Die 25 besten Filme des Jahres 2024 (bisher)

Jun 25 2024

Zur Jahresmitte feiern wir das Beste, was die Leinwand zu bieten hat, von Tennis-Triaden bis hin zu einer Furiosa-Ursprungsgeschichte

Im Uhrzeigersinn von oben links: Green Border (Kino Lorber), I Saw The TV Glow (A24), Evil Does Not Exist (Janus Films), Kinds Of Kindness (Searchlight Pictures), Furiosa: A Mad Max Saga (Warner Bros.)

Jetzt, da sich die Filmfestivals beruhigt haben und die Blockbuster ernsthaft in die Kinos kommen, ist es höchste Zeit, auf die bisherigen Filme des Jahres zurückzublicken, entweder um zu würdigen, was wir von unseren Filmen im frühen Winter bereits vergessen haben, oder um unsere Beobachtungslisten mit Perlen zu füllen, die uns entgangen sind. Die besten Filme des Jahres 2024 haben sich bisher entweder an uns herangeschlichen, sich auf Streamer geschlichen und still und leise die Gespräche über ihr Genre dominiert, oder ihre Ankunft wurde so lange angepriesen (während sie ihre Roadshow-Tour beenden oder in Cannes oder SXSW einen Preis nach dem anderen abräumen), dass sie uns zu enttäuschen drohen, wenn wir endlich dazu kommen, Hype und Realität zu vergleichen.

Doch ob es sich bei den Filmen nun um gewaltige Science-Fiction-Franchises oder einfach um die geilen Sportfantasien eines „Zaubertrankverkäufers“ handelte, eines war sicher: Zendaya war die Hauptrolle. Doch auch ohne sie kamen manche Filme ganz allein zurecht. Ryusuke Hamaguchi und George Miller enttäuschten nicht in ihren Nachfolgern zu Spitzenwerken und bewegten sich auf ganz unterschiedlichen Lautstärkepegeln. Jane Schoenbrun und Minhal Baig sprangen zwischen ihren Indie-Filmen hin und her und fanden noch üppigere Wege, die Themen und Ästhetiken anzusprechen, die sie faszinieren. Ryan Gosling weinte Taylor Swift zu. Der Joker, trans und begeistert, tanzte beim Kickdance eine Treppe herunter – und zum ersten Mal war er gut. Horror- und Actionfilme fügten neue Geschmacksrichtungen hinzu und remixten alte Favoriten wie einen dieser schicken Getränkeautomaten mit Touchscreen. Und vor allem übten Typen in Biberanzügen gegenseitig Gewalt aus.

Das Biest

Bertrand Bonellos „Das Biest“ ist ein menschliches Drama mit einem Science-Fiction-Konzept als Gerüst, inspiriert von einer der eindringlichsten Erzählungen von Henry James. Es kombiniert das Gefühl der Dringlichkeit mit zwei unglaublichen Hauptdarstellern und liefert eines der beeindruckendsten Kinoerlebnisse, die Sie dieses Jahr wahrscheinlich haben werden … auch wenn Sie eine Weile brauchen, um zu verstehen, was Sie gerade gesehen haben. Im Jahr 2044 wurde ein Großteil der menschlichen Arbeitskräfte durch künstliche Intelligenz ersetzt, die als sicherer und weniger emotional gilt als das fehlerhafte menschliche Denken, das frühere globale Katastrophen verursacht hat. In dieser zukünftigen Version von Paris sucht Gabrielle (Léa Seydoux) verzweifelt nach einem Sinn im Leben. Sie will sich beweisen und stimmt einem Verfahren zu, das sie angeblich von allen emotionalen Instabilitäten reinigen soll, indem sie durch ihre früheren Leben zurückgeht. Die Idee dahinter ist, dass die Auseinandersetzung mit und die letztendliche Beseitigung aller verbleibenden Traumata in ihrem genetischen Code sie nicht nur für einen Job qualifizierter, sondern auch zufriedener und gefügiger machen wird. Dabei interagiert sie mit drei verschiedenen Versionen von Louis (George MacKay), der mal ihr Liebhaber, mal ihr Freund und mal eine tödliche Macht ist. Diese imaginäre Zukunft ist offenkundig trostlos, was durch die lebhaften Farbtöne ausgeglichen wird, die Bonellos Kamera in den üppigen Rot- und Grüntönen des Paris der Jahrhundertwende und dem kühlen Poolwasserblau des Los Angeles des Jahres 2014 heraufbeschwört. Seydoux und MacKay leisten großartige, kraftvolle Arbeit und holen selbst aus den langsamsten Sequenzen jedes Quäntchen Gefühl heraus. Während sich The Beast vorsichtig und methodisch durch drei verschiedene Epochen menschlicher Erfahrung schlängelt, schlägt es seine Klauen in Sie und fordert Sie dann auf, über die Wunden nachzudenken, die es hinterlässt. [Matthew Jackson]

Herausforderer

Challengers handelt scheinbar von drei Tennisspielern, handelt aber tatsächlich von drei Charakteren, die die Liebe wie ein Tennismatch spielen, um weiterzukommen und die gewünschten Belohnungen einzuheimsen. Der Rahmen des Films ist ein wichtiges Match in den Karrieren von Patrick (Josh O'Connor) und Art (Mike Faist), Rivalen und ehemaligen besten Freunden. Zwischen ihnen steht Tashi (Zendaya), die Ex-Freundin des einen und aktuelle Ehefrau und Trainerin des anderen. Luca Guadagnino hatte schon immer ein Talent dafür, die feurigen emotionalen Unterströmungen von Beziehungen einzufangen, wie er in Filmen wie I Am Love und Call Me By Your Name bewiesen hat. Für viele seiner Charaktere ist das Verlangen ihre Daseinsberechtigung und die treibende Kraft ihres Erzählbogens. In Justin Kuritzkes Drehbuch ist das Verlangen eine Waffe, die von den drei Protagonisten kühn und manchmal manipulativ eingesetzt wird. Die Kamera von Sayombhu Mukdeeprom begafft die Körper der Schauspieler und fängt jedes Flackern in ihren Augen, jede zitternde Lippe und jede schwitzige Stirn ein. All dies sorgt für einen Film voller sexueller Erregung, etwas, das man im zeitgenössischen amerikanischen Kino nicht oft sieht. Für die Tennisspiele hat Guadagnino ein paar Tricks auf Lager. Zunächst die laute, dröhnende Musik von Trent Reznor und Atticus Ross. Dann die Verlangsamung vieler Szenen bis fast zum Stillstand, um jede Nuance der Bewegung auf den Gesichtern der Schauspieler zu zeigen und dabei die uninteressanten kleinen gelben Bälle zu ignorieren. Challengers gelingt dank komplizierter Charaktere, gespielt von Schauspielern auf dem Weg zu schillernden Leinwandstars. [Murtada Elfadl]

Dune - Zweiter Teil

Dune: Teil 2 setzt genau dort an, wo sein Vorgänger aufgehört hat, und schafft es dann, denselben Rhythmus, dieselbe Optik und dasselbe Gefühl wie der erste zu haben, was gut oder schlecht ist, da keiner der beiden Filme für sich allein stehen kann. Man sollte sie zusammen als eine lange, fünfstündige Adaption von Frank Herberts Roman betrachten. Es ist eine Polemik darüber, wie religiöse Machthaber die Glaubenssysteme der Menschen manipulieren, um an Macht zu gelangen, etwas, das mehr ist, als das Publikum normalerweise in einem Hollywood-Blockbuster zu sehen bekommt. Die Geschichte handelt von Paul Atreides‘ (Timothée Chalamet) Aufstieg zum Anführer der Menschen des staubigen Wüstenplaneten Arrakis gegen die Mächte des Bösen. Sie ist recht geradlinig und hat alles, was man von einem solchen Film erwartet: eine obligatorische Liebesgeschichte, einen gewalttätigen Erzfeind und die Erkenntnis und Akzeptanz der Macht des Helden. Aber es sind diese religiösen Themen, die den Film zu mehr als nur einem Spektakel machen. Und auch das erfüllt er: Alles ist nur ein bisschen aufwändiger und eindrucksvoller. Die Schlachten sind größer, die Sandstürme heftiger. Dune: Part Two ist eine spannende Reise, die ihre zweieinhalbstündige Laufzeit absolut verdient. [Murtada Elfadl]

Das Böse existiert nicht

„Evil Does Not Exist“ lässt sich Zeit. Zu Beginn erklingt im Soundtrack eine unheilvolle Musik, während die Kamera durch Natur und Vegetation wandert. Dann erscheint aus dem Nichts eine Figur und erschreckt das Publikum. Fast eine halbe Stunde vergeht, bevor eine Figur überhaupt spricht. In dieser Dichotomie aus Geduld und Alarm liegt die Genialität von Ryusuke Hamaguchis Nachfolger des Oscar-prämierten „ Drive My Car“ . Es ist eine Fabel, wie ein einfaches Spiel von Gut gegen Böse, die sich mit einer solchen erzählerischen Dichte abspielt, dass es einem den Atem raubt. Hamaguchis sparsame Erzählweise beginnt mit dem Aufbau eines Raumgefühls. Das Publikum wird in das ländliche Bergdörfchen Mizubiki eingeführt. Die Kamera nähert sich dem Gelände, den Wasserquellen, den hohen Bäumen, bevor sie irgendwelche Figuren enthüllt. Als eine Marketingagentur in die Stadt kommt und Pläne zum Bau eines Glamping-Platzes enthüllt, rückt eine Figur in den Mittelpunkt: Takumi (Hitoshi Omika), ein Tausendsassa, der das Städtchen am besten zu kennen scheint. Schnell beginnen die Leute von der Agentur (Ryuji Kosaka und Ayaka Shibutani) in ihm jemanden zu sehen, der ihnen helfen könnte, die Stadtbewohner von ihren Plänen zu überzeugen. Aber zuerst muss Takumi überredet und überzeugt werden. So beginnt das Spiel; die Spieler werden identifiziert und die Einsätze werden enthüllt. [Murtada Elfadl]

Ein Colt für alle Fälle

Vor allem aber ist „Ein Colt für alle Fälle“ ein Publikumsliebling. Der von Drew Pearce („ Hotel Artemis “) adaptierte Film der gleichnamigen Fernsehserie von Glen A. Larson ist ein großartiger, raffinierter Vorwand, Schauspieler, die allesamt echte Charmebomben sind, in ein Bild zu bringen. Er umgibt sie mit Explosionen und Verfolgungsjagden, und sie haben Spaß, während im Hintergrund die Musik von KISS und The Darkness dröhnt. Der „Cold Guy“ ist Colt Seavers (Ryan Gosling), ein erfahrener Stuntman, der einen Job hat, den er mag, und eine Freundin, die Kamerafrau Jody (Emily Blunt), die er sogar noch mehr mag. Alles scheint nach Colts Vorstellungen zu laufen, bis der Schauspieler, dessen Double er ist, der egomanische Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson), von ihm verlangt, noch einmal einen gewaltigen Fallstunt durchzuführen. Die Dinge gehen schief, und plötzlich ist Colt mit einer Rückenverletzung und einer noch schmerzhafteren Verletzung seines Stolzes aus dem Stuntgeschäft raus. Leitch begann seine Karriere als Stuntman und lässt in diesem Film all seine Fähigkeiten einfließen. Er bietet uns alles von einer Ode an Miami Vice über eine unerwartete Kampfszene mit einem Müllwagen bis hin zu vielen Oden an die Stuntteams, die an den Filmsets auf der ganzen Welt arbeiten. Auch wenn Action und Stunts auf Hochtouren laufen, ist es die Partnerschaft zwischen Gosling und Blunt, die „Ein Colt für alle Fälle“ so erfolgreich macht . Er darf wieder einmal den niedergeschlagenen Helden auf der Suche nach Erlösung spielen, wie er es in Filmen wie The Nice Guys so gut gemacht hat , während sie die ehrgeizige Frau spielt, die ihre Karriere mit den Wünschen ihres Herzens in Einklang bringt. Es sind zwei Stunden voller Filmstars, die absolute Charmemaschinen sind, und manchmal ist das alles, was man wirklich braucht. [Matthew Jackson]

Kehrseite

Man muss kein bestimmtes Alter haben, um alles zu schätzen, was Chris Wilcha in seinem neuen Dokumentarfilm Flipside vorhat, aber es hilft auf jeden Fall. Die Art und Weise, wie dieses Projekt die Erfahrungen der Generation X anspricht, insbesondere wenn man sich selbst schon einmal als Künstler gesehen hat, ist so spezifisch, dass es sich fast wie ein Angriff anfühlt. Um es klar zu sagen: Das ist ein Kompliment. Sogar der Titel des Films, den er mit dem alten Plattenladen in New Jersey teilt, der im Film stark vertreten ist, erinnert an den Punkt im Leben, an dem man erkennt, dass mehr hinter einem liegt als vor einem. Es ist nicht so, dass die Botschaft des Films für jemanden außerhalb von Wilchas Generation unverständlich wäre – er beschäftigt sich auch mit allgemein nachvollziehbaren Konzepten wie Bedauern und dem Wunsch, seine Spuren in der Welt zu hinterlassen –, es ist nur so, dass die Reise des Regisseurs, den idealistischen, ehrgeizigen Jungen, der er einmal war, mit dem 50-jährigen Mann, der er geworden ist, in Einklang zu bringen, bei denen tieferen Anklang finden wird, die ebenfalls in der Lage sind, Bilanz über ihr eigenes Leben zu ziehen. Flipside ist Wilchas Versuch, den Kreis seines Lebenswerks zu schließen, eine Rückkehr zur persönlichen Selbstreflexion von The Target Shoots First , mit der Distanz und Weitsicht, die einem 25 Jahre Lebenserfahrung geben. Es ist nicht so sehr Nabelschau, wie es klingt. Um seinen umfassenderen Standpunkt zu verdeutlichen, verwendet Wilcha Filmmaterial aus seinen aufgegebenen Dokumentarfilmen und kehrt sogar zu einigen seiner früheren Themen zurück, um eine Art Abschluss zu finden. Wilcha erkennt an, dass sein Idealismus durch Realismus ersetzt wurde, sein Ehrgeiz durch Selbstgefälligkeit. Er blickt auf sein jüngeres Ich herab und widersteht der Versuchung, zurückzuschrecken. [Cindy White]

Furiosa: Eine Mad Max-Saga

Furiosa: A Mad Max Saga ist offiziell in meiner streng regulierten Bibliothek hoch angesehener Prequels angekommen, weil George Miller voll und ganz daran interessiert ist, ein Innenleben und eine Geschichte für Furiosa aufzubauen, die auch ohne Fury Road existieren und trotzdem ein verdammt guter Film sein kann. Und dann vollbringt Miller den ultimativen Prequel-Trick, indem er die in Furiosa gesammelten Beziehungen, Verbindungen und Verluste in einen Subtext verwandelt, der das ohnehin schon großartige Fury Road noch besser macht. Furiosas Geschichte wird in fünf Kapiteln erzählt. Sie beginnt, als wir sie als Kind (Alyla Browne) kennenlernen, das in der verborgenen, idyllischen Gemeinschaft des Green Place of Many Mothers lebt, dann durch 15 Jahre ihres Lebens und endet mit Mitte zwanzig, als sie zur Imperatorin Furiosa (Anya Taylor-Joy) in der Zitadelle des viel jüngeren Immortan Joe (Lachy Hulme) wird. Und Furiosa ist immer noch ein Erlebnis. Es verschluckt Sie wie Sand und hält Sie bis zum Ende fest. Kameramann Simon Duggan ( Der große Gatsby ) lässt sich nicht beirren, wenn er den visuellen Staffelstab von John Seale, dem Kameramann von Fury Road, übernimmt. Furiosa überwältigt die Sinne, besonders im IMAX-Format, wenn Duggan und Miller Sie in die Fahrzeuge eintauchen lassen, während sie über die Dünen rumpeln oder die Straßenstreifen befahren, die die Zitadelle mit der Bullet Farm und Gastown verbinden. Fast jeder Teil von Furiosa wirkt gefühlsbetont und real, was Sie daran erinnert, wie besonders es ist, ab und zu eine solche Erfahrung im Kino zu machen. [Tara Bennett]

Geisterlicht

Unter der gemeinsamen Regie von Alex Thompson und Drehbuchautorin Kelly O'Sullivan spielt Ghostlight unter anderem ein real verheiratetes Paar und deren Tochter, was den Film authentisch macht. Das Ergebnis ist ein kleines, maßgeschneidertes Juwel darüber, wie man konstruktive Kanäle für tiefe und unangenehme Gefühle findet. In einem Vorort von Illinois wird der Bauarbeiter Dan (Keith Kupferer) von emotionaler Verstopfung gepackt und verliert immer mehr den Bezug zu seiner Frau Sharon (Tara Mallen) und ihrer Teenager-Tochter Daisy (Katherine Mallen Kupferer), die wegen ihres jüngsten rebellischen Auftretens von der Schule verwiesen wird. Als Dan bei der Arbeit ausrastet, erregt dieser flüchtige Moment öffentlicher Wut die Aufmerksamkeit der Schauspielerin Rita (Dolly De Leon). Rita ahnt etwas und zieht Dan zu einer Leseprobe heran und überredet ihn, bei ihrer spartanischen Gemeindetheaterproduktion von Romeo und Julia mitzumachen , obwohl er den Originaltext nicht kennt. Dan ist zunächst völlig abweisend, dann skeptisch, aber er fühlt sich zu den Proben der Gruppe zurückgezogen – eine Entwicklung, die er vor seiner Frau und seiner Tochter geheim hält. Im Verlauf des Films wird das nicht näher bezeichnete Trauma, das über der Familie schwebt – und die komplizierten, manchmal widersprüchlichen Gefühle der drei – deutlicher. Dieses Familiendrama und die Heilung spielen sich dann vor dem Hintergrund mehrerer Wendungen ab, die zur Premiere des Stücks führen. O'Sullivan und Thompson betreuen gekonnt ein bescheidenes und unkompliziertes technisches Paket, das unkomplizierten Charme hervorbringt. Das scharfe Auge des Films für Charakterdetails und die naturalistische Mischung aus zurückhaltendem Humor und Pathos, die von Kameramann Luke Dyra schön in weiten Bildern eingefangen wurden, überwinden seine leicht erhöhte emotionale Tonlage und seinen angeborenen Eifer, zu gefallen. Im Grunde ist Ghostlight ein Film über Trauer und den Nutzen der Gemeinschaft bei der Verarbeitung dieser Trauer, und auch wenn das offensichtlich erscheint, ist er in seiner hier dargestellten Form dennoch ziemlich durchdringend. [Brent Simon]

Grüne Grenze

Green Border , der neueste Film der polnischen Meisterregisseurin Agnieszka Holland , ist nichts weniger als ein Aufruf zum Handeln. Der Film liefert eine differenzierte, wenn auch manchmal offen brutale Darstellung der heimtückischen Bedingungen, denen Migranten an der polnisch-weißrussischen Grenze ausgesetzt sind und die durch gegnerische Militär- und Aktivistenkräfte entweder verschärft oder gemildert werden. Diese spezielle Grenze wird wegen des dichten, sumpfigen Waldes, der die beiden Länder trennt, die „grüne Grenze“ genannt. Betrogen durch eine betrügerische Kampagne des weißrussischen Diktators Alexander Lukaschenko, reisen Migranten aus Afrika und dem Nahen Osten in das osteuropäische Land (und bekannten russischen Verbündeten), nachdem man ihnen versichert hatte, dass sie schnell und sicher nach Polen gelangen und so in der Europäischen Union Asyl beantragen könnten. Wenn sie die Grenze jedoch tatsächlich überqueren, treibt die polnische Grenzpolizei die Flüchtlinge einfach wieder zusammen und schleust sie über Stacheldraht zurück nach Weißrussland, wo sie misshandelt, ausgeraubt und beschimpft werden, bevor sie gewaltsam nach Polen zurückgedrängt werden. Holland nähert sich dem Material mit empörter Wut und den unwiderlegbaren Fakten, die dies untermauern. Dialogue nennt direkt die steigende Zahl der Migranten-Todesopfer in Europa und seine Charaktere wurden durch stundenlange Interviews mit Flüchtlingen, Aktivisten, Bewohnern polnischer Grenzgebiete und anonymen Grenzschutzbeamten vor der Produktion geformt. Durch die Präsentation des Films in prächtigem Schwarzweiß (fachmännisch gefilmt von Tomasz Naumiuk, der häufig mit ihm zusammenarbeitet) wirkt Green Border in seiner Herangehensweise zeitlos und betont erneut vergangene und anhaltende Gewalt gegen diejenigen, die als gesellschaftliche „Bedrohung“ angesehen werden. Die Behandlung afrikanischer und nahöstlicher Flüchtlinge, europäischer Juden und palästinensischer Zivilisten ist durch staatlich sanktionierten Sadismus und diejenigen verbunden, die blind der reduktionistischen Propaganda gehorchen. Das Wunderbarste an Green Border – abgesehen von seinem durchschlagenden Bekenntnis zur Humanisierung, untermauert durch eine spannende und erschütternde Erzählung – ist, dass er niemanden aus der Verantwortung entlässt. [Natalia Keogan]

Wie man Sex hat

Das Spielfilmdebüt der Drehbuchautorin und Regisseurin Molly Manning Walker, How To Have Sex , steht in der Tradition vieler Teenager-Sexkomödien. Der Unterschied besteht darin, dass How To Have Sex düster und realistisch ist und sich mit den ernsten Themen Sex und Einverständnis befasst. Die Prämisse klingt vertraut: Drei britische Freundinnen verbringen im letzten Jahr der Highschool Sommerferien in Griechenland. Skye (Lara Peake) und Em (Enva Lewis) sind etwas erfahrener als Tara (Mia McKenna-Bruce), die hofft, auf dieser Reise ihre Jungfräulichkeit zu verlieren. Die Filmemacherin ist darauf eingestellt, wie sich befreundete Teenager im Umgang miteinander verhalten. Die liebevolle Art, wie sie sich umeinander kümmern und ihre Liebe zueinander zeigen. Die kleinlichen Beschwerden und unerklärlichen Feindseligkeiten, die manchmal bestimmen, wie sie aufeinander reagieren. Die Kameradschaft und das Übertrumpfen. Die Verlassenheit, die sie fühlen, wenn keine Erwachsenen anwesend sind. Die Euphorie, die Alkohol mit sich bringt. Darüber hinaus bewegt sich Manning Walker auf dem schmalen Grat, wenn Einverständnis zu Widerspruch und Verlangen zu Abstoßung wird. Ihre Kamera erkundet sensibel die Gesichter der Schauspieler und ihre Umgebung, um die Geschichte zu erzählen, die die Charaktere nicht in Worte fassen können. McKenna-Bruce erinnert an eine junge Kate Winslet, mit derselben warmen Leinwandpräsenz und emotionalen Furchtlosigkeit, und verankert den Film mit einer hervorragenden Leistung. Manning Walker konzentriert sich auf Taras Sichtweise, sodass das Publikum jederzeit spürt, was sie fühlt. Und die meiste Zeit ist sich Tara nicht sicher, und das macht ihre Geschichte faszinierend und diesen Film spannend. [Murtada Elfadl]

Hunderte von Bibern

Ein improvisierter Fallensteller, Jean Kayak (Co-Autor/Star Ryland Brickson Cole Tews), gerade aufgetaut und allein in der Tundra, wird in die Vergangenheit zurückversetzt, in eine Ära, in der jede Aktion eine komische Reaktion hat – in eine Zeit, in der man das Ende eines Bretts absägen und dann in der Luft stehen konnte, und die Schwerkraft uns eine Schonfrist gab, uns kaputtzulachen, bevor sie ihren Tribut forderte. Die dialogfreie Schwarz-Weiß-Komödie „ Hunderts of Beavers“ ist aus so unterschiedlichen Teilen zusammengesetzt wie „ The Legend of Zelda“ , „Goldrausch“ von Charlie Chaplin , JibJabs, Animationen von Terry Gilliam, Guy Maddin und „Jackass“ . „Acme“ wird neben Stoptricks à la Méliès und Muppet-Puppenspiel namentlich erwähnt, während die Ästhetik des Films zwischen dem Malen großflächiger Gewalt auf einer kargen, schneebedeckten Leinwand und einem Lauf durch die schattigen Eingeweide einer kunstvollen deutschen expressionistischen Festung schwankt. Es ist dumm und erhaben. Wenn eines der in Maskottchen gekleideten Viecher zum ersten Mal in der eisigen Landschaft Scheiße frisst, werden Sie lachen. Und Sie werden nicht aufhören, bis der Abspann läuft. „ Hunderts of Beavers“, eine der besten Komödien der letzten Jahre, enthält vielleicht sogar mehr Pointen als Biber. Indem Filmemacher Mike Cheslik die Methoden der frühen Tage des Films erkennt und wieder aufgreift, wird seine unerhörte Eskalation der klassischen Jäger-Gejagt-Dynamik zu einer wunderbaren DIY-Feier dauerhafter, universeller Wahrheiten darüber, wie wir uns gegenseitig zum Lachen bringen. [Jacob Oller]

Ich sah das Leuchten im Fernsehen

In ihrem vorherigen Film, dem hervorragenden „ We're All Going To The World's Fair“ , hat die Drehbuchautorin und Regisseurin Jane Schoenbrun diese Art von Obsession in Form eines obskuren Internetspiels mit potenziell gefährlichen Folgen dargestellt. Diesmal wird Schoenbrun persönlicher und eindringlicher. „ I Saw The TV Glow“ ist ein bemerkenswertes Porträt einer Popkultur-Obsession – wie sie uns vereinen, verändern und unser gesamtes Leben auf erbauliche und beunruhigende Weise beeinflussen kann. Die besondere Popkultur-Obsession, die „ I Saw The TV Glow“ dominiert, ist „The Pink Opaque“ , ein übernatürliches Teenagerdrama, das am späten Samstagabend ausgestrahlt wird. Es handelt von zwei besten Freundinnen, die über eine große Distanz hinweg durch eine übersinnliche Verbindung vereint werden, die ihnen hilft, alle möglichen Monster zu bekämpfen. Owen (gespielt von Ian Foreman als Teenager und Justice Smith als Highschool-Schüler) ist ein einsamer Junge, der beim Zappen einen flüchtigen Blick auf die Show erhascht hat und so fasziniert ist, dass er Superfan Maddy (Brigette Lundy-Paine) auf die wahre Natur von The Pink Opaque anspricht. Die Bilder des Films erwecken den Eindruck, dass wir zwei Menschen beobachten, die in einem Meer aus langweiliger, verblasster Realität treiben und hierhin und dorthin segeln, auf der Suche nach dem Bindegewebe, das ihrem Leben einen Sinn geben wird. Natürlich kommt das wahre Fleisch von I Saw The TV Glow, als Schoenbrun sich mit der transformativen Natur der Besessenheit ihrer Charaktere auseinandersetzt, die eine Metamorphose mit sich bringen oder einfach nur gefährliche, betäubende dissoziative Episoden auslösen könnte. Wenn Sie bereit sind, sich auf den Film einzulassen und Schoenbruns Instinkten für Tondichtungen zu folgen, werden Sie etwas Magisches finden. Sie haben eine Erzählung entworfen, die gleichzeitig die Geschichte eines Mediums ist, das jemandes Leben verändert, und die Geschichte eines Menschen, der einen Umweg nimmt, um herauszufinden, wer er wirklich ist. [Matthew Jackson]

Die Idee von dir

Mit einer der besten Schauspielerinnen ihrer Generation in der Hauptrolle, die eine ihrer besten Leistungen abliefert, und voll aufrichtiger Leidenschaft, die das gespannte Publikum auf seinen Sitzen summen lässt, ist The Idea Of You eine der besten romantischen Komödien, die wir seit langem gesehen haben. The Idea Of You handelt von Solène (Anne Hathaway), einer alleinerziehenden Mutter, die all ihre Energie in die Erziehung ihrer Teenager-Tochter (Ella Rubin) und die Leitung einer angesagten Kunstgalerie im LA-Viertel Silver Lake gesteckt hat. Doch Solène scheut sich auch nicht, zuzugeben, dass sie nach etwas mehr sucht, nach einem Gefühl der Erfüllung, das sie auf einem geplanten Campingausflug allein zu finden hofft. Bis ihr frustrierender Ex-Mann (Reid Scott) sie abblitzen lässt, mit der Tochter und ihren Freunden zum Coachella-Festival zu fahren, um August Moon zu sehen, eine One Direction-artige Boyband, die sie in der Junior High School geliebt hat. Solène steht Hayes Campbell (Nicholas Galitzine), dem gutaussehenden und charmanten Leadsänger von August Moon, gegenüber, der von ihrer Selbstsicherheit und ihrer anfänglichen Unfähigkeit, ihn zu erkennen, angetan ist. Es ist ein nettes Kennenlernen, das Solène jedoch abschüttelt, zumindest bis Hayes in ihrer Galerie auftaucht, um sie kennenzulernen, was eine stürmische Romanze auslöst, die die 40-jährige alleinerziehende Mutter mit dem 24-jährigen Popstar um die Welt führt. Hathaway entspannt sich in einer sehr menschlichen, sehr verletzlichen Rolle, sitzt genau in den wichtigsten emotionalen Nischen der Geschichte und brodelt vor einer Mischung aus Sehnsucht, Zweifel und Freude. Dass Galitzine in der Lage ist, die Leinwand mit ihr zu teilen, ohne völlig aus dem Fokus zu geraten, ist eine Leistung, aber dann geht er noch weiter und passt sich ihrem emotionalen Rhythmus an, was ihm selbst großartige Arbeit einbringt. All das, plus einige sehr eingängige Boyband-Songs, ein lockerer komödiantischer Ton und ein dritter Akt, der selbst eingefleischte Rom-Com-Fans zumindest ein bisschen rätseln lässt, machen The Idea Of You zu einem sehr willkommenen neuen Stück im Rom-Com-Kanon. [Matthew Jackson]

In einer gewalttätigen Natur

Chris Nashs Spielfilmdebüt In A Violent Nature verwickelt das Publikum sofort in den Sumpf des Ökosystems des Slashers, wobei der Protagonist Johnny (Ry Barrett) nach einem ziemlich harmlosen Gespräch zwischen körperlosen Stimmen aus einer Schicht aus Schlamm und toten Blättern hervorkriecht. Es ist, als ob der Wald selbst besessen wäre, wodurch die Grenze zwischen Schauplatz und Charakteren verschwimmt – all dies ist charakteristisch für Nashs ungewöhnliche Filmemacherei. Hintergrund verschwimmt mit Vordergrund, Handlung mit Nichtstun, Gewalt mit natürlicher Gelassenheit. Bei einer so gemächlichen Perspektive – die unfehlbar in der Perspektive des Bösewichts gefangen bleibt – besteht das Potenzial, dass sich der Film wie ein Videospiel-Gimmick anfühlt, aber Nash kitzelt den filmischen Wert dieses methodischen Standpunkts heraus. Jedes Gefühl, ausgetrickst worden zu sein, wird durch die strenge Kontrolle von Ton und Raum durch den Regisseur umgangen. Die Aufnahmen sind sorgfältig komponiert und bestehen aus langen Einzelaufnahmen, die das Geräusch knarrender Äste und knackender Zweige ohne störende Musik absorbieren und das geduldige Umspannen der Welt um sie herum die Musik ersetzen lassen. Durch die eskalierende Gewalt – die in einem der blutigsten Morde gipfelt, die je auf Film festgehalten wurden (Sie werden es erkennen, wenn Sie ihn sehen) – appelliert Nash an das rein körperliche Gefühl, Zeuge des Todes zu sein, und verwendet dabei eine instinktive, körperliche Empathie. Mit In A Violent Nature erschafft Nash etwas völlig Neues; gelassen, nah und real. Aber der Sinn für Ton und Timing des Films beweist auch, dass er genau versteht, warum das Publikum immer an diesen Marathons voller Blut, Brutalität und Eingeweiden interessiert war. [Anna McKibbin]

Befallen

In Sébastien Vaniceks Infested dringt eine einsame exotische Spinne in ein französisches Apartmentgebäude ein, in dem ein unternehmungslustiger junger Mann (Théo Christine) mit seiner Familie und seinen Freunden versucht, sich ein besseres Leben aufzubauen. Im Laufe der folgenden Tage wird aus der einsamen Spinne eine Armee tödlicher, unerbittlicher, sich ständig vermehrender Spinnentiere in einem Film, der dem Spinnenhorrorklassiker Arachnophobia Konkurrenz macht. Was als befriedigend gruseliger Monsterfilm beginnt, verwandelt sich schließlich in einen Survival-Horror-Kampf für die Ewigkeit, der in einigen wirklich atemberaubenden, brutalen Momenten achtbeiniger Wut gipfelt. [Matthew Jackson]

Janet Planet

„Janet Planet“ , das Filmdebüt der mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Dramatikerin Annie Baker, spielt im Westen von Massachusetts im dunstigen Sommer 1991 und fängt die Beschaffenheit dieser Zeit und dieses Ortes aus der Sicht eines Teenagers auf exquisite Weise ein. Während Bakers Stücke längere Szenen in geschlossenen Räumen beinhalten, ist ihr Ausflug ins Filmemachen formal souverän, wobei sie ihr langjähriges Interesse an scharfen, aber mäandernden Dialogen neben üppigen 16-mm-Bildern umsetzt. Einige mögen ihren Stil erzählerisch fad finden, aber Fans ihres umfassenderen Oeuvres werden in den ruhigen Kleinigkeiten, die sie auf Zelluloid bringt, vertrauten Trost – und erweiterte Faszination – finden. Nachdem sie mit ernster Miene zu Hause angerufen und mit Selbstmorddrohungen geäußert hat, überredet die 11-jährige Lacy (beeindruckende Newcomerin Zoe Ziegler) ihre Mutter Janet (Julianne Nicholson) erfolgreich, sie von dem, was ein längeres Ferienlager werden sollte, abzuholen. Erst dann erkennt Lacy, dass die Rückkehr nach Hause vielleicht nicht die beste Entscheidung war, da sie sich das Haus mit dem aktuellen Freund ihrer Mutter, Wayne (Will Patton), teilen muss. Während die Beziehung zwischen Lacy und ihrer Mutter von typischen Anzeichen von gegenseitiger Abhängigkeit geprägt ist, ist Janet nur allzu bereit, ihre Zeit mit einer Drehtür aus Liebhabern, Freunden und spirituellem Rat zu verbringen, sehr zum kaum zu verbergenden Frust ihrer Tochter. Janet Planet konzentriert sich auf vermeintliche Alltäglichkeiten, von Lacys einsamem Gang zu und von schrecklichen Klavierstunden bis zu Avis langatmigen spirituellen Ergüssen. Doch Baker ist sich auch darüber im Klaren, wie alltägliche Umgebungen durch die rosige Perspektive eines Kindes aufgewertet werden können – ein Einkaufszentrum wird zu einem aufwendigen Spielplatz, ein neues Shampoo beim Duschen zu einem prickelnden Experiment –, hier noch verstärkt durch die Magie des Sommersmogs. Nur wenige Künstler können künstlerische Etiketten so nahtlos überwinden, aber Annie Baker hat bewiesen, dass sie das natürliche Talent besitzt, Geschichten medienübergreifend und ruhig zu erzählen. [Natalia Keogan]

Arten der Freundlichkeit

Der Originaltitel von Yorgos Lanthimos‘ neuem Anthologiefilm, der „Triptychon-Fabel“ Kinds Of Kindness, hatte einen subversiven Nervenkitzel . Einen Film „ And “ zu nennen, hätte so ziemlich jede vernünftige SEO- und Marketingregel gebrochen; allein die Idee daran fühlte sich an wie ein frecher Stinkefinger in Richtung der Studiobosse und Suchmaschinen überall auf der Welt (auch wenn es für jeden, der versuchte, Spielzeiten herauszufinden, ein kleiner Albtraum gewesen wäre). Aber wenn man sich Kinds Of Kindness ansieht – in dem Lanthimos wieder mit Efthymis Filippou zusammenarbeitet, seiner Drehbuchpartnerin für fast alles außer The Favourite und Poor Things – wird die Weisheit der Umbenennung deutlich und der rebellische Reiz des Originalnamens ist schnell vergessen. Wer je einen Film von Lanthimos gesehen hat, wird den offensichtlichen ironischen Unterton dieses neuen Titels erkennen, da Mitgefühl und Selbstlosigkeit in seinen sterilen Welten regelmäßig fehlen. Aber mehr noch als die anderen Kollaborationen von Lanthimos und Filippou ist Kinds Of Kindness auch ein äußerst eisiges Eintauchen in die psychologischen Dystopien des Duos – wo Identitäten surreal verzerrt und Emotionen beunruhigend kalt sind – und so fühlt sich die Betonung menschlicher Verbindungen im Titel perfekt passend an. Die drei Kapitel von Kinds Of Kindness sind am offensichtlichsten durch ihre Titel miteinander verbunden: „Der Tod von RMF“, „RMF fliegt“ und „RMF isst ein Sandwich“, die sich alle auf einen schweigsamen und ansonsten anonymen Mann beziehen, der eher eine Handlungsachse als eine tatsächliche Figur ist. Jede Episode hat auch eine feste Schauspielertruppe gemeinsam: Jesse Plemons, Emma Stone, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Hong Chau, Mamoudou Athie und Joe Alwyn (Hunter Schafer tritt nur im Schlusskapitel auf). Aber im Kern vereint das Geschichtentrio des Films am meisten ihre gemeinsame Erforschung von Wahl und Kontrolle, Unterwerfung und Unterwerfung. Der Film ist einer perversen Version von „ Die fünf Sprachen der Liebe“ nicht unähnlich – nur dass hier freiwillige „Dienste“ als Opfer interpretiert werden, die gebracht werden, um die sadistischen Forderungen emotionaler Tyrannen zu befriedigen. Auf den ersten Blick scheinen „ Kinds Of Kindness “ einige der oberflächlichen Elemente zu fehlen, die am meisten mit Lanthimos‘ Arbeit in Verbindung gebracht werden: Kameramann Robbie Ryan beispielsweise legt hier sein Fischaugenobjektiv weitgehend in den Ruhestand, nachdem er es bei „ Poor Things“ ständig im Einsatz hatte. Aber auf tieferer Ebene fühlt sich der Film wie Lanthimos‘ Höhepunkt an. Nach einigen Jahren der Zusammenarbeit mit anderen Autoren an zugänglicheren Filmen tut sich der Regisseur wieder mit Filippou zusammen, um sich an ihrem eigenwilligen Stil zu beharren, der nie mutiger oder spaltender war als in diesem Fall. Nach dem kurzen Ausflug in die Welt der Happy Ends in „ Poor Things“ folgt „Kinds Of Kindness“Lanthimos kehrt zu der Art von Film zurück, bei dem es sich pervers anfühlt, zu sagen, dass man ihn „genießt“. Kurz gesagt: Der Greek Freak ist zurück. [Farah Cheded]

La Chimäre

In Alice Rohrwachers romantischer Schatzsuche „ La Chimera“ ist die Vergangenheit so nah, dass man sie fast berühren kann . Rohwachers sorgfältig ausgegrabene Erzählung spielt in der Grenzregion zwischen Leben und Sterben, besser bekannt als die italienische Landschaft, und bringt eine witzige und zutiefst befriedigende Meditation über Verlust und Hoffnung ans Licht. Wir begegnen Arthur (Josh O'Connor) in einem Traum. Aus seiner Ich-Perspektive bewundert er das Gesicht der Frau, die er liebte, verlor und verzweifelt wiederfinden möchte, Beniamina (Yile Yara Vianello). Sie verfolgt Arthur aus einer Perspektive, die ihm kaum zugänglich ist, und hinterlässt einen roten Faden aus der Vergangenheit, an dem er so gerne ziehen würde. Zum Glück ist das, was Arthur am besten kann. Arthurs Hauptsuche gilt der Suche nach einem heiligen Gral anderer Art. Er kehrt nach Italien zurück, in der Hoffnung, sich wieder mit Beniamina zu treffen und eine offene Schuld zu begleichen, und schließt sich widerwillig wieder seiner alten Bande italienischer Tomaroli oder Grabräuber an. Sie suchen in ihrem Hinterhof nach Wertgegenständen, was ihnen nicht zuletzt – ähm – Arthurs übernatürliche Verbindung mit den Untergeschossen der Toskana aus vergangenen Zeiten hilft. Die Tombaroli leben zwischen Ruinen und nennen baufällige Hütten ohne Heizung, Möbel oder sogar Fußböden ihr Zuhause. In diesem Stadium, in dem verrottenden weißen Leinenanzug, in dem er anscheinend geboren wurde, beginnt Arthur, den Reliquien zu ähneln, nach denen er sucht. Er findet sein erstes Grab in Beniaminas Haus, wo ihre Mutter Flora (eine mühelos tröstende Isabella Rosellini) lebt. Mit den abgerundeten Kanten, die an die 16-mm-Fotografie erinnern, vermittelt der Film ein Gefühl der alten Welt, als ob wir etwas aus der Vergangenheit entdeckt sehen würden. Rohwachers Drehbuch , das er gemeinsam mit Carmela Covino, die an Rohwachers Happy As Lazzaro und ihrem für den Oscar nominierten Kurzfilm Le Pupille mitwirkte, und Marco Pettenello geschrieben hat, birgt hinter jeder Zeile Überraschungen, enthüllt Elemente aus Arthurs Vergangenheit und stellt seine Gegenwart in einen neuen Kontext. La Chimera, ein formeller Hochgenuss, der keinen Mangel an Überraschungen bereithält, verzaubert den Zuschauer mit seinen verfallenden Räumen und lebhaften Darbietungen. [Matt Schimkowitz]

Affenmann

Dev Patel hat seine Hausaufgaben gemacht. Aber es ist eine Sache, seine Einflüsse zu kennen, und eine ganz andere, sie auf der Leinwand umzusetzen, ohne dabei seine eigene, einzigartige Stimme einzubüßen. Trotz all seiner vielen Erfolge – und Monkey Man ist ein Film voller Erfolge von Moment zu Moment – hat Patels Film seinen größten Erfolg vielleicht in der Art und Weise gefunden, wie er die reine, kinetische Liebe des Regisseurs zum Kino nahtlos und kraftvoll in etwas Kühnes, Neues und Unvergessliches übersetzt. Patel spielt Kid, einen heruntergekommenen jungen Mann, der in den Slums Indiens lebt. Kid hat Narben, sowohl seelische als auch körperliche, die niemals verblassen werden, zumindest nicht, bis er sich endlich nahe genug herangearbeitet hat, um den Abzug zu betätigen und sich an den Männern zu rächen, die für seinen Schmerz verantwortlich sind. In den vielen Actionsequenzen von Monkey Man werden die Zuschauer alles von Taxi Driver über The Big Boss und The Raid bis hin zu The Villainess und noch viel mehr sehen, alles mit ungezügelter, rasender Energie von Patel und Kamerafrau Sharone Meir. Aber Patel reiht nicht einfach nur Referenzen aneinander, noch hält er sich an alle Regeln, die er in seinem Leben als Actionfilm-Schauspieler gelernt haben könnte. Trotz all des Blutes und der Brutalität – und davon gibt es eine Menge , alles meisterhaft inszeniert – ist Monkey Man am kraftvollsten, wenn es ruhiger wird. Kid ist nicht nur ein Kämpfer, der Jahrzehnte des Schmerzes mit sich herumträgt, sondern ein Mann, der versucht, einen Weg zu finden, seinen ruhelosen Geist zu beruhigen und sein schmerzendes Herz zu besänftigen. Patel geht tiefer in die Metaphern der Geschichte ein, die er erzählt, als es eine Action-Geschichte vermuten lässt, und ordnet Kid nicht nur in die Reihen der Armen ein, sondern auch in die der Ausgestoßenen, die es wagen, ihren eigenen Weg in einer Gesellschaft zu gehen, die sie immer wieder zurückdrängt. Dies verleiht dem Film ein Gefühl von Gemeinschaft und verstärkt den mythischen Ton auf eine Weise, wie es Kids Reise als Einzelgänger nie könnte. Monkey Man ist ein kraftvoller, emotionaler, wilder Triumph von einem Film, und wenn er vorbei ist, werden Sie gleich wieder einsteigen und ihn sich noch einmal ansehen wollen. [Matthew Jackson]

Orion und die Dunkelheit

Die Vorstellung eines Zeichentrickfilms für Kinder aus der Feder von Charlie Kaufman, dem von Angst geplagten Autor metaphysischer Matrjoschka-Filme wie Vergiss mein nicht!, klingt so unwahrscheinlich wie ein Disney-Film mit der Altersfreigabe „ab 6 Jahren“ unter der Regie von David Lynch oder die Filmmusik von Nine Inch Nails, Trent Reznor, für Pixar. Und doch ist es passiert und wurde mit viel Beifall bedacht, und nun ist es auch dieser Film. „ Orion and the Dark“ hat vielleicht überhaupt keine Ähnlichkeit mit einem der bisherigen Filme von Charlie Kaufman, aber er trägt seine Persönlichkeit in sich. Während das für die jüngsten Kinder ein bisschen zu viel sein mag, könnte der Film bei 11-Jährigen, wie sie in dieser Geschichte dargestellt werden, einen Nerv treffen, einfach weil er sich weigert, ihre Intelligenz zu unterschätzen. Hier nimmt er ein Kinderbuch, das 4-Jährigen dabei helfen soll, ihre Angst vor der Dunkelheit zu überwinden, und behandelt es mit existenzieller Angst – genau in dem Alter, in dem die meisten Kinder anfangen, so etwas zu erleben, ohne unbedingt einen Namen dafür zu haben. Regisseur Sean Charmatz ( Trolls: Holiday In Harmony ) hält die Bilder kinderfreundlich, aber er sorgt auch dafür, dass Kaufmans Stimme durchgehend erkennbar bleibt. Und obwohl Orion And The Dark wie ein Familienfilm wirkt, gibt es auf dem Weg zu einer liebevollen, aber emotional niederschmetternden Auflösung einige ernsthafte Wendungen. Wird er Kindern gefallen? Sagen wir einfach, dass die Anspielungen auf David Foster Wallace, Saul Bass und Werner Herzog (der sich selbst spielt) wahrscheinlich nichts für sie sind – aber für Sie schon. Das Originalbuch verlangt von den Eltern die Einschätzung, ob ihr Vierjähriger bereit ist, sich der Angst vor der Dunkelheit zu stellen; der Film verlangt eine Einschätzung hinsichtlich der Fähigkeit ihrer Elfjährigen, mit Todesangst, Tyrannen, Klimaapokalypse und buchstäblich allem anderen, was ihnen einfällt, umzugehen ... und darüber hinaus. [Luke Y. Thompson]

Der Volksjoker

Ein flüchtiger Beobachter könnte denken, The People's Joker sei ein Fanprojekt, das von einem marginalisierten Schöpfer angeführt wird und vor DIY-Kreativität strotzt. Filmemacherin Vera Drew nutzt jedoch zusammen mit Co-Autorin Bri LeRose die grobe Skizze von Joker aus dem Jahr 2019 als Sprungbrett, um ihre eigenen Erfahrungen mit den verkalkten Hallen der Comedy-Branche zu erkunden, die Art und Weise, wie geschädigte Menschen einander aus Scham und Unwissenheit verletzen, und ihre Schwierigkeiten, ihre Transgender-Identität zu entdecken. Joker, der Harlekin (Vera Drew), erzählt rückblickend ihre Geschichte von ihren bescheidenen Anfängen als Kind auf dem Land in Smallville und führt uns durch ihr junges Erwachsenenleben, in dem ihre Mutter (Lynn Downey) ihr das Antidepressivum Smylex verschreibt und ihr der Ruhm als Comedy-Star einen Ausweg auf die Bühne von UCB Live bietet , einer plumpen Parodie der Upright Citizens Brigade, SNL , und ihres Showrunners Lorne Michaels (ein zappelndes animiertes Faksimile mit der Stimme von Maria Bamford). Komplett vor Green Screen gedreht, weist The People's Joker eine stolz künstliche Ästhetik auf, die sich herkömmlichen Vorstellungen von Konsistenz widersetzt. In 3D und Stop-Motion oder als Puppen animierte Charaktere interagieren mit der menschlichen Besetzung, manchmal mit absichtlicher Sorgfalt bei ihrer Konstruktion, manchmal mit einer ebenso absichtlichen Post-Punk-Nachlässigkeit. Einige Szenen sind komplett in 2D animiert, nicht nur für viel Action, sondern auch für zutiefst intime Momente, was darauf hindeutet, dass diese kreative Entscheidung nicht nur dazu gedacht ist, Kosten zu sparen. Es ist eine chaotische Ästhetik, die kohärent wirkt, weil sie so chaotisch ist. Auf einer Ebene macht sie sich direkt über die künstlichen Mechanismen lustig, mit denen Blockbuster mit großem Budget ihre Geschichten erzählen, doch sie bietet auch eine Möglichkeit für zutiefst persönliches Geschichtenerzählen im Rahmen unserer gemeinsamen kulturellen Mythologie. The People's Joker ist eine Chimäre aus Konflikten und Widersprüchen, aber das sind wir alle auch. Unser Puzzle menschlicher Erfahrungen ist allgemein chaotisch, und wenn es eines gibt, was Drew uns zu sagen scheint, dann ist es, dass wir diese Paradoxien genießen sollten. Dann müssen wir uns kein Lächeln mehr aufmalen. Wir können einfach glücklich sein. [Leigh Monson]

Roboterträume

Der vielseitige spanische Filmemacher Pablo Berger hat schon Stummfilme gedreht, aber noch nie einen wie Robot Dreams . Robot Dreams ist eine New Yorker Tourismuswerbung für alle, die glauben, WALL-E hätte sich an Big Talkie verkauft, nachdem er sein anfängliches Schweigegelübde gebrochen hatte. Es vermittelt die Schmerzen und Freuden einer Freundschaft, die ohne ein Wort Dialog aufgeschoben wird. Obwohl die minimalistisch gestalteten Charaktere nicht sprechen, komplizieren die Details der Träume dieses Roboters Bergers Tour durch New York, die voller authentischer urbaner Klanglandschaften und einer Population anthropomorpher Tiere und ihrer Robotergefährten ist. Robot Dreams beginnt auf der Queensboro Bridge in der tiefblauen Dämmerung und stellt uns Dog vor, einen einsamen Köter, der in den 80ern lebt und eine weitere Nacht mit Atari und gefrorenem Mac and Cheese verbringt. Nachdem er sich selbst bei Pong (wieder) besiegt hat, erkennt Dog endlich die Einsamkeit, sich selbst bei Pong (wieder) zu besiegen. Also bestellt er auf Geheiß eines perfekt getimten Infomercials einen neuen Freund: Robot. Mit einer Bewegung des Halses erwacht Robot zum Leben wie ein PC aus der Reagan-Ära, der DOS lädt, und plötzlich hat Dogs Leben einen Sinn. Die Stärke von Robot Dreams liegt in Robot und Dog, die wie animierte Schatten von Abbott und Costello oder Laurel und Hardy aussehen. Mit diesen Archetypen im Hinterkopf hebt Berger ihre Unterschiede hervor, um eine maximale Kommunikation zu erreichen. Dog ist pragmatisch und vorsichtig, sich der Konsequenzen sozialer Verstöße bewusst und zahlt den Preis dafür. Robot ist aufgeschlossener und bereit, jedes neue Abenteuer mit einem Lächeln und Winken zu begrüßen. Aber in ihrer Trennung fällt es ihnen schwer, eine Verbindung zu den Menschen um sie herum aufzubauen. Mit Robot Dreams hat Berger auch ein ästhetisch sanftes, aber emotional abgehärtetes New York City geschaffen. Berger geht davon aus, dass man in einer Stadt dieser Größe wenig kontrollieren kann, und lässt seinen Film Fantasieflüge unternehmen, die sich immer wieder auf die Kameradschaft konzentrieren. Wie kann sich eine Stadt, die so voller Menschen ist, so einsam anfühlen? Ohne ein Wort zu sagen, hat Robot Dreams eine Antwort. [Matt Schimkowitz]

Stop-Motion-Funktion

Aisling Franciosi spielt in dieser schaurigen, unbequemen Geschichte eine Stop-Motion-Animatorin, die sich von einer neuen Idee für einen Film so mitreißen lässt, dass sie befremdlich, beängstigend und letztlich gefährlich wird. Das Versprechen, den Horrorbereich durch Stop-Motion-Animation zu erkunden, ist Grund genug, sich Robert Morgans Film anzusehen, aber Franciosis kraftvolle Darstellung treibt Stopmotion über Gimmicks hinaus in den Bereich wirklich erschütternden emotionalen Terrors, während Kunst und Künstler zu etwas Neuem, Gewalttätigem und Unvergesslichem verschmelzen. [Matthew Jackson]

Thelma

Wie oft kommt schon ein Film heraus, den man guten Gewissens jedem in seinem Leben empfehlen kann? Nicht oft genug. Allein aus diesem Grund verdient Thelma , gefeiert zu werden. Das liegt nicht nur an der verspielten Action-Parodie-Prämisse oder der Besetzung aus mehreren Generationen, obwohl beides Lob verdient. Thelma ist einfach ein unterhaltsamer Film mit einer liebenswerten Protagonistin, der man einfach mitfiebern muss. In diesem Fall hilft es, dass die Protagonistin von der unbezwingbaren June Squibb ( Nebraska und viele, viele mehr ) gespielt wird. Mit 93 Jahren nimmt sie in der Titelrolle gekonnt die zentrale Rolle des Films ein, mit ein wenig Hilfe des verstorbenen Richard Roundtree (Shaft persönlich) als ihr langjähriger Freund und abenteuerlustiger Kumpel Ben. Es ist ein Vergnügen, Zeit mit diesen temperamentvollen Charakteren zu verbringen, während sie auf einem Motorroller das San Fernando Valley durchqueren, auf einer skurrilen Suche, um die Diebe aufzuspüren, die Thelma am Telefon um 10.000 Dollar betrogen haben. Der Debütregisseur Josh Margolin – der das Drehbuch schrieb, Regie führte und den Schnitt des Films übernahm – hat gesagt, er habe die Figur Thelma auf seiner eigenen Großmutter basieren lassen. Es gibt viele kleine Details, die den Figuren Tiefe verleihen, wie etwa ein Running Gag, bei dem Thelma immer wieder glaubt, zufällige Fremde zu erkennen, oder Ben, der Daddy Warbucks in einer reinen Seniorenproduktion von Annie spielt , oder die Momente, die nicht zum Lachen gedacht sind, wie wenn sie über all die Menschen sprechen, die sie kennen und die gestorben sind. Margolin geht den Schauspielern in diesen Szenen klugerweise nicht im Weg. Er gibt ihnen einfach seinen Freiraum und lässt sie kochen. Einerseits ist Thelma eine unterhaltsame und witzige Variante des Action-Genres. Es ist eine unterhaltsame Reise, die lockere 90 Minuten oder so dauert. Wenn das alles ist, was Sie daraus mitnehmen, ist das völlig in Ordnung. Auf einer tieferen Ebene hat der Film jedoch einige wichtige Dinge über die letzten Phasen des Lebens zu sagen. Er lässt Sie vielleicht an Worte wie „Würde“ und „Anstand“ denken. Es fordert Sie auf, zu erkennen, wie schwer es ist, an Ihrem Selbstwertgefühl festzuhalten, wenn Ihr Körper und Geist zu schwinden beginnen. Es ermutigt Sie, die Älteren um Sie herum mit Respekt zu betrachten. Egal, wie Sie den Film betrachten, er ist ein schöner Sommerausflug für Zuschauer jeden Alters. [Cindy White]

Wir sind jetzt gewachsen

Minhal Baigs meisterhafter Film „We Grown Now“ packt einen von der ersten Einstellung an. Ein Standbild eines leeren Flurs (im, wie wir erfahren, dem Cabrini-Green-Sozialprojekt in Chicago) lädt dazu ein, ihn zu entdecken und die vielen Leben, die er beherbergt, durch sich hindurchdringen zu lassen. Wir hören ein Kratzen. Wir hören Turnschuhe quietschen. Wir hören und sehen bald zwei Kinder. Sie tragen eine Matratze. Dieses Bild, diese Handlung weckt eine gemächliche Neugier. Und mit der Zeit etabliert sich Baigs neuster Film weiter als wunderschönes Filmjuwel mit einem ausgeprägten und fesselnden Ortsgefühl. Wir schreiben das Jahr 1992 und die beiden Jungen, die wir in der Eröffnungssequenz zum ersten Mal treffen, sind die besten Freunde Malik und Eric (Blake Cameron James und Gian Knight Ramirez), zwei schwarze Jungen, die gelernt haben, wie sie aus Cabrini-Green einen frei imaginären Ort machen können, an dem sie sich entfalten können. Die Matratze, die sie mühsam mehrere Treppen hinunter und dann über eine asphaltierte Freifläche tragen, bevor sie sie neben mehrere andere weggeworfene Matratzen legen, wird für sie bald zu einer weiteren Sprungmöglichkeit – sie fliegen in die arglose Kindheit, die sie unwissentlich schätzen. Diese Unschuld ist das Leitprinzip von We Grown Now, dessen Titel uns offensichtlich dorthin führt, wo der Film enden wird, in den Moment, in dem Malik und Eric sich verabschieden müssen. Wir beobachten die ganze Zeit, wie diese beiden Jungen und ihre Familien die sich ständig verändernde Welt um sie herum einschätzen: Maliks alleinerziehende Mutter (eine gefühlvolle Jurnee Smollett) kämpft darum, befördert zu werden und bei der Arbeit ernst genommen zu werden, einer Arbeit, die kaum ihren Lebensunterhalt deckt. Erics alleinerziehender Vater (ein bodenständiger Lil Rel Howery) trauert immer noch und ist sich nicht sicher, wie er seinen widerspenstigen kleinen Sohn am besten in Schach halten soll. Vielleicht brauchen sie einen Ausweg. Aber was bedeutet es für das Leben, das sie sich dort aufgebaut haben, wenn sie Calibri-Green verlassen? Baigs Film beschäftigt sich mit diesen Fragen – und mit allgemeineren Fragen zu Sozialwohnungen, brutaler Polizeiarbeit, Rassismus und Stadtplanung – und ist eine einfühlsame Meditation darüber, was wir aus dem machen, was wir haben, und über die Fantasieflüge, die nötig sind, um neue Wege in die Zukunft zu ebnen. [Manuel Betancourt]