25 film terbaik tahun 2024 (sejauh ini)

Kini setelah festival film telah usai dan film-film laris mulai diluncurkan dengan sungguh-sungguh, ini adalah saat yang tepat untuk melihat kembali film-film tahun ini sejauh ini, baik untuk mengapresiasi apa yang telah kita lupakan dari penayangan awal musim dingin, atau untuk bersantai di pantai. naikkan daftar pantauan kami dengan permata yang kami lewati. Film-film terbaik tahun 2024 sejauh ini telah merayapi kita, menyelinap ke streamer dan diam-diam mendominasi percakapan seputar genre mereka, atau kedatangan mereka sudah lama diumumkan (saat mereka menyelesaikan sirkuit roadshow atau mendapatkan penghargaan demi penghargaan di Cannes atau SXSW ) bahwa mereka berisiko mengecewakan kita begitu kita akhirnya bisa membandingkan sensasi dengan kenyataan.

Tapi apakah film tersebut merupakan entri waralaba fiksi ilmiah besar-besaran  atau sekadar fantasi olahraga menarik dari pria “penjual ramuan” , satu hal yang pasti: Film tersebut dibintangi oleh Zendaya. Tetapi bahkan tanpa dia, beberapa film berhasil dengan sendirinya. Ryusuke Hamaguchi dan George Miller tidak mengecewakan dalam tindak lanjut mereka menuju pekerjaan puncak, yang beroperasi pada tingkat volume yang sepenuhnya berbeda. Jane Schoenbrun dan Minhal Baig mengambil lompatan di antara indie mereka, menemukan cara yang lebih menarik untuk memanfaatkan topik dan estetika yang menarik bagi mereka. Ryan Gosling menangis kepada Taylor Swift. Joker, trans dan menyukainya, menari-nari menuruni tangga—dan untuk pertama kalinya, itu bagus. Film horor dan aksi menambahkan cita rasa baru, sambil me-remix film favorit lama seperti salah satu mesin soda layar sentuh yang mewah. Dan yang terpenting, pria berjas berang-berang melakukan kekerasan terhadap satu sama lain.

Penjahat-penjahat lama di dunia perfilman mungkin masih ada di tahun 2024, apakah itu karena sensor yang dilakukan sendiri atau (yang luar biasa) monopoli yang terintegrasi secara vertikal, namun hal tersebut juga menjadi alasan mengapa kita terus berpegang teguh pada bentuk seni ini. Bahkan ketika film-film terbaik tahun ini tersembunyi di dalam cangkang tontonan IP yang dapat dipasarkan, di dalam intinya terdapat semua hal yang kita harapkan dapat diselundupkan oleh para pembuat film, musisi, komedian, dan penulis kita ke dalam produksi yang mampu membayar tagihan. Film-film ini bermain dengan bentuk ( In A Violent Nature , The People's Joker ), ekspektasi kita terhadap tubuh kita ( Thelma , I Saw The TV Glow ), dan pemahaman kita tentang ilusi macam apa yang mungkin terjadi melalui cahaya, kamera, dan aksi ( The Fall Guy , Furiosa, Ratusan Berang-berang ). Jika musuh-musuh film kembali ke dasar, semua hal terbaik tentang film akan siap menghadapi mereka.

---

Buruk rupa

Sebuah drama manusia dengan konsep fiksi ilmiah untuk scaffolding, terinspirasi oleh salah satu kisah paling menghantui Henry James, The Beast karya Bertrand Bonello mengambil rasa urgensinya, menggabungkannya dengan dua pertunjukan sentral yang luar biasa, dan memberikan salah satu pengalaman paling berdampak bagi Anda. kemungkinan besar akan Anda tonton di bioskop tahun ini…walaupun Anda memerlukan waktu beberapa saat untuk menguraikan apa yang baru saja Anda tonton. Pada tahun 2044, sebagian besar tenaga kerja manusia telah digantikan oleh kecerdasan buatan, yang dianggap lebih aman dan kurang emosional dibandingkan dengan pemikiran manusia yang salah yang menyebabkan bencana global sebelumnya. Di Paris versi masa depan ini, Gabrielle (Léa Seydoux) sangat membutuhkan tujuan. Bersemangat untuk membuktikan dirinya, dia menyetujui prosedur yang konon akan membersihkan dirinya dari segala ketidakstabilan emosional dengan kembali ke kehidupan masa lalunya, gagasannya adalah bahwa menghadapi dan pada akhirnya menghilangkan trauma yang masih ada dalam kode genetiknya akan membuatnya tidak hanya lebih memenuhi syarat untuk menjalani kehidupan. pekerjaan, tetapi lebih puas dan patuh. Melalui semua itu, dia berinteraksi dengan tiga versi berbeda dari Louis (George MacKay), yang terkadang menjadi kekasih, terkadang menjadi teman, dan terkadang menjadi kekuatan yang mematikan. Ada kesuraman nyata dalam imajinasi masa depan ini, yang diimbangi oleh warna cerah yang dihasilkan kamera Bonello dalam warna merah dan hijau subur di Paris pada pergantian abad dan birunya air kolam yang sejuk di Los Angeles tahun 2014. Seydoux dan MacKay melakukan pekerjaan yang luar biasa dan kuat, memeras setiap ons perasaan bahkan dari rangkaian yang paling lambat sekalipun. Saat ia dengan hati-hati dan metodis melewati tiga era pengalaman manusia yang berbeda, The Beast menancapkan cakarnya ke dalam diri Anda, lalu meminta Anda merenungkan luka yang ditinggalkannya. [Matthew Jackson]

Penantang

Challengers , yang tampaknya berkisah tentang tiga pemain tenis, sebenarnya tentang tiga karakter yang memainkan cinta seperti pertandingan tenis, untuk maju dan menuai hasil yang mereka inginkan. Kerangka film ini merupakan pertandingan penting dalam karier Patrick (Josh O'Connor) dan Art (Mike Faist), rival dan mantan sahabat. Di antara mereka adalah Tashi (Zendaya), mantan pacar salah satu dan istri saat ini serta pelatih yang lain. Luca Guadagnino selalu mampu menangkap emosi yang membara dalam suatu hubungan, seperti yang ia buktikan dalam film seperti I Am Love dan Call Me By Your Name . Bagi sebagian besar karakternya, hasrat adalah alasan utama dan kekuatan pendorong alur narasi mereka. Dalam skenario Justin Kuritzkes, hasrat adalah senjata yang secara berani, dan terkadang manipulatif, digunakan oleh ketiga protagonis. Kamera Sayombhu Mukdeeprom melirik tubuh para aktor, menangkap setiap kilatan cahaya di mata mereka, setiap bibir gemetar dan alis berkeringat. Semua ini menghasilkan sebuah film yang penuh dengan gairah seksual, sesuatu yang tidak banyak terlihat di bioskop Amerika kontemporer. Untuk pertandingan tenis, Guadagnino punya beberapa trik. Yang pertama adalah musik keras dan berdebar-debar dari Trent Reznor dan Atticus Ross. Kemudian, banyak adegan diperlambat hingga hampir terhenti untuk menampilkan setiap nuansa gerak wajah para aktor sambil mengabaikan bola-bola kuning kecil yang tidak menarik. Challengers berhasil berkat karakter rumit yang diperankan oleh aktor dalam perjalanan mereka untuk menjadi bintang layar yang cemerlang. [Murtada Elfadl]

Dune: Bagian Kedua

Dune: Bagian Dua melanjutkan persis apa yang ditinggalkan pendahulunya, kemudian berhasil memiliki ritme, tampilan, dan nuansa yang sama seperti film pertama, baik atau buruk, karena tidak ada film yang dapat berdiri sendiri. Mereka harus dianggap sebagai satu adaptasi novel Frank Herbert yang berdurasi lima jam. Ini adalah polemik tentang bagaimana para pialang kekuasaan agama memanipulasi sistem kepercayaan masyarakat untuk mendapatkan kekuasaan, sesuatu yang lebih dari apa yang biasanya didapatkan penonton dalam film laris Hollywood. Kisah ini mengikuti kekuasaan Paul Atreides (Timothée Chalamet) untuk memimpin orang-orang di planet gurun berdebu Arrakis melawan kekuatan jahat. Ini cukup jelas dan memiliki semua yang diharapkan dalam film seperti itu: Minat cinta yang diperlukan, musuh bebuyutan, dan kesadaran serta pelukan sang pahlawan atas kekuatan mereka. Namun tema keagamaan itulah yang menjadikannya lebih dari sekadar tontonan. Dan ia juga mencentang kotak itu: Semuanya sedikit lebih mewah dan mencolok. Pertempurannya lebih besar, badai pasirnya lebih dahsyat. Dune: Part Two adalah perjalanan menegangkan yang menghabiskan waktu dua setengah jam. [Murtada Elfadl]

Kejahatan Tidak Ada

Kejahatan Tidak Ada membutuhkan waktu. Pada awalnya ada firasat musik di soundtrack saat kamera bergerak melintasi alam dan tumbuh-tumbuhan. Kemudian sebuah karakter muncul entah dari mana, mengejutkan penonton. Hampir setengah jam berlalu sebelum seorang karakter berbicara. Dalam dikotomi kesabaran dan kewaspadaan itulah terletak kejeniusan Ryusuke Hamaguchi yang menindaklanjuti film pemenang Oscar, Drive My Car . Itu adalah sebuah dongeng, seperti permainan sederhana antara kebaikan melawan kejahatan, yang diungkapkan dengan narasi yang sangat padat sehingga membuat Anda takjub. Pengisahan cerita Hamaguchi yang jarang dimulai dengan membangun kesan ruang. Penonton diperkenalkan dengan dusun pegunungan pedesaan Mizubiki. Kamera mendekati medan, mata air, pepohonan tinggi, sebelum menampilkan karakter apa pun. Ketika agen pemasaran datang ke kota untuk mengungkapkan rencana membangun tempat glamping, salah satu karakter menjadi pusat perhatian: Takumi (Hitoshi Omika), seorang ahli yang tampaknya paling tahu tentang kota tersebut. Dengan cepat orang-orang agensi (Ryuji Kosaka dan Ayaka Shibutani) mulai melihatnya sebagai seseorang yang dapat membantu mereka meyakinkan penduduk kota tentang rencana mereka. Tapi Takumi perlu dibujuk dan dibujuk terlebih dahulu. Maka dimulailah permainan; para pemain diidentifikasi dan taruhannya terungkap. [Murtada Elfadl]

Orang Musim Gugur

Di atas segalanya, The Fall Guy adalah film yang disukai banyak orang. Diadaptasi oleh Drew Pearce ( Hotel Artemis ) dari serial TV berjudul sama yang dibuat oleh Glen A. Larson, film David Leitch adalah alasan yang besar dan apik untuk menempatkan aktor-aktor yang semuanya merupakan bom pesona yang bonafid bersama-sama dalam bingkai yang sama. Dia mengelilingi mereka dengan ledakan dan kejar-kejaran mobil, bersenang-senang sementara musik KISS dan The Darkness terdengar di latar belakang. "Pria yang jatuh" adalah Colt Seavers (Ryan Gosling), seorang stuntman veteran yang memiliki pekerjaan yang disukainya dan seorang pacar, operator kamera Jody (Emily Blunt), yang lebih ia sukai. Segalanya tampak berjalan sesuai keinginan Colt sampai aktor yang ia perankan, Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson) yang egomaniak, menuntut agar ia melakukan aksi jatuh besar-besaran sekali lagi. Ada yang tidak beres, dan begitu saja, Colt keluar dari permainan akrobat karena cedera punggung dan luka yang lebih menyakitkan pada harga dirinya. Leitch memulai karirnya dengan bekerja di bidang pemeran pengganti, dan mengerahkan seluruh kekuatannya untuk berperan dalam film ini, memberi kita segalanya mulai dari ode untuk Miami Vice hingga adegan pertarungan truk sampah yang tak terduga hingga, ya, banyak ode di layar untuk tim pemeran pengganti yang melakukan aksinya. bekerja di lokasi syuting di seluruh dunia. Bahkan dengan aksi dan aksi yang berjalan dengan kecepatan penuh, yang benar-benar membuat The Fall Guy berhasil adalah kemitraan antara Gosling dan Blunt. Dia sekali lagi berperan sebagai pahlawan yang terpukul dalam pencarian penebusan, seperti yang dia lakukan dengan sangat baik dalam film seperti The Nice Guys , sementara dia berperan sebagai wanita ambisius yang menyeimbangkan kariernya dengan keinginan hatinya. Dua jam bintang film menjadi mesin pesona mutlak, dan terkadang hanya itu yang Anda butuhkan. [Matthew Jackson]

Sisi lain

Anda tidak harus berusia tertentu untuk mengapresiasi semua yang ingin dilakukan Chris Wilcha dalam film dokumenter barunya Flipside, tapi itu pasti membantu. Cara proyek ini menyampaikan pengalaman Gen X, terutama jika Anda pernah menganggap diri Anda sebagai seorang seniman, sangatlah spesifik sehingga hampir terasa seperti sebuah serangan. Untuk lebih jelasnya, itu adalah pujian. Bahkan judul filmnya, yang sama dengan toko kaset vintage di New Jersey yang banyak ditampilkan di dalamnya, membangkitkan momen dalam hidup ketika Anda menyadari bahwa ada lebih banyak hal di belakang Anda daripada yang ada di depan. Pesan film ini bukan berarti tidak jelas bagi siapa pun di luar generasi Wilcha—tetapi juga membahas konsep-konsep yang dapat diterima secara universal seperti penyesalan dan keinginan untuk meninggalkan jejak di dunia—hanya saja perjalanan sutradara untuk mendamaikan anak idealis dan ambisius yang dia miliki. pernah menjadi pria berusia 50-an yang menjadi dirinya akan beresonansi lebih dalam dengan mereka yang juga berada di tempat untuk menginventarisasi kehidupan mereka sendiri. Flipside adalah upaya Wilcha untuk membawa pekerjaan hidupnya menjadi lingkaran penuh, kembali ke refleksi diri pribadi dari The Target Shoots First , dengan jarak dan tinjauan ke belakang yang akan diberikan oleh 25 tahun pengalaman hidup kepada Anda. Ini tidak terlihat seperti kedengarannya. Untuk memperjelas maksudnya, Wilcha menggabungkan cuplikan dari film dokumenternya yang ditinggalkan dan bahkan kembali ke beberapa subjek sebelumnya untuk mencari semacam penutup. Wilcha mengakui idealismenya telah digantikan dengan realisme, ambisinya dengan rasa puas diri. Dia menatap dirinya yang lebih muda dan menahan godaan untuk bergeming. [Cindy Putih]

Furiosa: Saga Max yang Gila

Furiosa: A Mad Max Saga secara resmi memasuki perpustakaan prekuel saya yang sangat dihormati karena George Miller sepenuhnya tertarik untuk membangun kehidupan batin dan sejarah Furiosa yang bisa ada tanpa Fury Road dan tetap menjadi film yang sangat bagus. Dan kemudian Miller mengeksekusi trik prekuel puncak dengan mengubah hubungan, koneksi, dan kerugian yang dikumpulkan di Furiosa menjadi subteks yang menjadikan Fury Road yang sudah agung menjadi lebih baik. Kisah Furiosa diceritakan dalam lima bab, dibuka ketika kita bertemu dengannya sebagai seorang anak (Alyla Browne) yang tinggal di dalam komunitas yang tersembunyi dan indah di Green Place of Many Mothers, kemudian melewati 15 tahun hidupnya, berakhir pada usia pertengahan dua puluhan ketika dia menjadi Imperator Furiosa (Anya Taylor-Joy) di dalam Benteng Immortan Joe (Lachy Hulme) yang jauh lebih muda. Dan Furiosa masih sebuah pengalaman. Ia menelan Anda seperti pasir dan menahan Anda erat-erat sampai akhir. Sinematografer Simon Duggan ( The Great Gatsby ) tidak melewatkan satu langkah pun saat mengambil tongkat estafet visual dari sinematografer Fury Road, John Seale. Furiosa memukau indra, terutama di IMAX, saat Duggan dan Miller membenamkan Anda di dalam kendaraan saat mereka bergemuruh di atas bukit pasir, atau menabrak jalur jalan yang menghubungkan Benteng ke The Bullet Farm dan Gastown. Hampir setiap bagian dari Furiosa tampil mendalam dan nyata, yang mengingatkan Anda betapa istimewanya mendapatkan pengalaman seperti ini di bioskop sesekali. [Tara Bennett]

cahaya hantu

Disutradarai bersama oleh Alex Thompson dan penulis skenario Kelly O'Sullivan, Ghostlight menampilkan pasangan suami istri di kehidupan nyata dan putri mereka di antara bintang-bintangnya, sehingga menambah rasa keasliannya. Hasilnya adalah permata kecil yang dipesan lebih dahulu tentang menemukan saluran konstruktif untuk perasaan yang dalam dan tidak nyaman. Di pinggiran kota Illinois, pekerja konstruksi Dan (Keith Kupferer) dicekam oleh sembelit emosional yang membuatnya semakin terpaut dari istrinya Sharon (Tara Mallen) dan putri remaja mereka Daisy (Katherine Mallen Kupferer), yang menghadapi ancaman dikeluarkan dari sekolah karena insiden terbarunya berupa tindakan memberontak. Saat Dan membentak di tempat kerja, momen kemarahan publik yang sekilas ini menarik perhatian aktris Rita (Dolly De Leon). Merasakan sesuatu, Rita menarik Dan ke meja baca dan mengajaknya bergabung dalam produksi teater komunitas sederhana Romeo & Juliet , meskipun dia tidak terbiasa dengan teks sumber. Pada awalnya Dan langsung meremehkan, kemudian skeptis, tetapi dia mendapati dirinya tertarik kembali pada latihan grup—suatu perkembangan yang dia rahasiakan dari istri dan putrinya. Saat film diputar, trauma yang tidak dijelaskan yang menyelimuti keluarga tersebut—dan perasaan rumit dan terkadang aneh yang dimiliki ketiganya—menjadi fokus yang lebih tajam. Drama dan penyembuhan keluarga ini kemudian terjadi dengan latar belakang beberapa liku-liku menjelang malam pembukaan drama tersebut. O'Sullivan dan Thompson dengan cakap mengawasi paket teknis yang sederhana dan lugas yang menghasilkan daya tarik yang sederhana. Ketajaman film terhadap detail karakter dan perpaduan naturalistik antara humor dan kesedihan yang sederhana, ditangkap dengan baik dalam bingkai lebar oleh sinematografer Luke Dyra, mengatasi nada emosional yang sedikit meningkat dan keinginan bawaan untuk menyenangkan. Pada dasarnya, Ghostlight adalah film tentang kesedihan dan manfaat komunitas dalam memprosesnya, dan jika terlihat jelas, film ini masih cukup menusuk seperti yang ditampilkan di sini. [Brent Simon]

Perbatasan Hijau

Green Border , film terbaru dari pembuat film ulung Polandia Agnieszka Holland , merupakan seruan untuk melakukan aksi langsung. Film ini memberikan gambaran yang bernuansa, meski terkadang brutal, mengenai kondisi berbahaya yang dihadapi para migran di perbatasan Polandia-Belarusia, yang diperburuk atau diredakan oleh kekuatan militer dan aktivis yang menentang. Perbatasan khusus ini dijuluki “perbatasan hijau” karena hutan rawa lebat yang memisahkan kedua negara. Ditipu oleh kampanye curang yang diatur oleh diktator Belarus Alexander Lukashenko, para migran dari Afrika dan Timur Tengah melakukan perjalanan ke negara Eropa Timur (dan sekutu Rusia yang terkenal) setelah diyakinkan bahwa mereka akan menemukan jalan yang cepat dan aman ke Polandia, sehingga dapat mengajukan permohonan suaka di Uni Eropa. Namun ketika mereka menyeberang, patroli perbatasan Polandia hanya mengumpulkan para pengungsi kembali dan membuang mereka melalui kawat berduri kembali ke Belarus, di mana mereka dianiaya, dirampok, dan dicaci-maki sebelum didorong kembali ke Polandia dengan kekerasan. Holland mendekati materi tersebut dengan kemarahan dan fakta-fakta yang tak terbantahkan untuk mendukungnya. Dialog secara langsung menyatakan meningkatnya jumlah kematian migran di Eropa dan karakternya dibentuk melalui wawancara pra-produksi selama berjam-jam dengan pengungsi, aktivis, penduduk perbatasan Polandia, dan petugas patroli perbatasan yang tidak disebutkan namanya. Dengan menampilkan film dalam warna hitam putih yang mewah (dipandu secara ahli oleh kolaborator Tomasz Naumiuk), Green Border terasa abadi dalam pendekatannya, sekali lagi menekankan kekerasan di masa lalu dan yang sedang berlangsung terhadap mereka yang dianggap sebagai “ancaman” masyarakat. Perlakuan terhadap pengungsi Afrika dan Timur Tengah, terhadap Yahudi Eropa, terhadap warga sipil Palestina, semuanya terkait dengan sadisme yang didukung negara dan mereka yang secara membabi buta mematuhi propaganda yang bersifat reduktif. Hal yang paling menakjubkan tentang Green Border —selain komitmennya yang kuat terhadap humanisasi, didukung oleh narasi yang menggetarkan dan mengerikan—adalah bahwa hal ini tidak membiarkan siapa pun lolos. [Natalia Keogan]

Cara Berhubungan Seks

Fitur debut penulis dan sutradara Molly Manning Walker, How To Have Sex mengikuti tradisi banyak komedi seks remaja. Perbedaannya adalah How To Have Sex bersifat berpasir, realistis, dan mengangkat tema serius tentang seks dan persetujuan. Premisnya terdengar familiar: Tiga teman asal Inggris menghabiskan liburan musim panas di Yunani selama tahun terakhir sekolah menengah. Skye (Lara Peake) dan Em (Enva Lewis) sedikit lebih berpengalaman dibandingkan Tara (Mia McKenna-Bruce), yang berharap kehilangan keperawanannya dalam perjalanan ini. Pembuat film ini selaras dengan cara teman-teman remaja berperilaku satu sama lain. Cara manis mereka menjaga satu sama lain dan menunjukkan cinta mereka satu sama lain. Keluhan kecil dan permusuhan yang tidak dapat dijelaskan terkadang mempengaruhi cara mereka bereaksi satu sama lain. Persahabatan dan kehebatan. Pengabaian yang mereka rasakan ketika tidak ada orang dewasa yang hadir. Keagungan yang datang dengan alkohol. Selain itu, Manning Walker melewati garis tipis ketika persetujuan menjadi perbedaan pendapat dan keinginan menjadi penolakan. Kameranya secara sensitif mengamati wajah para aktor dan lingkungan sekitar untuk menceritakan kisah yang tidak dapat diungkapkan secara verbal oleh karakter tersebut. Mengingatkan pada Kate Winslet muda, dengan kehadiran layar hangat yang sama dan keberanian emosional, McKenna-Bruce menjadi jangkar film ini dengan penampilan yang luar biasa. Manning Walker tetap fokus pada sudut pandang Tara, sehingga penonton merasakan apa yang dia rasakan setiap saat. Dan seringkali Tara tidak yakin, dan itulah yang membuat ceritanya menarik dan film ini memikat. [Murtada Elfadl]

Ratusan Berang-berang

Seorang penjebak dadakan, Jean Kayak (rekan penulis/bintang Ryland Brickson Cole Tews), yang baru saja mencair dan sendirian di tundra, mendapati dirinya didorong kembali ke masa lalu, ke era di mana setiap aksi memiliki reaksi komedi—ke masa ketika Anda bisa melihat ujung papan dan kemudian berdiri di sana di udara, gravitasi memberi kita tenggang waktu untuk tertawa sebelum mengambil akibatnya. Komedi hitam-putih yang bebas dialog, Hundreds of Beavers , dirangkai dari bagian-bagian yang berbeda seperti The Legend of Zelda , The Gold Rush karya Charlie Chaplin , JibJabs, animasi Terry Gilliam, Guy Maddin, dan Jackass . Acme diberi nama di tengah-tengah trik berhenti mirip Méliès dan boneka Muppety, sementara estetikanya beralih dari melukiskan kekerasan luas di atas kanvas bersalju hingga berlari melalui perut gelap benteng Ekspresionis Jerman yang rumit. Itu bodoh, itu agung. Saat pertama kali salah satu makhluk berkostum maskot memakan kotoran di lanskap es, Anda akan tertawa. Dan Anda tidak akan berhenti sampai kredit bergulir. Salah satu komedi terbaik dalam beberapa tahun terakhir, Ratusan Berang-berang mungkin berisi lebih banyak lucunya daripada berang-berang. Dengan mengenali dan mendapatkan kembali metode yang digunakan pada masa-masa awal pembuatan film, eskalasi keterlaluan dari dinamika klasik perburuan pemburu oleh pembuat film Mike Cheslik menjadi perayaan DIY yang ajaib atas kebenaran universal yang abadi tentang bagaimana kita membuat satu sama lain tertawa. [Jacob Oller]

Saya Melihat TV Bersinar

Dengan fitur mereka sebelumnya, We're All Going To The World's Fair yang luar biasa , penulis-sutradara Jane Schoenbrun memetakan obsesi semacam itu dalam bentuk permainan internet yang tidak jelas dengan konsekuensi yang berpotensi berbahaya. Kali ini, Schoenbrun menjadi lebih pribadi dan lebih menghantui. I Saw The TV Glow adalah potret obsesi budaya pop yang luar biasa—bagaimana hal itu dapat menyatukan kita, mengubah kita, dan mempengaruhi seluruh hidup kita dengan cara yang membangkitkan semangat dan meresahkan. Obsesi budaya pop yang mendominasi I Saw The TV Glow adalah The Pink Opaque , sebuah drama remaja supernatural yang tayang pada Sabtu malam. Ini mengikuti dua sahabat yang disatukan dalam jarak jauh oleh koneksi psikis, yang membantu mereka melawan segala jenis monster. Owen (diperankan oleh Ian Foreman saat masih remaja dan Justice Smith saat masih duduk di bangku sekolah menengah atas) adalah seorang anak kesepian yang melihat sekilas acara tersebut saat menjelajahi saluran, dan cukup tertarik untuk mendekati superfan Maddy (Brigette Lundy-Paine) tentang The Sifat asli Pink Opaque . Visual film ini memunculkan kesan bahwa kita sedang menyaksikan dua orang terapung di lautan realitas yang membosankan dan memudar, berlayar ke sana kemari untuk mencari jaringan ikat yang akan memberi makna pada kehidupan mereka. Tentu saja, inti sebenarnya dari I Saw The TV Glow muncul saat Schoenbrun beralih ke sifat transformatif dari obsesi karakter mereka, yang mungkin membawa metamorfosis atau mungkin saja memicu episode disosiatif yang berbahaya dan mematikan. Jika Anda bersedia untuk mempelajari filmnya, dan mengikuti naluri nada-puisi Schoenbrun, Anda akan menemukan sesuatu yang ajaib. Mereka telah memetakan sebuah narasi yang sekaligus merupakan kisah tentang sebuah media yang mengubah kehidupan seseorang dan kisah tentang seseorang yang menempuh perjalanan panjang menuju jati diri mereka yang sebenarnya. [Matthew Jackson]

Ide Tentang Anda

Dibintangi oleh salah satu aktris terbaik di generasinya yang menampilkan salah satu penampilan terbaiknya, dan dipenuhi dengan semangat tulus yang akan membuat penonton bersemangat bersenandung di kursi mereka, The Idea Of You adalah salah satu komedi romantis terbaik yang pernah kami lihat di cukup lama. The Idea Of You mengikuti Solène (Anne Hathaway), seorang ibu tunggal yang mencurahkan seluruh energinya untuk membesarkan seorang putri remaja (Ella Rubin) dan menjalankan galeri seni trendi di lingkungan Silver Lake, LA. Namun Solène juga tidak segan-segan mengakui bahwa dia sedang mencari sesuatu yang lebih, rasa kepuasan yang dia harapkan dapat ditemukan dalam perjalanan berkemah solo yang dia rencanakan. Begitulah, sampai mantan suaminya yang frustasi (Reid Scott) memberikan jaminan untuk membawa putri mereka dan teman-temannya ke Coachella untuk menonton August Moon, boy band ala One Direction yang dia sukai di SMP. Solène berhadapan langsung dengan Hayes Campbell (Nicholas Galitzine), penyanyi utama August Moon yang tampan dan menawan, yang terpesona oleh rasa percaya dirinya dan kegagalan awalnya untuk mengenalinya. Ini adalah pertemuan yang menyenangkan dan lucu, yang Solène abaikan, setidaknya sampai Hayes muncul di galerinya dalam upaya untuk mengenalnya, memicu romansa angin puyuh yang akan membawa ibu tunggal berusia 40 tahun itu keliling dunia. dengan bintang pop berusia 24 tahun itu. Hathaway bersantai dalam peran yang sangat manusiawi, sangat rentan, berada tepat di kantong emosional utama cerita, dan dipenuhi dengan campuran kerinduan, keraguan, dan kegembiraan. Bahwa Galitzine dapat berbagi layar dengannya tanpa kehilangan fokus sepenuhnya adalah sebuah pencapaian, tetapi kemudian dia melangkah lebih jauh, mencocokkan ritme emosionalnya untuk beberapa karya hebatnya sendiri. Semua itu, ditambah beberapa lagu boy-band yang sangat menarik, nada komedi yang ceria, dan babak ketiga yang membuat penggemar rom-com kawakan terus menebak-nebak setidaknya sedikit, berarti The Idea Of You adalah karya baru yang sangat disambut baik di dunia. kanon rom-com. [Matthew Jackson]

Di Alam yang Penuh Kekerasan

Debut film fitur Chris Nash, In A Violent Nature , segera melibatkan penonton dalam pergeseran ekosistem pembantai, dengan protagonisnya Johnny (Ry Barrett) merangkak keluar dari lapisan lumpur dan dedaunan mati setelah percakapan yang cukup tidak berbahaya antara suara-suara tanpa tubuh . Ini seperti hutan itu sendiri yang dirasuki, mengaburkan batas antara latar dan karakter – yang semuanya merupakan ciri khas pembuatan film Nash yang tidak biasa. Latar belakang berubah menjadi latar depan, tindakan menjadi kelambanan, kekerasan menjadi ketenangan alami. Dengan pandangan yang tidak terburu-buru—yang selalu terkunci dalam sudut pandang penjahat—ada potensi untuk terasa seperti gimmick video game, namun Nash mengungkap nilai sinematik dari sudut pandang metodis ini. Segala perasaan tertipu dapat dikesampingkan oleh kontrol ketat sutradara terhadap nada dan ruang. Bidikan disusun dengan susah payah dengan pengambilan tunggal yang panjang, menyerap suara dahan yang berderit dan ranting yang patah tanpa musik yang mengganggu, membiarkan pasien yang tersebar di seluruh dunia mengganti skornya. Melalui kekerasan yang meningkat—yang berpuncak pada salah satu pembunuhan paling mengerikan yang pernah diabadikan dalam film (Anda akan mengetahuinya saat Anda melihatnya)—Nash memanfaatkan sensasi fisik murni saat menyaksikan kematian, dengan menggunakan empati tubuh yang mendalam. Dengan In A Violent Nature , Nash menciptakan sesuatu yang benar-benar baru; tersusun, dekat dan nyata. Namun kepekaan nada dan pengaturan waktu film tersebut membuktikan bahwa ia juga sangat memahami mengapa penonton selalu tertarik pada maraton darah, darah kental, dan isi perut ini. [Anna McKibbin]

Terinfestasi

Dalam Infested karya Sébastien Vanicek , seekor laba-laba eksotik yang sendirian masuk ke gedung apartemen Prancis tempat seorang pemuda yang giat (Théo Christine) dan keluarga serta teman-temannya mencoba membangun kehidupan yang lebih baik. Selama beberapa hari berikutnya, laba-laba yang sendirian itu menjadi pasukan arakhnida yang mematikan, tak kenal lelah, dan terus berkembang biak dalam sebuah film yang membuat laba-laba klasik horor Arachnophobia kehabisan uang. Apa yang dimulai sebagai fitur makhluk yang sangat menyeramkan akhirnya berubah menjadi bentrokan horor bertahan hidup selama berabad-abad, yang berpuncak pada beberapa momen brutal kemarahan berkaki delapan yang benar-benar mencengangkan. [Matthew Jackson]

Planet Janet

Bertempat di Massachusetts Barat selama musim panas yang berkabut pada tahun 1991, Janet Planet , debut sinematik dari penulis drama pemenang Pulitzer, Annie Baker, dengan indah menangkap tekstur waktu dan tempat ini melalui tatapan remaja. Meskipun drama-drama Baker melibatkan adegan-adegan yang diperluas di ruang tertutup, terjunnya dia ke dalam pembuatan film sudah terjamin secara formal, menerapkan ketertarikannya yang sudah lama ada pada dialog yang tajam namun berkelok-kelok di samping gambar-gambar 16mm yang subur. Beberapa orang mungkin menganggap gayanya membosankan secara naratif, namun penggemar karyanya yang lebih luas akan menemukan kenyamanan yang familiar—dan daya tarik yang lebih luas—dalam hal-hal kecil yang tenang yang ia sampaikan melalui seluloid. Setelah menelepon ke rumah dengan ancaman bunuh diri, Lacy yang berusia 11 tahun (pendatang baru yang mengesankan Zoe Ziegler) cukup meyakinkan ibunya, Janet (Julianne Nicholson), untuk menjemputnya dari tempat yang seharusnya menjadi kamp tidur panjang. Baru pada saat itulah Lacy menyadari bahwa kembali ke rumah mungkin bukan keputusan yang paling bijaksana, karena dia harus berbagi ruang dengan pacar ibunya saat ini, Wayne (Will Patton). Meskipun hubungan antara Lacy dan ibunya dipenuhi dengan tanda-tanda kodependensi di buku teks, Janet sangat bersemangat untuk berbagi waktunya dengan para kekasih, teman, dan penasihat spiritual, yang menyebabkan frustrasi putrinya yang tidak disembunyikan dengan baik. Janet Planet mendalami hal-hal yang mungkin biasa-biasa saja, mulai dari perjalanan Lacy yang sendirian ke dan dari pelajaran piano yang mengerikan hingga ocehan spiritual Avi yang bertele-tele. Namun Baker juga memahami bagaimana lingkungan rutin dapat ditingkatkan dengan sudut pandang anak-anak yang cerah—mal menjadi taman bermain yang rumit, sampo baru saat mandi menjadi eksperimen yang menggairahkan—ditambah lagi dengan keajaiban kabut asap musim panas. Hanya sedikit seniman yang mampu melampaui label artistik dengan begitu mudah, namun Annie Baker telah membuktikan bahwa ia memiliki bakat alami untuk bercerita dengan tenang dalam berbagai medium. [Natalia Keogan]

Jenis Kebaikan

Ada sensasi subversif pada judul asli film antologi baru Yorgos Lanthimos, “triptych fabel” Kinds Of Kindness .  Menyebut film “ Dan ” akan melanggar hampir semua aturan SEO dan pemasaran yang masuk akal; gagasan tentang hal itu terasa seperti tanggung jawab yang kurang ajar bagi para eksekutif studio dan mesin pencari di mana pun (bahkan jika itu akan menimbulkan sedikit mimpi buruk bagi siapa pun yang mencoba mencari waktu tayang). Tapi menonton Kinds Of Kindness —yang menampilkan Lanthimos bersatu kembali dengan Efthymis Filippou, rekan penulisnya di hampir semua hal selain The Favorite and Poor Things —kebijaksanaan dalam pemberian judul ulang menjadi jelas, dan daya tarik pemberontak dari nama aslinya dengan cepat terlupakan. Jika Anda pernah menonton film Lanthimos, Anda akan mengenali nada ironis yang jelas pada judul baru ini, karena belas kasih dan sikap tidak mementingkan diri sendiri sering kali tidak ada dalam dunianya yang steril. Tapi lebih dari kolaborasi Lanthimos dan Filippou yang lain, Kinds Of Kindness juga merupakan perendaman yang sangat dingin ke dalam distopia psikologis duo ini—di mana identitasnya sangat menyimpang dan emosinya sangat dingin—sehingga penekanan judul pada hubungan antarmanusia terasa sangat pas. Tiga bab Kinds Of Kindness paling  jelas dihubungkan oleh judulnya: “Kematian RMF,” “RMF Sedang Terbang,” dan “RMF Makan Sandwich,” yang semuanya merujuk pada pria pendiam dan anonim yang lebih dekat dengan menjadi a poros plot daripada karakter sebenarnya. Setiap episode juga menampilkan sekelompok aktor yang ketat: Jesse Plemons, Emma Stone, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Hong Chau, Mamoudou Athie, dan Joe Alwyn (dengan Hunter Schafer hanya muncul di bab penutup). Namun pada intinya, hal yang paling menyatukan ketiga cerita dalam film ini adalah eksplorasi umum mereka mengenai pilihan dan kontrol, penaklukan dan penyerahan. Film ini mirip dengan film Lima Bahasa Cinta —hanya di sini, “tindakan pelayanan” sukarela dikonsep ulang sebagai pengorbanan yang dilakukan untuk memenuhi tuntutan sadis dari para tiran emosional. Pada pandangan pertama, Kinds Of Kindness mungkin tampak kekurangan beberapa elemen permukaan yang paling terkait dengan karya Lanthimos: Misalnya, sinematografer Robbie Ryan sebagian besar menghentikan lensa mata ikannya di sini, setelah memutarnya secara intensif di Poor Things . Namun secara lebih mendalam, film ini terasa seperti puncak Lanthimos. Setelah beberapa tahun berkolaborasi dengan penulis lain dalam film yang lebih mudah diakses, sang sutradara bertemu kembali dengan Filippou untuk mempelajari gaya unik mereka, yang tidak pernah lebih berani atau lebih memecah belah daripada yang ada di sini. Mengikuti kisah singkat Poor Things menuju akhir yang bahagia, Kinds Of Kindnessmelihat Lanthimos kembali ke jenis filmnya, rasanya tidak pantas untuk mengatakan Anda "menikmati". Singkatnya: Orang aneh Yunani telah kembali. [Farah Cheded]

La Chimera

Masa lalu begitu dekat sehingga Anda hampir bisa menyentuhnya dalam perburuan harta karun romantis Alice Rohrwacher, La Chimera . Terletak di ruang terbatas antara hidup dan mati, lebih dikenal sebagai pedesaan Italia, narasi Rohwacher yang digali dengan cermat mengungkap meditasi yang lucu dan sangat memuaskan tentang kehilangan dan harapan. Kami bertemu Arthur (Josh O'Connor) dalam mimpi. Dari sudut pandang orang pertama, dia mengagumi wajah wanita yang dia cintai, hilang, dan sangat ingin ditemukan kembali, Beniamina (Yile Yara Vianello). Dia menghantui Arthur dari luar genggamannya, meninggalkan benang merah dari masa lalu yang ingin dia tarik. Untungnya, itulah yang terbaik yang dilakukan Arthur. Pencarian utama Arthur adalah mencari cawan suci jenis lain. Kembali ke Italia dengan harapan dapat berhubungan kembali dengan Beniamina dan melunasi utangnya, Arthur dengan enggan bergabung kembali dengan geng lamanya, tomaroli Italia, atau penjarah makam. Mereka mencari barang-barang berharga yang ditemukan di halaman belakang rumah mereka, sebagian besar dibantu oleh— ahem— hubungan supernatural Arthur dengan ruang bawah tanah Tuscany dahulu kala. Suku tombaroli hidup di antara reruntuhan, menyebut gubuk-gubuk bobrok tanpa pemanas, perabotan, atau bahkan lantai sebagai rumah mereka. Pada tahap ini, dalam setelan linen putih yang membusuk tempat ia dilahirkan, Arthur mulai menyerupai relik yang ia buru. Dia menemukan makam pertamanya di rumah Beniamina, tempat ibunya, Flora (Isabella Rosellini yang dengan mudah menghibur), tinggal. Dengan tepi membulat mengingatkan kita pada fotografi 16 mm, film ini memiliki kesan masa lalu, seolah-olah kita sedang melihat sesuatu yang terungkap dari masa lalu. Ditulis bersama Carmela Covino, yang berkontribusi pada Happy As Lazzaro karya Rohwacher dan film pendeknya yang dinominasikan Oscar, Le Pupille , dan Marco Pettenello, naskah Rohwacher menyembunyikan kejutan di balik setiap barisnya, mengungkap elemen masa lalu Arthur dan mengontekstualisasikan ulang masa kininya. La Chimera, sebuah sajian formal yang penuh kejutan, memikat penonton dengan ruang-ruangnya yang membusuk dan pertunjukannya yang semarak. [Matt Schimkowitz]

Manusia Monyet

Dev Patel mengerjakan pekerjaan rumahnya. Namun mengetahui pengaruh Anda adalah satu hal, dan mempraktikkannya di layar tanpa kehilangan suara tunggal Anda adalah satu hal. Terlepas dari banyaknya kemenangan yang diraihnya—dan Monkey Man adalah film yang sarat dengan kemenangan dari momen ke momen—film Patel mungkin meraih kesuksesan terbesarnya karena mampu menerjemahkan kecintaan sutradara yang murni dan kinetik terhadap sinema menjadi sesuatu yang mulus dan kuat. berani, baru, dan tak terlupakan. Patel berperan sebagai Kid, seorang pemuda kumuh yang tinggal di daerah kumuh di India. Kid mempunyai luka, baik mental maupun fisik, yang tidak akan pernah hilang, setidaknya sampai dia akhirnya berusaha sekuat tenaga untuk menarik pelatuk dan membalas dendam pada orang-orang yang bertanggung jawab atas rasa sakitnya. Dalam rangkaian aksi Monkey Man yang banyak, pemirsa akan melihat semuanya mulai dari Taxi Driver hingga The Big Boss hingga The Raid hingga The Villainess , dan masih banyak lagi, semuanya dibawakan dengan energi yang tak terkendali dan hiruk pikuk oleh Patel dan sinematografer Sharone Meir. Tapi Patel tidak hanya merangkai referensi, dia juga tidak mengikuti semua aturan yang mungkin diajarkan kepadanya oleh menonton film aksi seumur hidup. Terlepas dari semua darah dan kebrutalan—dan ada banyak sekali , semuanya dibuat dengan ahli— Manusia Monyet berada dalam kondisi paling kuat saat ia tenang. Kid bukan hanya seorang pejuang yang menanggung rasa sakit selama puluhan tahun, tetapi seorang pria yang mencoba menemukan cara untuk menenangkan pikirannya yang gelisah dan menenangkan hatinya yang sakit. Patel menyelami lebih dalam metafora cerita yang ia ceritakan daripada yang disarankan oleh cerita aksi, menyatukan Kid tidak hanya dengan orang miskin, tapi juga dengan orang-orang buangan yang berani menempuh jalan mereka sendiri dalam masyarakat yang terus mendorong mereka mundur. Hal ini mengilhami film dengan rasa kebersamaan dan menambah nuansa mistis dengan cara yang tidak pernah bisa dilakukan oleh perjalanan Kid sebagai seorang penyendiri. Monkey Man adalah kemenangan sebuah film yang berotot, emosional, dan ganas, dan ketika film itu selesai, Anda pasti ingin kembali masuk dan menontonnya lagi. [Matthew Jackson]

Orion Dan Kegelapan 

Gagasan tentang fitur animasi untuk anak-anak yang ditulis oleh Charlie Kaufman, penulis film metafisik boneka bersarang yang penuh kecemasan seperti Eternal Sunshine Of The Spotless Mind , terdengar sama mustahilnya dengan film Disney berperingkat G yang disutradarai oleh David Lynch, atau Nine Vokalis Inch Nails, Trent Reznor, menggubah musik Pixar. Namun hal-hal itu benar-benar terjadi, dan banyak sekali yang memujinya, dan sekarang, hal yang sama juga terjadi. Orion And The Dark mungkin tidak terlihat seperti film Charlie Kaufman mana pun hingga saat ini, tetapi film ini mencerminkan kepribadiannya. Meskipun hal ini mungkin terlalu berlebihan bagi anak-anak yang paling kecil, namun bagi anak-anak berusia 11 tahun seperti yang digambarkan dalam cerita ini, hal ini mungkin akan berdampak baik jika mereka tidak meremehkan kecerdasan mereka. Di sini, ia mengambil buku tebal anak-anak, yang dirancang untuk membantu anak usia 4 tahun mengatasi ketakutan mereka terhadap kegelapan, dan menjadikannya tentang ketakutan eksistensial, tepat pada usia dimana sebagian besar anak mulai mengalami hal seperti itu tanpa harus memiliki nama untuknya. dia. Sutradara Sean Charmatz ( Trolls: Holiday In Harmony ) menjaga visualnya tetap ramah anak-anak, namun dia juga menjaga suara Kaufman tetap dikenali sepanjang film. Dan meskipun Orion And The Dark tampak seperti sebuah film keluarga, film ini memberikan beberapa perubahan serius dalam perjalanan menuju resolusi yang penuh kasih namun menghancurkan secara emosional. Akankah anak-anak menikmatinya? Anggap saja referensi ke David Foster Wallace, Saul Bass, dan Werner Herzog (bermain sendiri) mungkin bukan untuk mereka—tetapi sangat berarti bagi Anda. Buku aslinya memerlukan penilaian orang tua mengenai apakah anak mereka yang berusia 4 tahun siap menghadapi ketakutan akan kegelapan; film ini mengharuskan seseorang mengenai kemampuan anak-anak mereka yang berusia 11 tahun untuk menghadapi ketakutan akan kematian, perundungan, kiamat iklim, dan segala hal lain yang dapat mereka pikirkan... dan seterusnya. [Luke Y.Thompson]

Joker Rakyat

Penuh dengan kreativitas DIY, orang awam mungkin berpikir The People's Joker hanyalah sebuah proyek penggemar yang dipelopori oleh pencipta yang terpinggirkan. Namun, pembuat film Vera Drew, dengan rekan penulis Bri LeRose, menggunakan garis besar Joker tahun 2019 sebagai batu loncatan untuk mengeksplorasi pengalamannya sendiri dengan ruang-ruang industri komedi yang terkalsifikasi, bagaimana individu-individu yang merugikan saling menyakiti karena rasa malu dan ketidaktahuan. dan perjuangannya menemukan identitas transgendernya. Secara retrospektif menceritakan kisahnya dari awal pedesaan yang sederhana sebagai seorang anak di Smallville, Joker the Harlequin (Vera Drew) membimbing kita melewati masa dewasa muda di mana ibunya (Lynn Downey) memberinya rejimen obat antidepresan Smylex, dan ketenaran komedi adalah sebuah jalan untuk melarikan diri di panggung UCB Live , pengiriman yang tidak kentara dari Brigade Warga Tegak, SNL , dan pembawa acaranya Lorne Michaels (faksimili animasi yang menggapai-gapai yang disuarakan oleh Maria Bamford). Diambil seluruhnya di layar hijau, The People's Joker memiliki estetika buatan yang bangga dan menolak gagasan konvensional tentang konsistensi. Karakter yang dianimasikan dalam 3D dan stop-motion atau sebagai boneka berinteraksi dengan pemeran manusia, terkadang dengan kehati-hatian yang disengaja dalam konstruksinya, di lain waktu dengan kecerobohan post-punk yang disengaja. Beberapa adegan sepenuhnya dianimasikan dalam 2D, tidak hanya untuk aksi tinggi namun juga untuk momen yang sangat intim, menandakan pilihan kreatif ini tidak dimaksudkan semata-mata untuk menghemat anggaran. Ini adalah estetika kacau yang terlihat koheren karena sangat kacau. Di satu sisi, hal ini secara langsung mengecam mekanisme artifisial yang digunakan oleh film blockbuster berbiaya besar untuk menceritakan kisah mereka, namun hal ini juga memberikan jalan untuk penceritaan yang sangat pribadi dalam kerangka mitologi budaya kita bersama. Joker Rakyat adalah khayalan yang dibangun dari konflik dan kontradiksi, tapi kita semua juga demikian. Kumpulan pengalaman manusia yang kita susun secara universal berantakan, dan jika ada satu hal yang tampaknya ingin disampaikan oleh Drew kepada kita, maka kita harus menikmati paradoks tersebut. Maka kita tidak perlu lagi melukis senyuman. Kami hanya bisa bahagia. [Leigh Monson]

Robot Mimpi

Pembuat film eklektik asal Spanyol Pablo Berger pernah membuat film bisu sebelumnya, namun belum pernah ada yang seperti Robot Dreams . Sebuah iklan pariwisata di New York untuk siapa saja yang berpikir WALL-E terjual habis ke Big Talkie setelah melanggar janji diamnya, Robot Dreams mengomunikasikan rasa sakit, kesakitan, dan kegembiraan dari persahabatan yang tertunda tanpa dialog sepatah kata pun. Meskipun karakternya yang dirancang secara minimal tidak berbicara, inti dari impian Robot ini mempersulit tur Berger di New York, yang dipenuhi dengan lanskap suara perkotaan yang autentik dan populasi hewan antropomorfik serta teman robotnya. Dibuka di Jembatan Queensboro di bawah senja biru tua, Robot Dreams memperkenalkan kita pada Dog, seekor anjing kampung kesepian yang hidup di tahun 80-an dan menghabiskan satu malam lagi bersama Atari serta mac dan keju beku. Setelah memukuli dirinya sendiri di Pong (lagi), Dog akhirnya menyadari kesepiannya memukuli dirinya sendiri di Pong (lagi). Jadi, atas perintah infomersial yang waktunya tepat, dia memesan teman baru: Robot. Dengan jentikan leher, Robot mulai hidup seperti PC era Reagan yang memuat DOS, dan tiba-tiba, kehidupan Dog memiliki tujuan. Kekuatan Robot Dreams ada pada Robot and Dog, yang menyerupai bayangan animasi Abbott dan Costello atau Laurel dan Hardy. Dengan mengingat arketipe tersebut, Berger menyoroti perbedaan mereka untuk komunikasi maksimal. Anjing bersifat pragmatis dan berhati-hati, sadar akan konsekuensi pelanggaran sosial, dan menanggung akibatnya. Robot lebih berpikiran terbuka dan siap menyambut setiap petualangan baru dengan senyuman dan lambaian tangan. Namun dalam perpisahan mereka, mereka merasa sulit berhubungan dengan orang-orang di sekitar mereka. Dengan Robot Dreams , Berger juga menciptakan Kota New York yang secara estetis lembut namun mengeras secara emosional. Beroperasi di bawah keyakinan bahwa hanya ada sedikit orang yang bisa mengendalikan kota sebesar itu, Berger membiarkan filmnya mengambil penerbangan mewah yang berputar kembali ke persahabatan. Bagaimana kota yang dipenuhi orang bisa merasa begitu kesepian? Tanpa mengucapkan sepatah kata pun, Robot Dreams punya jawabannya. [Matt Schimkowitz]

Gerakan berhenti

Aisling Franciosi membintangi kisah mengerikan dan tidak nyaman ini sebagai animator stop-motion yang mendapati dirinya terhanyut dalam ide baru untuk sebuah film sedemikian rupa sehingga menjadi mengasingkan, menakutkan, dan pada akhirnya berbahaya. Janji untuk menjelajahi ruang horor melalui animasi stop-motion adalah alasan yang cukup untuk menonton film Robert Morgan, namun penampilan Franciosi yang kuat mendorong Stopmotion melampaui gimmick dan memasuki dunia teror emosional yang benar-benar mengerikan, ketika seni dan seniman bergabung menjadi sesuatu yang baru, penuh kekerasan. , dan tak terlupakan. [Matthew Jackson]

Thelma

Seberapa sering sebuah film muncul sehingga Anda dapat dengan nyaman merekomendasikannya kepada semua orang dalam hidup Anda? Tidak cukup sering. Oleh karena itu saja, Thelma patut dirayakan. Itu bukan hanya karena premis aksi-spoof yang lucu atau pemeran multigenerasi, meskipun keduanya patut dipuji. Thelma hanyalah sebuah film yang menyenangkan dengan protagonis menawan yang pasti Anda dukung. Dalam hal ini membantu bahwa protagonis dimainkan oleh June Squibb yang gigih ( Nebraska , dan masih banyak lagi ). Pada usia 93 tahun, dia dengan cakap mempertahankan peran utama film ini dalam peran utama, dengan sedikit bantuan dari mendiang Richard Roundtree (Shaft sendiri) sebagai teman lamanya dan sahabat karibnya yang bertualang, Ben. Sangat menyenangkan menghabiskan waktu bersama karakter-karakter penuh semangat ini saat mereka melintasi Lembah San Fernando dengan skuter bermotor dalam pencarian aneh untuk melacak pencuri yang menipu $10.000 dari Thelma melalui telepon. Pembuat film pertama kali Josh Margolin—yang menulis, menyutradarai, dan mengedit film tersebut—mengatakan bahwa dia mendasarkan karakter Thelma pada neneknya sendiri. Ada banyak sentuhan kecil yang menambah dimensi pada karakter, seperti lelucon di mana Thelma terus berpikir dia mengenali orang asing secara acak, atau Ben berperan sebagai Daddy Warbucks dalam produksi senior Annie , atau momen yang tidak dimainkan. tertawa, seperti ketika mereka membicarakan tentang semua orang yang mereka kenal yang telah meninggal. Margolin dengan bijak menghindari para aktor dalam adegan ini. Dia hanya memberi mereka ruang dan membiarkan mereka memasak. Di satu sisi, Thelma adalah twist yang menyenangkan dan lucu pada genre aksi. Ini adalah perjalanan menghibur yang berlangsung sekitar 90 menit atau lebih. Jika hanya itu yang Anda ambil darinya, tidak apa-apa. Namun, pada tingkat yang lebih dalam, ada beberapa hal penting yang dapat disampaikan tentang tahap akhir kehidupan. Ini mungkin membuat Anda memikirkan kata-kata seperti “martabat” dan “kesopanan.” Ini meminta Anda untuk menghargai betapa sulitnya mempertahankan perasaan diri Anda ketika tubuh dan pikiran Anda mulai menjauh. Ini mendorong Anda untuk memandang orang yang lebih tua di sekitar Anda dengan hormat. Apa pun cara Anda mendekati film ini, film ini akan menjadi tontonan musim panas yang bagus untuk penonton dari segala usia. [Cindy Putih]

Kami Tumbuh Sekarang

Dari bidikan pertamanya, We Grown Now karya Minhal Baig yang ahli memikat Anda. Sebuah gambar diam dari sebuah lorong kosong (seperti yang kita pelajari, di proyek perumahan Cabrini-Green di Chicago) mengundang Anda untuk menemukannya, untuk membiarkan banyak kehidupan yang ada di dalamnya melayang melalui Anda. Kami mendengar gesekan. Kami mendengar sepatu kets berdecit. Kami mendengar, dan segera melihat, dua anak. Mereka membawa kasur. Ada rasa keingintahuan yang tidak tergesa-gesa yang dibangkitkan oleh gambaran ini, oleh tindakan ini. Dan seiring berjalannya waktu, fitur terbaru Baig semakin memantapkan dirinya sebagai permata indah dari sebuah film dengan nuansa tempat yang berbeda dan mengasyikkan. Saat itu tahun 1992 dan dua anak laki-laki yang pertama kali kita temui di urutan pembukaan itu adalah sahabat Malik dan Eric (Blake Cameron James dan Gian Knight Ramirez), dua anak laki-laki kulit hitam yang telah belajar bagaimana menjadikan Cabrini-Green sebuah ruang imajinasi yang luas untuk berkembang pesat. Kasur yang dengan susah payah mereka bawa menuruni beberapa set tangga dan kemudian melintasi area terbuka beraspal sebelum mereka menatanya di samping beberapa kasur lain yang sudah dibuang, segera menjadi cara lain bagi mereka untuk melompat—terbang ke masa kanak-kanak tanpa rasa bersalah yang tanpa sadar mereka hargai. Kepolosan seperti itu adalah prinsip panduan We Grown Now, yang judulnya jelas-jelas mengarahkan kita ke mana film ini akan berakhir, pada saat Malik dan Eric harus mengucapkan selamat tinggal. Sepanjang cerita, kami menyaksikan kedua anak laki-laki ini dan keluarga mereka menilai dunia yang selalu berubah di sekitar mereka: ibu tunggal Malik (Jurnee Smollett yang penuh perasaan) berjuang untuk mendapatkan promosi dan dianggap serius di tempat kerja, pekerjaan yang hampir tidak bisa menutupi biaya hidup mereka. Ayah tunggal Eric (Lil Rel Howery yang rendah hati) masih berduka, tidak yakin bagaimana cara terbaik untuk mengendalikan putra kecilnya yang nakal. Mungkin yang mereka perlukan adalah jalan keluarnya. Namun jika mereka meninggalkan Calibri-Green, apa artinya bagi kehidupan yang mereka jalani di sana? Menjawab pertanyaan-pertanyaan tersebut—dan pertanyaan yang lebih luas mengenai perumahan publik, kepolisian yang brutal, rasisme, dan perencanaan kota—film Baig adalah sebuah meditasi lembut tentang apa yang kita buat dengan apa yang kita miliki dan tentang imajinasi yang diperlukan untuk mengukir jalan baru ke depan. [Manuel Betancourt]