앤디 워홀의 작업 방식

간단히 말해서, Andy Warhol은 20세기의 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명입니다. 그는 1960년대 뉴욕시 반문화에서 등장한 이른바 팝아티스트 중 가장 유명하다. 드로잉, 페인팅, 판화, 영화, 음악 및 비디오에 걸친 다작의 창작 경력을 통해 워홀은 미국 문화와 현대 미술에 지울 수 없는 인상을 남겼습니다.

Warhol의 작업 전반에 걸쳐 되풀이되는 주제는 평범하고 평범한 것을 예술로 변형시키는 것입니다[출처: Osterwold ]. 그의 가장 오래 지속되는 이미지는 캠벨의 수프 캔을 실크 스크린으로 복제한 것과 Marilyn Monroe 및 Elvis Presley와 같은 대중 문화 아이콘의 반복적이고 밝은 색상의 "초상화"(필름 스틸 및 홍보 사진의 직접 사본)입니다.

예술과 영화 평론가들은 워홀 작품의 동기와 의미에 대한 이론으로 책을 가득 채웠지만 작가 자신은 불투명하기로 유명했습니다. 그는 자신의 가장 영향력 있는 예술 작품조차 무의미하다고 무시하고 자신을 제품을 만들어내는 단순한 "기계"로 묘사했습니다[출처: Kinsman ].

그러나 아이러니한 초연한 가면을 통해서도 워홀은 우연한 유명인사를 가장한 예술적 혁명가였음이 분명하다. 그는 대중적 도상학(그가 바로 그 개념을 발명함)에 대한 놀라운 안목 과 민족의 심리를 읽는 선견지명한 능력을 가졌 습니다. 그는 밥 딜런(Bob Dylan)과 같은 획기적인 음악가, 데니스 호퍼(Dennis Hopper)와 같은 배우, 뉴욕 아방가르드 예술계의 "후즈 후(who's who)"와 같은 획기적인 음악가를 포함하는 크리에이티브 서클에 끌어들인 개성 숭배자였습니다.

Warhol의 초기 생애와 영향, 그리고 그의 놀랍도록 관습에 얽매이지 않는 방식에 대해 배우려면 계속 읽으십시오.

내용물

1. 앤디 워홀 전기
2. 앤디 워홀 작품
3. 앤디 워홀 영화

Warhol은 1928년 8월 6일 펜실베니아 주 피츠버그에서 Andrew Warhola로 태어났습니다. 세 소년 중 막내인 Warhol은 일찍 예술적 재능을 보여 가족 중 최초로 대학에 진학하여 Carnegie Institute of the Carnegie Institute에서 회화 디자인 학위를 받았습니다. 1949년 기술(현재 Carnegie Mellon University) [출처: Andy Warhol Foundation ].

졸업 후 워홀은 야간 버스를 타고 뉴욕으로 갔고 그곳에서 상업 일러스트레이터로서 일관된 작업을 찾았고 Vogue 및 Harper's Bazaar와 같은 주요 패션 잡지에 장난스러운 스케치를 제공했으며 광고, 앨범 표지, 책 표지의 아트 디자이너로 활동했습니다. 및 백화점 디스플레이 창. 그는 심지어 Art Director's Club과 American Institute of Graphic Arts[출처: PBS ] 로부터 표창을 받기까지 했습니다 .

경력 초기에 그는 자신의 이름에서 ""를 삭제했습니다[출처: PBS ]. 전문 이력서를 작성하는 동안 Warhol은 개인 미술 프로젝트도 개발했습니다. 1961 년, 그는 맨하탄 백화점 Bonwit 텔러 [: 소스의 디스플레이 창에 (만화의 프레임을 특징으로) 자신의 최초의 팝 아트 캔버스의 일부를 배치 Osterwold ].

창 전시가 갤러리 전시로 이어지지는 않았지만 워홀은 곧 평범한 미국 생활을 전형화하는 일상적인 물건인 캠벨의 수프 캔에서 그의 뮤즈를 찾았습니다. Warhol의 수프 캔 및 기타 일반적인 대상에 대한 반복적인 이미지는 예술, 광고, 의미 및 공허함 사이의 경계를 흐리게 했습니다. 그의 첫 번째 갤러리 쇼는 Time, Life 및 Newsweek 잡지 [출처: Warhola.com ]에 글을 기고했습니다 .

Warhol은 맨해튼 미드타운에서 4층짜리 브라운스톤을 사서 자신의 스튜디오와 창의적인 인큐베이터로 탈바꿈했습니다. 1963년부터 1968년까지 The Factory로 알려진 East 47th Street 건물은 실험적인 영화, 예술 및 음악과 같은 창의적인 활동의 소용돌이였으며 마약으로 가득 찬 확장된 파티의 장면으로 사용되었습니다. 그는 친구, 뮤즈, 행거를 좋아하는 동료들로 구성된 수백 편의 16mm 필름을 만들었으며 이들을 "수퍼스타"라고 불렀습니다.

1960년대 중반에 워홀은 비누와 시리얼 상자로 된 그의 첫 팝 조각품을 만들고 Velvet Underground의 음악을 특징으로 하는 Exploding Plastic Inevitable 이라는 여행 멀티미디어 프로젝트를 시작했습니다 . 1968년 워홀은 자신의 영화 중 하나에 출연한 불안한 작가인 Valarie Solanas에 의해 가슴에 총을 맞았지만 그는 공격에서 살아 남았습니다[출처: PBS ].

1970년대에 워홀은 인터뷰 매거진을 창간하고 사회 초상이라는 아이디어를 재발명하여 유명인과 정치인을 위한 수백 건의 의뢰 작업을 수행했습니다. 그는 10권의 책과 연극을 저술했으며 모두 녹음기에 받아 적었습니다. 심지어 MTV를 위해 두 개의 쇼를 제작했습니다.

워홀은 1987년 2월 22일 일상적인 담낭 수술의 합병증으로 예기치 않게 사망했습니다. 수천 명이 성 패트릭 대성당에서 열린 그의 장례 미사에 참석했습니다[출처: Andy Warhol Foundation ].

다음 페이지에서는 워홀의 예술적 유산에 대해 자세히 살펴보겠습니다.

Carnegie Institute of Technology에서 Warhol은 Robert Lepper에게 그림 디자인을 공부했으며 Lepper의 2년 과정인 "개인 및 사회 분석"[출처: Andy Warhol Museum ] 에 깊은 영향을 받았습니다 . Lepper는 예술가가 "사회의 지배적인 구조를 설명하는" 방식으로 대상을 묘사해야 한다고 가르쳤습니다[출처: Osterwold ]. 평범한 사물에서 더 큰 의미를 도출한다는 이러한 개념은 워홀의 떠오르는 팝 감성에 중요한 역할을 했습니다.

1950년대 상업 일러스트레이터로서 Warhol은 패션과 광고 산업에서 일하면서 레이아웃을 디자인하고 손으로 양식화된 그림을 그렸습니다. I. Miller와 Sons를 위해 제작된 일련의 신발 그림에서 Warhol은 먼저 연필로 신발을 스케치하고 젖은 잉크로 윤곽선 위에 칠한 "오점 선 기법"을 사용했습니다. 그는 잉크 윤곽선을 다른 종이에 지우고 선명하고 밝은 색상으로 신발을 색칠하여 최종 이미지를 만들었습니다[출처: Kinsman ]. Warhol은 자신의 보다 전위적인 개인 스타일[출처: Osterwold ] 과 병행하여 발전시킨 상업 작업을 자랑스럽게 생각했습니다 .

1960년대 초 팝아트의 등장은 당시 미국 미술사를 지배했던 추상표현주의에 대한 반발이었다. 잭슨 폴록(Jackson Pollock), 윌렘 드 쿠닝(Willem de Kooning)과 같은 "뉴욕 학교"의 다른 구성원들은 알아볼 수 없는 모양이나 격렬한 페인트 폭발로 기념비적인 캔버스를 만들고 있었습니다. 추상표현주의의 작품은 작가 개개인의 심리를 표현하기 위한 것으로 매우 감성적이었다[출처: Paul ].

워홀과 로이 리히텐슈타인, 제임스 로젠퀴스트 같은 동시대인들은 정반대의 행동을 하기로 결정했습니다. 그들은 감정이 전혀 없고 인간의 간섭이 없는 예술을 만들고 싶었습니다. 팝 아티스트들은 기계적이고 대량 생산되는 효과 때문에 특히 실크 스크리닝과 같은 판화 기법에 끌렸습니다[출처: Heilbrunn Timeline of Art History ].

1962년부터 1970년대 초반까지 실크스크린을 가장 많이 제작한 기간 동안 워홀은 수프 캔, 펩시 병, 마릴린 먼로, 엘비스 프레슬리, 인종 폭동, 재난, 정치인, 기념비, 최후의 만찬 등 사소하고 상징적인 이미지를 선택했습니다. 유명인, 비극, 종교를 소비 상품으로 환원하여 그들 모두에게 동일한 기계화된 대우를 제공했습니다[출처: Honnef ]. 여기 에서 워홀의 작품의 예를 볼 수 있습니다 .

워홀에게 예술은 항상 공동의 과정이었습니다. 그는 의도적으로 저자와 진정성에 대한 개념을 가지고 놀았고 정기적으로 조수를 사용하여 실크 스크린 인쇄물을 가져 왔습니다. 그는 "이것은 내가 아닙니다. Andy Warhol"[출처: Kinsman ] 이라는 글과 함께 일부 증거에 서명하기까지 했습니다 . 공장은 대량 소비를 위해 예술품을 생산하도록 설계된 비인간적인 기계에 불과하도록 설계되었습니다[출처: Honnef ].

워홀은 시각 예술가로 가장 널리 알려져 있지만 전위 영화의 선구자이기도 합니다. 다음 섹션에서 워홀의 영화에 대해 논의할 것입니다.

Andy Warhol의 16mm Auricon 카메라는 그의 가장 중요한 예술가 도구 중 하나였습니다. 1963년 처음으로 영화 촬영을 시작한 이후 1987년 사망할 때까지 Warhol은 서사시 실험 영화에서 개인 초상화, MTV의 주류 쇼에 이르기까지 모든 다양한 동영상 이미지에 손을 댔습니다[출처: The Andy Warhol Museum ].

Warhol의 영화 중 일부는 상업적으로 출시된 적이 없지만 많은 영화는 전위 영화의 랜드마크로 간주됩니다. 그의 첫 번째 영화인 "Sleeping"은 잠자는 남자의 5시간 고정 카메라 샷이었습니다. 그런 다음 그는 뉴욕 스카이라인이 황혼에서 어둠으로 변하는 동안 엠파이어 스테이트 빌딩의 장대한 8시간짜리 영화를 만들었습니다.

이 정적인 초기 영화는 기존 영화보다 훨씬 그림에 가깝습니다. 그러나 Warhol의 작품 중 어떤 것도, 심지어 대화와 등장인물이 있는 후기의 영화들까지도 전혀 관습적이지 않았습니다. 많은 부분이 편집되지 않았거나 대충 편집되었으며 스크립트로 작성된 대화는 하나도 없었습니다. 긴 클립은 초점이 맞지 않고 줄거리는 뒷전이었습니다. 1963년에서 1968년 사이에만 650편의 영화를 만든 것으로 추정된다[출처: 휘트니 ].

Warhol의 가장 유명하고 시각적으로 매력적인 영화 작품 중 일부는 1964년부터 1966년까지 The Factory에서 촬영한 수백 건의 "스크린 테스트"였습니다. 그의 스튜디오 아트에서 Warhol은 수프 캔과 Brillo 상자와 같은 평범한 인공물을 수집하고 감정 없는 복제물을 압도했습니다. . 화면 테스트를 위해 Warhol은 사람들을 모았습니다.

각각의 흑백, 3분, 무성 스크린 테스트에는 공장 단골, 유명인, 드래그 퀸, 사교계 명사, 시인, 미술 수집가 또는 완전히 알려지지 않은 렌즈가 렌즈를 응시하는 모습이 등장했습니다[출처: Angell ]. 결과는 체포입니다. 유명하든 그렇지 않든 피험자들은 포즈를 유지하려고 하며 그들의 생각이나 감정 상태에 대한 힌트를 제공하지 않습니다. 그들은 단지 그들의 이미지, 워홀의 고무 도장 사회 초상화의 영화 버전입니다.

Warhol의 "배우"는 Brigid Berlin, International Velvet, Candy Darling, Billy Name, Baby Jane Holzer 및 그의 가장 위대한 뮤즈인 Edie Sedgwick과 같은 자칭 "수퍼스타"를 포함하여 느슨하게 구성된 공장 단골 그룹이었습니다. 캘리포니아 출신의 22세 상속녀인 Sedgwick은 "Poor Little Rich Girl"과 "Outer and Inner Space"와 같은 Warhol의 가장 영향력 있는 영화의 주제였던 놀랍도록 아름답고 깊은 고민에 빠진 소녀였습니다. Sedgwick은 1971년 약물 과다 복용으로 사망했습니다.

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출처