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Os desenvolvimentos tecnológicos há muito influenciam as formas como a música é composta e distribuída, a disponibilidade de novos instrumentos e os meios que temos para gravá-los. É fascinante, então, que - mesmo com o advento das estações de trabalho de áudio digital e dos instrumentos digitais - as mudanças sísmicas que a maioria das pessoas experimentou nas últimas duas décadas estejam remodelando a forma como a música é distribuída, mas não alterando nossa percepção do que a música pode ser. . A maior parte de nossa música gravada permanece praticamente a mesma de 50 anos atrás, experimentada como composições lineares, estéreo e de comprimento fixo que podem ser reproduzidas em fones de ouvido ou alto-falantes tradicionais. A mais nova tentativa de mudar isso pode estar no espaço ao nosso redor.

Em 2014, tive a sorte de passar uma semana experimentando o sistema 4DSOUND em Amsterdã - uma série de colunas gigantes conectadas de alto-falantes que usavam ciência avançada para fazer sons diferentes parecerem vir de qualquer lugar da sala. A capacidade de colocar e mover sons através de um espaço como este pode abrir novas práticas de composição - mas, infelizmente, era limitada àqueles com acesso ao caro sistema. Uma miríade de esforços para usar o GPS para compor música espacial foi praticamente simultânea, permitindo que os ouvintes utilizassem apenas seus smartphones e fones de ouvido para caminhar por partes do mundo para as quais os músicos escreveram músicas especificamente. Esforços de grupos como BLUEBRAIN e Matmos, por exemplo, permitia que os usuários baixassem seus aplicativos, fossem a locais específicos do mundo (como o Central Park em Nova York) e experimentassem a música “misturando” os diferentes sons com base em sua localização.

Esses esforços, embora emocionantes, eram limitados em sua acessibilidade tanto para outros compositores, que tinham meios limitados para compor assim, quanto para o público, que tinha que viajar para locais específicos para ouvir as obras.

Em 2016, meu colaborador e eu lançamos uma equipe de desenvolvimento/criação, TCW, que guias de código aberto para músicos usarem tecnologia GPS semelhante para construir seus próprios aplicativos, mas mais importante, começamos a explorar como as localizações espaciais de usuários e sons podem fundamentalmente alterar o processo de composição. Por exemplo, três notas sustentadas que compõem um acorde podem ser arranjadas em uma colocação estilo diagrama de Venn. À medida que o ouvinte caminha, ele pode ouvir apenas uma nota, duas das notas ou todas as três notas do acorde, dependendo de onde está. Imagine esse tipo de sobreposição se espalhando para criar todos os tipos de caminhos dissonantes e melódicos à medida que o ouvinte se move em diferentes direções em um espaço. Além disso, imagine que a velocidade do ouvinte ou mesmo sua orientação pode começar a controlar coisas como níveis de distorção e níveis de reverberação, desencadear novos sons e muito mais. O ouvinte pode não precisar se mover para ouvir a música, mas mudará drasticamente se o fizer.

DEMONSTRAÇÃO EM VÍDEO: Posicionamento do Diagrama de Venn

Esse tipo de abordagem de composição espacial rompe com muitas das raízes das práticas composicionais do século XX. A composição geralmente começa não com uma letra ou uma linha de baixo disposta temporalmente, mas com um mapa e um desenho, com diferentes humores ou sentimentos atribuídos a diferentes partes de um espaço. Nós, como compositores, começamos a abraçar de todo o coração a mentalidade de “jardinagem” defendida pelo pioneiro da música ambiente Brian Eno, que disse:

“Meu tema é a mudança de 'arquiteto' para 'jardineiro', onde 'arquiteto' significa 'alguém que carrega uma imagem completa do trabalho antes de ser feito', para 'jardineiro' significando 'alguém que planta sementes e espera para ver exatamente o que vai acontecer'. Argumentarei que os compositores de hoje são mais frequentemente 'jardineiros' do que 'arquitetos' e, além disso, que a metáfora do 'compositor como arquiteto' foi um pontinho histórico transitório.” -Brian Eno, Edge.org edição 11.10.11

Encontramo-nos agora no precipício de esta tecnologia estar disponível para todos. Em 2017, nosso grupo utilizou a novíssima tecnologia de realidade aumentada para estabelecer paisagens sonoras semelhantes em qualquer lugar. Os ouvintes podem baixar um aplicativo, como o primeiro álbum de realidade aumentada, Year One, e instantaneamente se encontram no meio de uma composição espacial em evolução, com sensores e câmeras em seus smartphones rastreando seus movimentos pelo espaço ao seu redor. Esse modelo de “aplicativo como música” não apenas permite maneiras inteiramente novas de compor e experimentar música, mas também muda a nomenclatura em torno do que é “música” — fornecendo uma experiência que não pode ser controlada no Spotify ou no Pandora e, assim, devolvendo o músico o controle do preço, distribuição e curadoria da experiência que há muito escapa ao alcance dos músicos.

Embora empolgante, esse tipo de experiência inovadora costuma ser confuso para os primeiros ouvintes. Eles, em grande parte, podem não estar preparados para consumir música por meio de aplicativos dedicados, e podem não entender bem como interagir com a música. A indústria da música pode enfrentar um desafio na adoção e aceitação. Para lições sobre desafios semelhantes, podemos nos voltar para um campo que vem trabalhando na adoção de AR há anos – o jornalismo. Graham Roberts, ex-diretor de narrativa imersiva do New York Times (NYT), costuma falar sobre a abordagem do NYT para promover a adoção da realidade aumentada. Muitos leitores não estavam preparados para mergulhar na tecnologia AR por si só, mas quando AR foi usado seletivamente dentro do tipo de experiência com a qual os leitores já estavam familiarizados (o aplicativo do New York Times), eles se envolveram seletivamente com o conteúdo AR quando era mais benéfico, aprendendo lentamente suas regras conforme quisessem. A composição musical também pode seguir esse caminho, com músicos apresentando gravações ou apresentações ao vivo semelhantes ao passado, enquanto incentivam o envolvimento com conteúdo espacial ou generativo extra quando isso aumenta a experiência musical. Para fazer isso, é fundamental que os músicos pensem além dos meios tradicionais de distribuição de música e se voltem para a criação de seus próprios ecossistemas musicais por meio de programas, aplicativos e dispositivos que permitem esse tipo de possibilidade. Somente contrariando a tendência de distribuir música por meio de serviços tradicionais – e ampliando coletivamente nossa compreensão tradicional de “música” e álbuns – podemos promover esse tipo de cultura criativa. A composição musical também pode seguir esse caminho, com músicos apresentando gravações ou apresentações ao vivo semelhantes ao passado, enquanto incentivam o envolvimento com conteúdo espacial ou generativo extra quando isso aumenta a experiência musical. Para fazer isso, é fundamental que os músicos pensem além dos meios tradicionais de distribuição de música e se voltem para a criação de seus próprios ecossistemas musicais por meio de programas, aplicativos e dispositivos que permitem esse tipo de possibilidade. Somente contrariando a tendência de distribuir música por meio de serviços tradicionais – e ampliando coletivamente nossa compreensão tradicional de “música” e álbuns – podemos promover esse tipo de cultura criativa. A composição musical também pode seguir esse caminho, com músicos apresentando gravações ou apresentações ao vivo semelhantes ao passado, enquanto incentivam o envolvimento com conteúdo espacial ou generativo extra quando isso aumenta a experiência musical. Para fazer isso, é fundamental que os músicos pensem além dos meios tradicionais de distribuição de música e se voltem para a criação de seus próprios ecossistemas musicais por meio de programas, aplicativos e dispositivos que permitem esse tipo de possibilidade. Somente contrariando a tendência de distribuir música por meio de serviços tradicionais – e ampliando coletivamente nossa compreensão tradicional de “música” e álbuns – podemos promover esse tipo de cultura criativa. é fundamental que os músicos pensem além dos meios tradicionais de distribuição de música e se voltem para a criação de seus próprios ecossistemas musicais por meio de programas, aplicativos e dispositivos que permitem esse tipo de possibilidade. Somente contrariando a tendência de distribuir música por meio de serviços tradicionais – e ampliando coletivamente nossa compreensão tradicional de “música” e álbuns – podemos promover esse tipo de cultura criativa. é fundamental que os músicos pensem além dos meios tradicionais de distribuição de música e se voltem para a criação de seus próprios ecossistemas musicais por meio de programas, aplicativos e dispositivos que permitem esse tipo de possibilidade. Somente contrariando a tendência de distribuir música por meio de serviços tradicionais – e ampliando coletivamente nossa compreensão tradicional de “música” e álbuns – podemos promover esse tipo de cultura criativa.

REALIDADE AUMENTADA DO NEW YORK TIMES

Os leitores interessados ​​em experimentar aplicativos de música espacial podem visitar o site da TCW para saber mais sobre o Year One , o primeiro álbum de realidade aumentada; Orquestra Espacial , uma experiência orquestral AR; ou nossas composições de GPS. Os músicos também encontrarão guias de instruções para criar aplicativos de áudio espacial de aplicativos AR e GPS. Você pode saber mais em: www.tcwav.com

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