10 Lektionen, die wir vom Filmemachen in den 1920er Jahren gelernt haben

"Wir brauchten keinen Dialog, wir hatten Gesichter!" In dem Film „Sunset Boulevard“ von 1950 ist Norma Desmond, ein Stummfilmstar, gespielt von Gloria Swanson, mit dem Medium, das sie berühmt gemacht hat, in Vergessenheit geraten. Sie lebt in einer Fantasiewelt, plant ihr unmögliches Comeback und veranstaltet Kartenpartys, die von anderen ehemaligen Stars wie Buster Keaton und Anna Nilsson bevölkert werden.

Desmond und ihre Freunde sind die Opfer eines einschneidenden Jahrzehnts in der Filmgeschichte. „Sunset Boulevard“ ist in vielerlei Hinsicht eine Hommage an die 1920er Jahre, eine Zeit, in der der Übergang vom Stummfilm zum „Tonfilm“, die Entwicklung des epischen Kinos und die Geburt des Westerns und anderer legendärer Genres stattfand.

In Hollywood war dies die Ära von Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Charlie Chaplin und Rudolph Valentino. Cecil B. DeMille regierte die Abendkasse und Greta Garbo regierte die Leinwand. In der Sowjetunion nutzten die russischen Formalisten ein kurzes Fenster kreativer Freiheit, um Filmtechniken zu revolutionieren , während bildende Künstler auf der ganzen Welt von Japan bis Frankreich neue Wege fanden, um das Medium zu einer kulturellen Kraft zu machen.

1. Kalifornien ist einfacher
2. Wie zu montieren
3. Sterne fallen, Sterne gehen auf
4. Vertikale Integration lohnt sich!
5. Moral zählt
6. Der Klang von Musicals
7. Dialog braucht Schriftsteller
8. Tonfilme werden die Filme nicht töten
9. Dokumentarfilme sind stark
10. Kino kann Kunst sein

"Ben-Hur " war in jeder Hinsicht ein Epos. Das neue Studio von Metro Goldwyn Mayer (MGM) wollte sich einen Namen machen und entschied sich dafür mit einer Kinoversion eines äußerst erfolgreichen Bühnenstücks, das selbst eine Adaption eines Bestseller-Romans war. „Ben-Hur“ spielt in der Zeit Christi und erzählt die Geschichte eines wohlhabenden jungen jüdischen Mannes, der von den Römern versklavt wird, Jesus begegnet und ein Rockstar-Wagenlenker wird.

Es sollte von Anfang an eine große, aufwendige Produktion werden, aber um den Einsatz noch zu steigern, beschloss MGM, den gesamten Film vor Ort in Italien zu drehen. Sie rechneten nicht mit dem neuen Führer des Landes, Benito Mussolini, der zu Beginn der Produktion in einer heftig antiamerikanischen Stimmung war. Arbeitskämpfe, die möglicherweise von Mussolini selbst geschürt wurden, verzögerten die Dreharbeiten erheblich. Irgendwann entdeckte Regisseur Fred Niblo, dass einige der italienischen Statisten vorhatten, einer Kampfszene unerwünschte Authentizität zu verleihen, nachdem sie sich in pro- und antifaschistischen Lagern organisiert und die Requisitenschwerter geschärft hatten.

Mehrere Komparsen ertranken fast während einer Szene, in der ein Boot sank, ein Stuntman kam bei den Dreharbeiten zum legendären Wagenrennen ums Leben, und sogar der Star Ramon Navarro entging nur um Haaresbreite dem Tod. Erstaunlicherweise verloren auch mehr als hundert Pferde ihr Leben für diese Sache, die von Tausenden Statisten bevölkert und von 42 Kameras gefilmt wurde.

Obwohl der Film ein Kassenschlager war, verlor er wegen Kostenüberschreitungen Geld. Mehr als zwei Jahrzehnte nach der Veröffentlichung von „Ben-Hur“ blieb Hollywood zu Hause und zog es vor, riesige Sets (sogar den Vatikan!) Auf seinen eigenen Backlots zu bauen , anstatt das Risiko ausländischer Schwerter einzugehen [Quelle: Hagopian ].

Einhundertfünfundfünfzig Schüsse in fünf Minuten. Es ist schwer, die Wirkung der berühmten „Odessa Steps“-Sequenz in Sergej Eisensteins bahnbrechendem Werk „Battleship Potemkin“ von 1925 zu übertreiben. Als sowjetischer Propagandafilm konzipiert , der auf einem historischen Ereignis basiert, beginnt die Geschichte mit der Meuterei der Besatzung des gleichnamigen Kriegsschiffs der russischen Marine. Beim Einlaufen in den Hafen von Odessa geht die Crew an Land, wo sich die Einheimischen versammeln, um sie zu unterstützen. Zaristische Soldaten massakrieren die Versammlung auf den Stufen von Odessa. Unter den berühmtesten Bildern in der Szene schneidet Eisenstein eine Aufnahme eines Kinderwagens, der die Stufen hinunterrast (Baby an Bord), mit erschütternden Aufnahmen des Gemetzels, das ringsum stattfindet.

Die Sequenz „Odessa Steps“ gilt als Eisensteins gelungenste Illustration seiner Montagetheorie, die auf Folgendes hinausläuft: Die Summe der Teile ist größer als das Ganze. Zwei oder mehr Bilder, die durch Bearbeitung eng nebeneinander gestellt wurden, könnten, so die Theorie von Eisenstein, einen Eindruck erwecken, der über den hinausgeht, den die Bilder selbst darstellen. Er hatte recht. Letztlich ist von „Citizen Kane“ bis „Gangnam Style“ alles ohne Montage undenkbar. Danke, Sergei [Quelle: Johnson ].

„Sie haben die Idole genommen und sie zerschmettert, die Fairbanks, die Gilberts, die Valentinos! Und wen haben wir jetzt? Ein paar Niemande!“ Es ist unmöglich, nicht noch einmal aus „Sunset Boulevard“ zu zitieren. Norma Desmonds Aussage bezieht sich auf die Legende, dass die Stars der Stummfilmzeit steil von einem fast gottgleichen Status zu vergessenen Vergangenheiten abstürzten, die ihre extravaganten Villen heimsuchten .

Und es ist wahr, dass die Qualitäten, die einen zu einem stillen Star gemacht haben, selten in den „Tonfilm“ übersetzt werden. Das Schauspielern im Stummfilm war wirklich eine Form der Pantomime und erforderte so viel expressive Körperlichkeit wie möglich. Die Schauspieler bewegten sich frei am Set herum, und der Regisseur rief während des Films Befehle. Jetzt war das Set plötzlich still und Gesten waren während der Aufnahmen eingeschränkt. Kinetische Schauspieler wie Douglas Fairbanks konnten sich nicht durch das Set schleudern, sondern mussten praktisch bewegungslos bleiben, während sie in ein verstecktes Mikrofon sprachen .

In einigen Fällen standen ausländische oder Arbeiterakzente im Weg, aber häufiger lag die Schwierigkeit bei der neuen Art der geforderten Leistung.

Als viele der alten Garde sich entschieden, sich zurückzuziehen oder ihnen die Tür gezeigt wurde, traten neue Acts aus der Welt des Theaters und des Varietés in ihre Fußstapfen. Früher obskure Künstler wie James Cagney und Barbara Stanwyck wurden in kurzer Zeit berühmt [Quelle: Crafton ].

1948 verklagte die US-Regierung Hollywood. Um genau zu sein, verklagte es die "Big Five"-Studios nach den Sherman Anti-Trust-Gesetzen und behauptete, die Filmgiganten würden illegale Monopole betreiben. Die Regierung gewann den Fall und signalisierte damit den Anfang vom Ende des sogenannten „Studiosystems“ aus Hollywoods Goldenem Zeitalter.

Alles begann in den 1920er Jahren, als eine kleine Gruppe mächtiger Studios einen Prozess begann, den Ökonomen gerne als „vertikale Integration“ bezeichnen [Quelle: Hansen ]. Dies ist eine ausgefallene Art zu sagen, dass sie das Filmgeschäft vom Drehbuch bis zum Kinositz kontrollierten. Einer nach dem anderen begannen Produzenten und Verleiher, Theater aufzukaufen, und 1929 wurden die fünf Majors (Paramount, Fox, MGM, RKO und Warner Bros.), die Hollywood für die nächsten zwei Jahrzehnte regieren sollten, gegründet und von oben nach unten vertikal integriert.

Als diese fünf einen Film drehten, nutzten sie ihre hauseigenen Autoren, um Drehbücher für ihre hauseigenen Regisseure zu erstellen, um ihre hauseigenen Schauspieler auf Film zu bringen, die von ihren hauseigenen Redakteuren in Spielfilme geschnitten wurden, die dann gespielt wurden in den Theatern, die sie im ganzen Land besaßen.

Die vertikale Integration war für die Majors enorm profitabel, und während Dutzende klassischer Filme aus dem Studiosystem kamen, gab es auch eine Menge Schlacke. Ein Teil des Problems bestand darin, dass die Studios eine Praxis namens „Blockbuchung“ verwendeten, bei der ein Kino verpflichtet war, eine Reihe von fünf Filmen zu kaufen, von denen einer gut war und der Rest nicht. Es war ein System-Life-Magazin mit dem Titel „Millionen-Dollar-Mittelmäßigkeit“ in einem Artikel, der das Ende des Studio-Systems feierte [Quelle: Hodgins ].

Es war im Jahr 1921, und Fatty Arbuckle fuhr mit seinem Erfolg als Stammgast in der Keystone Cops-Serie hoch hinaus. Er war so beliebt, dass Paramount einen Dreijahresvertrag über 3 Millionen Dollar mit ihm unterschrieb. Wenige Monate später lag seine Karriere in Trümmern. Auf einer Party, die er veranstaltete, wurde eine junge Frau tot im Badezimmer aufgefunden, und Arbuckle wurde wegen Vergewaltigung und Mordes angeklagt . Nach zwei Gerichtsverfahren wurde Arbuckle schließlich für nicht schuldig befunden – obwohl er mit einer Geldstrafe von 500 Dollar belegt wurde, weil er während seiner Party aus der Prohibitionszeit Alkohol serviert hatte.

Nicht nur Arbuckle war von dem Skandal betroffen; Die öffentliche Meinung wandte sich gegen das Filmgeschäft im Allgemeinen.

Die Universal Studios sahen zu, wie Paramount scheiterte, und entschieden sich für eine radikale Lösung für potenzielle Skandale. Sie führte eine "Moralklausel" in ihre Verträge ein. Die Klausel lautete teilweise: „Der Schauspieler (die Schauspielerin) stimmt zu, sich (selbst) unter gebührender Beachtung der öffentlichen Konventionen und Moral zu verhalten. … Für den Fall, dass der Schauspieler (die Schauspielerin) gegen eine Bestimmung oder Bestimmung dieses Absatzes verstößt, dann hat die Universal Film Manufacturing Company das Recht, diesen Vertrag zu kündigen und zu annullieren."

Variationen dieser Klausel sind seitdem bei uns. Wenn Sie von Unternehmen hören, die Verträge mit Kate Moss kündigen, weil sie mit Kokain erwischt wurden , oder Mel Gibson wegen seiner antisemitischen Tirade, geht alles auf Roscoe „Fatty“ Arbuckle [Quelle: Pinguelo ] zurück.

Lieben Sie sie oder hassen Sie sie, Musicals bilden ein wichtiges Genre des Kinos, und es ist schwer zu glauben, dass es eine Zeit ohne sie gab, in der der Film existierte. Aber es versteht sich von selbst, dass die Stille von Stummfilmen kaum ein glückliches Medium für jene frechen Gesangs- und Tanzspektakel bot, die die Kinokassen der Mitte des Jahrhunderts beherrschen würden.

Filmemacher hatten jahrelang mit Ton experimentiert, bevor Warner schließlich 1927 das herausbrachte, was allgemein als einer der ersten Talkie-Features gilt. „The Jazz Singer“ ist die Geschichte eines jüdischen Kantorsohns, der sich danach sehnt, Jazzmusiker zu werden , anstatt ihm zu folgen in der Familientradition. Mit der Broadway-Sensation Al Jolson in der Hauptrolle war es ein großer Hit, der den Skeptikern bewies, dass „sprechende Bilder“ finanziell tragbar waren. Es war auch ein Musical.

Es war die Geburtsstunde eines Genres und Hollywood sprang schnell mit an Bord. Nur zwei Jahre später veröffentlichten die Studios „Broadway Melody“, „The Hollywood Revue“, „The Cocoanuts“ und „On with the Show“. Was „The Jazz Singer“ betrifft, so nimmt es zwar weiterhin eine wichtige historische Position in der Filmgeschichte ein, aber die Tatsache, dass Jolson in den bedeutendsten Szenen in Blackface zu sehen ist, lässt das moderne Publikum sich winden [Quelle: Gioia ].

Tonfilme brauchen Dialog, und Dialog braucht Autoren. Hollywood ließ seinen Sirenenruf los, und Schriftsteller von der Ostküste gingen in den Westen. 1926 kam der gefeierte Journalist Herman Mankiewicz nach Tinseltown und etablierte sich als einer der bedeutendsten Drehbuchautoren des 20. Jahrhunderts. In einem inzwischen berühmten Telegramm rekrutierte er seinen Freund Ben Hecht, sich ihm anzuschließen, und erklärte, dass „hier draußen Millionen geschnappt werden müssen und Ihre einzige Konkurrenz Idioten sind. Lassen Sie das nicht herumsprechen.“

Während einige Autoren gut zurechtkamen, betrachteten Studiomanager Autoren im Allgemeinen als Hacks und gaben ihnen wenig Anerkennung und noch weniger Bezahlung. 1920 bildete sich ein informeller Schriftstellerklub, der sich Screenwriters Guild nannte. Die Gilde wurde schließlich zu einer einflussreichen Gewerkschaft, die heute als mächtige Writers Guild of America existiert.

Was „Manky“ betrifft, so verdiente er tatsächlich viel Geld und schrieb mehr als 40 Drehbücher, darunter seine berühmte Zusammenarbeit mit Orson Wells an „Citizen Kane“. Aber in dem Nachruf, den er für Mankiewicz schrieb, beklagte Hecht den Erfolg seines Freundes und glaubte, dass er ihn zu einem frühen Tod getrieben hatte [Quelle: Rothman ].

In seinem Buch „Heraklit oder die Zukunft des Films“ von 1928 verzweifelte der Schriftsteller Ernest Betts . Er glaubte, dass das Aufkommen von Tonfilmen „den spektakulärsten Akt der Selbstzerstörung signalisierte, der Hollywood je erlebt hat, und der die eigentliche Funktion des Films an seiner Quelle verletzt. Die Seele des Films – seine beredte und vitale Stille – wird zerstört Der Film kehrt nun zu dem Zirkus zurück, aus dem er kam."

Betts war kaum allein. Kritiker von Paul Rotha bis Robert Herring waren überzeugt, dass der Tonfilm filmisches Gift sei. In den 1920er Jahren hatte der Stummfilm mit Filmen wie Murnaus "Sonnenaufgang" und Dreyers "Passion der Jeanne d'Arc" ausdrucksstarke Höhepunkte erreicht. Das Einbringen von Ton, argumentierten die Skeptiker, würde die Reinheit der stillen Kunstform beschmutzen.

Ästhetisch hatten sie Recht: Frühe Tonfilme werden aufgrund der Beschränkungen der neuen Technologie selten als filmische Kunstwerke angesehen. Da die Mikrofone stationär waren, waren die Performances hölzern und die Kameraführung statisch. Als die Filmemacher sich jedoch anpassten, bewiesen sie den Kritikern das Gegenteil und schufen das oft außergewöhnliche Kino der 1930er Jahre.

In der Zwischenzeit waren frühe Tonfilme vielleicht nicht so gemacht, dass sie die Zeit überdauerten, aber sie brachten die Dollars ein. In den späten 1920er Jahren stiegen die Gewinne der großen Studios in die Höhe. Warner zum Beispiel stieg von 2 Millionen Dollar im Jahr 1928 auf 14 Millionen Dollar im Jahr 1929 [Quelle: Gomery ].

Die traditionelle Geschichte des Dokumentarfilms legt eine Art natürliche Entwicklung der Form wie folgt nahe: Als die Brüder Lumière , die zu den ersten Kameraleuten der Geschichte gehörten, in den 1880er Jahren damit begannen, Arbeiter zu filmen, die ihre Fotofabrik in Lyon verließen, machten sie die ersten kleinen Schritte in Richtung Dokumentation die Welt, wie sie um sie herum existierte. Dann, 1922, fügte Robert Flaherty erzählerisches Flair hinzu, als er den legendären „Nanook of the North“ drehte – und der Dokumentarfilm war geboren.

Aber der Filmtheoretiker Bill Nichols argumentiert in einem scharf argumentierten Aufsatz, dass die dokumentarische Form in den 1920er Jahren wirklich zur Reife gelangte, weil sie gebraucht wurde. Dies war eine Ära, in der Bevölkerungen auf der ganzen Welt hart daran arbeiteten, nationale Identitäten zu schmieden. Dokumentarfilme erwecken bekanntlich den Eindruck, dass sie einfach die Realität beobachten, obwohl sie sie tatsächlich auch formen. Diese Qualität machte das Medium zu einem unschätzbaren Instrument staatlicher Kontrolle, indem es bestimmte kulturelle Erzählungen und Orthodoxien bestätigte. Aus dem gleichen Grund machte es Dokumentarfilme gefährlich. Wenn das Medium der Parteilinie folgen und eine wünschenswerte Realität bekräftigen könnte, könnte es sie auch stören. Deshalb, argumentiert Nichols, ist der Dokumentarfilm der 1920er Jahre eng mit unserem letzten Thema verbunden: der modernistischen Avantgarde [Quelle: Nichols ].

Als sich die Wege der sich entwickelnden Filmtechnologie mit der modernistischen Avantgarde-Bewegung kreuzten, gab es außergewöhnliche Ergebnisse. Während russische Konstruktivisten wie Sergei Eisenstein und Dziga Vertov unter dem Deckmantel sowjetischer Propagandafilme mit Filmtechniken experimentierten, begann auch die europäische Avantgarde wild mit dem Medium zu spielen.

Die Kraft des dokumentarischen Bildes zusammen mit den „radikalen Nebeneinanderstellungen von Zeit und Raum, die durch die Montage ermöglicht werden“ waren unwiderstehliche Faktoren für Künstler wie Man Ray, Albert Kahn und Luis Bunuel [Quelle: Nichols ]. Das vielleicht berühmteste Werk aus dieser Zeit ist „ Un Chien Andalou “, eine Zusammenarbeit von Salvador Dali und Luis Bunuel aus dem Jahr 1929 . Fast ein Jahrhundert später hat der surrealistische Film immer noch die Macht zu schockieren. Eine Szene mit einem Rasiermesser und einem Augapfel wurde als „berüchtigtste Eröffnungssequenz der Filmgeschichte“ bezeichnet [Quelle: Hoberman ].

Die nur ein Jahr später gedrehte, sexuell explizite Fortsetzung „ L'Age d'Or “ war so aufrührerisch, dass sie bei der Vorführung Unruhen provozierte und von der Pariser Polizei schnell verboten wurde. Nicht zuletzt dient die Reaktion als frühe Demonstration der Macht des Films als künstlerisches Medium [Quelle: Hoberman ].

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