L'histoire de Zep Origin

Dix mille dollars par spectacle ! Ça sonne bien gras, n'est-ce pas ? Et gardez à l'esprit que cette chanson est sortie il y a cinquante ans, de sorte que dix G ressemblent plus à 75 G de nos jours. Même divisé en quatre, bon travail si vous pouvez l'obtenir. Mais 10 G par nuit, c'était des cacahuètes pour The G.

Alors que Led Zeppelin se déchaînait à travers l'Amérique au début des années 70, Peter Grant obtenait régulièrement 100, 200, 300 Gs par nuit, parfois plus pour ses garçons. Ils ont obtenu 90% de la prise, et si les promoteurs n'aimaient pas ça, eh bien, ils pourraient tout simplement baiser.

Ses amis et sa famille l'appelaient The G, parfois Big G. Et c'était un G, d'accord, un OG… L'original Gangsta Peter Grant est né en 1935, près d'une décennie avant l'aîné de ses jeunes protégés, le bébé de guerre Jimmy Page.

Le G a été élevé dans des circonstances modestes - maman était secrétaire, papa n'était pas là. Il était l'un des milliers d'enfants britanniques évacués du Grand Londres pendant la guerre, à la campagne pour les protéger des bombardiers allemands. Peut-être que The G a été marqué par l'expérience, qui sait. Il ne parlait pas beaucoup de son enfance. Ce qui est facile à établir, c'est que Peter Grant a grandi rapidement, dur et autonome. À 15 ans, Big G était sorti de l'école, tout seul, un dur à cuire du quartier travaillant dans un atelier de tôlerie.

C'était un grand enfant, qui est devenu un grand adulte. Et comme une sorte de Paul Bunyan britannique, il grossit à chaque récit.

La légende souvent répétée est que le G a dépassé 6 pieds 5 pouces et a fait pencher la balance à 300 livres. En réalité, il mesurait probablement plus 6 pieds 2 pouces et son poids fluctuait de haut en bas tout au long de sa vie d'adulte. Dans certaines séquences d'interview, il a l'air décharné, comme une grosse personne qui a suivi trop de régimes d'urgence.

Quelle que soit sa taille réelle, The G n'était personne avec qui jouer. Il était peut-être un décrocheur du collège, mais Peter Grant était vif d'esprit et adroit de la langue, avec une maîtrise en Scuffle-ologie.

Le café-bar 2i's à Soho a fermé définitivement en 1970. Il a bien fonctionné - près de 15 ans en tant que lieu musical branché, l'un de ces petits endroits sympas pour attraper une star en plein essor… ou voir un artiste établi débarquer sur un Mardi soir pour un jam improvisé. Au chapitre 7, lorsque nous avons présenté les Beatles, nous avons un peu parlé de Soho en général et des 2i en particulier. Peter Grant a travaillé à la porte du Two i's au début des années 60.

Il a appris à connaître les musiciens de la scène, et il a appris quelque chose que tout bon videur sait : si l'on est suffisamment intimidant, si l'on cultive un certain ton de menace, alors la violence réelle est rarement nécessaire. Peter Grant a développé et affiné sa redoutable aura "I Will Brook No Bullshit" ici. C'était tout aussi efficace - sinon plus - que ses bras épais et ses mains rapides et fortes.

Des gars du comté de Surrey qui s'appelaient les Teens de Nashville. Ils ont eu leur seul et unique hit en 1962 avec cette reprise rock de "Tobacco Road". Coupe décente. Il a été écrit par l'auteur-compositeur country John Loudermilk, qui a repris le titre du roman tragi-comique d'Erskine Caldwell sur la Géorgie blanche.

Nous en avons déjà parlé - les enfants britanniques de la fin des années 50 et du début des années 60 étaient des fous de la culture et de la musique américaines. Nous apprécions énormément cela – c'est comme ça que nous avons eu les Beatles – mais nous ne le comprenons pas complètement… Quoi qu'il en soit, les Nashville Teens ont été le premier acte géré par Peter Grant. On soupçonne qu'ils ont rapporté moins de 10 000 dollars par spectacle.

À partir de là, la tournée G a géré de nombreux autres groupes, y compris des personnalités de premier plan, comme Chuck Berry et Little Richard. Au cours des cinq années suivantes, il a construit sa réputation redoutable et a appris son chemin à travers l'Amérique. En 1967, le Musician's Grapevine de Londres l'a dit haut et fort : Peter Grant s'occupe de ses garçons. Faites le tour de l'Amérique avec The G et vous serez payé.

De plus, PERSONNE ne va baiser avec vous.

112 livres anglaises. Environ 300 dollars américains. C'est ce que chacun des Yardbirds a rapporté pour l'intégralité de leur tournée américaine à l'été 1966. Cette itération des Yardbirds comportait une véritable puissance de feu à six cordes, Jimmy Page et Jeff Beck partageant les fonctions de guitare principale. Ils ont ouvert pour les Rolling Stones sur une étape de la tournée. Partout où ils allaient, les enfants devenaient fous. Mais le salaire était une petite monnaie. D'une mer à l'autre, les Yardbirds ont travaillé.

Jeff Beck est tombé gravement malade et est parti au milieu de la tournée. Jimmy Page a tenu le coup. De son propre aveu, la vie de tournée était alors encore nouvelle pour lui, il avait encore des étoiles plein les yeux.

Lors de cette tournée décevante et sous-payée des Yardbirds, sa première fois en Amérique, Jimmy Page a remarqué quelque chose. Ces gosses là-bas en Amérique… ne se promenaient pas, se faisaient écraser et criaient des conversations par-dessus le vacarme du groupe. Ils n'ont pas été pris en essayant de regarder et d'agir cool. Ils étaient penchés en avant et attentifs.

"Ils étaient un public attentif", a déclaré Jimmy des années plus tard dans une interview à un magazine. Un public à l'écoute. Un public plus large et mieux payé aussi. Tant que vous aviez quelqu'un d'assez intelligent et d'assez dur à collectionner.

Puis, au début de 1967, Jimmy a vu ses potes Eric Clapton et Pete Townshend emmener leurs groupes - Cream et The Who - aux États-Unis et faire le ménage. Dans le pays du survol, les enfants ont trouvé ces rockeurs britanniques exotiques et fascinants. Les salles étaient bondées et les fans étaient là pour la musique.

Ça bat la merde de jouer devant quelques douzaines de Londoniens blasés et ivres de pisse.

Vous pouviez aussi jouer selon vos propres termes : prolonger les concerts, allonger les chansons… et ce n'était pas des trucs flasques, hippie-dippie. Les enfants ont creusé cette esthétique psychédélique : longs jams, spectacles de lumière… et ils l'ont particulièrement creusée lorsque Cream et The Who l'ont renforcée avec du British Steel.

Ils ont été aidés et encouragés par certaines avancées technologiques clés. Les systèmes audio ont fait un énorme bond en avant à la fin des années 60. Maintenant, vous aviez un monitoring sur scène, des amplis de puissance et des systèmes de haut-parleurs qui étaient à la hauteur d'un Rock Show explosif de plusieurs heures.

Aux Fillmores - est et ouest - le Shrine à Los Angeles, la Grande Ballroom à Detroit, le Spectrum à Philadelphie… et une centaine de salles universitaires différentes, des promoteurs comme Bill Graham et Frank Barsalona créaient le concert de rock moderne. Et Zep, Deep Purple et Black Sabbath étaient tous là, exactement au bon endroit au bon moment.

C'est ce que ces groupes phares de heavy rock ont ​​en commun : ils ont fait leurs preuves en tournée en Amérique. Ils avaient autre chose en commun. Nous y reviendrons dans un instant.

Les enfants américains l'ont mangé. J'en ai mangé de plus en plus au début des années 70. Ils ne voulaient pas de tubes de deux minutes et demie synchronisés avec un groupe de chewing-gum. Ils voulaient un Rock Show percutant, une expérience immersive de longue durée.

Ainsi, toute discussion sur les origines du Prog, du Metal et du Heavy Rock doit inclure Vanilla Fudge. Vanilla Fudge n'a jamais eu de single à succès ou d'album à succès, mais ils étaient tout de même un gros problème. Parce qu'ils étaient absolument féroces en concert. Fudge a joué vite et physiquement et LOUD, poussé par la section rythmique puissante et précise de Tim Bogert à la basse et Carmine Appice à la batterie.

Le truc de Fudge était de prendre des hits pop comme The Supremes "You Keep Me Hangin' On" et de les prolonger dans de longs jams live. Beaucoup de dynamique de construction et de sortie, de gros refrains, des duels épiques de clavier et de guitare. Cream and the Who, Zep, Purple, Sabbath… toute cette classe de première année de hard rockers britanniques, ils ont tous croisé le chemin de Fudge sur la route en Amérique, et ils ont tous prêté une attention particulière.

Ritchie Blackmore a déclaré que les premiers Deep Purple étaient essentiellement Vanilla Fudge avec un crieur pour un leader. Jeff Beck vient de se lever et a décroché Bogert et Appice pour jouer de la basse et de la batterie pour l'un de ses projets. Jimmy Page aimait leur dynamique, le fort et le doux, le décomposant et le reconstruisant à nouveau.

"Ombre et lumière" était la façon dont il aimait le décrire.

Mais ça pourrait être difficile de tourner en Amérique. Jimmy a appris cela à la dure la première fois. Pour que ça paye, il fallait quelqu'un. Quelqu'un de loyal et de dur, prêt à se bagarrer et à s'en prendre à lui.

Poli, de petite taille et à la voix douce, Jimmy Page était un enfant unique adoré, un enfant d'une école d'art de la banlieue verdoyante de Surrey. Brillant et motivé, un leader naturel… mais Jimmy n'était pas un dur à cuire. Les Yardbirds étaient désormais son groupe. S'il voulait les ramener en Amérique et le faire payer, il avait besoin de quelqu'un.

Entrez dans The G. L'imposant Monsieur Peter Grant.

Après que Jeff Beck se soit retiré – ou ait été renvoyé, cela dépend de qui vous croyez… dans le remaniement qui a suivi, G est devenu directeur de tournée pour les Yardbirds.

Ils étaient des amis improbables, Jimmy et The G, mais ils se sont tout de suite entendus. Peut-être chacun voyait-il dans les autres qualités qu'il lui manquait. Très tôt, Peter Grant a établi les paramètres de leur relation : tu t'occupes de la musique, je m'occupe de tout le reste.

Et il l'a fait.

Cette itération Jimmy Page des Yardbirds – la version finale – était un groupe en déclin commercial. Il n'y avait pas de singles à succès. Ils ont fait deux albums et aucun n'a fait sensation. Mais ils étaient un groupe live fort, et il y avait l'Amérique. Avec Peter Grant à la tête des choses, les Yardbirds ont sillonné les États-Unis tout au long de 67 et jusqu'en 68. Cette fois, ils n'ont pas laissé d'argent sur la table.

Enfin de retour à Londres, leurs comptes bancaires débordaient, mais ce n'était pas suffisant. Au début de l'été 1968, les Yardbirds se sont effondrés pour de bon. Mais Jimmy Page a obtenu son manoir de Surrey juste à ce moment-là. Pangbourne, un hangar à bateaux transformé en un manoir de campagne de trois étages sur les rives de la Tamise.

Comté de Surrey, au sud et à l'ouest de Londres, lieu de naissance d'Eric Clapton, Jimmy Page et Jeff Beck.

Le vieil ami John Paul Jones a été poussé par sa femme Maureen. Mo a entendu que Jimmy formait un groupe et a dit à son mari de prendre le téléphone.

Des concerts étaient prévus. Les Yardbirds étaient contractuellement obligés de faire une tournée en Europe cet automne. C'était donc à Jimmy d'assembler quelque chose et de l'emporter sur la route. Les nouveaux Yardbirds.

La recherche d'un chanteur a commencé.

Terry Reid, un crieur de blues sur la scène des clubs, était le premier choix de Jimmy Page pour un leader, mais Reid a transmis l'offre. Il a mentionné le nom d'un jeune des Midlands, Robert Plant. Allez le voir, il est spécial. Donc, avec le Big G au volant, Jimmy a fait un tour vers le nord pour entendre le gamin chanter.

G pensait que le grand garçon de 21 ans à tête de vadrouille était un roadie lorsqu'ils sont entrés pour la première fois. Lorsque le groupe a commencé son set, Peter pensait qu'ils étaient plutôt bons, mais Jimmy n'y a pas prêté attention. Mais ce chanteur, mec. Quelques chansons plus tard, Page savait qu'il avait trouvé son homme.

Grand et beau, une présence naturelle engageante sur scène… et Robert Plant pourrait aller d'Elvis Croon jusqu'à Arena Rock Wail et revenir en l'espace d'un seul couplet.

Page a rattrapé Plant après le spectacle et l'a invité à Pangbourne pour une interview-slash-audition.

Robert a apporté un album de Joan Baez avec lui. Il adorait sa version de "Babe I'm Gonna Leave You", écrite par Anne Bredon. Sur l'album, il a été incorrectement crédité comme "Traditionnel, arrangé par Joan Baez". Plant voulait que Page l'entende, partage ses pensées. Jimmy connaissait bien la chanson; en fait, il préparait son propre arrangement depuis un moment déjà.

Le but de la visite, bien sûr, était de partager de la musique, d'établir une compatibilité en son sein et, espérons-le, d'établir une amitié, et à cette fin, "Babe, I'm Gonna Leave You" s'est avéré être le lien clé.

Jimmy, lui aussi, adorait la chanson et avait l'intention de la jouer à Robert, un accord symbiotique qui a aidé Robert à passer cette audition – si c'était ce dont il s'agissait – avec brio.

C'est tiré de "No Quarter", la biographie de Jimmy Page de Martin Power en 2016.

Page et Plant partageaient également un amour féroce pour ce Chicago Blues amplifié et au son dur. Ce son de Chess Records. Nous en avons beaucoup parlé dans nos premiers chapitres.

Peut-être cherchait-il à se faire plaisir auprès de son nouvel ami, ou cherchait-il un allié dans ce nouveau groupe sur le point d'être… ou un peu des deux. Plant a recommandé John Bonham, un ancien membre du groupe. Bonzo s'était fait un petit nom dans les Midlands. Meilleur batteur du circuit.

Maintenant, Jimmy Page était un joueur de session vétéran. En tant que tel, il connaissait beaucoup d'excellents batteurs. Il avait des gens en tête, mais Plant l'a poussé. Avant de passer des appels, allez voir ce gars de Bonham.

Alors Page et The G ont fait un autre tour vers le nord.

Voici à nouveau Martin Power :

Véritable explosion d'un homme, qui pouvait être entendu à plusieurs rues de là sans l'aide d'un système de sonorisation, John dominait son kit Ludwig d'une manière que Jimmy n'avait jamais vue auparavant…

Au cours des jours suivants, Jimmy et Peter Grant poursuivaient John Bonham comme un amant fou. Lorsqu'ils ont découvert que le batteur n'avait pas de téléphone à la maison, une trentaine de télégrammes ont été envoyés à son pub local… dans le but de le séduire dans le groupe.

Ils se sont réunis à Pangbourne pour répéter en tant que New Yardbirds. Ils ont commencé à préparer un set pour jouer en Europe.

Lorsque nous avons lancé Rock N Roll Archaeology, nous nous sommes dit et nous vous l'avons dit : nous ajusterons nos points de vue au fur et à mesure que de nouvelles preuves seront présentées. Et nous avons essayé, nous avons vraiment réussi.

Alors : choisissons un sujet problématique et discutons-en. L'appropriation culturelle est à l'ordre du jour aujourd'hui.

Appropriation culturelle : l'adoption non reconnue ou inappropriée des coutumes, pratiques et idées... d'un peuple ou d'une société par les membres d'un autre peuple ou d'une société - généralement plus dominant.

C'est la définition du dictionnaire Oxford de l'appropriation culturelle. C'est aussi une assez bonne définition du Rock N Roll. Dès le début, le Rock N Roll a été injustement et outrageusement approprié par la culture blanche dominante à une minorité noire opprimée.

Détendez-vous, calmez-vous. Nous ne disons PAS que vous n'appréciez pas la musique rock parce qu'elle a été appropriée. Nous ne vous disons pas ce qu'il faut aimer. Ou ce qu'il ne faut pas aimer. Nous ne cherchons pas à annuler ou à censurer QUICONQUE, N'IMPORTE OÙ, À TOUT MOMENT.

Débarrassez-vous de cette merde. Ce n'est pas le point ou le but ici. Nous pensons simplement que c'est évidemment vrai, et cela n'a aucun sens de prétendre le contraire.

Et d'ailleurs, il n'y a pas que la musique rock dont nous parlons ici.

Pendant une grande partie du siècle dernier… une grande partie de ce que l'Amérique a vendu au monde comme un caractère uniquement américain - musique, danse, mode, humour, spiritualité, politique populaire, argot, littérature et sports - était uniquement d'origine afro-américaine, conception , et l'inspiration.

C'est Greg Tate, un fils de Harlem et un formidable écrivain et critique culturel. C'est tiré de l'essai du titre d'un livre intitulé "Tout sauf le fardeau".

Maintenant, si vous vous sentez un peu sur la défensive en ce moment, ne réagissez pas, écoutez plutôt… et restez assis avec ce sentiment une minute et essayez de comprendre.

Vous n'avez pas à arrêter d'aimer ce que vous aimez. Vous n'avez pas à donner votre collection de disques ou quelque chose comme ça. Essayez simplement de comprendre et de reconnaître. Quand c'est reconnu, quand vous donnez les accessoires et partagez la richesse, alors ça commence à s'éloigner de quelque chose d'injuste… et ça commence à devenir quelque chose de plus bénin.

Cela commence à devenir : Hommage. Influence. Hommage. Apprendre et s'appuyer sur le travail de ceux qui nous ont précédés. Personne n'a de problème avec CELA.

Bien. Revenons maintenant à Londres et parlons de l'un des plus notoires - et des plus brillants - s'appropriant la culture de toute l'histoire du rock.

Nous commencerons par une citation de l'un de nos auteurs de rock préférés, Stephen Hyden, écrivant pour Grantland Dot Com.

Il est vrai que Zeppelin était sans scrupule dans ses vols. Il est vrai que les premiers disques de Zeppelin présentent parfois une troublante (mais électrisante, et donc doublement troublante) parodie blackface du blues.

Passons maintenant à une défense quelque peu timide de Page et Plant. Dès les premières répétitions à Pangbourne, il était clair pour tout le monde qu'ils avaient un monstre entre les mains. Quelques concerts en Europe comme l'ont confirmé les New Yardbirds. Jimmy Page n'avait que 24 ans, mais il était déjà un vétéran de l'industrie musicale. Il était venu quelques fois. Son partenaire Peter Grant, encore plus. Quand ils ont vu une immense opportunité se présenter, bien sûr ils l'ont saisie. Nous ne blâmons personne pour cela.

Alors les garçons prenaient la route, et Jimmy transportait la bande originale avec lui. Partout où ils ont eu la chance de réserver un studio pour un jour ou deux, ils l'ont fait. Les deux premiers albums de Led Zeppelin ont été enregistrés en tournée, pendant leurs jours de congé, et ils sont sortis à environ 9 mois d'intervalle.

C'est un groupe de rock très, TRÈS travailleur. Et ils ont continué comme ça pendant encore trois ans.

Et ils étaient un tout nouveau groupe de rock, deux vétérans et deux débutants, confrontés à une incroyable demande. La définition même du succès du jour au lendemain.

Ils avaient besoin de matériel. Alors Jimmy Page l'a attrapé où il pouvait. Nous ne le tolérons pas, mais nous le comprenons. Il s'est levé de lui-même – «Dazed and Confused» et «Over the Hills and Far Away» sont tous deux des remaniements de morceaux que Jimmy a faits avec The Yardbirds.

Et il s'est levé des autres.

La prochaine chose que nous soulignerons: Zeppelin a coopté et approprié des chansons, bien sûr, mais ils y ont apposé leur propre empreinte. Cette section médiane sale et sexy de "Whole Lotta Love". Ce gigantesque arrangement de construction et de sortie de "Babe I'm Gonna Leave You". Travail original, et c'est stellaire, magnifique.

Et ils se sont améliorés en matière d'appropriation au fur et à mesure que Zep avançait. Le 3e album s'ouvre sur "Immigrant Song". C'est tout à fait original, et c'est une tuerie. Ils ont ouvert des spectacles avec lui pour les prochaines tournées. Écoutez la version qui ouvre "How the West Was Won", en direct au Forum de Los Angeles en 1972. Juste un saccage musical à couper le souffle; ces gars pourraient être si puissants.

Zep Three, soit dit en passant, est une sorte d'album sous-estimé – si quelque chose de Led Zeppelin peut être qualifié de sous-estimé. C'est un disque de transition, un peu différent ; nous l'aimons beaucoup en fait. Pas aussi pompeux – ou aussi dérivé – que les deux premiers. Calme et contemplatif parfois. Beaucoup de lumière et d'ombre sur celui-là.

Et la production de Jimmy Page… le gros son de batterie, utilisant pleinement le champ stéréo, la façon dont il superpose les pistes de guitare, était révolutionnaire, brillant. C'est vrai de tous leurs enregistrements.

Mais… même leur chef-d'œuvre, le quatrième album sans titre – vous savez celui-là… avec « Black Dog » et « Rock And Roll » et « Stairway to Heaven » – celui-là. Zeppelin Four a également une appropriation non créditée!

"When the Levee Breaks" clôt l'album et c'est un broyeur d'une chanson, nous l'aimons putain.

C'est aussi un remake non crédité d'un disque Delta Blues de Memphis Minnie. Et cela nous amène à notre dernier mot sur ce sujet.

Parfois, ce n'est pas ce que vous faites qui compte, mais comment vous le faites. Et c'est notre problème avec Zep. Ils n'étaient pas le seul groupe de Rock à s'approprier le Delta Blues. Et ils ont payé les redevances – de gros chèques avec beaucoup de zéros – et ils ont corrigé les crédits d'écriture.

Mais seulement des années plus tard et après une tonne de procès.

De plus, il y a cette attitude nonchalante « Je ne sais pas pourquoi tout ce remue-ménage » que nous avons souvent vu et entendu de Jimmy Page — et dans une moindre mesure — de Robert Plant. Peut-être que leurs avocats leur ont conseillé de faire ça, de faire semblant et d'avoir l'air surpris.

Peu importe. C'est toujours un look de merde.

Maintenant : nous ne sommes que des fans, nous ne connaissons pas ces gars. Ils ne nous doivent rien. De même, on ne peut s'empêcher d'y penser. Le manque de contrition de Zep, leur malhonnêteté… à propos de s'approprier une grande partie de leur catalogue… est une sorte de coup de bite.

Cela atténue leur éclat. Éclats à notre appréciation de la façon dont ces gars étaient vraiment géniaux.