Os 25 melhores filmes de 2024 (até agora)

Agora que os festivais de cinema se acalmaram e os sucessos de bilheteria começaram a ser lançados para valer, é hora de relembrar os filmes do ano até agora, seja para apreciar o que já esquecemos em nossas exibições no início do inverno, ou para dar uma volta aumentar nossas listas de observação com joias que passaram por nós. Os melhores filmes de 2024 até agora se aproximaram de nós, entrando sorrateiramente em streamers e dominando silenciosamente as conversas sobre seus gêneros, ou tiveram sua chegada alardeada por tanto tempo (conforme terminam seu circuito de roadshow ou ganham prêmio após prêmio em Cannes ou SXSW ) que eles correm o risco de nos decepcionar quando finalmente conseguirmos comparar o hype com a realidade.

Mas quer os filmes fossem grandes franquias de ficção científica  ou simplesmente fantasias esportivas excitantes do cara do “vendedor de poções” , uma coisa era certa: eles estrelavam Zendaya. Mas mesmo sem ela, alguns filmes funcionaram sozinhos. Ryusuke Hamaguchi e George Miller não decepcionaram em suas sequências de trabalho de ponta, operando em níveis de volume totalmente diferentes. Jane Schoenbrun e Minhal Baig deram saltos entre seus indies, encontrando maneiras ainda mais exuberantes de explorar os temas e a estética que os fascinam. Ryan Gosling chorou para Taylor Swift. O Coringa, trans e adorando, desceu algumas escadas dançando - e pela primeira vez foi bom. Filmes de terror e ação adicionaram novos sabores, ao mesmo tempo que remixaram antigos favoritos, como uma daquelas sofisticadas máquinas de refrigerante com tela sensível ao toque. E acima de tudo, caras em trajes de castor perpetraram violência uns contra os outros.

Os velhos vilões do cinema podem ainda estar aqui em 2024, quer isso signifique uma censura autoimposta ou (incrivelmente) um monopólio verticalmente integrado, mas também estão todas as razões pelas quais continuamos apegados a esta forma de arte. Mesmo quando os melhores filmes do ano estão escondidos dentro da casca comercializável do espetáculo IP, em seus núcleos existem todas as coisas que esperamos que nossos cineastas, nossos músicos, nossos comediantes, nossos escritores possam contrabandear para as produções que pagam as contas. Esses filmes brincam com a forma ( In A Violent Nature , The People's Joker ), nossas expectativas em relação aos nossos corpos ( Thelma , I Saw The TV Glow ) e nossa compreensão de que tipos de ilusões são possíveis através de luzes, câmera e ação ( The Fall Guy , Furiosa, Centenas de Castores ). Se os inimigos dos filmes estiverem voltando ao básico, todas as melhores coisas do cinema estarão lá para enfrentá-los.

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A fera

Um drama humano com um conceito de ficção científica para andaimes, inspirado em um dos contos mais assustadores de Henry James, A Fera , de Bertrand Bonello , assume seu senso de urgência, combina-o com duas performances centrais incríveis e oferece uma das experiências mais impactantes que você pode imaginar. provavelmente você terá no cinema este ano... mesmo que demore um pouco para desembaraçar o que acabou de ver. Em 2044, grande parte da força de trabalho humana foi substituída pela inteligência artificial, que é considerada mais segura e menos emocional do que o pensamento humano falho que criou anteriores catástrofes globais. Nesta versão futura de Paris, Gabrielle (Léa Seydoux) está desesperada por um propósito. Ansiosa por provar seu valor, ela concorda com um procedimento que supostamente irá limpá-la de qualquer instabilidade emocional, voltando às suas vidas passadas, a ideia é que confrontar e eventualmente eliminar qualquer trauma persistente em seu código genético a tornará não apenas mais qualificada para um trabalho, mas mais satisfeito e dócil. Através de tudo isso, ela interage com três versões diferentes de Louis (George MacKay), que às vezes é um amante, às vezes um amigo e às vezes uma força mortal. Há uma desolação evidente neste futuro imaginado, que é contrabalançada pelos tons vibrantes que a câmera de Bonello evoca nos vermelhos e verdes luxuriantes da Paris da virada do século e nos azuis frios da água da piscina de Los Angeles de 2014. Seydoux e MacKay fazem um trabalho tremendo e poderoso, extraindo cada grama de sentimento até mesmo das sequências mais lentas. À medida que avança cuidadosa e metodicamente através de três eras diferentes da experiência humana, a Besta crava suas garras em você e depois pede que você contemple as feridas que ela deixa. [Matthew Jackson]

Desafiadores

Challengers , aparentemente sobre três jogadores de tênis, é na verdade sobre três personagens que jogam o amor como uma partida de tênis, para progredir e colher as recompensas que desejam. O enquadramento do filme é uma partida importante nas carreiras de Patrick (Josh O'Connor) e Art (Mike Faist), rivais e ex-melhores amigos. Entre eles está Tashi (Zendaya), ex-namorada de um e atual esposa e treinadora do outro. Luca Guadagnino sempre esteve atento para capturar as tendências emocionais ardentes dos relacionamentos, como provou em filmes como I Am Love e Call Me By Your Name . Para muitos de seus personagens, o desejo é a razão de ser e a força motriz de seu arco narrativo. No roteiro de Justin Kuritzkes, o desejo é uma arma usada de forma ousada, e às vezes manipuladora, pelos três protagonistas. A câmera de Sayombhu Mukdeeprom observa os corpos dos atores, capturando cada brilho de luz em seus olhos, cada lábio trêmulo e testa suada. Tudo isso resulta em um filme de alto calor sexual, algo pouco visto no cinema americano contemporâneo. Para as partidas de tênis, Guadagnino tem alguns truques na manga. A primeira é a música alta e forte de Trent Reznor e Atticus Ross. Depois, a desaceleração de muitas cenas até quase paralisação para mostrar todas as nuances de movimento nos rostos dos atores, ignorando as bolinhas amarelas desinteressantes. Challengers tem sucesso graças a personagens complicados, interpretados por atores em seu caminho para se tornarem estrelas brilhantes do cinema. [Murtada Elfadl]

Duna: Parte Dois

Duna: Parte Dois continua exatamente de onde seu antecessor parou, então consegue ter o mesmo ritmo, aparência e sensação do primeiro, para melhor ou para pior, já que nenhum dos filmes pode ser independente. Eles deveriam ser considerados juntos como uma longa adaptação de cinco horas do romance de Frank Herbert. É uma polêmica sobre como os agentes do poder religioso manipulam os sistemas de crenças das pessoas para ganhar poder, algo mais do que o que o público normalmente consegue em um blockbuster de Hollywood. A história segue a ascensão de Paul Atreides (Timothée Chalamet) para liderar o povo do empoeirado planeta deserto Arrakis contra as forças do mal. É bastante simples e tem tudo o que se espera de um filme assim: um interesse amoroso necessário, um inimigo violento e a compreensão e aceitação de seu poder pelo herói. Mas são esses temas religiosos que fazem com que seja mais do que apenas um espetáculo. E também marca essa caixa: tudo é um pouco mais luxuoso e marcante. As batalhas são maiores, as tempestades de areia mais violentas. Dune: Part Two é um passeio emocionante que ganha totalmente seu tempo de execução de duas horas e meia. [Murtada Elfadl]

O mal não existe

O Mal Não Existe leva o seu tempo. No início há uma música agourenta na trilha sonora enquanto a câmera se move pela natureza e pela vegetação. Então um personagem aparece do nada, assustando o público. Quase meia hora se passa antes que um personagem fale. Nessa dicotomia entre paciência e alarme reside a genialidade da continuação de Ryusuke Hamaguchi ao vencedor do Oscar Drive My Car . É uma fábula, como um simples jogo do bem contra o mal, que se desenrola com uma narrativa tão densa que é de tirar o fôlego. A narrativa esparsa de Hamaguchi começa com a construção de uma sensação de espaço. O público é apresentado ao vilarejo rural montanhoso de Mizubiki. A câmera fecha o terreno, as nascentes, as árvores altas, antes de revelar quaisquer personagens. Quando uma agência de marketing chega à cidade revelando planos para construir um local de glamping, um personagem assume o centro das atenções: Takumi (Hitoshi Omika), um pau para toda obra que parece saber mais sobre a cidade. Rapidamente o pessoal da agência (Ryuji Kosaka e Ayaka Shibutani) começa a vê-lo como alguém que poderia ajudá-los a convencer os habitantes da cidade de seus planos. Mas Takumi precisa primeiro ser persuadido e persuadido. Assim começa o jogo; os jogadores são identificados e as apostas são reveladas. [Murtada Elfadl]

O cara caído

Acima de tudo, The Fall Guy agrada a todos. Adaptado por Drew Pearce ( Hotel Artemis ) da série de TV de mesmo nome criada por Glen A. Larson, o filme de David Leitch é uma grande e esperta desculpa para colocar atores que são bombas de charme genuínas juntos no mesmo quadro. Ele os cerca com explosões e perseguições de carros, se divertindo enquanto a música de KISS e The Darkness toca ao fundo. O “cara da queda” é Colt Seavers (Ryan Gosling), um dublê veterano que tem um emprego que gosta e uma namorada, a operadora de câmera Jody (Emily Blunt), de quem ele gosta ainda mais. Tudo parece estar indo do jeito de Colt até que o ator para quem ele dubla, o egomaníaco Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson), exige que ele realize uma queda massiva mais uma vez. As coisas dão errado e, sem mais nem menos, Colt está fora do jogo de acrobacias com uma lesão nas costas e uma ferida ainda mais dolorosa em seu orgulho. Leitch começou sua carreira trabalhando com acrobacias e usa todos os seus poderes neste filme, dando-nos de tudo, desde uma ode a Miami Vice até uma inesperada cena de luta em um caminhão de lixo e, sim, muitas odes na tela às equipes de dublês que fazem o trabalhar em sets de filmagem em todo o mundo. Mesmo com o trabalho de ação e dublês operando a todo vapor, o que realmente faz The Fall Guy funcionar é a parceria entre Gosling e Blunt. Ele interpreta mais uma vez o herói derrotado em busca de redenção, como fez tão bem em filmes como Os Caras Bonzinhos , enquanto ela interpreta a mulher ambiciosa que equilibra sua carreira com os desejos de seu coração. São duas horas de estrelas de cinema sendo máquinas de charme absoluto, e às vezes isso é tudo que você realmente precisa. [Matthew Jackson]

Outro lado

Você não precisa ter uma certa idade para apreciar tudo o que Chris Wilcha se propõe a fazer em seu novo documentário Flipside, mas certamente ajuda. A forma como este projeto aborda a experiência da Geração X, especialmente se você já se considerou um artista, é tão específica que quase parece um ataque. Para ser claro, isso é um elogio. Até o título do filme, que ele compartilha com a loja de discos vintage de Nova Jersey que nele aparece, evoca aquele momento da vida em que você percebe que há mais atrás de você do que pela frente. Não é que a mensagem do filme seja opaca para qualquer pessoa fora da geração de Wilcha - ela também lida com conceitos universalmente identificáveis, como arrependimento e o desejo de deixar sua marca no mundo - é apenas que a jornada do diretor para reconciliar o garoto idealista e ambicioso que ele uma vez que esteve com o homem de 50 e poucos anos que ele se tornou, ressoará mais profundamente com aqueles que também estão em condições de fazer um balanço de suas próprias vidas. Flipside é a tentativa de Wilcha de completar o círculo de trabalho de sua vida, um retorno à autorreflexão pessoal de The Target Shoots First , com a distância e a visão retrospectiva que 25 anos de experiências de vida lhe proporcionarão. Não é tão olhar para o umbigo quanto parece. Para apresentar seu ponto de vista mais amplo, Wilcha incorpora imagens de seus documentários abandonados e até retorna a alguns de seus temas anteriores em busca de algum tipo de encerramento. Wilcha reconhece que o seu idealismo foi substituído pelo realismo, a sua ambição pela complacência. Ele encara seu eu mais jovem e resiste à tentação de recuar. [Cindy Branco]

Furiosa: Uma Saga Mad Max

Furiosa: A Mad Max Saga entra oficialmente em minha biblioteca rigidamente regulamentada de prequelas altamente conceituadas porque George Miller está inteiramente interessado em construir uma vida interior e uma história para Furiosa que possa existir sem Fury Road e ainda assim ser um ótimo filme. E então Miller executa o truque máximo da prequela de transformar os relacionamentos, conexões e perdas coletadas em Furiosa em subtexto que torna o já sublime Fury Road ainda melhor. A história de Furiosa é contada em cinco capítulos, começando quando a conhecemos quando criança (Alyla Browne) vivendo na comunidade escondida e idílica do Lugar Verde de Muitas Mães, depois durante 15 anos de sua vida, terminando em seus vinte e poucos anos, quando ela se tornou a Imperator Furiosa (Anya Taylor-Joy) dentro da Cidadela de Immortan Joe (Lachy Hulme) muito mais jovem. E Furiosa ainda é uma experiência. Ele engole você como a areia e o mantém firme até o fim. O diretor de fotografia Simon Duggan ( O Grande Gatsby ) não perde um passo ao pegar a batuta visual do diretor de fotografia de Fury Road, John Seale. Furiosa domina os sentidos, especialmente em IMAX, enquanto Duggan e Miller mergulham você nos veículos enquanto eles percorrem as dunas ou percorrem as estradas que conectam a Cidadela a The Bullet Farm e Gastown. Quase todas as peças da Furiosa parecem viscerais e reais, o que lembra como é especial ter esse tipo de experiência no cinema de vez em quando. [Tara Bennett]

Luz fantasma

Co-dirigido por Alex Thompson e pela roteirista Kelly O'Sullivan, Ghostlight conta entre suas estrelas um casal na vida real e sua filha, alimentando seu senso de autenticidade. O resultado é uma pequena joia personalizada sobre como encontrar canais construtivos para sentimentos profundos e desconfortáveis. Em um subúrbio de Illinois, o trabalhador da construção civil Dan (Keith Kupferer) é dominado por uma constipação emocional que o deixa cada vez mais afastado de sua esposa Sharon (Tara Mallen) e de sua filha adolescente Daisy (Katherine Mallen Kupferer), que enfrenta uma ameaça de expulsão escolar por seu último incidente de atuação rebelde. Quando Dan começa a trabalhar, esse momento fugaz de raiva pública chama a atenção da atriz Rita (Dolly De Leon). Pressentindo algo, Rita puxa Dan para uma leitura de mesa e o incentiva a se juntar à sua produção teatral comunitária básica de Romeu e Julieta , apesar de ele não estar familiarizado com o texto original. Dan é totalmente desdenhoso no início, depois cético, mas se vê atraído de volta aos ensaios do grupo - um desenvolvimento que ele mantém em segredo de sua esposa e filha. À medida que o filme se desenrola, o trauma não especificado que paira sobre a família - e os sentimentos complicados e às vezes conflitantes que os três têm - ficam mais nítidos. Esse drama familiar e a cura se desenrolam tendo como pano de fundo várias reviravoltas que antecederam a noite de estreia da peça. O'Sullivan e Thompson supervisionam habilmente um pacote técnico modesto e direto que produz encantos simples. O olhar aguçado do filme para os detalhes dos personagens e a mistura naturalista de humor discreto e pathos, bem capturados em quadros amplos pelo diretor de fotografia Luke Dyra, superam seu tom emocional ligeiramente aumentado e sua ânsia inata de agradar. Basicamente, Ghostlight é um filme sobre o luto e a utilidade da comunidade em processá-lo e, se isso parece óbvio, ainda é bastante penetrante conforme apresentado aqui. [Brent Simon]

Borda Verde

Green Border , o mais recente filme da mestre cineasta polonesa Agnieszka Holland , é nada menos que um apelo à ação direta. O filme fornece um relato matizado, embora por vezes francamente brutal, das condições traiçoeiras que os migrantes enfrentam na fronteira entre a Polónia e a Bielorrússia, que são exacerbadas ou atenuadas pelas forças militares e activistas opostas. Esta fronteira específica é apelidada de “fronteira verde” devido à floresta densa e pantanosa que separa os dois países. Enganados por uma campanha fraudulenta orquestrada pelo ditador da Bielorrússia Alexander Lukashenko, migrantes de África e do Médio Oriente viajam para o país da Europa de Leste (e notável aliado da Rússia) depois de terem a certeza de que encontrarão uma passagem rápida e segura para a Polónia, podendo assim candidatar-se a asilo na União Europeia. No entanto, quando atravessam a fronteira polaca, a patrulha da fronteira polaca simplesmente cerca os refugiados e despeja-os sobre arame farpado de volta à Bielorrússia, onde são abusados, roubados e repreendidos antes de serem violentamente empurrados de volta para a Polónia. Holland aborda o material com raiva indignada e com factos irrefutáveis ​​que o apoiam. Dialogue afirma diretamente o crescente número de mortes de migrantes na Europa e os seus personagens foram moldados através de horas de entrevistas de pré-produção com refugiados, ativistas, residentes fronteiriços polacos e agentes anónimos da patrulha fronteiriça. Ao apresentar o filme em suntuoso preto e branco (habilmente filmado pelo colaborador frequente Tomasz Naumiuk), Green Border parece atemporal em sua abordagem, enfatizando mais uma vez a violência passada e contínua contra aquelas consideradas “ameaças” sociais. O tratamento dispensado aos refugiados africanos e do Médio Oriente, aos judeus europeus, aos civis palestinianos, está todos ligados pelo sadismo sancionado pelo Estado e por aqueles que obedecem cegamente à propaganda reducionista. O que há de mais maravilhoso em Green Border — além de seu retumbante compromisso com a humanização, sustentado por uma narrativa emocionante e angustiante — é que ela não deixa ninguém escapar. [Natália Keogan]

Como fazer sexo

A estreia da escritora e diretora Molly Manning Walker, How To Have Sex segue a tradição de muitas comédias sexuais adolescentes. A diferença é que How To Have Sex é corajoso, realista e trata de temas sérios de sexo e consentimento. A premissa parece familiar: três amigos britânicos passam as férias de verão na Grécia durante o último ano do ensino médio. Skye (Lara Peake) e Em (Enva Lewis) são um pouco mais experientes que Tara (Mia McKenna-Bruce), que espera perder a virgindade nesta viagem. O cineasta está atento à maneira como os amigos adolescentes se comportam uns com os outros. A maneira meiga como cuidam um do outro e demonstram seu amor um pelo outro. As queixas mesquinhas e animosidades inexplicáveis ​​​​que às vezes determinam a forma como eles reagem uns aos outros. A camaradagem e a superação. O abandono que sentem quando não há adultos presentes. A exaltação que vem com o álcool. Além disso, Manning Walker ultrapassa essa linha tênue quando o consentimento se transforma em dissidência e o desejo em repulsa. Sua câmera examina com sensibilidade os rostos dos atores e seus arredores para contar a história que os personagens não conseguem verbalizar. Uma reminiscência da jovem Kate Winslet, com a mesma presença calorosa na tela e destemor emocional, McKenna-Bruce ancora o filme com uma atuação soberba. Manning Walker mantém o foco no ponto de vista de Tara, para que o público sinta o que ela está sentindo o tempo todo. E na maioria das vezes Tara não tem certeza, e é isso que torna sua história fascinante e este filme cativante. [Murtada Elfadl]

Centenas de castores

Um caçador improvisado, Jean Kayak (co-roteirista/estrela Ryland Brickson Cole Tews), recém-descongelado e sozinho na tundra, foi empurrado de volta no tempo, para uma era onde cada ação tinha uma reação cômica – para uma época em que você poderíamos serrar a ponta de uma tábua e depois ficar ali no ar, a gravidade nos dando o período de graça para rir muito antes de cobrar seu preço. A comédia em preto e branco, sem diálogos, Hundreds of Beavers é montada a partir de partes tão díspares quanto The Legend of Zelda , The Gold Rush de Charlie Chaplin , JibJabs, animação de Terry Gilliam, Guy Maddin e Jackass . Acme é nomeado em meio a truques de parada do tipo Méliès e marionetes Muppety, enquanto sua estética varia de pintar ampla violência sobre uma tela esparsa de neve para correr pelas entranhas sombrias de uma elaborada fortaleza expressionista alemã. É estúpido, é sublime. A primeira vez que uma das criaturas fantasiadas de mascote comer merda na paisagem gelada, você vai rir. E você não vai parar até os créditos rolarem. Uma das melhores comédias dos últimos anos, Centenas de Castores pode, na verdade, conter mais piadas do que castores. Ao reconhecer e recuperar os métodos usados ​​durante os primeiros dias do cinema, a escandalosa escalada da dinâmica clássica de caçador-caçado do cineasta Mike Cheslik torna-se uma milagrosa celebração DIY de verdades universais e duradouras sobre como fazemos uns aos outros rir. [Jacob Oller]

Eu vi o brilho da TV

Com seu filme anterior, o excelente Estamos todos indo para a Feira Mundial , a roteirista e diretora Jane Schoenbrun traçou esse tipo de obsessão na forma de um jogo obscuro na Internet com consequências potencialmente perigosas. Desta vez, Schoenbrun fica mais pessoal e mais assustador. I Saw The TV Glow é um retrato notável da obsessão da cultura pop – como ela pode nos unir, nos mudar e se espalhar por toda a nossa vida de maneiras ao mesmo tempo edificantes e perturbadoras. A obsessão específica da cultura pop que domina I Saw The TV Glow é The Pink Opaque , um drama adolescente sobrenatural que vai ao ar nas noites de sábado. Segue dois melhores amigos unidos a longa distância por uma conexão psíquica, que os ajuda a lutar contra todos os tipos de monstros. Owen (interpretado por Ian Foreman quando pré-adolescente e Justice Smith como estudante do ensino médio) é um garoto solitário que teve vislumbres do programa enquanto navegava pelos canais e fica intrigado o suficiente para abordar a superfã Maddy (Brigette Lundy-Paine) sobre The A verdadeira natureza do Pink Opaque . Os visuais do filme evocam a sensação de que estamos observando duas pessoas à deriva em um mar de realidade entediante e desbotada, navegando de um lado para outro em busca do tecido conjuntivo que dará sentido às suas vidas. É claro que a verdadeira essência de I Saw The TV Glow surge quando Schoenbrun se concentra na natureza transformadora da obsessão de seus personagens, o que pode provocar uma metamorfose ou apenas desencadear episódios dissociativos perigosos e entorpecentes. Se você estiver disposto a se dedicar ao filme e seguir os instintos do poema tom de Schoenbrun, encontrará algo mágico. Eles traçaram uma narrativa que é simultaneamente a história de uma mídia mudando a vida de alguém e a história de alguém percorrendo o longo caminho até chegar a quem realmente é. [Matthew Jackson]

A ideia de você

Estrelando uma das melhores atrizes de sua geração, apresentando uma de suas melhores atuações e repleta de um sincero sentimento de paixão que fará o público ansioso cantarolar em seus assentos, The Idea Of You é uma das melhores comédias românticas que já vimos em um bom tempo. The Idea Of You segue Solène (Anne Hathaway), uma mãe solteira que dedicou toda a sua energia para criar uma filha adolescente (Ella Rubin) e administrar uma galeria de arte moderna no bairro de Silver Lake, em Los Angeles. Mas Solène também não tem vergonha de admitir que está em busca de algo mais, algum sentimento de realização que espera encontrar em um acampamento solo que está planejando. Isto é, até que seu frustrante ex-marido (Reid Scott) desiste de levar sua filha e suas amigas ao Coachella para ver August Moon, uma boy band no estilo One Direction que ela amava no ensino fundamental. Solène se vê cara a cara com Hayes Campbell (Nicholas Galitzine), o belo e charmoso vocalista de August Moon, que fica impressionado com sua autoconfiança e seu fracasso inicial em reconhecê-lo. É um encontro legal e fofo, que Solène ignora, pelo menos até Hayes aparecer em sua galeria em um esforço para que ela a conheça, dando início a um romance turbulento que levará a mãe solteira de 40 anos ao redor do mundo com a estrela pop de 24 anos. Hathaway relaxa em um papel muito humano e muito vulnerável, sentado bem nos principais bolsões emocionais da história e fervendo com uma mistura de saudade, dúvida e alegria. O fato de Galitzine ser capaz de compartilhar a tela com ela sem ficar completamente fora de foco é uma conquista, mas então ele vai além, combinando os ritmos emocionais dela para um grande trabalho de sua autoria. Tudo isso, além de algumas músicas de boy band muito cativantes, um tom cômico alegre e um terceiro ato que mantém até mesmo os fãs mais experientes de comédia romântica adivinhando pelo menos um pouco, significa que The Idea Of You é uma nova peça muito bem-vinda para o cânone rom-com. [Matthew Jackson]

Em uma natureza violenta

A estreia de Chris Nash no cinema, In A Violent Nature , envolve imediatamente o público no lamaçal mutável do ecossistema do slasher, com seu protagonista Johnny (Ry Barrett) rastejando para fora de uma camada de lodo e folhas mortas após uma conversa bastante inócua entre vozes desencarnadas. . É como se a própria floresta estivesse possuída, confundindo a linha entre o cenário e os personagens – tudo isso é característico do cinema incomum de Nash. O fundo se transforma em primeiro plano, a ação em inação, a violência em serenidade natural. Com uma perspectiva tão tranquila - que permanece infalivelmente presa à perspectiva do vilão - há o potencial de parecer um truque de videogame, mas Nash revela o valor cinematográfico desse ponto de vista metódico. Qualquer sensação de estar sendo enganado é evitada pelo rígido controle de tom e espaço do diretor. As tomadas são meticulosamente compostas com longas tomadas únicas, absorvendo o som de galhos rangendo e quebrando sem música interferente, deixando a paciente compreensão do mundo ao redor substituir a partitura. Através da escalada da violência – culminando em uma das mortes mais sangrentas já preservadas no filme (você saberá quando assistir) – Nash apela à sensação puramente física de testemunhar a morte, empregando uma empatia visceral e corporal. Com In A Violent Nature , Nash cria algo totalmente novo; composto, próximo e real. Mas o tom e o timing do filme provam que ele também entende intimamente por que o público sempre investiu nessas maratonas de sangue, violência e coragem. [Anna McKibbin]

Infestado

Em Infestado , de Sébastien Vanicek , uma aranha exótica solitária entra em um prédio de apartamentos francês onde um jovem empreendedor (Théo Christine) e sua família e amigos estão tentando construir uma vida melhor. Ao longo dos dias seguintes, aquela aranha solitária se torna um exército de aracnídeos mortais, implacáveis ​​e em constante multiplicação em um filme que dá ao clássico de terror de aranha Aracnofobia uma corrida pelo seu dinheiro. O que começa como uma criatura satisfatoriamente assustadora eventualmente se transforma em um confronto de terror de sobrevivência para sempre, culminando em alguns momentos brutais e de cair o queixo de fúria de oito patas. [Matthew Jackson]

Planeta Janete

Situado no oeste de Massachusetts durante o nebuloso verão de 1991, Janet Planet , a estreia cinematográfica da dramaturga ganhadora do Pulitzer Annie Baker, captura primorosamente a textura desta época e lugar através de um olhar adolescente. Embora as peças de Baker envolvam cenas extensas em espaços fechados, sua incursão no cinema está formalmente garantida, implementando seu interesse de longa data em diálogos nítidos, porém sinuosos, ao lado de imagens exuberantes de 16 mm. Alguns podem achar seu estilo narrativamente insípido, mas os fãs de sua obra mais ampla encontrarão conforto familiar - e fascínio ampliado - nas minúcias silenciosas que ela transmite ao celulóide. Depois de ligar para casa com ameaças inexpressivas de suicídio, Lacy (a impressionante recém-chegada Zoe Ziegler), de 11 anos, convence adequadamente sua mãe, Janet (Julianne Nicholson), a buscá-la no que deveria ser um extenso acampamento para dormir. Só então Lacy percebe que voltar para casa pode não ter sido a decisão mais sábia, pois precisará dividir espaço com o atual namorado de sua mãe, Wayne (Will Patton). Embora o relacionamento entre Lacy e sua mãe seja salpicado de sinais clássicos de co-dependência, Janet está ansiosa para compartilhar seu tempo com uma porta giratória de amantes, amigos e conselhos espirituais, para grande frustração mal disfarçada de sua filha. Janet Planet se concentra na suposta mundanidade, desde a caminhada solitária de Lacy até as terríveis aulas de piano e as longas divagações espirituais de Avi. No entanto, Baker também está ciente de como os ambientes rotineiros podem ser intensificados pela perspectiva otimista de uma criança - um shopping se torna um playground elaborado, um novo xampu na hora do banho, uma experiência excitante - agravada aqui pela magia da poluição do verão. Poucos artistas conseguem transcender tão facilmente os rótulos artísticos, mas Annie Baker provou que possui o talento natural para contar histórias silenciosamente em todos os meios. [Natália Keogan]

Tipos de bondade

Havia uma emoção subversiva no título original do novo filme antológico de Yorgos Lanthimos, a “fábula tríptica” Kinds Of Kindness .  Chamar um filme de “ E ” teria quebrado praticamente todas as regras de SEO e marketing de bom senso; a própria ideia parecia um golpe atrevido para executivos de estúdio e mecanismos de busca em todos os lugares (mesmo que isso representasse um pesadelo para qualquer um que tentasse encontrar horários de exibição). Mas assistindo Kinds Of Kindness - que mostra Lanthimos se reunindo com Efthymis Filippou, seu parceiro de escrita em quase tudo, exceto The Favorite e Poor Things - a sabedoria de sua mudança de título torna-se clara, e o apelo rebelde do nome original é rapidamente esquecido. Se você já assistiu a um filme de Lanthimos, reconhecerá um óbvio tom irônico neste novo título, já que a compaixão e o altruísmo estão rotineiramente ausentes de seus mundos estéreis. Mas mais do que outras colaborações de Lanthimos e Filippou, Kinds Of Kindness é também uma imersão intensamente gelada nas distopias psicológicas da dupla – onde as identidades são surrealmente distorcidas e as emoções desconcertantemente frias – e por isso a ênfase do título na conexão humana parece perfeitamente adequada. Os três capítulos de Kinds Of Kindness  estão obviamente ligados por seus títulos: “The Death of RMF”, “RMF is Flying” e “RMF Eats A Sandwich”, todos fazendo referência a um homem silencioso e anônimo que está mais perto de ser um eixo da trama do que um personagem real. Cada episódio também compartilha um pequeno grupo de atores: Jesse Plemons, Emma Stone, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Hong Chau, Mamoudou Athie e Joe Alwyn (com Hunter Schafer aparecendo apenas no capítulo final). Mas, no fundo, o que mais une o trio de histórias do filme é a exploração comum de escolha e controle, subjugação e submissão. O filme não é diferente de uma versão doentia de As Cinco Linguagens do Amor – só que aqui, “atos de serviço” voluntários são reimaginados como sacrifícios feitos para satisfazer as demandas sádicas de tiranos emocionais. À primeira vista, Kinds Of Kindness pode parecer carente de alguns dos elementos superficiais mais associados ao trabalho de Lanthimos: por exemplo, o diretor de fotografia Robbie Ryan retira em grande parte sua lente olho de peixe aqui, depois de colocá-la em forte rotação em Poor Things . Mas de maneira mais profunda, o filme parece o pico de Lanthimos. Depois de alguns anos colaborando com outros escritores em filmes mais acessíveis, o diretor se reúne com Filippou para aprofundar seu estilo idiossincrático, nunca mais ousado ou mais divisivo do que aqui. Seguindo a breve incursão de Poor Things em finais felizes, Kinds Of Kindnessvê Lanthimos retornar ao tipo de filme que parece perverso dizer que você “gosta”. Resumindo: a aberração grega está de volta. [Farah Cheded]

A Quimera

O passado está tão próximo que você quase pode tocá-lo na romântica caça ao tesouro de Alice Rohrwacher, La Chimera . Situado no espaço liminar entre viver e morrer, mais conhecido como o interior da Itália, a narrativa cuidadosamente escavada de Rohwacher revela uma meditação divertida e profundamente satisfatória sobre a perda e a esperança. Conhecemos Arthur (Josh O'Connor) em um sonho. Na perspectiva da primeira pessoa, ele admira o rosto da mulher que amou, perdeu e está desesperado para reencontrar, Beniamina (Yile Yara Vianello). Ela assombra Arthur um pouco além de seu alcance, deixando para trás uma corda vermelha do passado que ele deseja puxar. Felizmente, é isso que Arthur faz de melhor. A principal busca de Arthur é outro tipo de Santo Graal. Retornando à Itália na esperança de se reconectar com Beniamina e pagar uma dívida persistente, Arthur relutantemente volta a trabalhar com sua antiga gangue de tomaroli italianos, ou invasores de tumbas. Eles vasculham em busca de objetos de valor encontrados em seu quintal, auxiliados em grande parte pela - aham - a conexão sobrenatural de Arthur com os antigos porões da Toscana. Os tombaroli vivem entre ruínas, chamando de casa barracos em ruínas, desprovidos de aquecimento, móveis ou mesmo piso. Nesta fase, com o terno de linho branco em decomposição com que aparentemente nasceu, Arthur começa a se parecer com as relíquias que caça. Ele encontra seu primeiro túmulo na casa de Beniamina, onde reside sua mãe, Flora (uma consoladora Isabella Rosellini sem esforço). Com bordas arredondadas que lembram a fotografia em 16mm, o filme tem uma sensação de velho mundo, como se estivéssemos vendo algo do passado descoberto. Escrito com Carmela Covino, que contribuiu para Happy As Lazzaro de Rohwacher e seu curta indicado ao Oscar Le Pupille , e Marco Pettenello, o roteiro de Rohwacher esconde surpresas por trás de cada linha, revelando elementos do passado de Arthur e recontextualizando seu presente. La Chimera, uma delícia formal que não falta surpresas, encanta o espectador com seus espaços decadentes e performances animadas. [Matt Schimkowitz]

Homem macaco

Dev Patel fez sua lição de casa. Mas uma coisa é conhecer suas influências e outra totalmente diferente é colocá-las em prática na tela sem perder nada de sua voz singular. Apesar de todos os seus muitos triunfos - e Monkey Man é um filme repleto de triunfos momento a momento - o filme de Patel pode ter encontrado seu maior sucesso na maneira como traduz de maneira perfeita e poderosa o amor puro e cinético do diretor pelo cinema em algo ousado, novo e inesquecível. Patel estrela como Kid, um jovem enlameado que vive nas favelas da Índia. Kid tem cicatrizes, tanto mentais quanto físicas, que nunca desaparecerão, pelo menos não até que ele finalmente chegue perto o suficiente para puxar o gatilho e se vingar dos homens responsáveis ​​por sua dor. Nas muitas sequências de ação de Monkey Man , os espectadores verão de tudo, desde Taxi Driver a The Big Boss , The Raid , The Villainess e muito mais, tudo entregue com energia desenfreada e frenética por Patel e pela diretora de fotografia Sharone Meir. Mas Patel não está apenas juntando referências, nem seguindo todas as regras que uma vida inteira assistindo a filmes de ação poderia ter lhe ensinado. Apesar de todo o sangue e de toda a brutalidade - e há muito disso , tudo habilmente elaborado - o Homem Macaco atinge seu auge quando se acalma. Kid não é apenas um lutador que carrega décadas de dor, mas um homem que tenta encontrar uma maneira de acalmar sua mente inquieta e acalmar seu coração dolorido. Patel se aprofunda nas metáforas da história que está contando do que uma história de ação parece sugerir, incorporando Kid não apenas aos pobres, mas aos excluídos que ousam trilhar seu próprio caminho em uma sociedade que os empurra para trás. Isso impregna o filme com um senso de comunidade e acrescenta ao tom mítico de uma forma que a jornada de Kid como um solitário nunca poderia. Monkey Man é um triunfo de filme musculoso, emocional e feroz e, quando terminar, você vai querer voltar e assistir tudo de novo. [Matthew Jackson]

Órion e o escuro 

A noção de um filme de animação para crianças escrito por Charlie Kaufman, o escriba cheio de ansiedade de filmes metafísicos de bonecas como Eternal Sunshine Of The Spotless Mind , parece tão improvável quanto um filme da Disney com classificação G dirigido por David Lynch, ou Nine O vocalista do Inch Nails, Trent Reznor, compondo uma trilha sonora da Pixar. No entanto, essas coisas aconteceram, para muitos elogios, e agora, isso também aconteceu. Orion And The Dark pode não se parecer quase nada com nenhum filme de Charlie Kaufman até hoje, mas carrega sua personalidade. Embora isso possa ser um pouco demais para as crianças mais novas, para crianças de 11 anos como as retratadas nesta história, pode tocar a corda simplesmente por se recusarem a subestimar sua inteligência. Aqui, ele pega um livro infantil, projetado para ajudar crianças de 4 anos a superar o medo do escuro, e fala sobre o medo existencial, bem na idade em que a maioria das crianças está começando a vivenciar tal coisa sem necessariamente ter um nome para. isto. O diretor Sean Charmatz ( Trolls: Holiday In Harmony ) mantém o visual adequado para crianças, mas também mantém a voz de Kaufman reconhecível o tempo todo. E embora Orion And The Dark pareça seguir os passos de um filme familiar, ele lança algumas curvas sérias no caminho para uma resolução amorosa, mas emocionalmente devastadora. As crianças vão gostar? Digamos apenas que as referências a David Foster Wallace, Saul Bass e Werner Herzog (interpretando a si mesmo) provavelmente não são para eles - mas são para você. O livro original exige o julgamento dos pais sobre se o filho de 4 anos está pronto para enfrentar o medo do escuro; o filme exige uma reflexão sobre as habilidades de seus filhos de 11 anos para lidar com o medo da morte, valentões, apocalipse climático e literalmente tudo o mais que eles possam imaginar ... e além. [Lucas Y. Thompson]

O Coringa do Povo

Repleto de criatividade DIY, um observador casual pode pensar que The People's Joker é simplesmente um projeto de fã liderado por um criador marginalizado. No entanto, a cineasta Vera Drew, com a co-roteirista Bri LeRose, usa o esboço do Coringa de 2019 como um trampolim para explorar suas próprias experiências com os corredores calcificados da indústria da comédia, as maneiras como os indivíduos prejudicados prejudicam uns aos outros por vergonha e ignorância, e suas lutas para descobrir sua identidade transgênero. Narrando retrospectivamente sua história desde as origens rurais humildes quando criança em Smallville, Coringa, a Arlequim (Vera Drew), nos guia através de uma jovem idade adulta, onde sua mãe (Lynn Downey) a coloca em um regime do medicamento antidepressivo Smylex, e o estrelato da comédia é um caminho para escapar no palco do UCB Live , uma mensagem nada sutil da Upright Citizens Brigade, SNL , e seu showrunner Lorne Michaels (um fac-símile animado agitado dublado por Maria Bamford). Filmado inteiramente em tela verde, O Coringa do Povo ostenta uma estética orgulhosamente artificial que resiste às noções convencionais de consistência. Personagens animadas em 3D e stop-motion ou como marionetas interagem com o elenco humano, por vezes com um cuidado deliberado na sua construção, outras vezes com um descuido pós-punk igualmente deliberado. Algumas cenas são inteiramente animadas em 2D, não apenas para alta ação, mas para momentos profundamente íntimos, sinalizando que esta escolha criativa não se destina apenas a cortar custos orçamentários. É uma estética caótica que parece coerente porque é muito caótica. Por um lado, satiriza directamente os mecanismos artificiais através dos quais os grandes êxitos de bilheteira contam as suas histórias, mas também fornece uma via para contar histórias profundamente pessoais no âmbito da nossa mitologia cultural partilhada. O Coringa do Povo é uma quimera construída de conflitos e contradições, mas todos nós também somos. Nosso quebra-cabeça de experiências humanas é universalmente confuso, e se há uma coisa que Drew parece estar nos dizendo é que deveríamos saborear esses paradoxos. Então não teremos mais que pintar sorrisos. Podemos simplesmente ser felizes. [Leigh Monson]

Sonhos de Robô

O eclético cineasta espanhol Pablo Berger já fez filmes mudos antes, mas nunca como Robot Dreams . Um anúncio de turismo de Nova York para quem pensa que WALL-E esgotou para Big Talkie depois de quebrar seu voto inicial de silêncio, Robot Dreams comunica as dores, sofrimentos e alegrias de uma amizade adiada sem uma palavra de diálogo. Embora seus personagens minimamente desenhados não falem, os detalhes básicos dos sonhos deste robô complicam a viagem de Berger por Nova York, repleta de paisagens sonoras urbanas autênticas e uma população de animais antropomórficos e seus companheiros robôs. Abrindo na ponte Queensboro sob o crepúsculo azul profundo, Robot Dreams nos apresenta Dog, um vira-lata solitário que vive nos anos 80 e passa mais uma noite com Atari e macarrão com queijo congelado. Depois de se vencer em Pong (de novo), Dog finalmente reconhece a solidão de se vencer em Pong (de novo). Então, a pedido de um infomercial perfeitamente cronometrado, ele encomenda um novo amigo: Robot. Com um movimento do pescoço, Robot ganha vida como um PC da era Reagan carregando DOS e, de repente, a vida de Dog tem um propósito. A força de Robot Dreams está em Robot e Dog, que lembram sombras animadas de Abbott e Costello ou Laurel e Hardy. Com esses arquétipos em mente, Berger destaca suas diferenças para máxima comunicação. Dog é pragmático e cuidadoso, consciente das consequências das infrações sociais e paga o preço por elas. Robot tem a mente mais aberta e está pronto para receber cada nova aventura com um sorriso e um aceno de boas-vindas. Mas, em sua separação, eles acham difícil se conectar com as pessoas ao seu redor. Com Robot Dreams , Berger também criou uma cidade de Nova York esteticamente suave, mas emocionalmente endurecida. Operando sob a crença de que há pouco que se possa controlar em uma cidade desse tamanho, Berger permite que seu filme tome voos de fantasia que retornam ao companheirismo. Como pode uma cidade tão cheia de gente se sentir tão solitária? Sem dizer uma palavra, Robot Dreams tem uma resposta. [Matt Schimkowitz]

Stopmotion

Aisling Franciosi estrela esta história arrepiante e desconfortável como uma animadora de stop-motion que se vê envolvida por uma nova ideia para um filme a tal ponto que ela se torna alienante, assustadora e, em última análise, perigosa. A promessa de explorar o espaço do terror através da animação stop-motion é motivo suficiente para conferir o filme de Robert Morgan, mas a poderosa atuação de Franciosi impulsiona Stopmotion além dos truques e para o reino do terror emocional verdadeiramente angustiante, à medida que arte e artista se fundem em algo novo e violento. e inesquecível. [Matthew Jackson]

Thelma

Com que frequência aparece um filme que você pode recomendar confortavelmente para literalmente todas as pessoas em sua vida? Não com frequência suficiente. Só por isso, Thelma merece ser comemorada. Isso não se deve apenas à premissa lúdica de paródia de ação ou ao elenco multigeracional, embora valha a pena elogiar ambos. Thelma é simplesmente um filme divertido com um protagonista cativante pelo qual você não pode deixar de torcer. Neste caso, ajuda o fato de o protagonista ser interpretado pela indomável June Squibb ( Nebraska e muitos, muitos mais ). Aos 93 anos, ela ocupa habilmente o centro deste filme no papel-título, com uma pequena ajuda do falecido Richard Roundtree (o próprio Shaft) como seu amigo de longa data e companheiro aventureiro Ben. É uma delícia passar tempo com esses personagens agressivos enquanto eles atravessam o Vale de San Fernando em uma scooter motorizada em uma missão quixotesca para rastrear os ladrões que roubaram US$ 10.000 de Thelma por telefone. O cineasta estreante Josh Margolin - que escreveu, dirigiu e editou o filme - disse que baseou o personagem Thelma em sua própria avó. Há muitos pequenos detalhes que acrescentam dimensão aos personagens, como uma piada em que Thelma fica pensando que reconhece estranhos aleatórios, ou Ben interpretando Daddy Warbucks em uma produção totalmente sênior de Annie , ou os momentos que não são representados por ri, como quando falam sobre todas as pessoas que conhecem que morreram. Margolin sabiamente fica fora do caminho dos atores nessas cenas. Ele apenas lhes dá espaço e os deixa cozinhar. Por um lado, Thelma é uma variação divertida e engraçada do gênero de ação. É um passeio divertido que dura cerca de 90 minutos. Se isso é tudo que você tira disso, está perfeitamente bem. Num nível mais profundo, porém, tem algumas coisas importantes a dizer sobre os estágios finais da vida. Pode fazer você pensar em palavras como “dignidade” e “decência”. Ele pede que você avalie como é difícil manter o senso de identidade enquanto seu corpo e sua mente começam a desaparecer. Isso o incentiva a olhar para os mais velhos ao seu redor com respeito. Qualquer que seja a abordagem do filme, ele será um ótimo passeio de verão para públicos de todas as idades. [Cindy Branco]

Nós crescemos agora

Desde a primeira cena, o magistral We Grown Now de Minhal Baig agarra você. Uma foto de um corredor vazio (como aprendemos, no conjunto habitacional Cabrini-Green em Chicago) convida você a descobri-lo, para deixar as muitas vidas que ele abriga passarem por você. Ouvimos raspagem. Ouvimos o barulho dos tênis. Ouvimos e logo vemos duas crianças. Eles estão carregando um colchão. Há uma curiosidade sem pressa despertada por esta imagem, por esta ação. E com o tempo, o último longa-metragem de Baig se estabelece ainda mais como uma linda joia de filme com um senso de lugar distinto e envolvente. O ano é 1992 e os dois meninos que conhecemos nessa sequência de abertura são os melhores amigos Malik e Eric (Blake Cameron James e Gian Knight Ramirez), dois meninos negros que aprenderam como fazer do Cabrini-Green um espaço amplamente imaginado para florescer. Aquele colchão que eles carregam meticulosamente por vários lances de escada e depois por uma área aberta asfaltada antes de colocá-lo ao lado de vários outros descartados logo se torna mais uma maneira de pular – de voar para a infância inocente que eles inconscientemente apreciam. Tal inocência é o princípio norteador de We Grown Now, cujo título obviamente nos leva ao destino do filme, no momento em que Malik e Eric terão que se despedir. Durante todo o tempo, observamos esses dois meninos e suas famílias avaliando o mundo em constante mudança ao seu redor: a mãe solteira de Malik (uma emotiva Jurnee Smollett) luta para ser promovida e levada a sério no trabalho, um trabalho que mal cobre suas despesas de subsistência. O pai solteiro de Eric (Lil Rel Howery, de castigo) ainda está de luto, sem saber qual a melhor forma de manter seu filho indisciplinado sob controle. Talvez o que eles precisem seja de uma saída. Mas se eles deixarem Calibri-Green, o que isso significa para a vida que viveram lá? Abordando essas questões – e outras mais amplas sobre habitação pública, policiamento brutal, racismo e planejamento urbano – o filme de Baig é uma terna meditação sobre o que fazemos com o que temos e sobre os voos de imaginação necessários para abrir novos caminhos à frente. [Manuel Betancourt]