것이 희망이 될지는 모르겠지만, 그래도 새 매듭을 짓는 것보다는 훨씬 나을 것 같습니다.

이것이 제 2020년 책 MASKS: Bowie & Artists of Artifice 의 핵심입니다 . 예술은 이미 인공물입니다. 그러나 효과를 사용하는 것은 기교이며 종종 우리의 매우 개인적인 내부 경험, 즉 "진실을 말하는 거짓말"에 묶여 있습니다. 속임수의 의도는 순전히 속이기 위한 것이 아니라 현실을 위해 어떤 식으로든 편에 서는 것입니다. 살짝 칠한 페인트는 눈을 속이고 갑자기 상황에 따라 그림자나 나무 그루터기로 변합니다. 그것은 칠한 페인트가 아닌 반면 분명히 그것은 여전히 ​​그냥 그뿐입니다.

또는 Brian Eno의 말에서 " 예술의 의미 "와 관련하여 :

내 생각은 예술 이 무언가를 한다는 것이지 무언가를 의미한다는 것이 아닙니다 .

그 의미는 그것이하는 일입니다.

나는 인정할 것이다, 나는 손으로 작업하는 것이 오늘날 조명 원고나 종이 제작이 작고 종종 줄어들고 있는 장인들의 틈새 시장에 의해 유지되는 방식에서 결국 구식이 될 수 있다는 슬픔이 남아 있음을 인정할 것이다. 그러나 이와 관련하여 그것과 다르지 않습니다. 바퀴가 돌아갑니다.

바퀴가 계속 더 빠르게 회전한다는 사실을 부인할 수 없습니다. 분명히 아직 베타 개발 단계에 있지만 MidJourney와 함께 작업한 짧은 몇 달 동안 MidJourney가 눈에 띄게 발전하는 것을 지켜봤습니다. 그것은 우리가 그것과 더 잘 소통하는 방법을 배우는 동안 우리의 입력으로부터 배우는 것입니다.

이 기술이 5년 후에 어디에 있을지 누가 ​​알겠습니까? 개발자 자신도 잘 모릅니다.

그럼에도 불구하고 이러한 각각의 경우에 그것은 역사적인 연속체의 일부이며 전례가 없는 것은 아닙니다. 저널리즘 간행물과 소셜 미디어를 통해 퍼지는 많은 초기 우려는 놀랍게도 이러한 역사 중 하나를 인식하지 못하는 것 같습니다. 아니면 이것은 Mohammad Khatami의 "빈티지" 밈과 약간 비슷할 수도 있습니다. 그는 모든 미국인이 분명히 De Toqueville을 읽었을 것이라고 가정합니다.

저는 우리가 걱정 해야 한다고 제안하고 싶지만 , 이 기술이 창의성에 위협이 되기 때문이 아닙니다. 그런 점에서 무엇이든 도움이됩니다.

창작 과정이나 안면 인식에 적용될 때 Ai가 제기하는 매우 실질적인 위험은 사용 방법과 강화될 수 있는 편견에서 비롯됩니다. 너무 세세하게 지적하는 것은 아니지만, 기업과 정부가 이를 사용할 것이라는 점을 고려할 때 실패 지점은 분명합니다.

예를 들어 이스라엘 정부가 Google과 협력하여 경찰과 군사용으로 AI 기반 얼굴 인식 및 행동 해석 도구를 제공하는 것과 비교할 때 예술 분야의 위험은 상당히 온화 할 수 있지만 그렇다고 말할 수는 없습니다. 누구의 직업도 위험하지 않습니다. 예를 들어 Ai의 도움 없이는 존재하지 않을 수 있는 많은 새로운 신발 끈 예산 독립 프로젝트와 같이 이러한 효과의 분포는 적어도 잠시 동안 비대칭적일 것이라고 생각합니다. 반면 기업은 Ai 도구를 사용하여 이익이라는 이름으로 하우스 아트 부서에서 스켈레톤 크루까지. 기업은 또한 아티스트가 사용할 도구가 아닌 아티스트 교체로 볼 가능성이 높으며 이는 거의 모든 수준에서 실수입니다. 예측 가능한 것.

윤리 및 기계 지능에 관한 더 광범위한 문제에 대해 잡초에 너무 많이 들어가고 싶지 않습니다. 이를 위해 저는 이 더 광범위한 문제를 정면으로 해결하려고 시도하는 데미안 윌리엄스 와 같은 학자의 작업을 확인하는 것이 좋습니다 . 기업이 지불하는지 여부는 아마도 또 다른 이야기 일 것입니다.

이것은 자주 제기되는 다음 문제로 이어집니다. 저작권. 저는 변호사가 아니며, 어쨌든 문제의 사실은 누가 Ai의 출력을 "소유"할 수 있는지에 대한 광범위한 선례가 있기에는 이 기술이 너무 어리다는 것입니다. 최소한 그 출력물이 재작업되어 다른 용도로 활용될 때까지는 아무도 할 수 없다는 것이 일반적인 합의인 것 같습니다. 이 경우 귀하의 버전은 "귀하의 것"이지만 소스는 그렇지 않습니다.

확실하게 말씀드릴 수 있는 것은 저작권법이 이미 근본적으로… 우리의 노동은 우리가 예술가로서 보호하고자 하는 것이며, 예술가로서 대기업과 거래할 권한이 있는 사람을 보면 이미 명백히 보호받지 못하고 있습니다.

저작권법은 가치 추출을 위한 맥락에서 존재합니다. 이러한 종류의 소유권은 본질적으로 비협조적이며, 공정 사용이 유지되지 않는 위험을 감수하고 싶지 않은 경우 작업을 샘플링, 리믹스 또는 심지어 재해석하는 방법을 줄이거나 완전히 범죄화하려고 합니다. 이것은 간결함을 위해 내가 꿰뚫고 있는 또 다른 매우 큰 주제이지만, 이 Rolling Stone 기사는 저작권법이 창조적 충동에 반하는 방법의 한 가지 예를 제공합니다 .

예술가는 우리 노동의 이익을 더 잘 보호하거나 더 나아가 스스로 가치를 추출하지 않고도 생존할 수 있는 능력, 무언가를 창조하는 동안 우리의 선구자, 출처 및 영감에서 끌어내고 존중할 수 있는 능력과 관련하여 모든 인력이 필요합니다. 이러한 공통 소스에서 고유합니다.

Ai와 예술에 대한 이 짧은 토론을 이상하게 보일 수 있는 곳에서 마무리하고 싶습니다. (또는 당신이 나를 안다면 그렇게 이상하지 않을 수도 있습니다). 톨킨, 신화, 예술에 대한 나의 개념은 본질적으로 협력적입니다.

상당히 긴 인용문이지만 저는 On Fairy Stories 의 중요한 인용문이라고 생각합니다 . 그는 다음과 같이 말합니다.

Max Müller의 신화를 "언어의 질병"으로 보는 관점은 후회 없이 버려질 수 있습니다. 신화는 인간의 모든 것이 병에 걸리는 것처럼 보이지만 전혀 질병이 아닙니다. 생각은 마음의 질병이라고 말할 수도 있습니다. 언어, 특히 현대 유럽 언어는 신화의 질병이라고 말하는 것이 더 진실에 가깝습니다. 그러나 언어를 무시할 수는 없습니다. 육화한 마음, 언어, 이야기는 우리 세계에서 공존합니다. 일반화와 추상화의 힘을 부여받은 인간의 마음은 푸른 풀만 보는 것이 아니라 그것을 다른 것들과 구별하여 볼 뿐만 아니라 그것이 풀인 동시에 푸르다는 것도 봅니다. 그러나 형용사의 발명은 그것을 만들어낸 바로 그 능력에 얼마나 강력하고 자극적이었는가? Faerie의 어떤 주문이나 주문도 이보다 더 강력하지 않습니다. 그리고 그것은 놀라운 일이 아닙니다. 그러한 주문은 실제로 형용사에 대한 또 다른 관점, 신화적 문법에서 언어의 일부일 뿐이라고 말할 수 있습니다.

빛, 무거움, 회색, 노랑, 고요함, 신속함을 생각하는 마음은 또한 무거운 것을 가벼워 날 수 있게 하고 회색 납을 황금으로 바꾸고 고요한 바위를 빠른 물로 바꾸는 마법을 생각했습니다. 하나를 할 수 있다면 다른 하나도 할 수 있습니다. 필연적으로 둘 다했습니다. 풀에서 녹색, 하늘에서 파란색, 피에서 빨간색을 얻을 수 있을 때 우리는 이미 마법부여의 힘을 가지고 있습니다. 그리고 우리 마음 밖의 세상에서 그 힘을 휘두르려는 욕망이 깨어납니다. 우리가 그 힘을 어느 차원에서나 잘 사용하게 되는 것은 아닙니다. 우리는 사람의 얼굴에 치명적인 녹색을 입히고 공포를 일으킬 수 있습니다. 우리는 희귀하고 끔찍한 푸른 달을 빛나게 할 수 있습니다. 또는 우리는 은잎이 달린 숲을 일으키고 숫양이 금털을 입게 하고 차가운 벌레의 뱃속에 뜨거운 불을 넣을 수 있습니다. 그러나 소위 "환상"에서는 새로운 형태가 만들어집니다. 요정이 시작됩니다. 인간은 하위 창조자가 됩니다.

Tolkien의 사전은 비밀이 아닙니다. Arthurian 전설, 핀란드 민속, Kalevala, Wagner의 Ring Cycle 등 자체적으로 유사한 신화를 채굴합니다. 이러한 것들이 없으면 반지의 제왕은 존재하지 않을 것입니다. 우리에게 어떤 의미가 없습니다. 반지의 제왕이 존재하지 않았다면 현대 판타지는 매우 다르거나 오늘날처럼 헤드라이닝 장르로 전혀 존재하지 않았을 것입니다. 그의 이야기는 이 신화의 또 다른 조각일 뿐이며, 잠시 동안 그 오래된 곡을 자신만의 방식으로 재해석한 또 다른 목소리입니다.

Tolkien은 인간이 신과 함께 하위 창조자라는 점에서 나와 약간 다른 것을 의미했습니다. 내 해석은 상징, 정신, 사회의 순서에 더 가깝지만 여기에서 두드러지는 것 같습니다. 서브 크리에이터가 아닌 공동 크리에이터.

다른 사람들에게는 이것이 나만큼 깊지 않을 수도 있지만 나에게는 이것이 예술가가 되는 매력과 신비의 큰 부분입니다. 픽션과 논픽션 모두에서 내 자신의 작업은 항상 이러한 특정 신화 감각과 우리가 변화하는 모든 사람과 아이디어와 함께 사슬에 참여하는 것으로 시작하고 끝났습니다.

그것은 우리를 변화시키고, 우리 자신의 기여가 추가되거나 제거된 후에 다른 사람들을 우리 방식으로 변화시키기를 바랍니다.

예술가로서 말하자면, 우리가 생존하기 위해 돈이 필요한 한 나는 내 일에 대한 대가를 받고 싶지만 그것이 내가 하는 일을 하는 이유 는 아니다. 나는 산 자와 죽은 자 사이의 대화에서 내 자리를 찾기 위해 그렇게 합니다. Ai와의 대화에서도? 글쎄, 왜 안돼?

V-Drums에서 연주하거나 프로그래밍 MIDI 또는 샘플링 루프로 전환하기로 결정했다면 여전히 드러머입니다. Ai의 결과물로 작업한다면 당신은 여전히 ​​예술가입니다. 갤러리에 소변기를 걸고 그것을 분수라고 부른다면 당신은 여전히 ​​예술가입니다. 항상 그렇듯이 질문은 당신이 그것으로 무엇을 하고 그것이 다른 사람들에게 어떤 영향을 미치는가입니다.

그렇지 않으면 우리 중 누구도 그렇지 않습니다. 확실히 기업은 자신의 이익을 증진하기 위해 Ai를 사용할 것이지만, 기업은 자신이 하는 일을 할 것이기 때문에 유용한 도구를 피한다고 해서 내가 가치 있게 여기는 것은 아무것도 없습니다. 자신을 예술가라고 부를 권리는 결코 문제가 되지 않았습니다.

이 기술 주변에 존재하는 모든 불확실성에 대해 Ai가 하지 않을 한 가지는 당신의 손에서 연필(또는 스타일러스)을 훔치는 것입니다. 공동 창작자가 되어 소유 의 개념 에서 참여 로의 전환을 시작합시다 .

참고: 여기와 다른 곳에서 "AI" 대신 "Ai"를 사용합니다. 내 추론은 매우 간단합니다. 우리가 일반적으로 의미하는 의미에서 자본 I Intelligent는 아니지만 "기계 학습 알고리즘"과 "네트워크"조차도 종종 덜 간결합니다.