2024'ün en iyi 25 filmi (şimdiye kadar)

Jun 25 2024
Yıl ortasında, tenis üçlüsünden Furiosa'nın köken hikayesine kadar beyaz perdenin sunduğu en iyi şeyleri kutluyoruz.
Sol üstten saat yönünde: Yeşil Sınır (Kino Lorber), TV Parıltısını Gördüm (A24), Kötülük Yok (Janus Films), İyilik Türleri (Projektör Resimleri), Furiosa: A Mad Max Saga (Warner Bros.)

Artık film festivalleri sakinleştiğine ve gişe rekorları kıran filmler ciddi anlamda gösterime girmeye başladığına göre, ya kışın başında izlediğimiz filmlerden unuttuklarımızı takdir etmek ya da daha sonra kıyıya çıkmak için yılın şu ana kadarki filmlerine bakmanın tam zamanı. izleme listelerimizi yanımızdan geçen mücevherlerle doldurun. 2024'ün en iyi filmleri şimdiye kadar ya gizlice yayıncılara sızarak türleriyle ilgili konuşmaları sessizce domine ederek üzerimize sindi ya da varışları çok uzun süredir ilan edildi (yol gösterisi turlarını tamamladıklarında ya da Cannes ya da SXSW'de ödül üzerine ödül kazandıkça) ) sonunda abartıyı gerçeklikle karşılaştırmaya başladığımızda bizi hayal kırıklığına uğratma riskiyle karşı karşıya kalacaklar.

Ancak filmler ister büyük bilimkurgu franchise girişleri olsun, ister sadece "iksir satıcısı" adamın  azgın spor fantezileri olsun , kesin olan bir şey vardı: Zendaya'nın başrolünü üstlendiler. Ama o olmasa bile bazı filmler kendi başlarına idare edebiliyordu. Ryusuke Hamaguchi ve George Miller, tamamen farklı ses seviyelerinde çalışarak, zirveye ulaşan çalışmalarını takip ederek hayal kırıklığına uğratmadılar. Jane Schoenbrun ve Minhal Baig, bağımsız filmleri arasında sıçrayışlar yaparak kendilerini ilgilendiren konulara ve estetiğe dokunmanın daha da gösterişli yollarını buldular. Ryan Gosling Taylor Swift'e ağladı. Trans ve buna bayılan Joker, merdivenlerden aşağı tekme dansı yaparak indi ve ilk kez iyiydi. Korku ve aksiyon filmleri, o gösterişli dokunmatik ekranlı soda makineleri gibi eski favorileri yeniden harmanlarken, yeni tatlar da kattı. Ve hepsinden önemlisi kunduz kıyafeti giyen adamlar birbirlerine şiddet uyguladı.

İlgili İçerik

Hiç kimse internet çocuklarını Jane Schoenbrun kadar anlayamıyor
I Saw The TV Glow incelemesi: Jane Schoenbrun'un elektrikli filmi ekrana ulaşıyor ve asla bırakmıyor

İlgili İçerik

Hiç kimse internet çocuklarını Jane Schoenbrun kadar anlayamıyor
I Saw The TV Glow incelemesi: Jane Schoenbrun'un elektrikli filmi ekrana ulaşıyor ve asla bırakmıyor

Sinemanın eski kötü adamları 2024'te hâlâ burada olabilir; bu ister kendi kendine uygulanan sansür anlamına geliyor, ister (inanılmaz derecede) dikey olarak bütünleşmiş bir tekel anlamına geliyor, ancak bu sanat biçimine bağlı kalmaya devam etmemizin tüm nedenleri de aynı şekilde. Yılın en iyi filmleri fikri mülkiyet gösterisinin pazarlanabilir kabuğunun içinde gizlenmiş olsa bile, film yapımcılarımızın, müzisyenlerimizin, komedyenlerimizin, yazarlarımızın faturaları ödeyen yapımlara gizlice sokmalarını umduğumuz her şey onların özünde mevcuttur. Bu filmler biçimle ( Şiddetli Bir Doğada , Halkın Jokeri ), bedenlerimiz hakkındaki beklentilerimizle ( Thelma , TV Parıltısını Gördüm ) ve ışık, kamera ve aksiyon aracılığıyla ne tür yanılsamaların mümkün olabileceğine dair anlayışımızla oynuyor ( The Fall Guy , Furiosa, Yüzlerce Kunduz ). Eğer filmlerin düşmanları temellere geri dönüyorsa, filmlerin en iyi yanları da onlarla buluşacak.


Yaratık

Henry James'in en unutulmaz öykülerinden birinden esinlenen, yapı iskelesi için bilimkurgu konseptine sahip bir insanlık dramı olan Bertrand Bonello'nun The Beast, aciliyet duygusunu alıp onu iki inanılmaz merkezi performansla birleştiriyor ve hayatınızda göreceğiniz en etkileyici deneyimlerden birini sunuyor. 'Muhtemelen bu yıl sinemaya gideceğiz… az önce gördüklerinizi çözmeniz biraz zaman alsa bile. 2044 yılında insan iş gücünün büyük bir kısmının yerini, daha önceki küresel felaketleri yaratan kusurlu insan düşüncesinden daha güvenli ve daha az duygusal kabul edilen yapay zeka aldı. Paris'in gelecekteki bu versiyonunda Gabrielle (Léa Seydoux) umutsuzca bir amaç duygusu arıyor. Kendini kanıtlama hevesiyle, geçmiş yaşamlarına geri dönerek kendisini her türlü duygusal dengesizlikten arındıracağı varsayılan bir prosedürü kabul eder; buradaki fikir, genetik kodunda kalıcı olan herhangi bir travmayla yüzleşmenin ve sonunda onu ortadan kaldırmanın onu sadece daha nitelikli hale getirmeyeceğidir. bir iş ama daha tatmin edici ve uysal. Tüm bunlar olurken, bazen sevgili, bazen arkadaş, bazen de ölümcül bir güç olan Louis'in (George MacKay) üç farklı versiyonuyla etkileşime giriyor. Bu hayali gelecekte bariz bir kasvet var ve bu, Bonello'nun kamerasının yüzyılın başındaki Paris'in bereketli kırmızıları ve yeşilleri ile 2014 Los Angeles'ının serin havuz suyu mavilerinde yarattığı canlı tonlarla dengeleniyor. Seydoux ve MacKay, en yavaş sahnelerden bile duygunun her zerresini sıkıştırarak muazzam, güçlü bir iş çıkarıyorlar. Canavar, insan deneyiminin üç farklı döneminden dikkatlice ve metodik bir şekilde geçerken, pençelerini üzerinize geçiriyor ve ardından bıraktığı yaralar üzerinde düşünmenizi istiyor. [Matthew Jackson]

Meydan Okuyanlar

Görünüşte yaklaşık üç tenis oyuncusu olan Challengers , aslında bir tenis maçı gibi aşk oynayan, öne geçmek ve istedikleri ödülleri toplamak için oynayan üç karakter hakkındadır. Filmin çerçevesi, rakipleri ve eski en iyi arkadaşları olan Patrick (Josh O'Connor) ve Art'ın (Mike Faist) kariyerlerindeki önemli bir eşleşmeyi konu alıyor. Aralarında birinin eski kız arkadaşı, diğerinin şu anki eşi ve koçu olan Tashi (Zendaya) vardır. Luca Guadagnino, I Am Love ve Call Me By Your Name gibi filmlerde de kanıtladığı gibi, her zaman ilişkilerin ateşli duygusal alt akıntılarını yakalama konusunda yetenekli olmuştur . Karakterlerinin çoğu için arzu onların varlık nedeni ve anlatılarının itici gücüdür. Justin Kuritzkes'in senaryosunda arzu, üç kahraman tarafından cesurca ve bazen de manipülatif olarak kullanılan bir silahtır. Sayombhu Mukdeeprom'un kamerası oyuncuların vücutlarını inceliyor, gözlerindeki her ışık kırıntısını, titreyen her dudak ve terli kaşları yakalıyor. Bütün bunlar, çağdaş Amerikan sinemasında pek görülmeyen, cinsel hararetin yüksek olduğu bir film yaratıyor. Tenis maçları için Guadagnino'nun elinde birkaç numara var. Birincisi Trent Reznor ve Atticus Ross'un yüksek sesli, etkileyici müziği. Ardından, ilgi çekici olmayan küçük sarı topları görmezden gelirken, oyuncuların yüzlerindeki hareketlerin her nüansını göstermek için birçok sahnenin neredeyse durma noktasına kadar yavaşlaması. Meydan Okuyanlar , beyazperdenin ışıltılı yıldızlarına dönüşme yolunda aktörlerin canlandırdığı karmaşık karakterler sayesinde başarıya ulaşıyor. [Murtada Elfadl]

Dune: İkinci Bölüm

Dune: İkinci Bölüm, selefinin kaldığı yerden devam ediyor ve her iki film de tek başına duramayacağından, iyisiyle kötüsüyle ilkiyle aynı ritmi, görünümü ve hissi yakalamayı başarıyor. Frank Herbert'in romanının beş saatlik uzun bir uyarlaması olarak bir araya getirilmelidirler. Bu, dini güç simsarlarının güç kazanmak için insanların inanç sistemlerini nasıl manipüle ettiğine dair bir polemiktir; bu, izleyicilerin genellikle gişe rekorları kıran bir Hollywood filminde elde ettiğinden daha fazlasıdır. Hikaye, Paul Atreides'in (Timothée Chalamet) tozlu çöl gezegeni Arrakis'in halkını kötü güçlere karşı yönetmeye yükselişini konu alıyor. Yeterince basit ve böyle bir filmden beklenen her şeye sahip: Gerekli bir aşk, şiddetli bir düşman ve kahramanın kendi gücünün farkına varması ve onu benimsemesi. Ama onu sadece bir gösteriden daha fazlası haline getiren de bu dini temalar. Ve bu kutuyu da işaretliyor: Her şey biraz daha gösterişli ve çarpıcı. Savaşlar daha büyük, kum fırtınaları daha şiddetli. Dune: İkinci Bölüm, iki buçuk saatlik çalışma süresinin hakkını veren heyecan verici bir sürüş. [Murtada Elfadl]

Kötülük Var Değildir

Kötülük Var Değil'in zamanını alır. Başlangıçta kamera doğa ve bitki örtüsü üzerinde hareket ederken film müziğinde önsezili bir müzik var. Sonra birdenbire bir karakter beliriyor ve seyirciyi şaşırtıyor. Bir karakterin konuşması için neredeyse yarım saat geçmesi gerekiyor. Ryusuke Hamaguchi'nin Oscar ödüllü Arabamı Sür filminin devamı niteliğindeki filmin dehası bu sabır ve telaş ikileminde yatıyor . Bu, iyiye karşı kötünün basit bir oyunu gibi, nefes kesecek kadar yoğun bir anlatımla çözülen bir masal. Hamaguchi'nin seyrek hikaye anlatımı bir mekan hissi yaratmakla başlıyor. Seyirci Mizubiki'nin kırsal dağlık köyüyle tanıştırılır. Kamera herhangi bir karakteri ortaya çıkarmadan önce araziye, su kaynaklarına, uzun ağaçlara yaklaşıyor. Bir pazarlama ajansı şehre gelip glamping alanı inşa etme planlarını açıkladığında, merkezde bir karakter yer alır: Kasaba hakkında en çok şeyi bilen, her işte usta olan Takumi (Hitoshi Omika). Ajans çalışanları (Ryuji Kosaka ve Ayaka Shibutani) kısa sürede onu kasaba halkını planlarına ikna etmelerine yardımcı olabilecek biri olarak görmeye başlar. Ancak önce Takumi'nin kandırılıp ikna edilmesi gerekiyor. Böylece oyun başlıyor; oyuncular belirlenir ve bahisler ortaya çıkar. [Murtada Elfadl]

Düşen Adam

Her şeyden önce The Fall Guy kalabalığın hoşuna gidiyor. Glen A. Larson'un yarattığı aynı isimli diziden Drew Pearce ( Hotel Artemis ) tarafından uyarlanan David Leitch'in filmi, hepsi gerçek cazibe bombası olan oyuncuları aynı karede bir araya getirmek için büyük ve ustaca bir bahane. Onları patlamalar ve araba kovalamacalarıyla çevreliyor, arka planda KISS ve The Darkness'ın müziği çalarken iyi vakit geçiriyor. "Düşen adam", sevdiği bir işi olan deneyimli bir dublör olan Colt Seavers'tır (Ryan Gosling) ve daha da çok sevdiği kamera operatörü Jody (Emily Blunt) adlı bir kız arkadaşı vardır. Her şey Colt'un istediği gibi gidiyor gibi görünür, ta ki kendini taklit ettiği aktör, egomanyak Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson), ondan bir kez daha büyük bir düşme gösterisi yapmasını talep edene kadar. İşler ters gider ve böylece Colt sırtından sakatlanarak ve gururunda daha da acı veren bir yarayla akrobasi oyununun dışında kalır. Leitch kariyerine dublörlerde çalışarak başladı ve tüm gücünü bu filme aktararak Miami Vice'a bir övgüden beklenmedik bir çöp kamyonu dövüş sahnesine ve evet, dublör ekiplerine ekrandaki birçok övgüye kadar her şeyi veriyor. Dünyanın her yerindeki film setlerinde çalışıyorum. Aksiyon ve dublör çalışmaları tam gaz devam ederken bile The Fall Guy'ı gerçekten başarılı kılan şey Gosling ve Blunt arasındaki ortaklık. Bir kez daha, The Nice Guys gibi filmlerde çok başarılı olduğu gibi, kefaret arayışındaki mağlup kahramanı canlandırırken, kendisi de kariyerini kalbinin arzularıyla dengeleyen hırslı kadını canlandırıyor. Film yıldızlarının iki saat boyunca mutlak cazibe makineleri haline gelmesi gerekiyor ve bazen gerçekten ihtiyacınız olan tek şey bu. [Matthew Jackson]

Madalyonun diğer yüzü

Chris Wilcha'nın yeni belgeseli Flipside'da yapmaya çalıştığı her şeyi takdir etmek için belirli bir yaşta olmanıza gerek yok, ama kesinlikle yardımcı oluyor. Bu projenin X Kuşağı deneyimine hitap etme şekli, özellikle de kendinizi bir sanatçı olarak düşündüyseniz o kadar spesifik ki neredeyse bir saldırı gibi geliyor. Açık olmak gerekirse, bu bir iltifat. İçinde yoğun bir şekilde yer verilen eski New Jersey plak mağazasıyla paylaştığı filmin başlığı bile, hayatta, arkanızda önünüzde olduğundan daha fazlasının olduğunu fark ettiğiniz o anı çağrıştırıyor. Filmin mesajı, Wilcha'nın nesli dışındaki herkes için anlaşılmaz olacak bir mesaj değil; aynı zamanda pişmanlık ve dünyada iz bırakma arzusu gibi evrensel olarak bağ kurulabilen kavramlarla da ilgileniyor; sadece yönetmenin, Wilcha'nın yarattığı idealist, hırslı çocuğu uzlaştırma yolculuğu. Bir zamanlar 50'li yaşlarındaki bir adamla birlikteyken, şimdi kendi hayatlarının değerlendirmesini yapabilecek durumda olanlarda daha derin yankı uyandıracak. Flipside , Wilcha'nın , 25 yıllık yaşam deneyimlerinin size sağlayacağı mesafe ve geçmişe bakışla, The Target Shoots First'ün kişisel öz yansımasına bir geri dönüş olan, hayatının işini tam bir daire içine alma girişimidir . Göründüğü kadar göbeğe bakan bir şey değil. Wilcha, konuyu daha geniş bir şekilde anlatmak için, yarım bıraktığı belgesellerden görüntüleri birleştiriyor ve hatta bir tür kapanış arayışıyla eski konularının bazılarına geri dönüyor. Wilcha, idealizminin yerini gerçekçiliğin, hırsının yerini kayıtsızlığın aldığını kabul ediyor. Gençliğine bakıyor ve çekinme isteğine direniyor. [Cindy Beyaz]

Furiosa: Bir Mad Max Destanı

Furiosa: A Mad Max Saga, sıkı bir şekilde düzenlenmiş son derece saygın ön filmlerden oluşan kütüphaneme resmi olarak giriyor çünkü George Miller, Furiosa için Fury Road olmadan da var olabilecek ve yine de harika bir film olabilecek bir iç yaşam ve tarih oluşturmakla tamamen ilgileniyor . Ve ardından Miller, Furiosa'da toplanan ilişkileri, bağlantıları ve kayıpları alt metne dönüştürerek zaten muhteşem olan Fury Road'u daha da iyi hale getiren zirve öncesi hileyi gerçekleştiriyor. Furiosa'nın hikayesi beş bölümde anlatılıyor; Onunla Birçok Annenin Yeşil Yeri'nin gizli, cennet gibi topluluğunda yaşayan bir çocuk (Alyla Browne) ile tanıştığımızda başlıyor, ardından hayatının 15 yılı boyunca devam ediyor ve yirmili yaşlarının ortasında sona eriyor. çok daha genç bir Ölümsüz Joe'nun (Lachy Hulme) Kalesi'nde İmparator Furiosa (Anya Taylor-Joy) oldu. Ve Furiosa hala bir deneyim. Seni kum gibi yutar ve sonuna kadar sımsıkı tutar. Görüntü yönetmeni Simon Duggan ( The Great Gatsby ) , Fury Road'un görüntü yönetmeni John Seale'den görsel sorumluluğu alırken tek bir adımı bile kaçırmıyor . Furiosa , özellikle IMAX'te duyularınızı alt üst ediyor; Duggan ve Miller, kum tepelerinin üzerinden geçerken veya Citadel'i The Bullet Farm ve Gastown'a bağlayan yol şeritlerini aşındırırken sizi araçların içine kaptırıyor. Furiosa'nın neredeyse her parçası içten ve gerçek bir şekilde karşımıza çıkıyor; bu da size arada bir filmlerde bu tür bir deneyim yaşamanın ne kadar özel olduğunu hatırlatıyor. [Tara Bennett]

Hayalet ışığı

Alex Thompson ve senarist Kelly O'Sullivan'ın ortak yönetmenliğini üstlendiği Ghostlight , yıldızları arasında gerçek hayatta evli bir çift ve kızlarını da sayıyor ve bu da filmin özgünlük duygusunu besliyor. Sonuç, derin ve rahatsız edici duygular için yapıcı kanallar bulma konusunda küçük, özel olarak hazırlanmış bir mücevherdir. Illinois'in bir banliyösünde inşaat işçisi Dan (Keith Kupferer), kendisini giderek artan bir şekilde karısı Sharon (Tara Mallen) ve ergenlik çağındaki kızları Daisy'den (Katherine Mallen Kupferer) uzaklaştıran duygusal bir kabızlığa yakalanmıştır; kendisi de okuldan atılma tehdidiyle karşı karşıyadır. isyankar davranışlarla ilgili son olayı. Dan işe gittiğinde, halkın bu kısa süreli öfkesi aktris Rita'nın (Dolly De Leon) dikkatini çeker. Bir şeyler hisseden Rita, Dan'i okuma masasına çeker ve kaynak metne aşina olmamasına rağmen, Romeo ve Juliet'in barebone topluluk tiyatrosu prodüksiyonuna katılmasını teklif eder. Dan ilk başta tamamen umursamaz, sonra şüpheci davranır, ancak kendini grubun provalarına çekilmiş halde bulur; bu gelişmeyi karısından ve kızından saklar. Film ilerledikçe, aileyi saran belirsiz travma ve üçünün yaşadığı karmaşık, bazen çelişkili duygular daha da net bir şekilde ortaya çıkıyor. Bu aile dramı ve iyileşmesi, daha sonra oyunun açılış gecesine kadar uzanan çeşitli gelişmelerin arka planında oynanır. O'Sullivan ve Thompson, gösterişten uzak cazibeler yaratan mütevazı ve basit bir teknik paketi başarıyla yönetiyorlar. Filmin, görüntü yönetmeni Luke Dyra tarafından geniş çerçevelerde güzel bir şekilde yakalanan karakter ayrıntılarına yönelik keskin bakış açısı ile sade mizah ve dokunaklılığın doğal karışımı, biraz artan duygusal perdesinin ve doğuştan gelen memnun etme arzusunun üstesinden geliyor. Ghostlight , en temelde, keder ve toplumun onu işlemedeki faydası hakkında bir film ve eğer bu çok açık görünüyorsa, burada sunulduğu haliyle hala oldukça etkileyici. [Brent Simon]

Yeşil Kenarlık

Polonyalı usta sinemacı Agnieszka Holland'ın son filmi Yeşil Sınır , doğrudan eylem çağrısından başka bir şey değil. Film, göçmenlerin Polonya-Belarus sınırında karşı karşıya kaldığı ve karşıt askeri ve eylemci güçler tarafından ya daha da kötüleştirilen ya da hafifletilen tehlikeli koşulların, zaman zaman açıkça acımasız da olsa, incelikli bir anlatımını sunuyor. Bu özel sınır, iki ülkeyi ayıran sık ve bataklık ormanlardan dolayı “yeşil sınır” olarak adlandırılıyor. Belarus diktatörü Alexander Lukashenko'nun düzenlediği sahtekarlık kampanyasıyla kandırılan Afrika ve Orta Doğu'dan gelen göçmenler, Polonya'ya hızlı ve güvenli geçiş bulacakları ve böylece başvuruda bulunabilecekleri güvencesini aldıktan sonra Doğu Avrupa ülkesine (ve Rusya'nın ünlü müttefiki) seyahat ediyor. Avrupa Birliği'ne sığınma. Ancak karşıya geçtiklerinde, Polonya sınır devriyesi mültecileri tekrar topluyor ve onları dikenli tellerin üzerinden Belarus'a atıyor; burada istismara uğruyor, soyuluyor ve azarlanıyorlar, ardından da şiddetli bir şekilde Polonya'ya geri itiliyorlar. Holland materyale öfkeli bir öfkeyle ve onu destekleyecek inkar edilemez gerçeklerle yaklaşıyor. Diyalog, Avrupa'da artan göçmen ölümlerinin doğrudan altını çiziyor ve karakterleri, mülteciler, aktivistler, Polonya sınır bölgesinde yaşayanlar ve isimsiz sınır devriye memurlarıyla saatlerce süren yapım öncesi röportajlarla şekillendi. Filmi görkemli siyah beyaz (sık sık birlikte çalıştığı Tomasz Naumiuk tarafından ustaca mercek altına alınan) sunarak, Green Border yaklaşımında zamanın ötesinde bir his uyandırıyor ve toplumsal "tehdit" olarak kabul edilenlere karşı geçmişteki ve devam eden şiddeti bir kez daha vurguluyor. Afrikalı ve Orta Doğulu mültecilere, Avrupalı ​​Yahudilere ve Filistinli sivillere yönelik muamelelerin tümü, devletin onayladığı sadizm ve indirgemeci propagandaya körü körüne itaat edenlerle bağlantılıdır. Yeşil Sınır'ın en harika yanı - heyecan verici ve yürek parçalayıcı bir anlatıyla desteklenen, insanlaştırmaya yönelik yankı uyandıran bağlılığının yanı sıra - kimseyi paçavradan kurtarmamasıdır. [Natalia Keogan]

Nasıl Seks Yapılır?

Yazar ve yönetmen Molly Manning Walker'ın ilk uzun metrajlı filmi How To Have Sex , pek çok gençlik seks komedisi geleneğini sürdürüyor. Aradaki fark, How To Have Sex'in cesur, gerçekçi olması ve ciddi seks ve rıza temalarını ele almasıdır. Önerme tanıdık geliyor: Üç İngiliz arkadaş, lisenin son yılında Yunanistan'da bir yaz tatili geçiriyor. Skye (Lara Peake) ve Em (Enva Lewis), bu yolculukta bekaretini kaybetmeyi ümit eden Tara'dan (Mia McKenna-Bruce) biraz daha deneyimlidir. Film yapımcısı genç arkadaşların birbirlerine karşı davranış biçimlerine uyum sağlıyor. Birbirleriyle ilgilenmeleri ve birbirlerine olan sevgilerini göstermeleri tatlı bir şekilde. Bazen birbirlerine nasıl tepki verdiklerini belirleyen küçük şikayetler ve açıklanamaz düşmanlıklar. Dostluk ve üstünlük. Hiçbir yetişkin olmadığında hissettikleri terkedilmişlik. Alkolün getirdiği coşku. Üstelik Manning Walker, rızanın muhalefete ve arzunun tiksinmeye dönüştüğü o ince çizgiyi aşıyor. Kamerası, karakterlerin dile getiremediği hikayeyi anlatmak için oyuncuların yüzlerini ve çevrelerini hassas bir şekilde inceliyor. Genç Kate Winslet'i hatırlatan McKenna-Bruce, beyazperdedeki sıcak varlığı ve duygusal korkusuzluğuyla filmi muhteşem bir performansla pekiştiriyor. Manning Walker, odak noktasını Tara'nın bakış açısına odaklıyor, böylece seyirciler onun ne hissettiğini her zaman hissedebiliyor. Tara çoğu zaman emin olamıyor ve onun hikâyesini büyüleyici, bu filmi de büyüleyici kılan da bu. [Murtada Elfadl]

Yüzlerce Kunduz

Doğaçlama bir tuzakçı olan Jean Kayak (yardımcı yazar/yıldız Ryland Brickson Cole Tews), tundrada yeni çözülmüş ve yalnız başına, kendisini zamanda geriye, her eylemin komik bir tepkiye sahip olduğu bir döneme, yani kendinizin hissettiği bir zamana itilmiş halde bulmuştur. Bir kalasın ucunu kesebilir ve sonra orada havada durabilirdik; yer çekimi bize, bedelini ödemeden önce kıçımıza gülebilmemiz için zaman tanıyordu. Diyalogsuz siyah beyaz komedi Yüzlerce Kunduz , The Legend of Zelda , Charlie Chaplin'in The Gold Rush'ı , JibJabs, Terry Gilliam animasyonu, Guy Maddin ve Jackass gibi birbirinden farklı parçalardan oluşuyor . Acme, Méliès benzeri durdurma hileleri ve Muppety kuklaları arasında isim kontrolüne tabi tutulurken estetiği, seyrek karlı bir tuval üzerine geniş şiddeti resmetmekten, gösterişli bir Alman Ekspresyonist kalesinin gölgeli bağırsaklarında koşmaya kadar değişiyor. Aptalcadır, yücedir. Maskot kostümlü yaratıklardan biri buzlu manzarada ilk kez bok yediğinde güleceksiniz. Ve jenerikler gelene kadar durmayacaksınız. Son birkaç yılın en iyi komedilerinden biri olan Yüzlerce Kunduz aslında kunduzlardan daha fazla can alıcı nokta içeriyor olabilir. Film yapımcısı Mike Cheslik'in, filmlerin ilk günlerinde kullanılan yöntemleri fark edip sahiplenerek, klasik avcı-avlanma dinamiğini aşırı derecede tırmandırması, birbirimizi nasıl güldürdüğümüze dair kalıcı, evrensel gerçeklerin mucizevi bir Kendin Yap kutlamasına dönüşüyor. [Jacob Oller]

Televizyonun Parladığını Gördüm

Yazar-yönetmen Jane Schoenbrun , bir önceki filmi olan mükemmel We're Going To The World's Fair'de , bu tür bir takıntının potansiyel olarak tehlikeli sonuçları olan belirsiz bir internet oyunu biçiminde tasvirini yapmıştı. Bu sefer Schoenbrun daha kişisel ve daha ilkel bir şekilde akıldan çıkmayan bir hal alıyor. Televizyonun Parıltısını Gördüm, popüler kültür takıntısının dikkate değer bir portresi; bu takıntının bizi nasıl birleştirebileceğini, değiştirebileceğini ve hem canlandırıcı hem de rahatsız edici şekillerde tüm hayatımız boyunca dalga dalga yayılabileceğini gösteriyor. I Saw The TV Glow'da hakim olan popüler kültür takıntısı, Cumartesi geceleri geç saatlerde yayınlanan doğaüstü bir gençlik draması olan The Pink Opaque'tır . Uzak mesafelerde psişik bir bağlantıyla birleşen ve her türlü canavarla savaşmalarına yardımcı olan iki en iyi arkadaşın hikayesini konu alıyor. Owen (gençlik çağında Ian Foreman ve lise öğrencisi olarak Justice Smith tarafından canlandırılmıştır), kanalda gezinirken diziye göz atan yalnız bir çocuktur ve süper hayran Maddy'ye (Brigette Lundy-Paine) yaklaşacak kadar ilgisini çekmiştir . Pembe Opak'ın gerçek doğası. Filmin görselleri, hayatlarına anlam katacak bağ dokusunu bulmak için sıkıcı, solmuş bir gerçeklik denizinde bir o yana bir bu yana yelken açan iki insanı izliyormuşuz hissini uyandırıyor. Tabii ki, I Saw The TV Glow'un gerçek anlamı, Schoenbrun'un karakterlerinin takıntılarının dönüştürücü doğasına değinmesiyle ortaya çıkıyor; bu, bir metamorfoza neden olabilir veya sadece tehlikeli, uyuşturan dissosiyatif dönemleri tetikleyebilir. Eğer filme eğilmeye ve Schoenbrun'un şiirsel tonlama içgüdülerini takip etmeye istekliyseniz, büyülü bir şey bulacaksınız. Hem bir medyanın birinin hayatını değiştirmesini hem de gerçekte kim olduğuna ulaşmak için uzun bir yol kat eden birinin hikayesini içeren bir anlatının planını yaptılar. [Matthew Jackson]

Senin Fikrin




Kendi kuşağının en iyi aktrislerinden birinin en iyi performanslarından birini sergilediği, hevesli izleyicileri koltuklarında mırıldanacak samimi bir tutku duygusuyla dolu The Idea Of You , son yıllarda gördüğümüz en iyi romantik komedilerden biri. Bir süre önce. The Idea Of You , tüm enerjisini genç bir kızını (Ella Rubin) büyütmeye ve Los Angeles'ın Silver Lake semtinde popüler bir sanat galerisi işletmeye harcayan bekar bir anne olan Solène'i (Anne Hathaway) konu alıyor. Ancak Solène ayrıca daha fazlasını aradığını, planladığı tek başına kamp gezisinde bulmayı umduğu tatmin hissini aradığını itiraf etmekten de çekinmiyor. Ta ki sinir bozucu eski kocası (Reid Scott), kızlarını ve arkadaşlarını ortaokulda sevdiği One Direction benzeri erkek grubu August Moon'u görmeye Coachella'ya götürmeyi kabul edene kadar. Solène, August Moon'un yakışıklı ve çekici solisti Hayes Campbell (Nicholas Galitzine) ile yüz yüze gelir; Hayes Campbell (Nicholas Galitzine), kendine olan güveninden ve başlangıçta onu tanıyamamasından etkilenmiştir. Solène, en azından Hayes'in kendisini tanıma çabasıyla galerisine gelip 40 yaşındaki bekar anneyi dünyanın dört bir yanına götürecek fırtınalı bir romantizmi başlatana kadar, Solène'in omuz silktiği güzel bir tanışma tatlısı. 24 yaşındaki pop yıldızıyla. Hathaway çok insani, çok savunmasız bir rolde rahatlıyor, hikayenin en önemli duygusal ceplerinde oturuyor ve özlem, şüphe ve neşe karışımıyla kaynıyor. Galitzine'in odak noktasını tamamen kaybetmeden ekranı onunla paylaşabilmesi bir başarı, ama sonra daha da ileri gidiyor ve kendi harika çalışması için onun duygusal ritimlerini eşleştiriyor. Tüm bunlara ek olarak çok ilgi çekici erkek grubu melodileri, neşeli bir komedi tonu ve deneyimli romantik komedi hayranlarının bile en azından biraz tahminde bulunmasını sağlayan üçüncü perde, The Idea Of You'nun son derece hoş yeni bir parça olduğu anlamına geliyor. romantik komedi kanonu. [Matthew Jackson]

Şiddetli Bir Doğada

Chris Nash'in ilk uzun metrajlı filmi In A Violent Nature , izleyiciyi anında slasher ekosisteminin değişen bataklığına dahil ediyor; baş kahramanı Johnny (Ry Barrett), bedensiz sesler arasındaki oldukça zararsız bir konuşmanın ardından çamur ve ölü yapraklardan oluşan bir katmandan sürünerek çıkıyor. . Sanki ormanın kendisi ele geçirilmiş gibi, ortam ile karakterler arasındaki çizgiyi bulanıklaştırıyor; bunların hepsi Nash'in sıra dışı film yapımcılığının karakteristik özelliği. Arka plan ön plana, eylem eylemsizliğe, şiddet doğal dinginliğe karışıyor. Böylesine telaşsız bir bakış açısıyla - daima kötü adamın bakış açısına kilitlenmiş bir bakış açısıyla - bunun bir video oyunu hilesi gibi hissettirme potansiyeli var, ancak Nash bu metodik bakış açısının sinematik değerini ortaya çıkarıyor. Yönetmenin ton ve mekan üzerindeki sıkı kontrolü, her türlü kandırılma duygusunu ortadan kaldırıyor. Çekimler, uzun tek çekimlerle özenle oluşturulmuş, gıcırdayan dalların ve çatırdayan ince dalların sesini, müdahale eden müzik olmadan emerek, hastanın müzik yerine dünyayı dolaşmasına izin veriyor. Nash, filmde şimdiye kadar korunan en kanlı cinayetlerden biriyle sonuçlanan (bunu gördüğünüzde anlayacaksınız) artan şiddet aracılığıyla, içgüdüsel, bedensel bir empati kullanarak, ölüme tanık olmanın tamamen fiziksel hissine hitap ediyor. Şiddetli Bir Doğada'da Nash tamamen yeni bir şey yaratıyor; bestelenmiş, yakın ve gerçek. Ancak filmin tonu ve zamanlaması, aynı zamanda izleyicilerin neden her zaman bu kan, vahşet ve cesaret maratonlarına yatırım yaptığını da yakından anladığını kanıtlıyor. [Anna McKibbin]

istila edilmiş

Sébastien Vanicek'in Infested adlı eserinde , yalnız egzotik bir örümcek, girişimci bir genç adamın (Théo Christine) ve ailesinin ve arkadaşlarının daha iyi bir yaşam kurmaya çalıştığı bir Fransız apartmanına giriyor. Sonraki günlerde, örümcek korku klasiği Arachnophobia'nın parasının karşılığını veren bir filmde, bu yalnız örümcek ölümcül, acımasız, sürekli çoğalan eklembacaklılardan oluşan bir orduya dönüşüyor. Tatmin edici derecede tüyler ürpertici bir yaratık özelliği olarak başlayan şey, sonunda çağlar boyunca sürecek bir hayatta kalma-korku çatışmasına dönüşüyor ve gerçekten dudak uçuklatan, sekiz bacaklı öfkenin acımasız anlarıyla sonuçlanıyor. [Matthew Jackson]

Janet Gezegeni

1991 yılının puslu yazında Batı Massachusetts'te geçen, Pulitzer ödüllü oyun yazarı Annie Baker'ın ilk sinema filmi Janet Planet , bu zamanın ve mekanın dokusunu ergenlik çağındaki bir bakış açısıyla zarif bir şekilde yakalıyor. Baker'ın oyunları kapalı alanlarda uzun sahneler içerse de, onun film yapımcılığına girişi resmi olarak garanti altına alınmış olup, keskin ama dolambaçlı diyaloglara olan uzun süredir duyduğu ilginin yanı sıra 16 mm'lik gösterişli görüntüler de hayata geçirilmiştir. Bazıları onun tarzını anlatım açısından yavan bulabilir, ancak onun daha geniş kapsamlı yapıtlarının hayranları, selüloide aktardığı sessiz detaylarda tanıdık bir rahatlık ve daha geniş bir hayranlık bulacaklar. 11 yaşındaki Lacy (etkileyici yeni gelen Zoe Ziegler), intihar tehditleriyle evini aradıktan sonra annesi Janet'i (Julianne Nicholson) onu uzun süreli yatılı kamp olması gereken yerden almaya yeterince ikna eder. Ancak o zaman Lacy, annesinin şu anki erkek arkadaşı Wayne (Will Patton) ile aynı alanı paylaşmak zorunda kalacağı için eve dönmenin en akıllıca karar olmayabileceğini fark eder. Lacy ile annesi arasındaki ilişki, ders kitaplarındaki karşılıklı bağımlılığın işaretleriyle dolu olsa da Janet, zamanını dönen bir aşıklar, arkadaşlar ve manevi danışmanlarla paylaşmaya çok hevesli, bu da kızının kötü gizlediği hayal kırıklığına fazlasıyla neden oluyor. Janet Planet, Lacy'nin tek başına yürüyüşünden korkunç piyano derslerine ve Avi'nin uzun soluklu ruhani saçmalıklarına kadar sıradanlık üzerine yoğunlaşıyor. Ancak Baker aynı zamanda rutin ortamların bir çocuğun neşeli bakış açısıyla nasıl daha da güzelleştirilebileceğine de uyum sağlıyor - bir alışveriş merkezi özenle hazırlanmış bir oyun alanına dönüşüyor, duş zamanında yeni bir şampuan gıdıklayıcı bir deneye dönüşüyor - burada yaz dumanının büyüsüyle birleşiyor. Çok az sanatçı sanatsal etiketleri bu kadar sorunsuz bir şekilde aşabilir, ancak Annie Baker farklı ortamlarda sessiz hikaye anlatma konusunda doğal bir yeteneğe sahip olduğunu kanıtladı. [Natalia Keogan]

Nezaket Çeşitleri

Yorgos Lanthimos'un yeni antoloji filminin orijinal başlığı olan "üçlü masal" Kinds Of Kindness'ta yıkıcı bir heyecan vardı .  Bir filme " Ve " adını vermek hemen hemen her türlü sağduyulu SEO ve pazarlama kuralını çiğnemiş olurdu; Bu fikir, her yerdeki stüdyo yöneticilerine ve arama motorlarına küstahça bir iki parmak gibi geldi ( gösteri zamanlarını bulmaya çalışan herkes için biraz kabus oluştursa bile) . Ancak Lanthimos'un, Favori ve Zavallı Şeyler dışında neredeyse her konuda yazar ortağı olan Efthymis Filippou ile yeniden bir araya geldiği Kinds of Kindness'ı izlerken , yeniden başlıklandırmanın bilgeliği netleşiyor ve orijinal ismin asi çekiciliği hızla unutuluyor. Eğer daha önce bir Lanthimos filmi izlediyseniz, bu yeni başlığın bariz bir ironik tonunu fark edeceksiniz, zira onun kısır dünyalarında şefkat ve bencillikten uzaklık rutin olarak yoktur. Ancak Lanthimos ve Filippou'nun diğer işbirliklerine kıyasla Kinds Of Kindness aynı zamanda ikilinin psikolojik distopyalarına (kimliklerin gerçeküstü biçimde çarpık olduğu ve duyguların endişe verici derecede soğuk olduğu) yoğun bir şekilde buz gibi bir daldırmadır ve bu nedenle başlığın insan bağlantısına yaptığı vurgu mükemmel bir şekilde uymaktadır. Kinds Of Kindness'ın üç bölümü, en açık şekilde başlıkları ile bağlantılıdır: "RMF'nin Ölümü", "RMF Uçuyor" ve "RMF Bir Sandviç Yiyor"; bu bölümlerin tümü, sessiz ve diğer açılardan anonim bir adama gönderme yapıyor ve bu adam olmaya daha yakın. gerçek bir karakterden ziyade aksı çizin. Her bölümde ayrıca sıkı bir aktör grubu paylaşılıyor: Jesse Plemons, Emma Stone, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Hong Chau, Mamoudou Athie ve Joe Alwyn (Hunter Schafer yalnızca son bölümde yer alıyor). Ancak filmin özünde, filmin üçlü hikâyesini birleştiren şey, seçim ve kontrol, boyun eğdirme ve boyun eğme konularının ortak keşfidir. Film , Beş Sevgi Dili'nin sapık bir bakış açısına benzemiyor ; yalnızca burada, gönüllü "hizmet eylemleri", duygusal zorbaların sadist taleplerini karşılamak için yapılan fedakarlıklar olarak yeniden tasavvur ediliyor. İlk bakışta Kinds Of Kindness , Lanthimos'un çalışmalarıyla en çok ilişkilendirilen bazı yüzey unsurlarından yoksun gibi görünebilir: Örneğin, görüntü yönetmeni Robbie Ryan, Poor Things'de yoğun bir rotasyona tabi tuttuktan sonra balık gözü lensini burada büyük ölçüde kullanımdan kaldırıyor . Ancak daha derinlerde film, Lanthimos'un zirvesine benziyor. Daha erişilebilir filmler üzerinde diğer yazarlarla birkaç yıl birlikte çalıştıktan sonra yönetmen, Filippou ile yeniden bir araya gelerek onların kendine özgü, asla burada olduğundan daha cesur veya daha bölücü olmayan tarzlarına ayak uyduruyor. Poor Things'in mutlu sonlara doğru kısa yolculuğunun ardından Kinds Of Kindness  Lanthimos'un "zevk alıyorsun" demenin sapkın hissettirdiği türde bir filme geri döndüğünü görüyor. Kısacası: Yunan ucube geri döndü. [Farah Cheded]

La Chimera

Geçmiş o kadar yakın ki Alice Rohrwacher'in romantik hazine avı La Chimera'da neredeyse ona dokunabileceksiniz . Yaşamak ve ölmek arasındaki sınırda, daha çok İtalyan kırsalı olarak bilinen yerde geçen Rohwacher'ın dikkatlice kazılmış anlatımı, kayıp ve umut üzerine komik ve derinden tatmin edici bir meditasyonu gün yüzüne çıkarıyor. Arthur (Josh O'Connor) ile bir rüyada tanışıyoruz. Birinci şahıs bakış açısıyla sevdiği, kaybettiği ve yeniden bulmak için çaresiz kaldığı kadının, Beniamina'nın (Yile Yara Vianello) yüzüne hayranlık duyuyor. Arthur'u, kavrayamayacağı bir yerden yakalıyor ve arkasında, çekmeyi arzuladığı, geçmişten gelen kırmızı bir ip bırakıyor. Neyse ki Arthur'un en iyi yaptığı şey bu. Arthur'un ana arayışı başka türden bir kutsal kâseyi bulmaktır. Beniamina ile yeniden bağlantı kurmak ve bir süredir devam eden borcunu ödemek umuduyla İtalya'ya dönen Arthur, isteksizce eski İtalyan tomaroli çetesi veya mezar yağmacılarıyla yeniden bir araya gelir. Arka bahçelerinde bulunan değerli eşyaları araştırıyorlar ve Arthur'un Toskana'nın eski bodrumlarıyla olan doğaüstü bağlantısının da (öhöm) büyük bir katkısı var. Tombaroliler harabeler arasında yaşıyor; ısıdan, mobilyadan ve hatta zeminden yoksun köhne barakalara ev diyorlar. Bu aşamada Arthur, doğduğu andan itibaren çürüyen beyaz keten takım elbisesiyle avladığı kutsal emanetlere benzemeye başlıyor. İlk mezarını, annesi Flora'nın (zahmetsizce rahatlatıcı bir Isabella Rosellini) yaşadığı Beniamina'nın evinde bulur. 16mm fotoğrafını anımsatan yuvarlatılmış kenarlarıyla film, sanki geçmişte ortaya çıkan bir şeyi görüyormuşuz gibi eski bir dünya hissine sahip. Rohwacher'in Happy As Lazzaro ve Oscar adayı kısa filmi Le Pupille'e katkıda bulunan Carmela Covino ve Marco Pettenello ile birlikte yazılan Rohwacher'in senaryosu, her satırın arkasında sürprizler saklıyor, Arthur'un geçmişinden unsurları açığa çıkarıyor ve bugününü yeniden bağlamlandırıyor. Sürprizlerle dolu resmi bir zevk olan La Chimera, çürüyen mekanları ve canlı performanslarıyla izleyiciyi büyülüyor. [Matt Schimkowitz]

Maymun adam

Dev Patel ödevini yaptı. Ancak etkilendiğinizi bilmek başka şey, kendi tekil sesinizi kaybetmeden bunları ekranda uygulamaya koymak başka şey. Tüm zaferlerine rağmen -ve Maymun Adam an be an zaferlerle dolu bir film- Patel'in filmi en büyük başarısını, yönetmenin saf, kinetik sinema sevgisini kusursuz ve güçlü bir şekilde bir şeye dönüştürmesinde bulmuş olabilir. cesur, yeni ve unutulmaz. Patel, Hindistan'ın gecekondu mahallelerinde yaşayan, perişan haldeki genç bir adam olan Kid'i canlandırıyor. Çocuğun hem zihinsel hem de fiziksel yaraları asla geçmeyecek, en azından nihayet tetiği çekecek ve acısından sorumlu adamlardan intikamını alacak kadar yaklaşıncaya kadar. Maymun Adam'ın pek çok aksiyon sahnesinde izleyiciler, Patel ve görüntü yönetmeni Sharone Meir'in dizginsiz, çılgın enerjiyle sunduğu Taksi Şoföründen Büyük Patron'a , Baskın'dan Kötü Adam'a ve çok daha fazlasına kadar her şeyi görecek . Ancak Patel sadece referansları bir araya getirmiyor ve bir ömür boyu aksiyon filmleri izlemenin ona öğretmiş olabileceği tüm kurallara göre oynamıyor. Onca kana ve tüm vahşete rağmen -ve hepsi ustalıkla hazırlanmış çok fazla şey var- Maymun Adam sakinleştiğinde en güçlü halini alıyor. Kid sadece onlarca yıllık acıyı taşıyan bir savaşçı değil, aynı zamanda huzursuz zihnini sakinleştirmenin ve ağrıyan kalbini dindirmenin bir yolunu bulmaya çalışan bir adam. Patel, anlattığı hikayenin metaforlarını bir aksiyon hikayesinin önerdiğinden daha derine inerek Kid'i sadece fakirlerin değil, aynı zamanda kendilerini sürekli geriye iten bir toplumda kendi yollarında yürümeye cesaret eden dışlanmışların da arasına katıyor. Filme bir topluluk duygusu aşılıyor ve Kid'in yalnız bir insan olarak yolculuğunun asla yapamayacağı şekillerde efsanevi tona katkıda bulunuyor. Maymun Adam, bir filmin kaslı, duygusal ve vahşi zaferidir ve bittiğinde, hemen geri dönüp filmi yeniden izlemek isteyeceksiniz. [Matthew Jackson]

Orion ve Karanlık 




Eternal Sunshine Of The Spotless Mind gibi metafizik oyuncak bebek filmlerinin kaygı dolu yazarı Charlie Kaufman tarafından çocuklara yönelik bir animasyon filminin yazılması fikri , David Lynch veya Nine tarafından yönetilen G dereceli bir Disney filmi kadar olası görünmüyor. Inch Nails solisti Trent Reznor bir Pixar müziği besteliyor. Ancak bu şeyler fazlasıyla alkışlanacak şekilde gerçekleşti ve şimdi bu da oldu. Orion ve Karanlık bugüne kadarki hiçbir Charlie Kaufman filmine neredeyse hiç benzemeyebilir ama onun kişiliğini taşıyor. Bu, en küçük çocuklar için biraz fazla olsa da, bu hikayede tasvir edilenler gibi 11 yaşındakiler için, zekalarını hafife almayı reddetmek bile ilgi uyandırabilir. Burada, 4 yaşındaki çocukların karanlık korkularını yenmelerine yardımcı olmak için tasarlanmış bir çocuk kitabını alıyor ve bunu varoluşsal korkuyla ilgili hale getiriyor; tam da çoğu çocuğun böyle bir şeyi bir isim bilmeden deneyimlemeye başladığı yaşta. BT. Yönetmen Sean Charmatz ( Trolls: Holiday In Harmony ) görselleri çocuklara uygun tutuyor ama aynı zamanda Kaufman'ın sesinin de baştan sona tanınabilir olmasını sağlıyor. Her ne kadar Orion And The Dark bir aile filmi gibi görünse de, sevgi dolu ama duygusal açıdan yıkıcı bir çözüme giden yolda bazı ciddi virajlar alıyor. Çocuklar bundan keyif alacak mı? Diyelim ki David Foster Wallace, Saul Bass ve Werner Herzog'a (kendini oynuyor) yapılan göndermeler muhtemelen onlara göre değil, ama size göre çok fazla. Orijinal kitap, bir ebeveynin 4 yaşındaki çocuğunun karanlık korkusuyla yüzleşmeye hazır olup olmadığı konusunda karar vermesini gerektiriyor; Film, 11 yaşındaki çocukların ölüm korkusu, zorbalar, iklim kıyameti ve kelimenin tam anlamıyla düşünebilecekleri her şeyle ve ötesinde başa çıkma yetenekleriyle ilgili bir film gerektiriyor. [Luke Y. Thompson]

Halkın Joker'i




Kendin Yap yaratıcılığıyla dolup taşan sıradan bir gözlemci, The People's Joker'in yalnızca marjinal bir yaratıcının öncülük ettiği bir hayran projesi olduğunu düşünebilir . Bununla birlikte, film yapımcısı Vera Drew, ortak yazar Bri LeRose ile birlikte, komedi endüstrisinin kireçlenmiş salonlarıyla ilgili kendi deneyimlerini, zarar görmüş bireylerin utanç ve cehaletten birbirlerine zarar verme yollarını keşfetmek için 2019'daki Joker'in kaba taslağını bir sıçrama tahtası olarak kullanıyor . ve trans kimliğini keşfetme mücadelesi. Smallville'de çocukluğundaki mütevazi kırsal başlangıçlara dair öyküsünü geriye dönük olarak anlatan Harlequin Joker (Vera Drew), annesinin (Lynn Downey) ona antidepresan ilaç Smylex tedavisi uyguladığı genç yetişkinlik döneminde bize rehberlik ediyor ve komedi yıldızlığı artık bir tutku haline geldi. Upright Citizens Brigade, SNL ve program sorumlusu Lorne Michaels'ın (Maria Bamford tarafından seslendirilen çılgın bir animasyon kopyası) UCB Live sahnesinde kaçmanın yolu . Tamamı yeşil ekranda çekilen The People's Joker, geleneksel tutarlılık kavramlarına direnen, gurur verici bir yapay estetiği taşıyor. 3D ve stop-motion olarak canlandırılan karakterler veya kuklalar insan oyuncularla etkileşime giriyor, bazen yapımlarında kasıtlı bir özenle, bazen de aynı derecede kasıtlı bir post-punk dikkatsizliğiyle. Bazı sahneler yalnızca yüksek aksiyon için değil aynı zamanda son derece samimi anlar için tamamen 2D olarak canlandırılmıştır; bu, bu yaratıcı seçimin yalnızca bütçeyi kısmak anlamına gelmediğinin sinyalini verir. Çok kaotik olduğu için tutarlı görünen kaotik bir estetik. Bir düzeyde, büyük bütçeli gişe rekorları kıran filmlerin hikayelerini anlattığı yapay mekanizmaları doğrudan hicveder, ancak aynı zamanda ortak kültürel mitolojimiz çerçevesinde son derece kişisel hikaye anlatımı için bir yol sağlar. Halkın Joker'i çatışmalar ve çelişkilerden oluşan bir kimeradır, ama hepimiz de öyleyiz. İnsan deneyimlerinden oluşan yapbozumuz evrensel olarak karmaşıktır ve Drew'un bize söylediği bir şey varsa o da bu paradokslardan keyif almamız gerektiğidir. O zaman artık gülümsemelerin üzerini çizmemize gerek kalmayacak. Sadece mutlu olabiliriz. [Leigh Monson]

Robot Rüyaları

Eklektik İspanyol film yapımcısı Pablo Berger daha önce de sessiz filmler yapmıştı ama hiçbiri Robot Dreams'e benzemiyordu . WALL-E'nin açılıştaki sessizlik yeminini bozduktan sonra Big Talkie'ye satıldığını düşünenler için hazırlanmış bir New York turizm reklamı olan Robot Dreams, tek kelime diyalog olmadan ertelenen bir arkadaşlığın acılarını, acılarını ve sevinçlerini aktarıyor. Minimal tasarımlı karakterler konuşmasa da, bu Robot'un hayallerinin temel unsurları, Berger'in otantik kentsel ses manzaraları ve antropomorfik hayvanlar ve onların robot arkadaşlarından oluşan bir popülasyonla dolu New York turunu karmaşık hale getiriyor. Derin mavi akşam karanlığında Queensboro Köprüsü'nde açılan Robot Düşleri , bizi 80'lerde yaşayan ve Atari ve donmuş makarna ve peynirle bir gece daha geçiren yalnız köpek Dog'la tanıştırıyor. Köpek, Pong'da (tekrar) kendini yendikten sonra , sonunda Pong'da (tekrar) kendini yenmenin yalnızlığını kabul eder . Mükemmel zamanlanmış bir bilgilendirici reklamın emriyle yeni bir arkadaş sipariş eder: Robot. Robot, Reagan döneminden kalma, DOS yükleyen bir bilgisayar gibi, boynunun bir hareketiyle hayata dönüyor ve birdenbire Dog'un hayatının bir amacı var. Robot Dreams'in gücü, Abbott ve Costello veya Laurel ve Hardy'nin hareketli gölgelerine benzeyen Robot ve Köpek'tedir. Berger, bu arketipleri göz önünde bulundurarak maksimum iletişim için bunların farklılıklarını vurguluyor. Köpek pragmatik ve dikkatlidir, sosyal ihlallerin sonuçlarının farkındadır ve bunların bedelini öder. Robot daha açık fikirli ve her yeni macerayı hoş bir gülümseme ve el sallamayla karşılamaya hazır. Ancak ayrılıklarında etraflarındakilerle bağlantı kurmakta zorlanırlar. Robot Dreams ile Berger aynı zamanda estetik açıdan nazik ama duygusal açıdan sertleştirilmiş bir New York şehri yarattı. Bu büyüklükteki bir şehirde kimsenin kontrol edebileceği çok az şey olduğu inancıyla hareket eden Berger, filminin arkadaşlığa geri dönen süslü uçuşlar yapmasına izin veriyor. Bu kadar insanlarla dolu bir şehir nasıl bu kadar yalnız hissedebilir? Tek kelime etmeden Robot Dreams'in bir cevabı var. [Matt Schimkowitz]

Durdurma hareketi

Aisling Franciosi, bu tüyler ürpertici ve rahatsız edici hikayede, kendini yeni bir film fikrine kapılmış halde bulan ve bu fikrin yabancılaştırıcı, korkutucu ve nihayetinde tehlikeli hale gelen bir stop-motion animatörü olarak rol alıyor. Korku dünyasını stop-motion animasyonla keşfetme vaadi, Robert Morgan'ın filmine göz atmak için yeterli bir neden ama Franciosi'nin güçlü performansı Stopmotion'ı hilelerin ötesine taşıyor ve sanat ve sanatçı yeni, şiddet içeren bir şeyde birleşirken gerçekten yürek parçalayıcı duygusal terör dünyasına taşıyor. ve unutulmaz. [Matthew Jackson]

Thelma

Hayatınızdaki herkese rahatlıkla önerebileceğiniz bir film ne sıklıkla karşımıza çıkıyor? Yeterince sık değil. Sadece bu nedenle bile Thelma kutlanmayı hak ediyor. Her ikisi de övgüye değer olsa da, bu sadece eğlenceli aksiyon-sahte önerme veya çok kuşaklı oyuncu kadrosuyla ilgili değil. Thelma, yardım edemediğiniz ama desteklemediğiniz sevimli bir kahramanın olduğu eğlenceli bir film. Bu durumda kahramanın yılmaz June Squibb ( Nebraska ve çok daha fazlası ) tarafından canlandırılması yardımcı olur. 93 yaşındayken, uzun süredir arkadaşı ve maceracı yardımcısı Ben olan merhum Richard Roundtree'nin (Shaft'ın kendisi) biraz yardımıyla, başrolde bu filmin merkezini elinde tutmayı başarıyor. Thelma'dan telefonla 10.000 dolar çalan hırsızların izini sürmek için Donkişotvari bir arayış içinde San Fernando Vadisi'ni motorlu scooter ile geçerken bu alıngan karakterlerle vakit geçirmek bir zevk. Filmi yazan, yöneten ve kurgulayan ilk film yapımcısı Josh Margolin, Thelma karakterini kendi büyükannesinden esinlendiğini söyledi. Thelma'nın rastgele yabancıları tanıdığını düşündüğü şakalar ya da Ben'in Annie'nin üst düzey bir yapımında Daddy Warbucks'ı oynaması ya da oynanmayan anlar gibi karakterlere boyut katan pek çok küçük dokunuş var. gülüyorlar, tıpkı tanıdıkları ölen insanlardan bahsederken olduğu gibi. Margolin akıllıca davranarak bu sahnelerde oyuncuların yolundan uzak duruyor. Onlara sadece yer veriyor ve yemek pişirmelerine izin veriyor. Thelma, bir açıdan aksiyon türünün eğlenceli ve eğlenceli bir versiyonu. Yaklaşık 90 dakika kadar süren eğlenceli bir yolculuk. Eğer bundan çıkaracağın tek şey buysa, bu tamamen sorun değil. Ancak daha derin bir düzeyde, yaşamın son aşamaları hakkında söylenecek bazı önemli şeyler vardır. Aklınıza “onur” ve “edep” gibi kelimeler gelebilir. Bedeniniz ve zihniniz kayıp gitmeye başlarken, benlik duygunuzu korumanın ne kadar zor olduğunu takdir etmenizi ister. Etrafınızdaki büyüklere saygıyla bakmanızı teşvik eder. Filme hangi açıdan yaklaşırsanız yaklaşın, her yaştan izleyici için güzel bir yaz gezisi sunuyor. [Cindy Beyaz]

Artık Büyüdük

Minhal Baig'in usta işi We Grown Now filmi daha ilk sahnesinden itibaren sizi içine alıyor. Boş bir koridorun (öğrendiğimiz kadarıyla Chicago'daki Cabrini-Green konut projesinde) sabit bir çekimi sizi onu keşfetmeye, içinde barındırdığı pek çok yaşamın içinizden sürüklenmesine izin vermeye çağırıyor. Kazıma sesi duyuyoruz. Spor ayakkabılarının gıcırdadığını duyuyoruz. İki çocuğu duyuyoruz ve çok geçmeden görüyoruz. Bir yatak taşıyorlar. Bu görüntü, bu eylem, telaşsız bir merak duygusu uyandırıyor. Ve zamanla, Baig'in son filmi, kendine özgü ve sürükleyici bir mekan duygusuna sahip muhteşem bir film cevheri olarak kendini daha da kanıtlıyor. Yıl 1992 ve açılış sahnesinde ilk tanıştığımız iki oğlan en yakın arkadaşlar Malik ve Eric (Blake Cameron James ve Gian Knight Ramirez), Cabrini-Green'i nasıl geniş çapta hayal edilmiş bir alan haline getireceklerini öğrenmiş iki Siyah oğlan. gelişmek. Özenle birkaç merdivenden aşağı taşıdıkları bu şilteyi, asfaltlanmış açık bir alan boyunca atıp attıkları diğer birkaç şiltenin yanına yerleştirirler, çok geçmeden onlar için atlamanın, bilmeden değer verdikleri suçsuz çocukluğa uçmanın başka bir yolu haline gelir. Böylesine bir masumiyet , We Grown Now'ın yol gösterici ilkesidir ; bu filmin başlığı bizi Malik ve Eric'in veda etmek zorunda kalacağı anda filmin nereye varacağına açıkça işaret ediyor. Baştan sona, bu iki oğlanın ve ailelerinin etraflarındaki sürekli değişen dünyayı değerlendirmelerini izliyoruz: Malik'in bekar annesi (duygusal bir Jurnee Smollett), geçim masraflarını zar zor karşılayan işinde terfi almak ve ciddiye alınmak için mücadele ediyor. Eric'in bekar babası (cezalı Lil Rel Howery) hala yas tutuyor ve asi küçük oğlunu en iyi nasıl kontrol altında tutacağından emin değil. Belki de ihtiyaç duydukları şey bir çıkış yoludur. Peki Calibri-Green'den ayrılırlarsa bu, orada kurdukları hayat açısından ne anlama gelir? Bu soruları ve toplu konutlar, acımasız polis uygulamaları, ırkçılık ve şehir planlamasıyla ilgili daha geniş soruları ele alan Baig'in filmi, elimizdekilerle ne yaptığımız ve önümüze yeni yollar açmak için gerekli hayal gücü uçuşları üzerine hassas bir meditasyondur. [Manuel Betancourt]