Jonathan Tucker sur Kingdom, Justified, et comment il a divisé la salle des écrivains Parenthood

L'acteur: Avec son énergie live-wire et sa préparation méticuleuse pour les rôles, Jonathan Tucker est l'un des acteurs les plus passionnants qui travaillent aujourd'hui. Ses goûts variés et son engagement à rendre chaque spectacle distinctif signifient que nous ne savons jamais vraiment ce que nous voulons. Il incarne un jeune homme plein d'âme essayant de maintenir une famille ensemble, a modelé un jeune homme politique ambitieux après Dan Quayle et a joué un tueur en série dont le dévouement énerverait même les stans les plus fervents. Pourtant, même s'il s'est aventuré dans la narration de genre et les remakes brillants, Tucker a conservé une qualité de tout le monde meurtri, le genre qui a fait de Jay Kulina de Kingdom un personnage à élimination directe dans un drame familial tendu et fascinant.

Tout cela semblerait aider Tucker à diriger la prochaine génération d'acteurs de personnages, ce qui conviendrait parfaitement à l'acteur Justified and Parenthood . Mais avec les débris de NBC , Tucker a repris le rôle principal en tant que Brian Beneventi, un agent de la CIA essayant de donner un sens à la technologie extraterrestre sans perdre de vue son humanité. Le rôle marque le retour de Tucker à NBC, où il dirigeait autrefois le casting de The Black Donnellys . Lorsque The AV Club a interviewé Tucker à la fin de 2020, son travail sur Debris était aussi top secret que le travail de son personnage à la CIA. Mais l'acteur nous a parlé des nombreuses leçons qu'il a tirées de productions aussi variées que The Virgin Suicides et Law & Order: Criminal Intent , comment il s'est préparé pour son duel avec Raylan Givens et comment Bob Little a creusé un fossé entre les écrivains de Parenthood. chambre.

AVC: Sleepers a un sujet très difficile, en particulier pour un jeune acteur. Comment avez-vous abordé ce rôle? S'agit-il de compartimentage?

JT: Eh bien, j'ai deux enfants maintenant, donc je commence à voir ça. Mais vous ne comprenez que certaines choses avec la capacité que vous avez de le faire à ce moment-là. Je pense à l'histoire de ma mère regardant ce film français quand elle avait 14 ans. Elle pensait que c'était le plus beau film qu'elle ait jamais vu de sa vie. Elle a demandé à ses parents de le voir avec elle; s'est avéré que tout était à propos de l'avortement de cette adolescente. Ma mère le savait, en fait, mais ce n'était tout simplement pas le point culminant du film, malgré le fait que c'est le sujet de tout le film. Elle n'a vu que ce qu'elle était capable au moment de voir. À cet égard, j'ai compris que [ Sleepers ] était l'histoire de quatre jeunes garçons qui avaient été victimes d'abus sexuels dans une école de réforme. Mais vous ne pouvez comprendre cela que pour un garçon de 12 ans. Et le matériel a été traité de manière très responsable. J'avais tellement de soutien; Il y avait une merveilleuse entraîneure sur le plateau appelée Mary McCusker. Et ma mère était là tout le temps.

Je garde donc les plus beaux souvenirs de cette expérience sur Sleepers . Brad Renfro est décédé depuis, mais les deux autres garçons, Geoffrey Wigdor et Joey Perrino, et moi étions sur un fil de texte. Je viens de leur parler hier. Quand je regarde en arrière, je pense à l'impact réel de la célébrité sur quelqu'un comme Brad Pitt, qui, à l'époque, sortait avec Gwyneth Paltrow et était la personne la plus célèbre au monde. Je dois saisir toute l'ampleur de ce à quoi cela ressemblait, voir quelqu'un qui se souciait vraiment de son métier aussi passionnément que Billy Crudup, voir quelqu'un apporter ses expériences personnelles dans un personnage avec Kevin Bacon qui apportait un accent de Philadelphie dans son travail, qui, dit-il plus tard, était la seule fois où il avait fait cela. Interroger Barry Levinson et Michael Ballhaus, deux titans du cinéma, sur leur carrière. Je me souviens aussi avoir entendu parler d'une poignée de dolly qui n'est jamais allée à l'université et qui était agrippante depuis qu'il avait 18 ans et qui a maintenant un dos assez foutu et ne peut pas sortir de l'entreprise parce qu'il n'a pas vraiment grand chose d'autre Se replier sur. J'ai écrit mon essai universitaire - j'ai fini par différer - mais j'ai écrit mon essai sur les salles de classe que nous connaissons et les salles de classe qui ne sont pas si traditionnelles. Avec la bonne équipe autour de vous, c'est incroyablement épanouissant et enrichissant.

JT: J'étais à Toronto pour faire cet autre film de la semaine ou quelque chose pour Showtime, et ils partageaient le même bureau de production que The Virgin Suicides . Je suis sûr que j'ai partagé un agent avec quelqu'un, et ils ont dit: «Descendez et rencontrez Sofia et son cousin, Chris. Ils adoreraient vous rencontrer. J'ai lu le scénario, je suis allé les rencontrer et ils ont dit: «Voici les rôles des garçons, et selon vous, lequel vous convient le mieux?» Il y avait une qualité organique fabuleuse dans ce projet qui a commencé avec le casting et cela m'a aussi donné un bon aperçu. Je n'ai pas passé un très bon moment sur le plateau de cette série, car Kathleen Turner et James Woods étaient vraiment dans leur monde et dans leurs personnages. J'ai adoré le reste des garçons.

J'ai adoré de nombreux aspects du tournage, mais c'était aussi un décor effrayant à certains égards. J'avais peur de faire une sorte d'erreur ou de ne pas toucher une cible et Kathleen ou James m'appelleraient là-dessus. Cela m'a vraiment donné une bonne compréhension du fait que tous les sets ne sont pas un match à domicile. Parfois, c'est un match à l'extérieur. C'est une leçon importante pour beaucoup de gens, en particulier les acteurs qui essaient d'être vulnérables et ouverts au monde qui les entoure. Tout le monde ne vous encouragera pas toujours. La plupart du temps, ils le seront.

JT: Tilda [Swinton] et moi sommes devenus très, très proches pendant cette production et nous sommes restés très proches depuis. Elle est, je suis sûr que vous pouvez l'imaginer, une personne remarquable et une actrice magique. C'était certainement son coming-out pour un public beaucoup plus large. Elle travaillait évidemment depuis longtemps avant cela. Mais elle est si spéciale, je ne sais pas quoi dire de Tilda. Ce projet en lui-même a été une sorte de point d'éclair pour moi, car il a très bien fonctionné à Sundance. C'est vraiment devenu le film indépendant de l'été. Il est sorti en août 2001. Tilda et moi étions sur la couverture de The Advocate . Il a été incroyablement bien examiné dans tous les domaines, le New York Times, sous le pli, section artistique, grandes critiques. C'était donc juste un gros film. Ça a bien marché financièrement, Tilda était en lice pour de nombreuses récompenses. Et ce fut une grosse déception, pas pour Tilda, mais pour Fox Searchlight qui n'a pas été nominé pour un Oscar. Mais cela l'a mise dans toutes ces conversations.

AVC: Tant d'acteurs basés à New York ou sur la côte Est ont participé à Law & Order ou à l'une de ses retombées. Denis O'Hare , à qui nous avons également parlé pour Random Roles, le décrit comme un rite de passage. Avez-vous ressenti cela comme ça?

JT: Non, pas du tout. Je ne savais même pas ce qu'était une procédure. Denis O'Hare est un bon ami à moi. Nous avons fait un film ensemble et sommes restés très proches, je l'aime. Mais non, je n'avais jamais vu aucun de ces spectacles. C'était en fait très utile parce que je n'avais aucune idée que j'agissais dans un trope; ce ne sont que des scènes de trope. Et merci mon dieu parce que ces épisodes m'ont aidé dans ma carrière. Si vous les regardez vraiment et si vous êtes vraiment doué pour eux, ils peuvent vous aider. Je ne savais pas que, par exemple, la panne sur le stand ou l'admission du crime dans la salle d'interrogatoire ne sont essentiellement que des scènes de stock, n'est-ce pas? Je les ai donc abordés comme si c'était le travail le plus important de toute ma carrière. Chaque fois que je travaille, je me dis: «C'est la chose la plus importante que j'aie jamais faite.» Mais je ne savais pas que c'étaient des scènes que tout le monde a vues un million de fois. C'était donc très frais et original pour moi. Et j'étais prêt à faire le plus grand travail de toute ma vie en eux.

AVC: Les Black Donnelly ont été de courte durée, mais cela marque également un moment charnière de votre carrière alors que vous vous frayez un chemin dans les drames familiaux, où vous avez fait votre meilleur travail.

JT: Bien sûr. C'était vraiment le point. Quand j'ai eu l'offre, j'ai contacté des amis à moi, ces deux producteurs de The Texas Chainsaw Massacre, deux personnes incroyables qui ont connu un succès extraordinaire, complètement en dehors du genre de l'horreur. Et je me suis dit: «Dois-je faire ce spectacle? C'est la télévision en réseau. » Ce n'était toujours pas tout à fait le mouvement à faire. Je faisais juste des films à ce moment-là, et c'était comme un catch-22. Ces fonctionnalités que je voulais faire, je les perdais face à des gens qui faisaient de la télévision. Mais dans les rôles principaux, vous n'étiez pas censé aller à la télévision. Donc, vous êtes un peu coincé. Mais tout le monde dit: «Non, tu vas faire ce spectacle. C'est un scénario incroyable, une équipe incroyable. » Vous avez Paul Haggis et Bobby Moresco qui dirigent le spectacle. C'est toujours l'une des meilleures expériences de ma vie. Cela m'a donné un excellent aperçu de la mécanique de ces productions où parfois le ton du plateau, la qualité de vie des gens sur le plateau peuvent vraiment être dictés par l'acteur principal ou le groupe d'acteurs qui mènent la charge.

Tenir le spectacle sur vos épaules, faire partie d'une équipe, c'était quelque chose que j'aimais beaucoup. J'ai aimé la pression; la pression est vraiment un privilège. J'ai aimé le poids de la responsabilité. Et j'étais vraiment content de la qualité du travail. C'était vraiment décevant de ne pas aller plus loin. Mais à ce moment-là, je travaillais probablement depuis près de 15 ans, donc j'étais très habitué à la déception. Je n'ai jamais été dans un endroit de chagrin que quelque chose n'ait pas fonctionné, mais je voulais en faire plus. J'ai passé un très bon moment là-bas, à tourner à New York. Et tout est bouclé parce que je retourne maintenant à cette émission de NBC.

La tête du talent chez NBC est une femme nommée Grace Wu. Je l'avais rencontrée pour la première fois chez un général quand j'étais intéressé par la télévision et seulement quelques semaines plus tard, je suis revenu et j'ai eu des réunions sur les Black Donnellys . Et quand Debris est arrivé, j'ai reçu ce magnifique e-mail de Grace Wu disant à nouveau: "Nous y sommes, 15 ans plus tard." Cela vous rappelle à quel point cette carrière peut être longue et à quel point les gens à courte vue y entrent. J'ai eu de bons conseils de… Je pense que c'est Tom Hanks, qui a dit quelque chose comme: «Quand vous regardez autour de vous la concurrence, les gens que vous pensiez autrefois étaient de la concurrence, ils s'en vont tous.» Il y a tous ces acteurs pour enfants contre lesquels vous vous sentez confronté et puis ils disparaissent tous vraiment. Et c'est comme ça à 18, 25 et 30. Ensuite, vous commencez à réaliser que la seule personne contre laquelle vous vous battez, c'est vous-même. Vous n'êtes contre personne d'autre. Vous essayez vraiment d'être la version la plus vraie et la plus audacieuse de vous-même.

JT: J'ai adoré ce personnage et j'ai adoré faire une pièce d'époque. Mais vraiment, l'opportunité en tant qu'acteur de s'asseoir en face de John Hurt pour plusieurs scènes - c'est l'invitation à la table Michelin, à s'asseoir et à manger avec l'un des grands chefs. Vous ne pouvez pas laisser passer ça. Et maintenant que John est parti, je suis d'autant plus reconnaissant pour cette expérience. Et j'ai commencé à travailler avec Patrick Stewart, qui fait partie de ce même groupe d'acteurs anglais. C'était amusant de parler de la vie de John, d'être rempli par quelqu'un qui a pu être avec lui quand il avait 20 et 30 ans.

J'ai été embauché en tant que local pour cela et ils n'ont pas vraiment payé d'argent. J'ai pensé que ce serait amusant pour le personnage de ne pas vraiment avoir de logement. Ce personnage se prêtait à sortir, à se coucher tard. Je n'étais pas marié et je n'avais pas de petite amie, alors je me suis dit: "Je peux simplement vivre ma vie à New York." Je serais toujours prêt pour le travail, mais cela le nourrirait. J'ai donc surfé sur un canapé pendant les trois semaines et demie où nous avons tourné ce film. J'ai passé un moment merveilleusement romantique sur ce projet et j'ai commencé à travailler avec John, Denis [O'Hare] et le réalisateur Richard Laxton, qui était tout simplement fabuleux.

Le vrai Patrick Angus avait le SIDA et mourut peu de temps après. Je me souviens de ma dernière scène - j'y pense tout le temps parce que j'ai eu une réaction tellement viscérale - où je suis assis dans cette galerie en train de regarder mes tableaux qui ont été mis en place. Le personnage de John Hurt, Quentin Crisp, dont le film était basé sur la vie, l'a mis en place. Mon personnage Patrick n'avait jamais vu personne faire quelque chose de gentil pour lui et il se consacrait à la peinture. Maintenant, il peut s'asseoir dans cette galerie dans un sentiment de respect total et d'appréciation profonde. Je me souviens avoir accédé à cette émotion si facilement. Une partie de cela, j'imagine, était la relation que j'avais avec mon père. Je pense que Patrick avait désespérément besoin d'une figure paternelle, qu'il a vue à Quentin. Mais une autre partie de cela était simplement l'espoir que votre travail soit apprécié parce que vous vous en souciez tellement. Cela a donc résonné avec moi très clairement.

JT: J'étais dans une situation vraiment très basse sur le plan professionnel et je passais un moment extrêmement difficile à trouver un emploi. Au cours de cette période de trois ans et demi, j'ai testé plus de 30 émissions de télévision et je n'en ai eu aucune. Ensuite, j'ai reçu cet appel disant: "Hé, Jason Katims a écrit ce rôle pour vous." J'ai sauté dessus. Jason a déclaré: «Je ne peux pas vous offrir un nombre garanti d'épisodes sur papier. Mais j'aimerais écrire pour ce personnage pendant X épisodes. Et je sais que je ne peux pas vous amener à vous engager légalement, mais pourriez-vous me donner votre mot à ce sujet? » Je suis tellement fan de Jason Katims et c'était une manière tout à fait appropriée d'avoir une conversation entre un showrunner qui travaille financièrement dans les limites des finances, et des avocats, et un acteur qui veut créer quelque chose d'intéressant. Je n'aurais pas pu être plus enthousiaste à l'idée de travailler avec lui.

Les choses arrivent pour les bonnes raisons au bon moment. Lors de mon premier passage dans cette émission, [le producteur] Dylan Massin est venu vers moi et m'a dit: «Nous sommes tous de grands fans de la vôtre et tellement excités de vous avoir sur le plateau. Et nous voulons juste vous faire savoir que la parentalité , le personnage est de votre responsabilité. Nous allons vous céder la parole, aux acteurs. Nous voulons que vous vous sentiez vraiment libre d'essayer différentes choses et de nouvelles choses. » J'avais vraiment besoin d'entendre ça, même s'il mentait. J'étais à un moment de ma vie où j'avais vraiment besoin de quelqu'un pour être mon champion et pour me rappeler que les acteurs ont du pouvoir et que nous ne faisons pas de théâtre pour que vous puissiez essayer différentes choses et expérimenter. Ce fut une expérience très enrichissante. Je suis sûr que Dylan l'a totalement oublié. Mais cela a eu un impact énorme sur moi et m'a donné beaucoup de pistes pour traverser ce qui finirait par devenir une période très difficile dans la vie.

AVC: Votre scénario en est un dont on parle encore, à cause de la relation entre Bob et Amber.

JT: [Rires.] Je suis une personne très positive et [Bob] était très positif. Je ne voyais vraiment pas sa relation avec Amber comme inappropriée en soi. Elle avait, je pense, environ 20 ans dans la série, et Bob avait 26 ans. Et elle a été recommandée par cette femme qui était sa tante - et je ne sais pas, elle était vraiment talentueuse et merveilleuse. Mais c'était mon point de vue en tant que gars représentant les acteurs, représentant le personnage. Apparemment, cela divisait vraiment la salle des écrivains. La moitié du groupe pensait que c'était une relation tout à fait appropriée et l'autre moitié disait: "Non, c'est totalement inapproprié."

AVC: Vous êtes connu pour votre préparation aux rôles; vous avez même étudié la technique Alexander. Pour quelqu'un comme Matthew Brown, quel était le premier aspect du personnage que vous pensiez devoir comprendre?

JT: J'avais en fait toutes ces idées et je les ai toutes partagées avec Bryan [Fuller]. Et Bryan disait: «J'adore tout ça. Je veux que vous essayiez tout cela. Quand je suis arrivé sur le plateau, la scène était comme une longue promenade et des conversations. Le tournage impliquait des mouvements de caméra stables et techniques difficiles où c'était comme si vous aviez foiré au milieu de la scène, vous deviez en revenir à un. Et je me souviens d'être debout en haut de ces escaliers, et je pouvais sentir mon cœur battre la chamade. Je me dis: «Dieu, c'est tellement drôle. Je ne suis jamais vraiment nerveux comme ça sur le plateau. Mais je sortais de cet endroit où je n'arrêtais pas de dire des choses comme: «Vous devez prendre des risques et vous devez créer des personnages. Vous devez vous appuyer sur ce qui est sur le papier. Vous devez essayer d'interpréter ce subconscient des écrivains. Nous devons être grands. »

Maintenant, je me tiens en haut de cet escalier, à propos de faire cette longue promenade et de parler. Et je vais révéler le personnage que j'ai créé aux gens sur le plateau pour la première fois. C'était très différent de ce à quoi je sais qu'ils s'attendent. Je pense que c'est pourquoi mon cœur battait la chamade. Je n'ai jamais raconté cette histoire auparavant. Je pensais: «Vais-je faire cette promenade, ce truc mou? Est-ce que je traîne mon pied et je vais faire un lisp? Et si ma main et ce trousseau fonctionnent, et je vais faire tout ça? » Et je suis comme, "Tenez-le." Comme un skieur ou un gymnaste, tu sais? J'essaye juste de coller l'atterrissage.

Mais s'il vous engage, Bryan veut que vous fassiez un saut. Il n'opère d'aucun lieu de peur. C'est un vrai conteur. Et il honore la position de tout le monde sur le plateau, veut que tout le monde prenne des risques.

JT: Eh bien, c'était assez clair dans le pilote, la relation de tout le monde les uns avec les autres. Le scénario ressemble beaucoup à un rêve en ce sens que dans le rêve, tout le monde est en fait vous. Ils sont tous le reflet de vous. Tous les personnages vivent un voyage qui a un certain impact sur votre personnage. L'une des choses monumentales à propos de Jay Kulina sur Kingdom pour moi était simplement que c'est un personnage qui peut faire presque tout à presque tout moment. Alors, quand vous conduisez dans un véhicule tout-terrain, que faites-vous? Quand tu peux faire quoi que ce soit, que fais-tu? C'était l'occasion qui s'est présentée à Jay.

AVC: Votre travail sur Kingdom semble vraiment vous avoir marqué en tant qu'acteur de personnage. Est-ce quelque chose que vous aspirez à être?

JT: Ouais, je prends ça comme un compliment. Je peux reconnaître mon père à 100 mètres dans la brume matinale, rien que par la façon dont il marche. Ma femme mange des pâtes très différemment de mes enfants. Vous devez honorer le fait que tout le monde vit le monde différemment. Mettre votre expérience dans chaque personnage où c'est presque le même résultat ou effet peut être paresseux. Vous n'allez pas sortir suffisamment de vous-même pour fournir à vos personnages les outils uniques qu'ils méritent. Je pense simplement que le travail finit par ne pas avoir la diversité qu'il pourrait avoir ou la spécificité. Et encore une fois, je vais faire une émission sur NBC en ce moment, et j'ai ce personnage fabuleux, mais tous les personnages ne vont pas boiter, ni avoir un lisp, ni avoir un Mohawk et des tatouages. Vous devez donc également connaître le contexte du monde dans lequel vous jouez. Cela demande beaucoup de courage.

AVC: Justified était plein de personnages uniques et mémorables. Qu'avez-vous fait pour essayer de distinguer Boon de tout le monde?

JT: Eh bien, encore une fois, la technique Alexander a été vraiment utile pour cela. Je travaille avec ce coach à LA nommé Jean-Louis Rodrigue qui sort d'Alexandre et de la danse, mais qui fait aussi du travail animalier [ dans lequel les acteurs improvisent leurs personnages comme des animaux — Ed. ] Lorsque vous travaillez sur des animaux avec des acteurs, vous répétez à cent pour cent et vous n'avez plus qu'à recomposer les pourcentages. Et il y avait beaucoup d'animaux à Boon, en particulier parce que les animaux sont excités ou protecteurs. C'est une réponse très viscérale et elle se manifeste physiquement. C'est donc de là que vient une grande partie de cela. J'ai commencé à travailler avec un gars du nom de Thell Reed, qui était l'un des meilleurs joueurs de tirage rapide du secteur. Cela m'a vraiment réconforté avec l'arme, qui était une autre partie du personnage pour moi.

Mais en réalité, cela revient, encore une fois, à des gens comme Graham Yost, Bryan Fuller et Byron Balasco - ce sont des showrunners qui sont si à l'aise avec eux-mêmes et leurs propres talents qu'ils veulent que les acteurs prennent des risques et viennent avec des idées et essaient de nouvelles choses. . C'est ce qui les rend géniaux. Ils n'essaient pas de pousser leurs propres mots ou leurs propres idées sur ce qu'est le personnage. J'ai travaillé avec des showrunners qui n'opèrent pas à partir d'un endroit où ils ont confiance en leur propre talent. C'est le genre de match à l'extérieur dont nous parlions; ces jeux à l'extérieur ne créent pas un excellent travail, ils créent un environnement controversé.

AVC: City On A Hill est d'une pièce avec des films et des émissions comme Sleepers et Kingdom , car ils racontent ces histoires insulaires sur certains quartiers.

JT: Oui, c'est vraiment la façon dont nous définissons qui sont nos voisins ou à quoi ressemble ce quartier. Je m'intéresse à des lieux et à des personnes distincts. Je pense que partout est un quartier. Quelle est la ville de Justified ? C'est un quartier. Je ne verrais pas cela comme différent des quelques blocs de Hell's Kitchen for Sleepers . Mais j'étais enthousiasmé par ce rôle parce que c'était un rôle calme. Il y avait une physicalité plus lourde pour lui; c'était juste un personnage très différent et je voulais voir à quel point je pouvais vraiment parler. Je voulais ressentir l'ampleur du poids que je soutenais en tant que personnage.

JT: Le matériel animal était vraiment utile là-bas. J'avais un animal en tête pour ça et je voulais couper toutes les lignes, ce qu'Elizabeth Banks pensait être exactement la bonne idée - quelque chose à laquelle elle avait, assez étrangement, pensé aussi. Visuellement, j'avais une idée très claire de ce que je voulais pour la coiffure, le maquillage et la garde-robe. J'ai mis en place un petit tableau d'humeur pour la conversation initiale avec Banks, et il y avait un modèle sur mon tableau d'humeur et c'était aussi un modèle sur son tableau d'humeur pour le personnage. Nous étions très étroitement liés à ce que nous pensions fonctionner. Je pense que lorsque vous avez enlevé les lignes et que vous vous êtes penché du côté prédateur, félin, animal du personnage, le reste des dominos s'est mis en place.

AVC: Comment était-ce d'être dans une émission à l'échelle de Westworld ?

JT: Pas de connards et pas de téléphones est la stipulation. [Rires.] Jonathan Nolan et sa femme, Lisa Joy, ne sont que deux des personnes les plus merveilleuses avec lesquelles j'ai jamais travaillé. Et le casting pourrait en fait avoir des conversations. Une partie de cela est littéralement comme, avez-vous une idée de ce qui se passe dans cet autre monde ou dans cet autre script, ou êtes-vous capable de reconstituer quelque chose que je n'ai pas pu reconstituer? Même si la plupart de ces acteurs ont fait de très grands spectacles, tout le monde dit toujours à quel point ils sont impressionnés par la qualité de la conception de la production, de l'ampleur du spectacle lui-même, de ce qu'ils mettent en place et du soin et de la réflexion. entre dedans. Et puis, encore une fois, ce sont tous des acteurs qui essaient aussi de faire un grand saut. Ce qui rend peut-être pas plus facile de faire un saut dans cette émission, mais c'est peut-être plus propice, c'est que c'est en dehors de la réalité à certains égards. Vous avez donc l'impression que presque tout est possible et cela vous permet de prendre des risques assez audacieux.

La réalisatrice et la créatrice de la série, Mary Laws, et moi étions en quelque sorte en train de comprendre cette chose pendant que nous la tournions, et j'en suis vraiment ravie. J'apprécie toujours un processus comme celui-là parce que nous essayons de comprendre les choses et que nous devrions être enthousiasmés par les gens qui essaient de cuisiner à différentes températures et de voir ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. C'est à ce moment-là que vous réalisez que nous sommes tous ensemble dans ce bateau qui fuit et que vous devez travailler dans la salle de montage et non pas au jour le jour. Si vous travaillez pour rendre les gens heureux ce jour-là, vous obtiendrez des performances médiocres. Si vous travaillez pour l'éditeur, vous allez fournir le matériel pour un travail très dynamique. Et j'ai recommencé à travailler avec Kaitlyn Dever. Elle et moi sommes de très bons amis et je suis toujours époustouflé par son travail. Être payé pour s'asseoir dans le siège le plus proche de sa performance est un privilège unique et bienvenu.