Rencontre avec des Géants #MEX22

par Sheldon Rocha Leal

Le 12 novembre 2022, j'ai eu l'opportunité d'assister à Music Exchange 2022 (#MEX22). Je ne savais pas trop à quoi m'attendre et après deux ans de confinement, je suis devenu un peu reclus, ne voulant vraiment rien assister. Mais j'ai mis mon pantalon de grand garçon et je suis parti à Auckland Park pour assister à la conférence musicale et voir ce que je pouvais apprendre, contribuer et assimiler à partir de la liste des sommités rassemblées. De plus, je voulais soutenir certains de mes amis et mentors qui parlaient au #Mex22.

La conférence, qui en est à sa 12e année, s'est tenue pour la première fois à Johannesburg (lieu habituel du Cap). Music Exchange ou MEX est l'idée originale de Martin Myers, un ancien directeur du disque, qui a décidé que l'industrie devait se réunir et échanger des idées. La conférence, à mon avis, vise à mettre la nouvelle génération de créateurs et de leaders musicaux en contact avec des praticiens établis de l'industrie musicale. De cette façon, les « OG » peuvent transmettre leur sagesse et leurs expériences aux débutants, les aidant à prendre des décisions qui se traduiront par des carrières musicales durables. Pendant 12 ans, Martin s'est bousculé et s'est mis en réseau, obtenant certains des plus grands leaders mondiaux de l'industrie de la musique qui ont présenté au MEX. Cela a fait de la conférence l'un des événements les plus attendus du calendrier de l'industrie musicale sud-africaine.

Le lieu de l'étape de Johannesburg de la conférence était l' Academy of Sound Engineering, l'une des principales institutions d'enseignement supérieur audio en Afrique du Sud. L'institution a été fondée il y a 15 ans par trois visionnaires : Nick Matzukis (avocat) George Hattingh snr. (ingénieur du son) et Timothy Kraft (producteur, ingénieur du son et musicien). Il propose des cours à temps plein et à temps partiel dans le domaine de la musique et un vaste éventail de domaines de spécialisation en ingénierie audio et sonore, notamment le montage vidéo, la technologie audio, le son en direct et les graphiques animés. Les installations sont impeccables et les étudiants peuvent interagir directement avec l'industrie, car certains des studios sont hébergés dans le SABC adjacent (l'épicentre du divertissement en Afrique du Sud), où MEX était hébergé. De plus, comme la plupart des professeurs sont des musiciens professionnels, l'institution est un creuset d'interactions entre l'industrie et le milieu universitaire.

En attendant que la procédure commence, j'ai rencontré l'un des plus grands compositeurs de partitions d'Afrique du Sud et du monde, Trevor Jones . Le compositeur a écrit de la musique pour des films tels que "Le dernier des Mohicans", "Au nom du père", "Notting Hill", "I. Robot » et « Mississippi Burning ». Les films pour lesquels il a composé de la musique ont généré plus de 4 milliards de dollars dans le monde. J'ai déjà écrit sur cette icône, mais je n'aurais jamais imaginé avoir l'occasion de le rencontrer en personne. Rencontrer le Dr Jones en personne a été une validation et m'a rappelé pourquoi je fais ce que je fais. Les gens disent souvent, ne rencontrez pas vos idoles, elles vous décevront. Ce n'était certainement pas le cas dans ce cas. Trevor Jones est engageant, charismatique et a de nombreuses perles de sagesse précieuses à transmettre.

L'une des choses que j'ai retenues de mon interaction personnelle avec le Dr Trevor Jones était le mentorat. Il a parlé de son mentor, l'ancien vice-chancelier de l'Université du Cap, le Dr JP Duminy, qui a identifié son talent à un jeune âge et s'est organisé pour qu'il étudie la musique à la Royal Academy of Music au Royaume-Uni. Après être parti pour Londres dans les années 1960 (à 17 ans), il n'est jamais retourné en Afrique du Sud, faisant de la Grande-Bretagne sa résidence permanente. Il a ajouté que chaque fois que le Dr Duminy visitait le Royaume-Uni, il tenait toujours à le rencontrer pour s'enquérir de ses progrès. Le Dr Jones a parlé de l'importance du mentorat et de la nécessité de donner en retour si l'on a eu la chance d'avoir de bons mentors. C'est quelque chose qui me tient à cœur et, par conséquent, le message a résonné en moi.

Dans ma vie, j'ai eu, et j'ai toujours, divers mentors et guides avec lesquels je consulte sur une pléthore de sujets. Ce sont des gens que je respecte et que j'admire et incluent Adv. Nick Matzukis , Prof. Caroline Van Niekerk, David Alexander , Dr Boudina McConnachie, Graeme Currie, Dio Dos Santos et feu la grande Marianne Feenstra . Chaque fois que j'ai besoin de faire rebondir les choses sur les gens ou d'avoir un point de vue objectif, ce sont ces personnes auprès desquelles je demande conseil. Une carrière peut être un voyage long, solitaire et ardu et parfois on a juste besoin de l'aide de quelqu'un qui sait mieux s'orienter dans la bonne direction. Comme j'ai été béni avec tant de personnes formidables, j'espère avoir offert aux autres le même niveau d'orientation et de conseil.

Quelques minutes après avoir rencontré le Dr Jones, j'ai eu l'occasion de rencontrer une autre légende de l'industrie musicale, Marc Marot , ancien directeur général d'Island Records et d'Island Music. Il a commencé sa carrière dans l'entreprise en tant que directeur général de Blue Mountain Music, la division d'édition du célèbre label d'enregistrement en 1984, et a travaillé en étroite collaboration avec le fondateur de Island, Chris Blackwell. Blackwell est une légende de l'industrie de la musique, qui a découvert Bob Marley, en a fait une star et a introduit par inadvertance le monde au Reggae.

Marc Marot a finalement été nommé directeur général d'Island Records et, au cours de son mandat, a signé et promu U2, Pulp, PJ Harvey, PM Dawn, The Cranberries, Stereo MC's, Massive Attack, NWA et De La Soul... c'est juste le conseil de l'iceberg. Encore une fois, Marc était un gars humble et jovial, qui voulait juste partager son histoire et aider. Je n'étais à la conférence que depuis quelques minutes et j'avais rencontré à ce moment-là deux grands acteurs de l'industrie, qui étaient tous deux des personnes incroyables, avec de bonnes intentions et une volonté d'aider.

Martin Myers a officiellement lancé la procédure… et nous sommes partis. Rien n'aurait pu me préparer à l'expérience profonde et au voyage que j'étais sur le point d'entreprendre. Écouter les paroles d'icônes comme Trevor, Marc, Nick Matzukis et "Stream Queen" Gillian Ezra, a été une expérience enrichissante pour la carrière. Tout cela s'est passé dans un studio d'enregistrement au sous-sol de la SABC. On n'aurait pas pu rêver d'un meilleur emplacement. Écouter des légendes de la musique dans un lieu imprégné et mariné dans l'histoire de la musique sud-africaine.

La première conférence était présidée par mon cher ami, artiste exécutant et lauréat du prix Metro FM, RJ (Roy) Benjamin , l'un des auteurs-compositeurs, producteurs et musiciens les plus talentueux du pays. Roy a animé une discussion informative avec le Dr Trevor Jones, au cours de laquelle le compositeur de partitions a voyagé dans le passé et a partagé des histoires d'affaires musicales internes. Il a donné beaucoup de conseils avisés, mais l'une des choses qui m'a marqué était le sujet du snobisme musical, qui est malheureusement quelque chose que j'ai rencontré à trop d'occasions dans ma carrière musicale personnelle.

En Afrique du Sud, les musiciens de formation classique adorent classer tout ce qui est sorti après 1910 (je suis histrionique) comme "musique légère", considérant ce type de contribution comme inférieur. Les aficionados de jazz méprisent les créateurs de musique pop et les musiciens pop se fichent s'ils ne sont pas pris au sérieux car ce sont eux qui gagnent de l'argent. Tout cela est très inutile car nous, dans l'industrie de la musique, devrions nous serrer les coudes pour unifier et renforcer l'entreprise, au lieu de nous abattre. La consolation est que le problème n'est pas exclusif à l'Afrique du Sud mais plutôt un phénomène mondial.

Trevor Jones a fait un autre point valable et il s'agissait de traiter la musique comme une carrière. Il a expliqué que les musiciens peuvent parfois être précieux dans le travail qu'ils produisent, mais la réalité est qu'il suffit de faire le travail et de ne pas trop réfléchir (donner au client ce qu'il veut). "Pour rester dans le jeu, vous devez être dans le jeu" , si l'on ne crée pas de contenu, il n'y a rien à promouvoir. Bien que cela soit vrai pour quelqu'un dans son espace, où les compositeurs de partitions sont souvent chargés de créer de la musique, cela peut être différent pour les artistes du disque.

Cela étant dit, de nombreux artistes du disque publient à peine du contenu parce qu'ils estiment que leur produit final n'est pas assez bon ou qu'ils ont juste besoin de peaufiner ceci ou cela. Comme Gillian Ezra l'a expliqué dans une conversation parallèle, la nouvelle dispense de musique récompense les artistes du disque en fonction de la régularité des sorties de contenu. Les algorithmes ont été conçus pour promouvoir les artistes et leur donner une liste de lecture préférentielle en fonction de la cohérence de leur production. Ainsi, si l'on attend trop longtemps entre les sorties, les plateformes oublieront l'artiste et elles perdront leur placement préférentiel.

Le deuxième intervenant était le responsable musical Marc Marot. Marc était un orateur très confiant, éloquent et vif, qui n'avait besoin de personne pour guider son discours. Il a capté l'attention du public dès le début et a parsemé sa présentation de nombreuses anecdotes humoristiques et intéressantes sur l'industrie de la musique. L'un des points à retenir de son discours était le sujet du professionnalisme. Le grand public a souvent l'impression que les stars du rock sont irrévérencieuses, toxicomanes, des prima-donnas qui ne travaillent que dans des circonstances idéales. Le fait est que les "Rock Stars" ne pourraient jamais atteindre la renommée, la fortune, les distinctions et le respect qu'elles ont si tel était le cas. Cela avait du sens pour moi.

Marc a expliqué qu'au cours de toutes ses années dans le métier, il n'avait jamais rencontré un artiste défoncé lors d'une session d'enregistrement (en dehors d'une session, c'est une autre histoire). Il a illustré son propos en racontant une histoire sur David Bowie, dont on pourrait penser qu'il serait le plus grand agresseur à cet égard. Il a déclaré que la Rock Star serait toujours à une session au moins deux heures avant l'heure, faisant les contrôles et contrepoids requis et que l'on pouvait le chronométrer à l'aide d'une horloge pour savoir quand la session commencerait. Toujours à l'heure et professionnel. Je suppose que ce qui différencie les vraies stars des "éclairs dans la casserole", c'est le professionnalisme. Ceux qui font le travail sont ceux qui finissent par obtenir et conserver le statut de super star. Les Rolling Stones, par exemple, n'auraient jamais duré 60 ans dans l'industrie s'ils n'avaient pas travaillé.

Ce qui m'amène à mon prochain extrait de la présentation de Marc Marot, "Bittersweet Symphony" et le drame judiciaire qui s'ensuit entre le groupe emblématique, leur éditeur (Allen Klein) et The Verve. Je ne vais pas entrer dans les détails, car je pense que Marc devrait ajouter cela à sa biographie, mais ce que je retiens de toute l'histoire, c'est comment Mick Jagger et Keith Richards ont finalement cédé leurs droits sur la chanson à The Verve. C'était après de nombreuses années de combats devant les tribunaux et un éditeur déraisonnable. Keith et Mick n'avaient pas besoin de céder les droits auxquels ils avaient légalement droit, mais je suppose qu'ils estimaient qu'ils avaient atteint suffisamment de succès dans leur carrière et que quelqu'un d'autre devrait bénéficier d'une pause. C'était un comportement sportif qui est rarement rapporté dans les médias.

Marc a terminé son discours en faisant une observation sur l'éducation musicale sud-africaine, ce qui m'a semblé profond étant donné qu'il n'a pas de connaissance pratique de notre industrie. Il a déclaré que nous devrions investir dans une véritable infrastructure d'éducation musicale en Afrique du Sud, qui vise à former non seulement les futurs musiciens du pays, mais aussi les leaders de l'industrie musicale. Il a poursuivi en expliquant qu'au Royaume-Uni, il existe diverses qualifications que les futurs chefs d'entreprise de la musique peuvent poursuivre, ce qui les prépare à une carrière. Cela s'articule autour de diplômés suffisamment préparés pour diriger l'industrie. Il a ajouté que depuis la mise en place de ces programmes, le business de la musique, au Royaume-Uni, a connu un revers de fortune. Je veux dire… il prêche aux convertis alors que j'essaie de faire du prosélytisme cet évangile depuis très longtemps.

Après que Marc ait parlé, c'était au tour de Nick Matzukis, homme d'affaires, pédagogue et militant/défenseur des droits musicaux. J'admire Nick depuis de nombreuses années. Il est l'une des personnes les plus éthiques et les plus vertueuses que j'aie jamais rencontrées et a aidé de nombreuses personnes de l'industrie musicale sud-africaine dans son parcours. Son exposé portait sur les sources de revenus dans l'industrie de la musique et les droits des artistes/créateurs de musique, ce que j'ai trouvé très instructif et validant car c'était le domaine central de mon doctorat. Ce que je retiens de tout l'exposé, c'est la nécessité de consolider l'industrie musicale sud-africaine. Je trouve le fonctionnement de l'industrie inutilement compliqué et cela peut être un champ de mines pour quelqu'un qui ne s'est pas correctement informé. Même ceux qui savent ce qui se passe ont parfois du mal. C'est tellement compliqué.

Il existe différents organismes auxquels un auteur-compositeur/musicien/compositeur/créateur de contenu peut appartenir, qui collectent différents types d'argent pour leurs membres. Il convient de noter que certains de ces organismes sont liés les uns aux autres, mais ils ne transmettront pas nécessairement ces liens aux créatifs postulant dans leurs organisations. Je crois qu'afin de rationaliser les processus dans l'industrie musicale sud-africaine, un point central devrait être établi pour aider les créateurs/artistes à déterminer ce qu'il faut faire de leur propriété intellectuelle. À ce point central, un artiste peut établir à quels organismes il doit appartenir et remplir les documents pertinents, qui seront soumis aux organismes associés. Cela démystifiera l'industrie pour les créatifs et les empêchera de passer entre les mailles du filet. Il pourrait fonctionner comme une maison de courtage ou de conseil,

Je n'ai pas pu assister au deuxième jour, mais les informations avec lesquelles je suis reparti de mon exposition au MEX 22 étaient non seulement inestimables, mais aussi valorisantes et inspirantes. Ce qui m'a encore plus impressionné, c'est le nombre de « poids lourds » de l'industrie musicale sud-africaine présents, écoutant et échangeant magnanimement des idées (la prémisse de la conférence). Des gens comme Mark Rosin (PDG de SAMRO et royauté de l'industrie musicale SA), Lance Stehr (directeur emblématique du disque SA), Siphokazi Jonas (poète) et Malie Kelly (célébrité SA et coach vocal). Sans oublier les présentateurs : Dr Trevor Jones, Marc Marot, Nick Matzukis, RJ Benjamin et Gillian Ezra.

L'idée de partager des idées et d'être en présence d'une telle grandeur est une opportunité qui ne se présente pas souvent. Parler à ces géants et oracles de l'industrie, sur cette plateforme, est une expérience qui devrait être adoptée par quiconque souhaite poursuivre une carrière dans la musique. Le concept derrière MEX est rafraîchissant, inspirant, stimulant et libérateur. C'est un espace où chacun est sur un pied d'égalité, échangeant et apprenant les uns des autres dans le respect. Cela m'a rappelé la session d'enregistrement "We Are The World" en 1985. Lorsque Quincy Jones a été confronté à la perspective de devoir animer une session avec certaines des plus grandes stars du monde et prévoyant que les gens pourraient amener leur ego dans la pièce, il a écrit une pancarte qui a été placée à l'entrée du studio d'enregistrement qui disait "vérifiez votre ego à la porte".

C'est exactement ce qu'était le MEX 22. Bien que la salle ait été remplie de certains des plus grands praticiens de l'industrie musicale au monde, les gens ont pu partager, parler et échanger sans ego dans la salle ni jugement. D'après mon estimation, MEX 22 a réalisé ce qu'il s'était fixé, qui était de rassembler les parties jeunes et établies de l'industrie pour échanger des idées. De plus, 12 ans après le début de la conférence, il semble qu'elle ait acquis un nouvel élan avec son incursion dans une nouvelle ville et une nouvelle pensée, évoluant vers sa nouvelle itération. Espérons que ce ne soit pas la fin des innovations et du travail incroyable accompli au nom de la conférence et de l'industrie et j'espère qu'il y aura beaucoup plus de MEX à venir. Jusqu'à ce que nous nous revoyions…