Album des Monats Club: Sonntag, 11. Dezember, 16 Uhr EST

Hinweis: Dies wird etwas anders sein, da es zu Lebzeiten dieser Künstler keine Alben gab. Also ging ich zurück und stellte aus verfügbarem Material, hauptsächlich von YouTube, ein „virtuelles Album“ zusammen.

Mangels eines klaren Ausgangspunkts sagen wir einfach, dass dieses Projekt begann, als ich beschloss, mich beim Schreiben für den Rest des Jahres 2022 auf Künstlerinnen zu konzentrieren. Ein Auslöser war eine bestimmte Entscheidung des Obersten Gerichtshofs, die im vergangenen Sommer gefällt wurde, aber der Hauptgrund war genau das Tatsächlich brechen Frauen überall auf der Welt Barrieren und Stereotypen in der Musik ab, und das wollte ich feiern.

Eines der größten Klischees, das heute in Frage gestellt wird, lässt sich wie folgt zusammenfassen: „Mädchen spielen keine Gitarre.“

Heutzutage sind Frauen in der amerikanischen Popmusik (die alles von Pop bis Hip-Hop umfasst) weitgehend auf die Singer-Songwriter-Spur beschränkt. Wenn wir auf unseren musikalischen Geschichtskanon zurückblicken, scheint es, als wäre das schon immer so gewesen. Die großen weiblichen Stars des Jazz, Swing und Blues waren alle Sängerinnen – zumindest die, von denen wir hören.

Sie könnten das Wort „Gitarre“ ersetzen und sagen: „Mädchen spielen kein Schlagzeug … oder Klavier … oder Trompete …“ und die Botschaft ist dieselbe.

Nur war es eigentlich nicht so. In den 20er, 30er und 40er Jahren gab es großartige Komponistinnen, Bandleaderinnen und Instrumentalistinnen. Nach dem Zweiten Weltkrieg wurden sie weitgehend aus der Mainstream-Musikindustrie und aus der offiziellen Geschichtsschreibung gelöscht. Dies war kein Unfall – zum Teil wurde es von denselben Kräften angetrieben, die Rosie the Riveter von ihrem Fabrikjob nach Hause schickten, nachdem die Männer aus dem Krieg zurückgekehrt waren.

Aber es geht noch weiter zurück. Selbst in ihrer Blütezeit wurden diese Musiker anders behandelt als Männer. Ihnen wurden nicht so schnell Plattenverträge angeboten wie männlichen Künstlern und es wurden ihnen keine Positionen als Leiter der Hausbands an großen Veranstaltungsorten angeboten, selbst wenn sie auf Tournee äußerst beliebt waren. Das bedeutet, dass sie weniger Material für den Abbau zurückließen. Schlimmer noch: Einige Werke weiblicher Bandleaderinnen mit männlichen Musikern wurden später unter den Namen dieser Männer wiederveröffentlicht.

Der vielleicht wichtigste Grund, warum Musikerinnen unsichtbar gemacht wurden, ist, dass die meisten Schriften über Musik von Männern verfasst wurden, seien es Zeitungskolumnisten, die zeitgleiche Rezensionen schrieben, oder Autoren von buchlangen Geschichten über die Zeit. Die meisten dieser Autoren scheinen Musikerinnen reflexartig herabgesetzt zu haben.

Die einzige bekannte Erwähnung von Ina Ray Hutton in der New York Times ist ein kurzer, beleidigender Nachruf, obwohl sie einst Bands geleitet hatte, die aus einigen der besten männlichen Musiker ihrer Zeit bestanden. Nach eigenen Recherchen der Times wurde Valaida Snow bis zu ihrem verspäteten Nachruf, der 2020(!) veröffentlicht wurde, nur einmal auf ihren Seiten erwähnt.

Vieles von dem, was wir über die Musikerinnen der Vorkriegszeit wissen, stammt nicht aus offiziellen Archiven, sondern aus privaten Sammlungen alter 78er-Jahre und Filmrollenmaterial sowie Bändern einiger der allerersten kommerziellen Fernsehsendungen.

Eine Frau, Rosetta Reitz, gründete 1979 ein Plattenlabel, um die Musik weiblicher Bandleaderinnen aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts auszugraben und wieder zu veröffentlichen, und veröffentlichte über ein Dutzend solcher Sammlungen. Einige der besten Berichterstattungen kommen aus Großbritannien, wo seit langem eine Faszination für die alte amerikanische Musik besteht (die britische Invasion der 1960er Jahre wurde durch ihre Liebe zum amerikanischen Blues und Rock ausgelöst).

Natürlich traten Frauen in den späten 1960er Jahren wieder als Musikerinnen auf, gerade als der Rock kommerziell auf dem Vormarsch war. Ich bin schon lange ein Fan der großen Rockerinnen der 1970er und frühen 1980er Jahre (Joan Jett? Chrissie Hynde? Patti Smith? Um nur einige zu nennen). Diese Frauen wurden immer als Nebensache behandelt, als Imitationen männlicher Rocker , obwohl einige von ihnen genauso innovativ und regelwidrig waren wie alle anderen.

Rock wurde und wird stillschweigend als männliches, überwiegend weißes Musikgenre angesehen (mit einer Handvoll schwarzer Stars wie Chuck Berry, Little Richard und Jimi Hendrix). Stellen Sie sich also meine Überraschung vor, als ich vor ein paar Jahren entdeckte, dass die Person, die es am meisten verdient, als Erfinderin des Rock'n'Roll angesehen zu werden, nicht nur ein Schwarzer, sondern eine Frau war!

Für dieses „virtuelle Album“ habe ich Clips mit Frauen ausgewählt, die nicht in erster Linie Sängerinnen, sondern Bandleaderinnen, Instrumentalistinnen und Komponistinnen waren. Viele von ihnen sangen auch und einige tanzten, aber der entscheidende Punkt ist, dass sie nicht auf diese Rollen beschränkt waren.

Leider trugen die rein weiblichen Bands meist von männlichen Veranstaltern gewählte Namen (z. B. „die Melodears“), die direkt auf ihr Geschlecht hinwiesen. In einem Namen steckt viel, und ich denke, dass diese Namen etwas damit zu tun haben, warum moderne Archivare sie lange Zeit als Kuriositäten abgetan haben.

Achten Sie beim Spielen auf Riffs und Motive, die zu Grundbestandteilen des Rock'n'Roll werden würden. In einigen Songs werden Sie einen Vorgeschmack auf Buddy Holly, Chuck Berry und so ziemlich jeden anderen hören können sang „Rock me, Baby.“

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The Ingenues: „Band Beautiful“ (1928) Die meisten Frauen in dieser Band sind Multiinstrumentalistinnen, die alles spielen, von Banjos bis hin zu Trompeten und Harfen.

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Blanche Calloway war die ältere Schwester von Cab Calloway und zeitweise der größere Star. Sie brachte ihm viele seiner Fähigkeiten bei und sie traten oft zusammen auf. Calloway war der erste weibliche Headliner mit männlichen Sidemen und der erste, der eine rein männliche Jazzband, die Joy Boys, leitete.

Zu ihren frühen Sidemen gehörten Louis Armstrong und Richard M. Jones (der später Armstrongs Produzent wurde). Zu den Joy Boys gehörten die zukünftigen Bandleader Ben Webster, Cozy Cole, Benny Moten und Chick Webb. Sie schrieb das gesamte Material, aber einige ihrer Arbeiten mit diesen Männern wurden später unter ihren Namen erneut veröffentlicht.

„Ich mache mich bereit für dich“ (1931)

„I Need Lovin'“ (1931; dies ist eine Neuaufnahme ihres größten Hits aus dem Jahr 1934)

„Growlin' Dan“ c. 1935

„I've Got What it Takes“ (1931; Herrlich derbe Text für damals oder jederzeit)

Ina Ray Hutton (Hutton leitete von 1931 bis 1939 eine rein weibliche Band, die Melodears, löste sie jedoch auf, nachdem sie frustriert darüber war, als Novum-Act behandelt zu werden. Anschließend rekrutierte sie eine Band aus besten männlichen Musikern und machte noch einige Jahre weiter. ) Hutton und ihre Schwester (eine erfolgreiche Sängerin) waren zwar Mischlinge, galten aber ihr ganzes Leben lang als Weiße.

Medley aus Clips von 1936 mit den Melodears

„Knock me a Kiss“ mit ihrer späteren, rein männlichen Band

Frances Carroll und ihre Koketten mit der Schlagzeugerin Viola Smith (1939)

Ist dies das erste moderne Rock-Drum-Solo?

Valaida Snow war ab ihrem fünften Lebensjahr ein Star, spielte ein Dutzend Instrumente, hatte eine fabelhafte Stimme und lebte ein großes Leben – sie hatte einst eine Limousine mit einem Fahrer in passender Livree und einem Haustieraffen. Sie wurde oft mit Louis Armstrong verglichen, der sie als die beste Jazztrompeterin der Welt bezeichnete – er selbst ausgenommen!

Ihre größten Erfolge erzielte sie bei Aufnahmen und Tourneen in Europa, wo es keine expliziten Farblinien gab und eine weibliche Instrumentalistin eher akzeptiert und willkommen geheißen wurde. Laut dem Nachruf der Times aus dem Jahr 2020 hat sie trotz des Respekts, den andere Musiker ihr entgegenbrachten, nie als Trompeterin in den USA aufgenommen.

„Caravan“ (von Duke Ellington; 1939)

„Mein Herz gehört Papa“ (Cole Porter; 1939)

Die International Sweethearts of Rhythm („die Sweethearts“) wurden 1938 in einem Internat in Mississippi für verwaiste Mädchen gegründet, um ihnen zunächst etwas Positives zu vermitteln und ihnen wertvolle Fähigkeiten beizubringen.

1941 machte sich die Band unabhängig und Anna Mae Winburn übernahm die Rolle der Bandleaderin, die sie bis zu ihrer Auflösung im Jahr 1949 blieb. Winburn hatte zuvor Jazz-Ensembles geleitet, denen auch Männer angehörten, darunter der legendäre Charlie Christian. Anschließend traten sie mit einigen der größten männlichen Acts der Zeit auf, darunter Dizzy Gillespie. Als die Leute den Sweethearts ein Kompliment machen wollten, sagten sie: „Sie spielen wie Männer.“

Die Sweethearts waren nicht nur integriert, sondern auch gemischtrassig – die Band bestand aus asiatischen, lateinamerikanischen und indianischen Mitgliedern. In einem bizarren Rollentausch mussten die weißen Mitglieder der Band versuchen, als Mulatten für die Band auszugeben, um einer Verhaftung wegen Verstoßes gegen die Rassentrennungsgesetze zu entgehen.

Hotelbeschränkungen führten dazu, dass sie auf Reisen oft außerhalb ihres Busses lebten. Während viele männliche Musiker sie hoch schätzten, wurden sie von der Medienwelt und den Label-Machthabern nicht so ernst genommen, wie sie es verdient hätten. Dies schränkte ihre Aufnahmemöglichkeiten ein und ließ uns leider nur wenig Material übrig.

„Ich habe meinen Mann verlassen!“ Die Hauptmelodie könnte direkt oder indirekt die Inspiration für viele spätere Blues- und Rocksongs gewesen sein, darunter John Mayalls „Dust my Blues“, Creams Version des alten Robert Johnson-Klassikers „Crossroads“ und sogar Led Zeppelins „Rock and Rollen".

„Jump Children“ Ab genau 1:00 Uhr dieses Clips gibt es eine Sequenz, die in jeder Hinsicht echter Rock'n'Roll ist (einschließlich des Textes „My baby rocks me…“), nur dass die Spannung fehlt Gitarre.

„How 'Bout that Jive“ mit Tiny Davis, bekannt als der weibliche Louis Armstrong

Ich höre Vorboten von „Johnny B. Goode“. Ich wünschte, das gesamte Trompetensolo wäre erhalten geblieben.

Schwester Rosetta Tharpe war in den 1930er und 40er Jahren ein großer Gospel- und Bluesstar und wird heute von vielen als Patin und Erfinderin des Rock and Roll angesehen.

In den 1950er Jahren geriet sie in Vergessenheit, erlebte aber ab 1957 in England und Europa ein Comeback. Hier ist einer ihrer Auftritte aus dem Jahr 1964. Er hat alles, was man braucht, einschließlich eines E-Gitarrensolos. Brian Jones und Keith Richards von den Rolling Stones sowie Eric Clapton und Jeff Beck reisten alle nach Manchester, um sie spielen zu sehen.

Um an der Zoom-Diskussion am 11. Dezember teilzunehmen, finden Sie hier den Link:

An Zoom-Meeting teilnehmen ID: 88994648226 Passcode: !p5N3BZQ)

Ich habe eine Serie über Schwester Rosetta veröffentlicht, die Sie auf meinem Substack finden können unter:

https://zapatosjam.substack.com/p/sister-rosetta-tharpe-part-1Und

https://zapatosjam.substack.com/p/sister-rosetta-tharpe-part-2

Verweise:

Nachrufe der New York Times auf Ina Ray Hutton, Valaida Snow, Rosetta Reitz und Schwester Rosetta Tharpe

Artikel des Harvard Magazine über Blanche Callowayhttps://www.harvardmagazine.com/2022/05/treasure-blanche-calloway

The Vintage Inn: Artikel über Blanche Callowayhttp://www.vintageinn.ca/2020/03/blanche-calloway-1930s-jazz-singer-bandleader-and-composer/

The Guardian (Großbritannien): Ina Ray Huttonhttps://www.theguardian.com/music/2011/jul/07/ina-ray-hutton-melodears-jazz

„Gründerinnen aller weiblichen Blaskapellen“, The Smithsonianhttps://music.si.edu/story/founders-all-female-brass-bands

Wikipedia-Einträge zu The International Sweethearts of Rhythm, Ina Ray Hutton, Valaida Snow, Anna Mae Winburn, Blanche Calloway, Sister Rosetta Tharpe und Rosetta Reitz

2011 BBC-Dokumentation über Schwester Rosetta Tharpe