A história da origem do Zep

Dez mil dólares por show! Isso soa muito gordo, não é? E lembre-se, essa música foi lançada há cinquenta anos, então dez G's é mais como 75 G's hoje em dia. Mesmo dividido em quatro maneiras, bom trabalho se você conseguir. Mas 10 Gs por noite eram amendoins para o The G.

Enquanto o Led Zeppelin se espalhava pela América no início dos anos 70, Peter Grant rotineiramente garantia 100, 200, 300 Gs por noite, às vezes mais para seus filhos. Eles conseguiram 90 por cento da receita inédita, e se os promotores não gostassem, bem, eles poderiam simplesmente se foder.

Amigos e familiares o chamavam de The G, às vezes Big G. E ele era um G, tudo bem, um OG… O gângster original Peter Grant nasceu em 1935, quase uma década antes do mais velho de seus jovens pupilos, o bebê de guerra Jimmy Page.

O G foi criado em circunstâncias modestas - mamãe era secretária, papai não estava por perto. Ele foi um dos milhares de crianças britânicas evacuadas da Grande Londres durante a guerra, para o campo para protegê-las dos bombardeiros alemães. Talvez The G tenha ficado marcado pela experiência, quem sabe. Ele não falava muito sobre sua infância. O que é fácil de estabelecer é que Peter Grant cresceu rápido, duro e autossuficiente. Aos 15 anos, Big G estava fora da escola, por conta própria, um cara durão do bairro que trabalhava em uma oficina de chapas de metal.

Ele era uma criança grande, que se tornou um grande adulto. E como uma espécie de Paul Bunyan britânico, ele fica maior a cada narrativa.

A lenda frequentemente repetida é que o G chegou ao topo com 6 pés 5 e derrubou a balança em 300 libras. Na realidade, ele provavelmente tinha mais de 1,80 metro e seu peso flutuaria para cima e para baixo ao longo de sua vida adulta. Em algumas entrevistas, ele parece magro, como uma pessoa grande que fez muitas dietas radicais.

Seja qual for o seu tamanho real, o G não era ninguém para brincar. Ele pode ter abandonado o ensino médio, mas Peter Grant tinha raciocínio rápido e língua afiada, com mestrado em Scuffle-ology.

O café 2i's no Soho fechou definitivamente em 1970. Ele teve uma boa temporada - quase 15 anos como um local musical moderno, um daqueles lugares legais para ver uma estrela em ascensão... ou ver um artista consagrado aparecer em um Terça à noite para uma jam improvisada. De volta ao Capítulo 7, quando apresentamos os Beatles, falamos um pouco sobre o Soho em geral e os 2i's em particular. Peter Grant trabalhou na porta do Two i's no início dos anos 60.

Ele conheceu os músicos da cena e aprendeu algo que todo bom segurança sabe: se alguém é suficientemente intimidador, se cultiva um certo tom de ameaça, então a violência real raramente é necessária. Peter Grant desenvolveu e aprimorou sua temível aura “I Will Brook No Bullshit” aqui. Era tão eficaz - se não mais - quanto seus braços grossos e suas mãos rápidas e fortes.

Alguns rapazes do Condado de Surrey que se autodenominavam Nashville Teens. Eles tiveram seu primeiro e único sucesso em 1962 com aquele cover rock de “Tobacco Road”. Corte decente. Foi escrito pelo compositor country John Loudermilk, que copiou o título do romance tragicômico de Erskine Caldwell sobre o lixo branco da Geórgia.

Já falamos sobre isso antes - os garotos britânicos no final dos anos 50 e início dos anos 60 eram loucos pela cultura e música americanas. Nós apreciamos isso imensamente - foi assim que conseguimos os Beatles - mas não entendemos completamente... De qualquer forma, o Nashville Teens foi o primeiro ato que Peter Grant gerenciou. Suspeita-se que eles faturassem menos de 10 mil dólares por show.

A partir daí, a turnê G administrou vários outros atos, incluindo algumas pessoas de primeira linha, como Chuck Berry e Little Richard. Nos cinco anos seguintes, ele construiu sua reputação temível e aprendeu a se locomover pela América. Em 67, o Musician's Grapevine em Londres falou alto e claro: Peter Grant cuida de seus filhos. Viaje pela América com The G e você será pago.

Além do mais, NINGUÉM vai foder com você.

112 libras inglesas. Cerca de 300 dólares americanos. Isso é o quanto cada um dos The Yardbirds arrecadou durante toda a turnê nos Estados Unidos no verão de 1966. Essa iteração dos Yardbirds apresentava um verdadeiro poder de fogo de seis cordas, com Jimmy Page e Jeff Beck dividindo as funções de guitarra principal. Eles abriram para os Rolling Stones em uma parte da turnê. Onde quer que fossem, as crianças enlouqueciam. Mas o pagamento era troco. De mar em mar brilhante, os Yardbirds trabalharam.

Jeff Beck ficou gravemente doente e saiu no meio da turnê. Jimmy Page insistiu. Ele mesmo admitiu que a vida em turnê ainda era nova para ele, ele ainda tinha estrelas nos olhos.

Naquela turnê decepcionante e mal paga do Yardbirds, sua primeira vez na América, Jimmy Page notou algo. Aqueles garotos na América... não estavam andando por aí, sendo esmagados e gritando conversas sobre o barulho da banda. Eles não foram pegos tentando parecer e agir legal. Eles estavam inclinados para a frente e prestando atenção.

“Eles eram um público que escutava”, disse Jimmy anos depois em uma entrevista para uma revista. Um público ouvinte. Um público maior e mais bem pago também. Contanto que você tenha alguém inteligente o suficiente e forte o suficiente para coletar.

Então, no início de 67, Jimmy viu seus companheiros Eric Clapton e Pete Townshend levarem suas bandas – Cream e The Who – para os Estados Unidos e fazerem uma limpeza. No país do viaduto, as crianças acharam esses roqueiros britânicos exóticos e fascinantes. As casas estavam lotadas e os fãs estavam lá para a música.

É melhor do que tocar para uma dúzia de londrinos cansados ​​e bêbados.

Você poderia tocar em seus próprios termos também: estender shows, estender músicas... e não era algo flácido e hippie. Os garotos curtiram aquela estética psicodélica: jams longas, shows de luz… e eles gostaram especialmente quando Cream e The Who reforçaram isso com um pouco de British Steel.

Eles foram auxiliados e auxiliados por alguns avanços tecnológicos importantes. Os sistemas de som deram um grande salto no final dos anos 60. Agora você tinha monitoramento no palco, amplificadores de potência e sistemas de alto-falantes que estavam à altura do trabalho de um grande show de rock explosivo, com horas de duração.

No Fillmores - leste e oeste - o Shrine em LA, o Grande Ballroom em Detroit, o Spectrum em Philly... e uma centena de locais de faculdades diferentes, promotores como Bill Graham e Frank Barsalona estavam criando o show de rock moderno. E Zep, Deep Purple e Black Sabbath estavam todos lá, exatamente no lugar certo na hora certa.

Isso é o que essas bandas seminais de rock pesado têm em comum: eles fizeram suas turnês pela América. Eles tinham algo mais em comum. Nós vamos chegar a isso daqui a pouco.

As crianças americanas comeram. Comeu cada vez mais quando os anos 70 começaram. Eles não queriam uma banda de chiclete dublando sucessos de dois minutos e meio. Eles queriam um show de rock contundente, uma experiência envolvente e longa.

Portanto, qualquer discussão sobre as origens do Prog, Metal e Heavy Rock deve incluir Vanilla Fudge. Vanilla Fudge nunca teve um single de sucesso ou um álbum que vendeu muito, mas eles foram um grande negócio da mesma forma. Porque eles eram absolutamente ferozes em concerto. Fudge tocou rápido, físico e ALTO, impulsionado pela poderosa e precisa seção rítmica de Tim Bogert no baixo e Carmine Appice na bateria.

O negócio de Fudge era pegar sucessos pop como “You Keep Me Hangin' On” do The Supremes e estendê-los em longas jams ao vivo. Muita dinâmica de construção e lançamento, grandes refrões, teclado épico e duelos de guitarra. Cream and the Who, Zep, Purple, Sabbath… toda aquela classe de calouros de hard rockers britânicos, todos eles se cruzaram com Fudge na estrada na América, e todos prestaram muita atenção.

Ritchie Blackmore disse que o Deep Purple era basicamente Vanilla Fudge com um vocalista gritador. Jeff Beck simplesmente contratou Bogert e Appice para tocar baixo e bateria em um de seus projetos. Jimmy Page gostou de sua dinâmica, o alto e o baixo, dividindo-o e construindo-o novamente.

“Luz e sombra” era como ele gostava de descrevê-lo.

Mas pode ser difícil fazer uma turnê na América. Jimmy aprendeu isso da maneira mais difícil na primeira vez. Para fazê-lo pagar, você precisava de alguém. Alguém leal e duro, disposto a brigar e ir atrás dele.

Educado, franzino e de fala mansa, Jimmy Page era um filho único mimado, um garoto da escola de arte dos subúrbios arborizados de Surrey. Inteligente e motivado, um líder natural... mas Jimmy não era um cara durão. Os Yardbirds eram sua banda agora. Se ele ia levá-los de volta para a América e pagar, ele precisava de alguém.

Entra o G. O imponente senhor Peter Grant.

Depois que Jeff Beck saiu - ou foi demitido, depende de quem você acredita ... na confusão que se seguiu, G se tornou o gerente de turnê dos Yardbirds.

Eles eram amigos improváveis, Jimmy e The G, mas logo se deram bem. Talvez cada homem visse nos outros qualidades que faltavam em si mesmos. Logo no início, Peter Grant estabeleceu os parâmetros de seu relacionamento: você cuida da música, eu cuido de todo o resto.

E ele fez.

Essa iteração de Jimmy Page dos Yardbirds - a versão final - era uma banda em declínio comercial. Não houve singles de sucesso. Eles fizeram dois álbuns e nenhum deles fez sucesso. Mas eles eram uma banda forte ao vivo, e havia a América. Com Peter Grant comandando as coisas, os Yardbirds cruzaram os Estados Unidos de 67 a 68. Desta vez, eles não deixaram dinheiro na mesa.

Finalmente de volta a Londres, suas contas bancárias estavam cheias, mas não era o suficiente. No início do verão de 1968, The Yardbirds se desfez para sempre. Mas Jimmy Page conseguiu sua mansão em Surrey naquela época. Pangbourne, uma casa de barcos convertida em uma mansão rural de três andares às margens do rio Tâmisa.

Condado de Surrey, ao sul e oeste de Londres, local de nascimento de Eric Clapton, Jimmy Page e Jeff Beck.

O velho amigo John Paul Jones recebeu o empurrão de sua esposa Maureen. Mo ouviu que Jimmy estava formando uma banda e disse ao marido para atender o telefone.

Havia shows marcados. Os Yardbirds foram contratualmente obrigados a fazer uma turnê pela Europa naquele outono. Então cabia a Jimmy montar algo e levá-lo para a estrada. Os novos Yardbirds.

A busca começou por um cantor.

Terry Reid, um cantor de blues na cena club, foi a primeira escolha de Jimmy Page para frontman, mas Reid rejeitou a oferta. Ele mencionou o nome de um jovem de Midlands, Robert Plant. Vá dar uma olhada nele, ele é especial. Então, com o Big G atrás do volante, Jimmy pegou uma carona para o norte para ouvir o garoto cantar.

G pensou que o jovem alto e cabeça dura de 21 anos era um roadie quando eles entraram. Quando a banda começou seu show, Peter achou que eles eram muito bons, mas Jimmy não pensou muito nisso. Mas aquele cantor, cara. Depois de algumas músicas, Page sabia que havia encontrado seu cara.

Alto e bonito, uma presença natural envolvente no palco… e Robert Plant poderia ir de Elvis Croon até Arena Rock Wail e vice-versa no espaço de um único verso.

Page conversou com Plant depois do show e o convidou para ir a Pangbourne para uma entrevista-slash-audição.

Robert trouxe um álbum de Joan Baez com ele. Ele adorava a versão dela de “Babe I'm Gonna Leave You”, escrita por Anne Bredon. No álbum, foi creditado incorretamente como "Traditional, arranjado por Joan Baez". Plant queria que Page ouvisse, compartilhasse seus pensamentos. Jimmy conhecia bem a música; na verdade, ele já vinha preparando seu próprio arranjo há algum tempo.

O objetivo da visita, é claro, era compartilhar música, estabelecer compatibilidade dentro dela e, esperançosamente, estabelecer uma amizade, e para esse fim 'Babe, I'm Gonna Leave You' acabou sendo o elo fundamental.

Jimmy também adorou a música e pretendia tocá-la para Robert, uma simbiose simbiótica que ajudou Robert a passar neste teste - se é que era isso - com distinção.

Isso é de "No Quarter", a biografia de Jimmy Page de Martin Power em 2016.

Page e Plant também compartilhavam um amor feroz por aqueles Chicago Blues amplificados e de som forte. Aquele som da Chess Records. Falamos bastante sobre isso nos primeiros capítulos.

Talvez ele estivesse procurando cair nas boas graças de seu novo amigo, ou procurando um aliado neste novo grupo prestes a ser... ou um pouco de ambos. Plant recomendou John Bonham, um ex-colega de banda. Bonzo tinha feito um nome para si mesmo em Midlands. Melhor baterista do circuito.

Agora Jimmy Page era um jogador de sessão veterano. Como tal, ele conhecia muitos bateristas excelentes. Ele tinha algumas pessoas em mente, mas Plant o empurrou. Antes de fazer qualquer ligação, vá ver esse tal de Bonham.

Então Page e The G pegaram outra carona para o norte.

Aqui está Martin Power novamente:

Uma verdadeira explosão de um homem, que podia ser ouvido a várias ruas de distância sem o benefício de um PA, John dominou seu kit Ludwig de uma forma que Jimmy nunca tinha visto antes…

Nos dias seguintes, Jimmy e Peter Grant perseguiram John Bonham como um amante apaixonado. Quando descobriram que o baterista não tinha telefone em casa, cerca de 30 telegramas foram enviados para o pub local… em um esforço para atraí-lo para o grupo.

Eles se reuniram em Pangbourne para ensaiar como New Yardbirds. Eles começaram a preparar um set para tocar na Europa.

Quando começamos a Arqueologia do Rock N Roll, dissemos a nós mesmos e dissemos a vocês: ajustaremos nossos pontos de vista à medida que novas evidências forem apresentadas. E nós tentamos, realmente tentamos.

Então: vamos escolher um tópico problemático pra caralho e discuti-lo. A apropriação cultural está em pauta hoje.

Apropriação Cultural: a adoção não reconhecida ou inadequada de costumes, práticas e ideias… de um povo ou sociedade por membros de outro – tipicamente mais dominante – povo ou sociedade.

Essa é a definição do Dicionário Oxford de Apropriação Cultural. É também uma boa definição de Rock N Roll. Desde o início, o Rock N Roll foi apropriado injusta e escandalosamente pela cultura branca dominante de uma minoria negra oprimida.

Calma, vá com calma. NÃO estamos dizendo que você não pode curtir a música Rock porque ela foi apropriada. Não estamos dizendo a você do que gostar. Ou o que não gostar. Não pretendemos cancelar ou censurar QUALQUER PESSOA, EM QUALQUER LUGAR, a QUALQUER MOMENTO.

Apenas pare com essa merda. Esse não é o ponto ou o propósito aqui. Nós apenas pensamos que é obviamente verdade, e não faz sentido fingir o contrário.

Aliás, não é só de Rock que estamos falando aqui.

Durante MUITO do século passado...MUITO do que a América vendeu ao mundo como um personagem exclusivamente americano - música, dança, moda, humor, espiritualidade, política de base, gíria, literatura e esportes - foi exclusivamente afro-americano em origem, concepção e inspiração.

Esse é Greg Tate, um filho do Harlem e um ótimo escritor e crítico cultural. É do ensaio do título de um livro chamado “Everything But The Burden”.

Agora, se você está se sentindo meio defensivo agora, não reaja, ouça em vez disso... e apenas sente-se com esse sentimento por um minuto e tente entender.

Você não precisa deixar de gostar do que gosta. Você não tem que doar sua coleção de discos ou qualquer coisa assim. Apenas tente entender e reconhecer. Quando é reconhecido, quando você dá apoio e compartilha a riqueza, então começa a deixar de ser algo injusto... e começa a se tornar algo mais benigno.

Começa a se tornar: Homenagem. Influência. Tributo. Aprendendo e construindo sobre o trabalho daqueles que vieram antes. Ninguém tem problema com ISSO.

Tudo bem. Agora vamos voltar para Londres e falar sobre um dos mais notórios - e extremamente bem-sucedidos - apropriadores culturais de toda a história do rock.

Vamos começar com uma citação de um de nossos escritores de rock favoritos, Stephen Hyden, escrevendo para Grantland Dot Com.

É verdade que o Zeppelin era inescrupuloso em seus roubos. É verdade que os primeiros discos do Zeppelin ocasionalmente apresentam uma perturbadora (ainda eletrizante e, portanto, duplamente perturbadora) paródia blackface do blues.

Agora, para uma defesa um tanto tímida de Page e Plant. Desde os primeiros ensaios em Pangbourne, ficou claro para todos que eles tinham um monstro nas mãos. Alguns shows na Europa como os New Yardbirds confirmaram. Jimmy Page tinha apenas 24 anos, mas já era um veterano da indústria musical. Ele esteve por perto algumas vezes. Seu parceiro Peter Grant, ainda mais. Quando eles viram uma imensa oportunidade se apresentar, é claro que eles a agarraram. Não culpamos ninguém por isso.

Então os meninos pegaram a estrada e Jimmy carregava a fita master com ele. Sempre que eles tiveram a chance de reservar um estúdio por um ou dois dias, eles o fizeram. Os dois primeiros álbuns do Led Zeppelin foram gravados em turnê, nos dias de folga, e foram lançados com cerca de 9 meses de diferença.

Essa é uma banda de rock muito, MUITO trabalhadora. E eles continuaram assim por mais três anos.

E eles eram uma banda de rock totalmente nova, dois veteranos e dois novatos, lutando contra uma incrível demanda. A própria definição de sucesso da noite para o dia.

Eles precisavam de materiais. Então Jimmy Page agarrou onde pôde. Não toleramos, mas entendemos. Ele levantou de si mesmo - "Dazed and Confused" e "Over the Hills and Far Away", são ambos retrabalhos de músicas que Jimmy fez com The Yardbirds.

E ele levantou dos outros.

A próxima coisa que vamos apontar: o Zeppelin cooptou e se apropriou de músicas, com certeza, mas eles colocaram sua própria marca nelas. Aquela seção intermediária sexy e suja de “Whole Lotta Love”. Aquele arranjo gigantesco de construção e lançamento de “Babe I'm Gonna Leave You”. Trabalho original, e é estelar, magnífico.

E eles melhoraram sobre a apropriação à medida que Zep avançava. O terceiro álbum abre com “Immigrant Song”. É totalmente original e matador. Eles abriram shows com ele nas próximas turnês. Ouça a versão que abre “How the West Was Won”, ao vivo no Fórum de Los Angeles em 1972. Apenas um tumulto musical; esses caras podem ser tão poderosos.

Zep Three, a propósito, é um álbum meio subestimado - se é que alguma coisa do Led Zeppelin pode ser chamada de subestimada. É um tipo de álbum de transição, um pouco diferente; nós realmente gostamos muito. Não tão bombástico - ou derivado - como os dois primeiros. Às vezes quieto e contemplativo. Muita Luz e Sombra nessa.

E a produção de Jimmy Page... o grande som da bateria, fazendo pleno uso do campo estéreo, a maneira como ele sobrepõe as faixas de guitarra, foi inovador, brilhante. Isso é verdade para todas as suas gravações.

Mas… até mesmo a obra-prima deles, o quarto álbum sem título – você conhece aquele… com “Black Dog” e “Rock And Roll” e “Stairway to Heaven” – aquele. O Zeppelin Four também tem apropriação não creditada!

“When the Levee Breaks” fecha o álbum e é uma música esmagadora, nós a amamos pra caralho.

É também um remake sem créditos de um disco Delta Blues de Memphis Minnie. E isso nos leva à nossa última palavra sobre este assunto.

Às vezes não é o que você faz, mas como você faz. E esse é o nosso problema com Zep. Eles dificilmente foram a única banda de Rock a se apropriar do Delta Blues. E eles pagaram os royalties - cheques grandes com muitos zeros - e corrigiram os créditos de composição.

Mas apenas anos depois e depois de uma tonelada de ações judiciais.

Além disso, há essa atitude indiferente de “não sei por que tanto alarido” que vimos e ouvimos muito de Jimmy Page - e em menor grau - de Robert Plant. Talvez seus advogados os tenham aconselhado a fazer isso, a fingir e fingir surpresa.

Qualquer que seja. Ainda é um visual de merda.

Agora: somos apenas fãs, não conhecemos esses caras. Eles não nos devem nada. Mesmo assim, não podemos deixar de pensar nisso. A falta de contrição de Zep, sua desonestidade... sobre apropriar-se de uma grande parte de seu catálogo... é meio que uma jogada idiota.

Isso ofusca o brilho deles. Destrói nossa apreciação de quão bons esses caras realmente eram.