I 25 migliori film del 2024 (finora)

Ora che i festival cinematografici si sono calmati e i film di successo hanno iniziato a diffondersi sul serio, è giunto il momento di guardare indietro ai film dell'anno fino ad ora, sia per apprezzare ciò che abbiamo già dimenticato dalle nostre visioni di inizio inverno, sia per riva sulle nostre liste di controllo con le gemme che ci sono sfuggite. Finora i migliori film del 2024 si sono insinuati tra noi, intrufolandosi negli streamer e dominando silenziosamente le conversazioni sui loro generi, oppure il loro arrivo è stato strombazzato per così tanto tempo (mentre terminano il loro circuito di roadshow o ottengono un premio dopo l'altro a Cannes o al SXSW). ) che rischiano di deluderci una volta che finalmente riusciamo a confrontare l'hype con la realtà.

Ma che i film fossero enormi franchise di fantascienza  o semplicemente le fantasie sportive arrapate del ragazzo "venditore di pozioni" , una cosa era certa: avevano come protagonista Zendaya. Ma anche senza di lei, alcuni film sono riusciti a fare tutto da soli. Ryusuke Hamaguchi e George Miller non hanno deluso il seguito del loro lavoro di punta, operando a livelli di volume completamente diversi. Jane Schoenbrun e Minhal Baig hanno fatto passi da gigante tra i loro film indie, trovando modi ancora più stimolanti per attingere agli argomenti e all'estetica che li affascinano. Ryan Gosling ha pianto a Taylor Swift. Il Joker, trans e adorandolo, ha ballato giù per le scale e, per la prima volta, è stato bello. I film horror e d'azione hanno aggiunto nuovi sapori, remixando vecchi preferiti come uno di quei fantasiosi distributori di bibite touch-screen. E soprattutto, ragazzi vestiti di castoro si perpetravano violenza a vicenda.

I vecchi cattivi del cinema potrebbero essere ancora qui nel 2024, sia che ciò significhi una censura autoimposta o (incredibilmente) un monopolio integrato verticalmente, ma lo sono anche tutte le ragioni per cui continuiamo ad aggrapparci a questa forma d'arte. Anche quando i migliori film dell'anno si sono nascosti all'interno del guscio commerciabile dello spettacolo IP, al loro interno esistono tutte le cose che speriamo che i nostri cineasti, i nostri musicisti, i nostri comici, i nostri scrittori possano introdurre di nascosto nelle produzioni che pagano i conti. Questi film giocano con la forma ( In A Violent Nature , The People's Joker ), con le nostre aspettative riguardo ai nostri corpi ( Thelma , I Saw The TV Glow ) e con la nostra comprensione di quali tipi di illusioni sono possibili attraverso le luci, la telecamera e l'azione ( The Fall Guy , Furiosa, Centinaia di castori ). Se i nemici del cinema torneranno alle origini, tutte le cose migliori del cinema saranno lì per incontrarli.

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La bestia

Un dramma umano con un concetto fantascientifico di impalcature, ispirato a uno dei racconti più inquietanti di Henry James, La Bestia di Bertrand Bonello prende il suo senso di urgenza, lo combina con due incredibili performance centrali e offre una delle esperienze di maggior impatto che tu possa immaginare. probabilmente andrai al cinema quest'anno... anche se ti ci vorrà un po' per districare ciò che hai appena visto. Nel 2044, gran parte della forza lavoro umana è stata sostituita dall’intelligenza artificiale, ritenuta più sicura e meno emotiva rispetto al pensiero umano imperfetto che ha creato precedenti catastrofi globali. In questa futura versione di Parigi, Gabrielle (Léa Seydoux) è alla disperata ricerca di uno scopo. Ansiosa di mettersi alla prova, accetta una procedura che presumibilmente la purificherà da ogni instabilità emotiva ripercorrendo le sue vite passate, con l'idea che affrontare ed eventualmente eliminare qualsiasi trauma persistente nel suo codice genetico la renderà non solo più qualificata per un lavoro, ma più soddisfatto e docile. In tutto questo, interagisce con tre diverse versioni di Louis (George MacKay), che a volte è un amante, a volte un amico e a volte una forza mortale. C'è un'evidente desolazione in questo futuro immaginario, che è contrastato dalle tonalità vibranti che la fotocamera di Bonello evoca nei lussureggianti rossi e verdi della Parigi di inizio secolo e nel fresco blu dell'acqua della piscina della Los Angeles del 2014. Seydoux e MacKay svolgono un lavoro straordinario e potente, spremendo ogni grammo di sentimento anche dalle sequenze più lente e sciroppose. Mentre si snoda attentamente e metodicamente attraverso tre diverse epoche dell'esperienza umana, La Bestia affonda i suoi artigli dentro di te, quindi ti chiede di contemplare le ferite che lascia. [Matteo Jackson]

Sfidanti

Challengers , apparentemente su tre giocatori di tennis, in realtà parla di tre personaggi che giocano all'amore come in una partita di tennis, per andare avanti e raccogliere i frutti che desiderano. La struttura del film è un incontro importante nella carriera di Patrick (Josh O'Connor) e Art (Mike Faist), rivali ed ex migliori amici. Tra loro c'è Tashi (Zendaya), ex fidanzata dell'uno e attuale moglie e allenatore dell'altro. Luca Guadagnino è sempre stato in grado di catturare le infuocate correnti emotive delle relazioni, come ha dimostrato in film come Io sono l'amore e Chiamami col tuo nome . Per molti dei suoi personaggi, il desiderio è la loro ragion d'essere e la forza trainante del loro arco narrativo. Nella sceneggiatura di Justin Kuritzkes il desiderio è un'arma usata con audacia, e talvolta in modo manipolatorio, dai tre protagonisti. La telecamera di Sayombhu Mukdeeprom osserva i corpi degli attori, catturando ogni barlume di luce nei loro occhi, ogni labbro tremante e fronte sudata. Tutto ciò rende un film ricco di calore sessuale, qualcosa che non si vede molto nel cinema americano contemporaneo. Per le partite di tennis Guadagnino ha qualche asso nella manica. La prima è la musica forte e martellante di Trent Reznor e Atticus Ross. Poi, il rallentamento di molte scene fino quasi all'arresto per mostrare ogni sfumatura di movimento sui volti degli attori ignorando le palline gialle poco interessanti. Challengers ha successo grazie a personaggi complicati, interpretati da attori in procinto di diventare scintillanti star del cinema. [Murtada Elfadl]

Duna: seconda parte

Dune: Parte Due riprende esattamente da dove si era interrotto il suo predecessore, quindi riesce ad avere lo stesso ritmo, aspetto e atmosfera del primo, nel bene e nel male, poiché nessuno dei due film può reggere da solo. Dovrebbero essere presi insieme come un lungo adattamento di cinque ore del romanzo di Frank Herbert. È una polemica su come i mediatori del potere religioso manipolano i sistemi di credenze delle persone per ottenere potere, qualcosa di più di quello che il pubblico di solito ottiene in un film di successo di Hollywood. La storia segue l'ascesa di Paul Atreides (Timothée Chalamet) per guidare la gente del polveroso pianeta desertico Arrakis contro le forze del male. È abbastanza semplice e ha tutto ciò che ci si aspetta da un film del genere: un interesse amoroso necessario, una nemesi violenta e la realizzazione e l'abbraccio del proprio potere da parte dell'eroe. Ma sono questi temi religiosi che lo rendono più di un semplice spettacolo. E spunta anche quella casella: tutto è solo un po' più sontuoso e sorprendente. Le battaglie sono più grandi, le tempeste di sabbia più violente. Dune: Part Two è una corsa emozionante che merita totalmente la sua durata di due ore e mezza. [Murtada Elfadl]

Il male non esiste

Il Male Non Esiste si prende il suo tempo. All'inizio c'è una musica inquietante nella colonna sonora mentre la telecamera si muove attraverso la natura e la vegetazione. Poi un personaggio appare dal nulla, sorprendendo il pubblico. Passa quasi mezz'ora prima che un personaggio parli. In questa dicotomia di pazienza e allarme risiede la genialità del seguito di Ryusuke Hamaguchi del film premio Oscar Drive My Car . È una favola, come un semplice gioco del bene contro il male, che si svolge con una tale densità narrativa da togliere il fiato. La scarna narrazione di Hamaguchi inizia con la costruzione di un senso di spazio. Il pubblico viene presentato al borgo rurale montagnoso di Mizubiki. La telecamera si avvicina al terreno, alle sorgenti, agli alberi ad alto fusto, prima di rivelare eventuali personaggi. Quando un'agenzia di marketing arriva in città rivelando il progetto di costruire un glamping, un personaggio diventa il protagonista: Takumi (Hitoshi Omika), un tuttofare che sembra conoscere meglio la città. Ben presto le persone dell'agenzia (Ryuji Kosaka e Ayaka Shibutani) iniziano a vedere in lui qualcuno che potrebbe aiutarli a convincere i cittadini dei loro piani. Ma prima Takumi deve essere blandito e convinto. Così inizia il gioco; vengono identificati i giocatori e rivelata la posta in gioco. [Murtada Elfadl]

Il ragazzo dell'autunno

Soprattutto, The Fall Guy piace al pubblico. Adattato da Drew Pearce ( Hotel Artemis ) dall'omonima serie TV creata da Glen A. Larson, il film di David Leitch è una grande, astuta scusa per mettere insieme nella stessa inquadratura attori che sono tutti autentiche bombe di fascino. Li circonda con esplosioni e inseguimenti in macchina, divertendosi mentre la musica dei KISS e dei The Darkness rimbomba in sottofondo. Il "capro" è Colt Seavers (Ryan Gosling), uno stuntman veterano che ha un lavoro che gli piace e una ragazza, l'operatore della macchina da presa Jody (Emily Blunt), che gli piace ancora di più. Tutto sembra andare per il verso giusto fino a quando l'attore che fa la controfigura, l'egocentrico Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson), gli chiede di eseguire ancora una volta un'enorme acrobazia di caduta. Le cose vanno male e, proprio così, Colt è fuori dal gioco delle acrobazie con un infortunio alla schiena e una ferita ancora più dolorosa al suo orgoglio. Leitch ha iniziato la sua carriera lavorando negli stuntman, e mette a frutto tutte le sue potenzialità in questo film, regalandoci di tutto, da un'ode a Miami Vice a un'inaspettata scena di combattimento tra camion della spazzatura, fino a, sì, un sacco di odi sullo schermo alle squadre di stuntman che fanno le acrobazie. lavorare sui set cinematografici di tutto il mondo. Anche con l'azione e le acrobazie che funzionano a tutto gas, ciò che fa davvero funzionare The Fall Guy è la partnership tra Gosling e Blunt. Lui interpreta ancora una volta l'eroe sconfitto in cerca di redenzione, come ha fatto così bene in film come The Nice Guys , mentre lei interpreta la donna ambiziosa che sta bilanciando la sua carriera con i desideri del suo cuore. Sono due ore in cui le star del cinema diventano macchine dal fascino assoluto, e a volte è tutto ciò di cui hai veramente bisogno. [Matteo Jackson]

Il rovescio della medaglia

Non è necessario avere una certa età per apprezzare tutto ciò che Chris Wilcha si propone di fare nel suo nuovo documentario Flipside, ma sicuramente aiuta. Il modo in cui questo progetto parla dell'esperienza della Gen X, soprattutto se ti sei mai considerato un artista, è così specifico che sembra quasi un attacco. Per essere chiari, è un complimento. Anche il titolo del film, che condivide con il negozio di dischi vintage del New Jersey fortemente presente nel film, evoca quel momento della vita in cui realizzi che c'è più dietro di te che davanti. Non è che il messaggio del film risulterà opaco per chiunque al di fuori della generazione di Wilcha, tratta anche di concetti universalmente riconoscibili come il rimpianto e il desiderio di lasciare il proprio segno nel mondo, è solo che il viaggio del regista per riconciliare il ragazzo idealista e ambizioso che ha una volta con l'uomo sulla cinquantina che è diventato risuonerà più profondamente con coloro che sono anche loro nella posizione di fare il punto sulla propria vita. Flipside è il tentativo di Wilcha di chiudere il cerchio del lavoro della sua vita, un ritorno all'autoriflessione personale di The Target Shoots First , con la distanza e il senno di poi che 25 anni di esperienze di vita ti daranno. Non è così ombelicale come sembra. Per chiarire il suo punto di vista, Wilcha incorpora filmati dei suoi documentari abbandonati e ritorna persino su alcuni dei suoi ex soggetti in cerca di una sorta di conclusione. Wilcha riconosce che il suo idealismo è stato sostituito dal realismo, la sua ambizione dall’autocompiacimento. Fissa il suo io più giovane e resiste alla tentazione di sussultare. [Cindy Bianca]

Furiosa: una saga di Mad Max

Furiosa: A Mad Max Saga entra ufficialmente nella mia libreria strettamente regolamentata di prequel molto apprezzati perché George Miller è completamente interessato a costruire una vita interiore e una storia per Furiosa che possa esistere senza Fury Road ed essere comunque un film dannatamente bello. E poi Miller esegue l'apice del trucco prequel di trasformare le relazioni, le connessioni e le perdite raccolte in Furiosa in un sottotesto che rende il già sublime Fury Road ancora migliore. La storia di Furiosa è raccontata in cinque capitoli, iniziando quando la incontriamo da bambina (Alyla Browne) che vive nella comunità nascosta e idilliaca del Luogo Verde di Molte Madri, poi attraverso 15 anni della sua vita, finendo intorno ai venticinque anni quando è diventata l'Imperatrice Furiosa (Anya Taylor-Joy) all'interno della Cittadella di Immortan Joe (Lachy Hulme) molto più giovane. E Furiosa è ancora un'esperienza. Ti inghiotte come la sabbia e ti tiene stretto fino alla fine. Il direttore della fotografia Simon Duggan ( Il grande Gatsby ) non perde un passo quando prende la bacchetta visiva dal direttore della fotografia di Fury Road John Seale. Furiosa travolge i sensi, soprattutto in IMAX, mentre Duggan e Miller ti immergono nei veicoli mentre rimbombano sulle dune o percorrono i tratti di strada che collegano la Cittadella a The Bullet Farm e Gastown. Quasi ogni pezzo di Furiosa risulta viscerale e reale, il che ti ricorda quanto sia speciale vivere questo tipo di esperienza al cinema di tanto in tanto. [Tara Bennet]

Luce fantasma

Co-diretto da Alex Thompson e dalla sceneggiatrice Kelly O'Sullivan, Ghostlight annovera tra i suoi protagonisti una coppia sposata nella vita reale e la loro figlia, alimentando il suo senso di autenticità. Il risultato è un piccolo gioiello su misura sulla ricerca di canali costruttivi per sentimenti profondi e scomodi. In un sobborgo dell'Illinois, l'operaio edile Dan (Keith Kupferer) è colpito da una stitichezza emotiva che lo lascia sempre più alla deriva da sua moglie Sharon (Tara Mallen) e la loro figlia adolescente Daisy (Katherine Mallen Kupferer), che sta affrontando una minaccia di espulsione dalla scuola per il suo ultimo episodio di recitazione ribelle. Quando Dan scatta al lavoro, questo fugace momento di rabbia pubblica attira l'attenzione dell'attrice Rita (Dolly De Leon). Percependo qualcosa, Rita trascina Dan a un tavolo di lettura e gli propone di unirsi alla sua scarna produzione teatrale comunitaria di Romeo e Giulietta , nonostante la sua scarsa familiarità con il testo originale. Dan all'inizio è decisamente sprezzante, poi scettico, ma si ritrova attratto dalle prove del gruppo, uno sviluppo che tiene segreto a sua moglie e sua figlia. Mentre il film procede, il trauma non meglio specificato che incombe sulla famiglia – e i sentimenti complicati, a volte contrastanti che provano i tre – diventano più nitidi. Questo dramma familiare e la guarigione si svolgono poi sullo sfondo di numerosi colpi di scena che portano alla serata di apertura dello spettacolo. O'Sullivan e Thompson supervisionano abilmente un pacchetto tecnico semplice e modesto che produce un fascino senza fronzoli. L'occhio acuto del film per i dettagli dei personaggi e la miscela naturalistica di umorismo e pathos di basso profilo, ben catturati in ampie inquadrature dal direttore della fotografia Luke Dyra, superano il suo tono emotivo leggermente accentuato e l'innato desiderio di compiacere. Nella sua forma più elementare, Ghostlight è un film sul dolore e sull'utilità della comunità nell'elaborarlo, e se ciò sembra ovvio, è ancora abbastanza penetrante come reso qui. [Brent Simon]

Bordo verde

Green Border , l'ultimo film della grande regista polacca Agnieszka Holland , è a dir poco un invito all'azione diretta. Il film fornisce un resoconto sfumato, anche se a volte francamente brutale, delle insidiose condizioni che i migranti devono affrontare al confine polacco-bielorusso, che sono esacerbate o alleviate dalle forze militari e attiviste che si oppongono. Questa particolare frontiera è soprannominata “confine verde” a causa della fitta foresta paludosa che separa i due paesi. Ingannati da una campagna fraudolenta orchestrata dal dittatore bielorusso Alexander Lukashenko, i migranti provenienti dall’Africa e dal Medio Oriente si recano nel paese dell’Europa orientale (noto alleato della Russia) dopo essere stati rassicurati che troveranno un passaggio rapido e sicuro verso la Polonia, potendo così richiedere asilo nell’Unione Europea. Quando attraversano il confine, tuttavia, la pattuglia di frontiera polacca si limita a radunare i rifugiati e a scaricarli attraverso il filo spinato in Bielorussia, dove vengono maltrattati, derubati e rimproverati prima di essere respinti violentemente in Polonia. Holland si avvicina al materiale con rabbia indignata e con i fatti inconfutabili che lo sostengono. Dialogue afferma direttamente il crescente numero di morti dei migranti in Europa e i suoi personaggi sono stati modellati attraverso ore di interviste di pre-produzione con rifugiati, attivisti, residenti polacchi della zona di confine e agenti anonimi di pattuglia di frontiera. Presentando il film in un sontuoso bianco e nero (abilmente ripreso dal frequente collaboratore Tomasz Naumiuk), Green Border sembra senza tempo nel suo approccio, sottolineando ancora una volta la violenza passata e attuale contro quelle ritenute "minacce" sociali. Il trattamento dei rifugiati africani e mediorientali, degli ebrei europei, dei civili palestinesi, sono tutti collegati dal sadismo sancito dallo stato e da coloro che obbediscono ciecamente alla propaganda riduttiva. La cosa più meravigliosa di Green Border , a parte il suo clamoroso impegno per l'umanizzazione, sostenuto da una narrazione emozionante e straziante, è che non lascia nessuno fuori dai guai. [Natalia Keogan]

Come fare sesso

Il debutto della scrittrice e regista Molly Manning Walker, How To Have Sex segue la tradizione di molte commedie sessuali adolescenziali. La differenza è che How To Have Sex è crudo, realistico e affronta temi seri come il sesso e il consenso. La premessa suona familiare: tre amici britannici trascorrono le vacanze estive in Grecia durante l'ultimo anno di liceo. Skye (Lara Peake) ed Em (Enva Lewis) sono leggermente più esperte di Tara (Mia McKenna-Bruce), che spera di perdere la verginità durante questo viaggio. Il regista è in sintonia con il modo in cui gli amici adolescenti si comportano tra loro. Il modo dolce in cui si prendono cura l'uno dell'altro e dimostrano il loro amore reciproco. Le piccole lamentele e le animosità inspiegabili che a volte guidano il modo in cui reagiscono l'una all'altra. Il cameratismo e l'oneupmanship. L'abbandono che provano quando non sono presenti gli adulti. L'esaltazione che accompagna l'alcol. Oltre a ciò, Manning Walker si trova a cavallo di quella linea sottile in cui il consenso diventa dissenso e il desiderio diventa repulsione. La sua telecamera sonda con sensibilità i volti degli attori e l'ambiente circostante per raccontare la storia che i personaggi non possono verbalizzare. Ricordando una giovane Kate Winslet, con la stessa calda presenza sullo schermo e la stessa impavidità emotiva, McKenna-Bruce fissa il film con una performance superba. Manning Walker mantiene l'attenzione sul punto di vista di Tara, così il pubblico sente quello che prova lei in ogni momento. E la maggior parte delle volte Tara non ne è sicura, ed è questo che rende la sua storia affascinante e questo film avvincente. [Murtada Elfadl]

Centinaia di castori

Un trapper improvvisato, Jean Kayak (co-sceneggiatore/protagonista Ryland Brickson Cole Tews), appena scongelato e solo nella tundra, si è ritrovato catapultato indietro nel tempo, in un'epoca in cui ogni azione ha una reazione comica, in un'epoca in cui tu potremmo segare l'estremità di un'asse e poi restare lì in aria, con la gravità che ci dà il periodo di grazia per ridere a crepapelle prima di pagare il pedaggio. La commedia in bianco e nero senza dialoghi Hundreds of Beavers è assemblata da parti disparate come The Legend of Zelda , The Gold Rush di Charlie Chaplin , JibJabs, l'animazione di Terry Gilliam, Guy Maddin e Jackass . Acme è famoso tra gli stop trick alla Méliès e le marionette dei Muppety, mentre la sua estetica vira dal dipingere un'ampia violenza su una tela innevata al correre attraverso le viscere oscure di un'elaborata fortezza espressionista tedesca. È stupido, è sublime. La prima volta che una delle creature vestite da mascotte mangia merda sul paesaggio ghiacciato, riderai. E non ti fermerai finché non arriveranno i titoli di coda. Una delle migliori commedie degli ultimi anni, Centinaia di castori potrebbe effettivamente contenere più battute finali che castori. Riconoscendo e rivendicando i metodi utilizzati agli albori del cinema, la scandalosa escalation della classica dinamica cacciatore-caccia da parte del regista Mike Cheslik diventa una miracolosa celebrazione fai-da-te di verità durature e universali su come ci facciamo ridere a vicenda. [Jacob Oller]

Ho visto il bagliore della TV

Con il loro film precedente, l'eccellente We're All Going To The World's Fair , la sceneggiatrice e regista Jane Schoenbrun ha tracciato quel tipo di ossessione sotto forma di un oscuro gioco su Internet con conseguenze potenzialmente pericolose. Questa volta Schoenbrun diventa più personale e soprattutto inquietante. I Saw The TV Glow è uno straordinario ritratto dell'ossessione per la cultura pop: di come può unirci, cambiarci e propagarsi attraverso le nostre intere vite in modi sia edificanti che inquietanti. La particolare ossessione per la cultura pop che domina I Saw The TV Glow è The Pink Opaque , un dramma adolescenziale soprannaturale che va in onda fino a tarda notte il sabato sera. Segue due migliori amici uniti a lunga distanza da una connessione psichica, che li aiuta a combattere ogni sorta di mostri. Owen (interpretato da Ian Foreman da preadolescente e Justice Smith da liceale) è un ragazzino solitario che ha intravisto lo show mentre navigava sul canale, ed è abbastanza incuriosito da avvicinare la superfan Maddy (Brigette Lundy-Paine) a proposito di The La vera natura di Pink Opaque . Le immagini del film evocano la sensazione di guardare due persone alla deriva in un mare di realtà noiosa e sbiadita, che navigano di qua e di là alla ricerca del tessuto connettivo che darà significato alle loro vite. Naturalmente, il vero nocciolo di I Saw The TV Glow arriva quando Schoenbrun si concentra sulla natura trasformativa dell'ossessione dei loro personaggi, che potrebbe portare a una metamorfosi o potrebbe semplicemente innescare pericolosi e paralizzanti episodi dissociativi. Se sei disposto ad appoggiarti al film e seguire l'istinto della poesia tonale di Schoenbrun, troverai qualcosa di magico. Hanno tracciato una narrazione che è allo stesso tempo la storia di un media che cambia la vita di qualcuno e la storia di qualcuno che fa un lungo viaggio verso chi è veramente. [Matteo Jackson]

L'idea di te

Con una delle migliori attrici della sua generazione che offre una delle sue migliori interpretazioni e un sincero senso di passione che farà canticchiare il pubblico entusiasta, The Idea Of You è una delle migliori commedie romantiche che abbiamo visto in un bel po'. The Idea Of You segue Solène (Anne Hathaway), una mamma single che ha riversato tutte le sue energie nel crescere una figlia adolescente (Ella Rubin) e nella gestione di una galleria d'arte alla moda nel quartiere di Silver Lake a Los Angeles. Ma Solène non è timida nell'ammettere che sta cercando qualcosa di più, un senso di appagamento che spera di trovare in un viaggio in campeggio da solista che sta pianificando. Cioè, fino a quando il suo frustrante ex marito (Reid Scott) rinuncia a portare la figlia e i suoi amici a Coachella per vedere August Moon, una boy band in stile One Direction che amava alle medie. Solène si ritrova faccia a faccia con Hayes Campbell (Nicholas Galitzine), il bello e affascinante cantante di August Moon, che è preso dalla sua sicurezza di sé e dal suo iniziale fallimento nel riconoscerlo. È un bell'incontro, di cui Solène alza le spalle, almeno finché Hayes non si presenta nella sua galleria nel tentativo di farsi conoscere, dando inizio a una vorticosa storia d'amore che porterà la mamma single quarantenne in giro per il mondo. con la pop star 24enne. Hathaway si rilassa in un ruolo molto umano e molto vulnerabile, collocandosi proprio nelle principali tasche emotive della storia e ribollendo con un misto di desiderio, dubbio e gioia. Che Galitzine sia in grado di condividere lo schermo con lei senza perdere completamente la messa a fuoco è un risultato, ma poi va oltre, abbinando i suoi ritmi emotivi per un suo grande lavoro. Tutto questo, oltre ad alcuni brani molto accattivanti di boy-band, un tono comico disinvolto e un terzo atto che fa indovinare almeno un po' anche i fan più esperti delle commedie romantiche, significa che The Idea Of You è un nuovo pezzo molto gradito per il canone della commedia romantica. [Matteo Jackson]

In una natura violenta

Il film d'esordio di Chris Nash, In A Violent Nature , coinvolge immediatamente il pubblico nel pantano mutevole dell'ecosistema dello slasher, con il suo protagonista Johnny (Ry Barrett) che striscia fuori da uno strato di limo e foglie morte dopo una conversazione abbastanza innocua tra voci disincarnate. . È come se i boschi stessi fossero posseduti, rendendo confuso il confine tra ambientazione e personaggi, tutto ciò è caratteristico dell'insolito cinema di Nash. Lo sfondo sfuma nel primo piano, l'azione nell'inazione, la violenza nella serenità naturale. Con una prospettiva così tranquilla, che rimane immancabilmente bloccata nella prospettiva del cattivo, c'è il potenziale per sembrare un espediente di un videogioco, ma Nash mette in risalto il valore cinematografico di questo punto di vista metodico. Ogni senso di inganno viene eluso dallo stretto controllo del tono e dello spazio da parte del regista. Le riprese sono composte meticolosamente con lunghe riprese singole, assorbendo il suono dei rami che scricchiolano e dei ramoscelli che si spezzano senza musica che interferisce, lasciando che la paziente scansione del mondo circostante sostituisca la partitura. Attraverso l'escalation di violenza - culminata in uno degli omicidi più cruenti mai conservati nel film (lo saprai quando lo vedrai) - Nash fa appello alla sensazione puramente fisica di assistere alla morte, impiegando un'empatia viscerale e corporea. Con In A Violent Nature , Nash crea qualcosa di completamente nuovo; composto, vicino e reale. Ma il senso del tono e del tempismo del film dimostrano che comprende anche intimamente il motivo per cui il pubblico è sempre stato coinvolto in queste maratone di sangue, violenza e coraggio. [Anna McKibbin]

Infestato

In Infested di Sébastien Vanicek , un ragno esotico solitario si fa strada in un condominio francese dove un giovane intraprendente (Théo Christine) con la sua famiglia e i suoi amici stanno cercando di costruirsi una vita migliore. Nel corso dei giorni successivi, quel ragno solitario diventa un esercito di aracnidi mortali, implacabili e in costante moltiplicazione in un film che dà filo da torcere al classico horror sui ragni Aracnofobia . Ciò che inizia come una caratteristica creatura soddisfacentemente inquietante alla fine si trasforma in uno scontro survival horror per secoli, culminando in alcuni momenti brutali e davvero sbalorditivi di furia a otto zampe. [Matteo Jackson]

Janet Pianeta

Ambientato nel Massachusetts occidentale durante la nebbiosa estate del 1991, Janet Planet , il debutto cinematografico della drammaturga vincitrice del Pulitzer Annie Baker, cattura squisitamente la trama di questo tempo e di questo luogo attraverso uno sguardo adolescenziale. Mentre le opere di Baker prevedono scene estese in spazi chiusi, la sua incursione nel cinema è formalmente assicurata, implementando il suo interesse di lunga data per dialoghi taglienti ma tortuosi insieme a lussureggianti immagini in 16mm. Alcuni potrebbero trovare il suo stile narrativamente insipido, ma i fan della sua opera più ampia troveranno un conforto familiare - e un fascino ampliato - nelle minuzie silenziose che trasmette alla celluloide. Dopo aver chiamato a casa con impassibili minacce di suicidio, l'undicenne Lacy (l'impressionante nuova arrivata Zoe Ziegler) convince adeguatamente sua madre, Janet (Julianne Nicholson), a prenderla da quello che avrebbe dovuto essere un lungo campo di pernottamento. Solo allora Lacy si rende conto che tornare a casa potrebbe non essere stata la decisione più saggia, poiché dovrà condividere lo spazio con l'attuale fidanzato di sua madre, Wayne (Will Patton). Mentre la relazione tra Lacy e sua madre è costellata di segni di codipendenza da manuale, Janet è fin troppo ansiosa di condividere il suo tempo con una porta girevole di amanti, amici e consigli spirituali, con grande frustrazione malcelata di sua figlia. Janet Planet si concentra sulla presunta mondanità, dalla passeggiata solitaria di Lacy alle terribili lezioni di piano fino alle prolisse divagazioni spirituali di Avi. Eppure Baker è anche in sintonia con il modo in cui gli ambienti di routine possono essere intensificati dalla prospettiva rosea di un bambino - un centro commerciale diventa un elaborato parco giochi, un nuovo shampoo prima della doccia un esperimento stuzzicante - aggravato qui dalla magia dello smog estivo. Pochi artisti riescono a trascendere così facilmente le etichette artistiche, ma Annie Baker ha dimostrato di possedere il talento naturale per la narrazione silenziosa attraverso i mezzi. [Natalia Keogan]

Tipi di gentilezza

C'era un brivido sovversivo nel titolo originale del nuovo film antologico di Yorgos Lanthimos, la “favola trittica” Kinds Of Kindness .  Chiamare un film “ E ” avrebbe infranto praticamente ogni regola di buon senso SEO e di marketing; l'idea stessa sembrava una sfacciata due dita ai dirigenti dello studio e ai motori di ricerca di tutto il mondo (anche se avrebbe rappresentato un po' un incubo per chiunque cercasse di trovare gli orari degli spettacoli). Ma guardando Kinds Of Kindness – che vede Lanthimos riunirsi con Efthymis Filippou, suo partner di scrittura su quasi tutto tranne The Favorite e Poor Things – la saggezza del suo nuovo titolo diventa chiara, e il fascino ribelle del nome originale viene rapidamente dimenticato. Se avete mai visto un film di Lanthimos, riconoscerete un evidente sottofondo ironico in questo nuovo titolo, poiché la compassione e l'altruismo sono abitualmente assenti dai suoi mondi sterili. Ma più delle altre collaborazioni di Lanthimos e Filippou, Kinds Of Kindness è anche un'immersione intensamente gelida nelle distopie psicologiche del duo—dove le identità sono surrealmente deformate e le emozioni sconcertantemente fredde—e quindi l'enfasi del titolo sulla connessione umana sembra perfettamente appropriata. I tre capitoli di Kinds Of Kindness  sono ovviamente collegati dai loro titoli: "The Death of RMF", "RMF is Flying" e "RMF Eats A Sandwich", che fanno tutti riferimento a un uomo silenzioso e altrimenti anonimo che è più vicino all'essere un asse della trama rispetto a un personaggio reale. Ogni episodio condivide anche una ristretta troupe di attori: Jesse Plemons, Emma Stone, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Hong Chau, Mamoudou Athie e Joe Alwyn (con Hunter Schafer che appare solo nel capitolo conclusivo). Ma in sostanza, ciò che più unisce le tre storie del film è la comune esplorazione della scelta e del controllo, della sottomissione e della sottomissione. Il film non è diverso dalla versione folle di The Five Love Languages : solo che qui gli “atti di servizio” volontari sono reimmaginati come sacrifici compiuti per soddisfare le sadiche richieste dei tiranni emotivi. A prima vista, Kinds Of Kindness può sembrare privo di alcuni degli elementi superficiali più associati al lavoro di Lanthimos: ad esempio, il direttore della fotografia Robbie Ryan ritira in gran parte qui il suo obiettivo fish-eye, dopo averlo messo in rotazione pesante su Poor Things . Ma in modi più profondi, il film sembra il picco di Lanthimos. Dopo alcuni anni di collaborazione con altri scrittori su film più accessibili, il regista si riunisce con Filippou per approfondire il loro stile peculiare, mai più audace o più controverso di quanto non sia qui. Dopo la breve incursione di Poor Things nel lieto fine, Kinds Of Kindnessvede Lanthimos tornare al tipo di film in cui sembra perverso dire "divertiti". In breve: il mostro greco è tornato. [Farah Cheded]

La Chimera

Il passato è così vicino che puoi quasi toccarlo nella romantica caccia al tesoro di Alice Rohrwacher, La Chimera . Ambientato nello spazio liminale tra la vita e la morte, meglio conosciuto come la campagna italiana, la narrativa attentamente scavata di Rohwacher porta alla luce una meditazione divertente e profondamente soddisfacente sulla perdita e sulla speranza. Incontriamo Arthur (Josh O'Connor) in un sogno. Dalla sua prospettiva in prima persona ammira il volto della donna che ha amato, ha perso e che desidera disperatamente ritrovare, Beniamina (Yile Yara Vianello). Perseguita Arthur appena oltre la sua portata, lasciando dietro di sé un filo rosso del passato che lui desidera tirare. Fortunatamente, questo è ciò che Arthur sa fare meglio. La ricerca principale di Arthur è un Santo Graal di altro tipo. Ritornato in Italia nella speranza di riconnettersi con Beniamina e saldare un debito persistente, Arthur si riunisce a malincuore con la sua vecchia banda di tomaroli italiani, o predoni di tombe. Vanno alla ricerca di oggetti di valore trovati nel loro cortile, aiutati in gran parte dal legame soprannaturale di Arthur con i sotterranei della Toscana di un tempo. I tombaroli vivono tra le rovine, chiamando casa baracche sgangherate, prive di riscaldamento, mobili o persino pavimenti. A questo punto, nell'abito di lino bianco in decomposizione con cui apparentemente è nato, Arthur inizia ad assomigliare alle reliquie a cui dà la caccia. Trova la sua prima tomba a casa di Beniamina, dove risiede sua madre, Flora (un'Isabella Rosellini che conforta senza sforzo). Con i bordi arrotondati che ricordano la fotografia 16mm, il film ha un'atmosfera da vecchio mondo, come se stessimo vedendo qualcosa di scoperto del passato. Scritta con Carmela Covino, che ha contribuito a Happy As Lazzaro di Rohwacher e al suo cortometraggio candidato all'Oscar Le Pupille , e Marco Pettenello, la sceneggiatura di Rohwacher nasconde sorprese dietro ogni battuta, rivelando elementi del passato di Arthur e ricontestualizzando il suo presente. La Chimera, una delizia formale che non manca di sorprese, incanta lo spettatore con i suoi spazi decadenti e le sue performance vivaci. [Matt Schimkowitz]

Uomo scimmia

Dev Patel ha fatto i compiti. Ma una cosa è conoscere le proprie influenze, un'altra è metterle in pratica sullo schermo senza perdere nulla della propria voce unica. Nonostante tutti i suoi numerosi trionfi - e Monkey Man è un film pieno di trionfi a livello di momento - il film di Patel potrebbe aver trovato il suo più grande successo nel modo in cui traduce in modo fluido e potente l'amore puro e cinetico del regista per il cinema in qualcosa di audace, nuovo e indimenticabile. Patel interpreta Kid, un giovane inzaccherato che vive nei bassifondi dell'India. Il ragazzo ha cicatrici, sia mentali che fisiche, che non svaniranno mai, almeno non finché non si sarà avvicinato abbastanza da premere il grilletto e ottenere la sua vendetta sugli uomini responsabili del suo dolore. Nelle numerose sequenze d'azione di Monkey Man , gli spettatori vedranno di tutto, da Taxi Driver a The Big Boss , a The Raid , a The Villainess , e molto altro ancora, il tutto trasmesso con energia sfrenata e frenetica da Patel e dalla direttrice della fotografia Sharone Meir. Ma Patel non si limita a mettere insieme i riferimenti, né sta giocando secondo tutte le regole che una vita passata a guardare film d'azione avrebbe potuto insegnargli. Nonostante tutto il sangue e tutta la brutalità - e ce n'è molto , tutto sapientemente realizzato - Monkey Man raggiunge la sua massima potenza quando si calma. Kid non è solo un combattente che porta con sé decenni di dolore, ma un uomo che cerca di trovare un modo per calmare la sua mente inquieta e lenire il suo cuore dolorante. Patel approfondisce le metafore della storia che sta raccontando più di quanto una storia d'azione sembri suggerire, inserendo Kid non solo tra i poveri, ma tra gli emarginati che osano percorrere la propria strada in una società che continua a spingerli indietro. Infonde nel film un senso di comunità e aggiunge tono mitico in modi che il viaggio di Kid da solitario non avrebbe mai potuto fare. Monkey Man è un trionfo muscolare, emotivo e feroce di un film e, quando sarà finito, vorrai tornare indietro e guardarlo di nuovo. [Matteo Jackson]

Orione e l'oscurità 

L'idea di un film d'animazione per bambini scritto da Charlie Kaufman, lo scriba ansioso di film metafisici con bambole-nido come Se mi lasci ti canta , sembra improbabile quanto un film Disney di categoria G diretto da David Lynch, o Nine Il frontman degli Inch Nails Trent Reznor mentre compone una colonna sonora per la Pixar. Eppure quelle cose sono accadute, acclamate in abbondanza, e ora è successo anche questo. Orion And The Dark potrebbe non somigliare quasi per niente a nessun film di Charlie Kaufman fino ad oggi, ma porta con sé la sua personalità. Anche se questo potrebbe essere un po’ eccessivo per i bambini più piccoli, per i bambini di 11 anni come quelli raffigurati in questa storia, potrebbe toccare le corde semplicemente rifiutandosi di sottovalutare la loro intelligenza. Qui, prende un libro per bambini, progettato per aiutare i bambini di 4 anni a superare la paura del buio, e parla del terrore esistenziale, proprio nell'età in cui la maggior parte dei bambini inizia a sperimentare una cosa del genere senza necessariamente avere un nome per cui. Esso. Il regista Sean Charmatz ( Trolls: Holiday In Harmony ) mantiene le immagini a misura di bambino, ma mantiene anche la voce di Kaufman riconoscibile ovunque. E sebbene Orion And The Dark sembri seguire i movimenti di un film per famiglie, presenta alcune curve serie nel percorso verso una risoluzione amorevole ma emotivamente devastante. Ai bambini piacerà? Diciamo solo che i riferimenti a David Foster Wallace, Saul Bass e Werner Herzog (che interpreta se stesso) probabilmente non sono per loro, ma sono molto per te. Il libro originale richiede il giudizio di un genitore sul fatto che il loro bambino di 4 anni sia pronto ad affrontare le paure del buio; il film ne richiede uno riguardante le capacità dei loro bambini di 11 anni di affrontare la paura della morte, i bulli, l'apocalisse climatica e letteralmente tutto ciò a cui riescono a pensare... e oltre. [Luke Y. Thompson]

Il jolly del popolo

Pieno di creatività fai-da-te, un osservatore casuale potrebbe pensare che The People's Joker sia semplicemente un progetto di fan guidato da un creatore emarginato. Tuttavia, la regista Vera Drew, con la co-sceneggiatrice Bri LeRose, utilizza le bozze di Joker del 2019 come trampolino di lancio per esplorare le proprie esperienze con le sale calcificate dell'industria della commedia, i modi in cui le persone danneggiate si feriscono a vicenda per vergogna e ignoranza, e le sue difficoltà nel scoprire la sua identità transgender. Narrando retrospettivamente la sua storia dagli umili inizi rurali da bambina a Smallville, Joker l'Arlecchino (Vera Drew) ci guida attraverso una giovane età adulta in cui sua madre (Lynn Downey) la sottopone a un regime del farmaco antidepressivo Smylex, e la celebrità della commedia è un percorso per fuggire sul palco di UCB Live , una parodia poco sottile della Upright Citizens Brigade, SNL , e del suo showrunner Lorne Michaels (un facsimile animato agitato doppiato da Maria Bamford). Girato interamente su schermo verde, The People's Joker porta con sé un'estetica orgogliosamente artificiale che si oppone alle nozioni convenzionali di coerenza. Personaggi animati in 3D e stop-motion o come pupazzi interagiscono con il cast umano, a volte con deliberata cura nella costruzione, altre volte con un'altrettanto deliberata disattenzione post-punk. Alcune scene sono interamente animate in 2D, non solo per l'azione intensa ma per i momenti profondamente intimi, segnalando che questa scelta creativa non è intesa esclusivamente a tagliare gli angoli di budget. È un'estetica caotica che risulta coerente perché è così caotica. Da un lato, critica direttamente i meccanismi artificiali attraverso i quali i blockbuster ad alto budget raccontano le loro storie, ma fornisce anche una strada per una narrazione profondamente personale nel quadro della nostra mitologia culturale condivisa. Il Joker del Popolo è una chimera fatta di conflitti e contraddizioni, ma lo siamo anche tutti noi. Il nostro puzzle di esperienze umane è universalmente disordinato, e se c'è una cosa che Drew sembra dirci, è che dovremmo assaporare quei paradossi. Allora non dovremo più dipingere sui sorrisi. Possiamo semplicemente essere felici. [Leigh Monson]

Sogni robotici

L'eclettico regista spagnolo Pablo Berger ha già realizzato film muti, ma mai uno come Robot Dreams . Una pubblicità turistica di New York per chiunque pensi che WALL-E sia esaurito a Big Talkie dopo aver rotto il voto di silenzio iniziale, Robot Dreams comunica i dolori, i dolori e le gioie di un'amicizia rinviata senza una parola di dialogo. Sebbene i suoi personaggi dal design minimale non parlino, gli aspetti pratici dei sogni di questo robot complicano il tour di Berger a New York, pieno di autentici paesaggi sonori urbani e una popolazione di animali antropomorfi e i loro compagni robot. Aprendo sul Queensboro Bridge sotto il profondo crepuscolo blu, Robot Dreams ci presenta Dog, un bastardino solitario che vive negli anni '80 e trascorre un'altra notte con Atari e maccheroni al formaggio congelati. Dopo essersi picchiato a Pong (di nuovo), Dog riconosce finalmente la solitudine di picchiarsi a Pong (di nuovo). Quindi, per volere di uno spot pubblicitario al momento giusto, ordina un nuovo amico: Robot. Con un semplice movimento del collo, Robot prende vita come un PC dell'era Reagan che carica il DOS e, all'improvviso, la vita di Dog ha uno scopo. La forza di Robot Dreams sta in Robot e Cane, che assomigliano alle ombre animate di Abbott e Costello o di Stanlio e Ollio. Tenendo a mente questi archetipi, Berger evidenzia le loro differenze per la massima comunicazione. Il cane è pragmatico e attento, consapevole delle conseguenze delle infrazioni sociali e ne paga il prezzo. Robot ha una mentalità più aperta e pronto ad accogliere ogni nuova avventura con un sorriso e un saluto di benvenuto. Ma nella loro separazione, trovano difficile connettersi con coloro che li circondano. Con Robot Dreams , Berger ha anche creato una New York City esteticamente gentile ma emotivamente indurita. Operando nella convinzione che ci sia poco che si possa controllare in una città di quelle dimensioni, Berger permette al suo film di fare voli di fantasia che tornano alla compagnia. Come può una città così piena di gente sentirsi così sola? Senza dire una parola, Robot Dreams ha una risposta. [Matt Schimkowitz]

Stopmotion

Aisling Franciosi recita in questa storia agghiacciante e scomoda nei panni di un'animatrice in stop-motion che si ritrova coinvolta in una nuova idea per un film a tal punto da diventare alienante, spaventosa e, in definitiva, pericolosa. La promessa di esplorare lo spazio dell'orrore attraverso l'animazione stop-motion è una ragione sufficiente per dare un'occhiata al film di Robert Morgan, ma la potente performance di Franciosi spinge Stopmotion oltre gli espedienti e nel regno del terrore emotivo davvero straziante, mentre l'arte e l'artista si fondono in qualcosa di nuovo, violento. e indimenticabile. [Matteo Jackson]

Thelma

Quanto spesso arriva un film che puoi tranquillamente consigliare letteralmente a tutti nella tua vita? Non abbastanza spesso. Solo per questo motivo Thelma merita di essere celebrata. Ciò non dipende solo dalla giocosa premessa di parodia dell'azione o dal cast multigenerazionale, anche se entrambi meritano di essere elogiati. Thelma è semplicemente un film divertente con un protagonista accattivante per il quale non puoi fare a meno di fare il tifo. In questo caso aiuta il fatto che la protagonista sia interpretata dall'indomabile June Squibb ( Nebraska e molti, molti altri ). A 93 anni mantiene abilmente il centro di questo film nel ruolo della protagonista, con un piccolo aiuto da parte del defunto Richard Roundtree (lo stesso Shaft) nei panni del suo amico di lunga data e compagno di avventure Ben. È un piacere trascorrere del tempo con questi esuberanti personaggi mentre attraversano la San Fernando Valley a bordo di uno scooter a motore in una ricerca donchisciottesca per rintracciare i ladri che hanno truffato 10.000 dollari a Thelma al telefono. Il regista esordiente Josh Margolin, che ha scritto, diretto e montato il film, ha affermato di aver basato il personaggio di Thelma su sua nonna. Ci sono tanti piccoli tocchi che aggiungono dimensione ai personaggi, come una gag in cui Thelma continua a credere di riconoscere estranei casuali, o Ben che interpreta Daddy Warbucks in una produzione per soli adulti di Annie , o i momenti per i quali non vengono riprodotti ride, come quando parlano di tutte le persone che conoscono che sono morte. Margolin resta saggiamente alla larga dagli attori in queste scene. Dà loro solo spazio e li lascia cucinare. Da un lato, Thelma è una svolta divertente e divertente nel genere d'azione. È un giro divertente che dura circa 90 minuti ventilati. Se questo è tutto ciò che ne trai, va benissimo. A un livello più profondo, però, ha alcune cose importanti da dire sulle fasi finali della vita. Potrebbe farti pensare a parole come “dignità” e “decenza”. Ti chiede di apprezzare quanto sia difficile mantenere il tuo senso di sé mentre il tuo corpo e la tua mente iniziano a scivolare via. Ti incoraggia a guardare gli anziani intorno a te con rispetto. Qualunque sia il modo in cui ti avvicini al film, è una bella uscita estiva per il pubblico di tutte le età. [Cindy Bianca]

Siamo cresciuti adesso

Fin dal primo scatto, il magistrale We Grown Now di Minhal Baig ti cattura. Un'inquadratura fissa di un corridoio vuoto (nel, come apprendiamo, il progetto di edilizia residenziale Cabrini-Green a Chicago) ti invita a scoprirlo, a lasciare che le molte vite che ospita ti attraversino. Sentiamo raschiare. Sentiamo il cigolio delle scarpe da ginnastica. Sentiamo, e presto vediamo, due bambini. Portano un materasso. C'è un senso di curiosità senza fretta che viene risvegliato da questa immagine, da questa azione. E con il tempo, l'ultimo lungometraggio di Baig si afferma ulteriormente come uno splendido gioiello di film con un senso del luogo distinto e avvincente. L'anno è il 1992 e i due ragazzi che incontriamo per la prima volta nella sequenza di apertura sono i migliori amici Malik ed Eric (Blake Cameron James e Gian Knight Ramirez), due ragazzi neri che hanno imparato a rendere Cabrini-Green uno spazio ampiamente immaginato in cui vivere. prosperare. Quel materasso che portano faticosamente giù per diverse rampe di scale e poi attraverso un'area aperta asfaltata prima di sistemarlo accanto a molti altri scartati diventa presto un altro modo per loro di saltare, per volare nell'infanzia innocente che inconsapevolmente custodiscono. Tale innocenza è il principio guida di We Grown Now, il cui titolo ovviamente ci invita a dove andrà a finire il film, nel momento in cui Malik ed Eric dovranno dirsi addio. Nel corso del film, guardiamo questi due ragazzi e le loro famiglie valutare il mondo in continua evoluzione che li circonda: la madre single di Malik (una sincera Jurnee Smollett) lotta per essere promossa e presa sul serio al lavoro, lavoro che copre a malapena le loro spese di soggiorno. Il padre single di Eric (un Lil Rel Howery con i piedi per terra) è ancora in lutto, incerto su come tenere sotto controllo il suo figlioletto ribelle. Forse ciò di cui hanno bisogno è una via d'uscita. Ma se lasciano Calibri-Green, cosa significherà per la vita che hanno fatto lì? Affrontando queste domande - e quelle più ampie sull'edilizia pubblica, la polizia brutale, il razzismo e la pianificazione urbana - il film di Baig è una tenera meditazione su ciò che facciamo con ciò che abbiamo e sui voli dell'immaginazione necessari per tracciare nuovi percorsi da percorrere. [Manuel Betancourt]