Yorgos Lanthimos und Willem Dafoe sagen, Kinds Of Kindness sei eigentlich ein lustiger Film

Nur wenige Monate nachdem „Poor Things“ in den USA für Furore sorgte, hat Yorgos Lanthimos einen Großteil der Gang für „ Kinds Of Kindness“ wieder zusammengebracht , einen dreiteiligen Anthologiefilm, der manchmal als „Triptychon-Fabel“ bezeichnet wird. Ob dieser Begriff völlig zutreffend ist, darüber lässt sich streiten – Lanthimos könnte sich dagegen wehren und hat es auch getan –, aber es besteht kein Zweifel daran, dass die Sammlung makaber, verstörend und oft sehr, sehr lustig ist. Und mit dem Wiedersehen der „ Poor Things“ -Stars Emma Stone, Willem Dafoe und Margaret Qualley und den neuen, sehr spielfreudigen Neuzugängen Jesse Plemmons und Hong Chau fühlt sich dieser neue Film wie der ultimative Yorgos-Lanthimos-Film an.

Die drei Abschnitte von Kinds Of Kindness sind lose durch RMF verbunden, eine Figur, die im Hintergrund existiert und die einzige ist, die in jedem Teil des Films auftritt. Die übrigen Schauspieler spielen in jedem Abschnitt eine andere Rolle, aber jede Vignette behandelt Themen wie Macht, Kontrolle und soziale Konditionierung. Die daraus resultierende Moral wirkt sowohl altmodisch als auch zeitgenössisch, nicht unähnlich (nach Meinung dieses Autors) den verdrehten, bösen Kurzgeschichten von Ottessa Moshfegh.

Im Gespräch mit The AV Club führen uns Regisseur Lanthimos und Schauspieler Dafoe durch den Diskurs, die Komödie und wie ein Song namens „Brand New Bitch“ zum Schlussapplaus von „ Kinds Of Kindness “ wurde.

---

The AV Club: Ich habe viele Kritiker aus Cannes gehört, die sagten, dass es so aussieht, als sei „ Kinds Of Kindness “, nachdem „Poor Things“ ein relativ Mainstream-Erfolg war und viel Oscar-Aufmerksamkeit bekam, wieder ein Versuch, merkwürdig zu sein und die Leute ein wenig abzustoßen. Haben Sie das gehört? Was halten Sie davon?

Yorgos Lanthimos: Ich meine, ich habe davon gehört. Es ist sehr lustig. Am Anfang dachte ich: „Was?“ Und dann dachte ich: „Okay, super.“ Sie betrachten Poor Things also als Mainstream-Ding, was unglaublich gut ist. Es ist ein Film, den ich 12 Jahre lang machen wollte, und niemand wollte ihn machen, also ist er jetzt ein Mainstream-Erfolg, also gibt mir das Hoffnung, dass es mehr Chancen geben wird, solche Filme zu machen. Dass die Leute sie zu schätzen wissen. Und dann verstehe ich natürlich, dass es auf die Leute wirkt, als würden wir zu etwas zurückkehren, oder weil ich wieder mit Efthimis [Filippou] arbeite oder was auch immer, aber für mich war es nie so. Wissen Sie, wir haben angefangen, dieses Drehbuch zu schreiben, sobald wir Killing Of A Sacred Deer fertiggestellt hatten , ich habe zwischendurch andere Dinge gemacht, er hat andere Dinge gemacht, und, wissen Sie, wir haben einfach nach Poor Things Zeit gefunden. Insbesondere als Poor Things noch in der Postproduktion war und wir noch an den Effekten arbeiteten, hatten wir das Drehbuch zu Kinds Of Kindness fertig und hatten die Chance, es zu drehen. Für mich ist es wie eine kontinuierliche Reise und Efthimis ist ein sehr guter Freund von mir, und ich arbeite immer mit ihm zusammen, sobald wir etwas fertig haben. Für mich ist es also so, als würde ich verschiedene Dinge tun, die mich interessieren, und natürlich braucht das alles Zeit, also scheint es, als wäre ich eine Zeit lang mit einer bestimmten Sache beschäftigt – und das stimmt schon aus praktischen Gründen – und dann mache ich das Nächste.

AVC: Weil Sie das so kurz nach „Poor Things“ gedreht haben und Sie, Willem, offensichtlich darin mitgespielt haben, zusammen mit Emma Stone auch … Ich habe viel über Ihren Probenprozess gehört und dass es viel Theaterspiel und viel Körpereinsatz sind. Wie war die Probe dafür, bei der Sie, wie ich annehme, bereits eine gewisse Harmonie hatten?

Willem Dafoe: Das habe ich, für Poor Things . Und Yorgos hat etwas Ähnliches gemacht, aber in viel reduzierter Form, auf witzige Art, aber ebenso hilfreich. Es formt eine Truppe in kurzer Zeit wirklich zu etwas Besonderem. Jeder kann seinen Kram rausholen, ein bisschen albern sein, sodass man sich keine Sorgen machen muss, später lächerlich zu sein. Hier nicht so sehr, denn ich hatte das schon einmal in ausführlicherer Form für Poor Things gemacht , aber ich fand es sehr hilfreich, [Yorgos] kennenzulernen, weil er diese Theaterübungen leitet. Die Art, wie er sie optimiert und leitet, vermittelt einem ein Gefühl für die gute Call-and-Response-Beziehung, die man mit einem Regisseur haben möchte. Und es geht nicht so sehr darum, tatsächlich über Dinge zu reden, sondern einfach zu sehen, wie er vorgeht, wissen Sie? Es ist also sehr hilfreich. Aber es fühlte sich vertraut an. Schon als ich es das erste Mal machte, kam es mir vertraut vor, weil ich diese Theaterspiele kenne. Ich bin ein Typ, der seit vielen Jahren im Theater spielt, aber es trägt stark seine Handschrift, denn der Wert der Spiele wird durch die Art und Weise bestimmt, wie man sie dirigiert, nicht durch die Spiele selbst.

AVC: Richtig. Und ich denke, die Charaktere in all Ihren Filmen sprechen auf eine sehr ausgeprägte Art und Weise. Irgendwie gestelzt, irgendwie flach, und es ist die Körperlichkeit, die ins Auge fällt. Lesen Sie an diesem Punkt ein Drehbuch, das er Ihnen mit seiner Stimme gibt, oder, Yorgos, schreiben Sie mit seiner Stimme im Hinterkopf für die Figur?

WD: Ich kenne die Antwort auf beide Fragen und er hat es nicht für mich geschrieben, denn er schreibt es schon seit zehn Jahren. [Lacht] Ich lese das Drehbuch und denke die ganze Zeit über die Handlungen nach und ein bisschen über den Text, wissen Sie, ob mir die Sprache gefällt, aber ich fühle mich zu Menschen und Situationen und Dingen hingezogen. Ich denke nie darüber nach, was Dinge bedeuten. Ich bin wirklich gut darin, das Drehbuch zu lesen, weil ich diese Möglichkeiten sehe, diese Dinge zu tun, die das Publikum bis zu einem gewissen Grad erlebt. Sie fühlen sich echt an, sie sind verwurzelt, aber gleichzeitig sind sie so optimiert, dass sie nicht wiederzuerkennen sind. Man kommt also nie an den Punkt, an dem man sich völlig wohl fühlt, wo man sagt: „Ich weiß, was das ist“, und sich dann irgendwie einlebt. Es ist immer ein bisschen aus dem Gleichgewicht, und ich denke, das ist eine großartige Situation für einen Schauspieler.

AVC: Welche Anweisungen geben Sie Ihren Schauspielern? Geben Sie während der Aufnahme ziemlich strenge Anweisungen?

YL: Überhaupt nicht, glaube ich.

WD: Ich stimme zu.

YL: Er stimmt zu. [Lacht] Denn ich, wissen Sie... Zunächst einmal glaube ich an den Prozess, bevor wir ans Set kommen, und obwohl wir, wie Willem sagte, dieses Mal nicht so viel Zeit zum Proben hatten, waren es trotzdem viele der gleichen Schauspieler. Wir kannten uns, sie kannten sich, das war irgendwie etabliert. Ich denke, dass Neulinge wie Jesse und Hong und Mamoudou – die anderen Schauspieler, die sich gut verstehen – in gewisser Weise leichter in die Gruppe hineinfinden. Das ist ziemlich wichtig. Alle sind irgendwie in derselben Geisteshaltung und schätzen die gleichen Dinge und fühlen sich wohl miteinander. Und wenn wir dann am Set sind, weiß ich, dass ich erstens großartige Leute ausgewählt habe, Leute, die verstehen, was ich mache. Und dann genieße ich es auch, all ihre Sachen in eine ganze Welt einfließen zu lassen, was sie über die Figur gedacht und was sie geschaffen haben, und ich trete einfach zurück und beobachte so viel wie möglich, als Zuschauer.

Ich habe einfach einen allgemeinen Ton des Films im Kopf oder bestimmte ästhetische Entscheidungen, die ich treffe und treffen möchte, und versuche, das, was sie tun, entsprechend anzupassen, sodass ich das Gefühl habe, dass es innerhalb einer Einheit stattfindet, anstatt dass jeder sein eigenes Ding macht oder sich etwas ausgedacht hat, das vielleicht gültig ist, aber nicht unbedingt zu dem gehört, was wir gerade tun. Meine Regie besteht im Grunde aus sehr kleinen Dingen und hauptsächlich praktischen Dingen, wissen Sie, wie „schneller“, „leiser“, „lauter“. „Anstatt dort zu sitzen, warum gehst du nicht herum?“ Ich finde einfach Dinge, wieder hauptsächlich physische, in Bezug auf Tempo und Ton, die helfen könnten, das Material auf den richtigen Weg zu bringen. Nicht, dass ich wirklich wüsste, was der richtige Weg ist. Deshalb versuchen wir auch, Variationen dessen zu haben, was wir tun, um den Ton während des Schnitts fein abzustimmen.

AVC: Sie arbeiten auch mit den besten Schauspielern zusammen, das hilft bestimmt.

YL: Genau.

AVC: Was den Ton angeht, kamen mir die drei Vignetten etwas märchenhaft vor, so wie die Märchen der Brüder Grimm, die unglaublich brutal und verdreht waren. Ich frage mich, ob das in einem Ihrer Köpfe war – die mythologischen oder die modernen Fabeln.

YL: (Zu Willem) Hast du das gedacht? Denn das haben wir beim Schreiben nicht gedacht.

WD : Nein, nicht wirklich.

YL: Ist Ihnen das nicht in den Sinn gekommen? Dass wir Griechen sind und so? Nichts?

WD: Nein.

YL: [lacht]

AVC: Auch in verschiedenen Filmen … in „ Poor Things “ wird Willems Charakter oft „Gott“ genannt, und hier besteht eine sehr starke Autorität in allen drei Segmenten –

YL: Willem ist in diesem Film tatsächlich Gott. [lacht]

AVC: Ich sehe in Ihren Filmen viele religiöse Allegorien. Spielen Sie gerne damit?

YL: Sie haben Recht. Ich halte es nicht unbedingt für religiös, sondern vielleicht für ein gesellschaftliches Konstrukt, das den Glauben nutzt, um eine Art Erzählung zu konstruieren. Oft ist es Religion oder Kult oder irgendeine andere Struktur in der Gesellschaft, die auf solchen Vorstellungen basiert.

AVC: Würden Sie diesen Film als Komödie bezeichnen? Es gibt lustige Momente, aber meinen Sie, dass es ein lustiger Film sein soll?

WD: Es ist ein lustiger Film. [lacht]

YL: Wenn es also ein lustiger Film ist, dann ist es wohl eine Komödie.

AVC: Ich denke, es gibt im gesamten Projekt einen Unterschied zwischen lustig im Sinne eines Witzes und lustig im Sinne des Tons.

WD: Ich weiß nicht, ein großer Teil des Humors entsteht durch eine bestimmte Art der Wiedererkennung. Und manchmal sieht man sich Dinge an, die … man kann sie sich ansehen, sie wirken ein wenig verzerrt. Sie sind real genug, um glaubwürdig zu sein. Sie sind nicht völlig erfunden und Fantasie. Sie könnten existieren, aber sie sind nicht Teil Ihrer Erfahrung. Sie lassen sich also nicht von dieser Art der Wiedererkennung mitreißen. Sie sehen zu und sagen: „Was zum Teufel ist das?“ Und dann fällt Ihnen etwas ein. Sie bringen etwas aus Ihrem Leben mit ein und haben diese Offenbarung, dass etwas, das Sie für eine Tatsache gehalten haben, keine Tatsache mehr ist. Sie haben eine andere Art der Betrachtung.

Das ist im Allgemeinen die Kraft seiner Filme. Wenn diese Sache Sie verändern und den Schleier dieser sozialen Konditionierung lüften kann, ist das das Aufregendste. Dieser Moment ist etwas Komisches. Es ist wie ein Weckruf. Es ist wie: „Oh mein Gott! Ich bin frei“ oder „Oh mein Gott! Was bin ich für ein Idiot.“ Und hier kommt die Komik ins Spiel. Es ist nicht wie ein Zeigen – ich glaube nicht, dass Yorgos auf irgendetwas zeigt. Das tut er wirklich nicht. Für mich ist das wichtig, genauso wie es für einen Schauspieler wichtig ist, nicht auf Dinge zu zeigen. Es geht darum, sich auf etwas einzulassen und eine andere Sicht darauf zu haben. Und das kann eine der größten Kräfte der Filmkunst sein.

AVC: Von dort bekomme ich einiges von dem Mythos.

WD: Sicher. Wissen Sie, es ist erhaben. Ich will nicht schnippisch sein wegen Ihres Kommentars über die Fabel – das ist mir einfach nicht in den Sinn gekommen. Denn wenn Sie Grimms Märchen sagen, denke ich an … das ist so zeitgenössisch. Es stützt sich auf so viele Dinge, die moderne Sprache ausmachen. Es spielt mit denen. Aber Sie haben Recht, es ist erhaben und wird irgendwie in eine Richtung getrieben. Und ich denke, es ist wichtig, dass – wissen Sie, manchmal denken die Leute, das sei eine Art coole Perversion, aber das ist es nicht. Es versucht, etwas zu erreichen. Es ist eine Kuriosität, zumindest für mich. Es ist eine Art Suche, die mir Spaß macht.

AVC: Ich wollte ansprechen … die Musik darin ist auch wirklich lustig. Das trägt auch zum Ton bei. „Sweet Dreams“ am Anfang und dann „Brand New Bitch“ von COBRAH, das ich gleich nach dem Verlassen des Kinos gespeichert habe und jetzt auf dem Laufband höre. Wie haben Sie die Songs dafür ausgewählt?

YL: Ähm, also, „Brand New Bitch…“ [lacht] Ich wusste, dass ich nach einem Musikstück suchte, das zu Emily [Stone]s Tanzen passte. Ich hatte sie einmal in unserer freien Zeit am Set von Poor Things so tanzen sehen und sagte: „Das muss in einen Film.“ Und als ich dann das ganze Material für Kinds Of Kindness zusammenstellte , wusste ich, dass ich wollte, dass sie am Ende einer Geschichte tanzt, und ich recherchierte einfach und hörte mir viel Musik an, und das stach heraus. Und ich schickte auch etwas davon an Emily, und wir wählten das aus. Es ist ein improvisierter Tanz, den sie selbst erfunden hat. Und es hat wirklich Spaß gemacht, ihn zu machen.

„Sweet Dreams“ hingegen war eher eine spätere Ergänzung. Ich habe während des Schnitts daran gedacht. Ich wollte ein Musikstück verwenden, das RMFs Kommen und Gehen symbolisiert und ihn als dieselbe Person während seines Unfalls erkennt. Auch hier habe ich einfach Songs aus meiner Kindheit recherchiert, und RMF gehört auch einer anderen Generation an. Ich höre viele alte Songs, Kultsongs, und dieser hier hat auch wegen des Textes Klick gemacht, der eine Balance zwischen einer gewissen Verbindung zum Film und ohne zu erklärend zu sein oder alles zu sehr zu erklären oder auf irgendetwas hinzuweisen, wie Willem sagt, herstellt. Es fühlte sich einfach wie das richtige Musikstück an.