Derrière le voile noir de Nurhan Gokturk

Nurhan Gokturk résume l'équilibre délicat entre les expériences conscientes et physiologiques de l'émotion humaine à travers son exposition, Derrière le voile noir. En engageant ses pratiques interdisciplinaires du dessin, de la peinture, de l'installation et de l'estampe, il donne une matérialité à la condition humaine à travers des abstractions et des représentations stimulantes.

Dès la première rencontre, l'œuvre saisit le spectateur d'une manière émotionnellement ravissante. L'emplacement de l'œuvre est très stratégique, tout comme l'éclairage. La première salle, très éclairée, contient des œuvres qui, à première vue, sont plus grandes et naturellement engloutissantes, presque comme pour donner au spectateur la sensation d'une vague d'émotions submergeant le corps. Grâce à l'utilisation de pièces multi-panneaux fortement superposées, Gokturk cherche intentionnellement à susciter une réponse émotionnelle qui parle à une conscience perplexe. C'est à travers cette conscience que le spectateur lui-même est exposé et rendu vulnérable lorsqu'il se déplace dans l'espace.

L'œuvre est intrinsèquement émotionnelle - il existe différentes gammes d'émotions qui émanent de chaque panneau individuel, mais comme toutes les œuvres sont des polyptyques, elles sont ensuite développées à travers la somme de leurs parties. Tout le travail se compose d'encre, d'huile et de cire de différentes consistances sur papier fin. Une chose est certaine, tous contiennent leur propre voile. Comme l'indique le titre de l'exposition, le voile est un facteur clé de ce corpus d'œuvres, fonctionnant comme un objet transparent qui symbolise la dissimulation ou l'obscurcissement.

Dans deux contes racontés, un polyptyque continu, la difficulté de la réconciliation est explorée dans les formes du centre plus léger et lourd d'encre et des panneaux extérieurs noirs, multicouches et fortement texturés de cire et d'huile. Selon l'artiste, les portions de cire et d'huile des œuvres sont révélatrices des émotions humaines extrêmes d'un côté du voile - des sentiments comme l'anxiété, le chagrin, la peur, la culpabilité - qui sont juxtaposés par les panneaux plus délicats à dominante d'encre, noté par leur coloration inaltérée comme la vulnérabilité du soi et de la conscience de soi qui existe de l'autre côté du voile. Il y a un rendu de la visibilité et de l'invisibilité qui fait allusion à une tension entre ce qui est dans la lumière, une danse de vulnérabilité semblable à une valse qui émerge et est voilée par les extrémités sombres et superposées, une inondation torride d'émotions déchiquetées.

Il y a une dureté dans les gravures délibérées à travers les couches d'huile et de cire, une série de mouvements anxieux, presque frénétiques, qui ne sont très contrôlés qu'en y regardant de plus près. Cela rappelle une angoisse au milieu d'une émotion extrême, un voilement de soi à travers la toile comme un corps, au point que le polyptyque en est presque consumé par l'intensité. Les panneaux centrés et chargés d'encre se dressent comme une ancre, une balise de mémoire qui rappelle que tout n'est pas perdu et que le soi peut encore être trouvé. L'encre répétitive et en boucle fonctionne comme son propre mantra réverbérant d'être en soi. Sous les lourdes couches texturées d'huile et de cire, se trouvent les dessins à l'encre dans leur état d'origine, invisibles mais inchangés.

Selon Gokturk, cette oscillation entre précision et insouciance renvoie directement à la difficulté de concilier le moi et le non-moi. Les secrets sous-jacents, ramenés à la surface, maintiennent toujours un air de séparation malgré les tentatives continues de réconciliation. Il y a un défi, une tension d'essayer de revenir dans cet espace, comme en témoignent les lignes verticales qui cisèlent la toile pour révéler ce qui est caché.

Cet obscurcissement viscéral est renforcé dans Baptized in Dew , un diptyque qui contient un motif de quelqu'un portant des lunettes de soleil ou créant un filtre conscient de ce qui est vu ou invisible. Rappelant l'eau bouillonnante, il y a toujours la superposition d'encre, de cire et d'huile, maintenant la matérialité et le processus de spatialité que l'on voit dans les autres œuvres. Cependant, le vélin fonctionne comme un bouclier que l'on ne voit pas dans les autres œuvres, un voile plus conscient et physique qui évoque un désir d'exposer ce qui est de l'autre côté.

Dans la deuxième pièce, plus sombre, il y a une vague d'émotions différente, passant d'une petite pièce à panneau unique et crescendo à une vidéo de la taille d'un mur. Le placement déplace les dimensions entre les deux pièces et déplace ainsi les couches d'interaction de la première à la dernière œuvre. Ici, on passe de l'abstraction au relationnel, d'œuvres sur carton toilé solide à des œuvres plus délicates sur papier.

Cette relativité est surtout notée dans Power Lines , un polyptyque de 12 papiers qui commence par des marques d'encre fragmentées. Il grandit ensuite pour ressembler aux lignes électriques et aux poteaux électriques trop familiers qui ancrent le spectateur dans le paysage visuel de la Nouvelle-Orléans en dehors du quartier français. Au fur et à mesure que les panneaux continuent, l'accent devient davantage sur les transformateurs, devenant plus de couches de cire et d'huile jusqu'à ce que finalement, le dernier panneau soit consommé entier. Ce voile particulier parle d'infrastructure, quelque chose qui peut être dissimulé mais qui est flagrant dans la myriade de façons qui affectent la dynamique du pouvoir dans un lieu.

L'œuvre la plus palpable est The Orchard of Eve, une vidéo animée projetée sur mylar d'un seul dessin qui a été superposé plusieurs fois. Créée en collaboration avec Christina Molina et Ryan Wilson, l'œuvre comportait de délicates lignes d'encre et des symboles accompagnés d'orbes de différentes tailles qui s'inversent lorsqu'elles se chevauchent. Ce qui était autrefois voilé, devient dévoilé. Il y a une danse, un flux et un reflux performatif entre révéler et cacher, presque comme s'il y avait une hésitation à être pleinement l'un ou l'autre, à être vulnérable ou à être consommé.

La palpabilité est mise en évidence à travers l'élément interactif de l'œuvre en raison de sa double face. Quand d'un côté, le spectateur obscurcit la vidéo, mais de l'autre côté, qui peut être atteint par une entrée séparée, le spectateur ne le peut pas. Le côté non obscurci contient également une pièce cachée, Memory of a City, une impression numérique d'un dessin complexe qui fait allusion à un centre-ville. Bien que le spectateur soit invisible derrière le voile en mylar de l'animation, les deux côtés peuvent s'entendre.

Le voile a été utilisé dans une multitude de cultures et de religions pour une myriade de raisons, mais le plus souvent comme symbole d'un style de vie exclusif, que ce soit pour la religion ou le statut social ; ou, comme bouclier pour un objet ou un espace considéré comme sacré. Avec ces œuvres, Gokturk obscurcit la physicalité de la gamme d'émotions ressenties dans chaque prix tout en permettant simultanément à des fragments délibérés et contrôlés de faire surface. C'est une confrontation directe du voile que les humains font dans la vie, malgré tous nos efforts, une certaine vérité s'infiltrera. Cette acceptation ajoute encore plus de poids à la vulnérabilité de l'œuvre, une vulnérabilité à laquelle il permet aux spectateurs d'être un participant réceptif. Ainsi, en regardant l'œuvre, nous nous regardons aussi nous-mêmes. Cependant, au lieu d'une réplique exacte,

Lorsqu'on lui a demandé ce qu'il voulait que le spectateur retienne de l'œuvre, Gokturk a déclaré qu'il espérait qu'il réfléchisse à l'existence d'un «mystère» qui existe entre lui et son entourage. « Et quand je dis mystère, je veux dire une brume. Ce n'est pas comme un mystère au sens propre. Comme s'il y avait du brouillard. Et il y a un voile, quelque chose que nous cachons en nous et quelque chose que les gens nous voient. Et nous avons toujours vécu avec ça. Ce n'est pas si prononcé, mais c'est toujours là.

Behind the Black Veil est exposé à la Front Gallery de la Nouvelle-Orléans du 11 novembre au 4 décembre 2022. Le Front est situé au 4100 St Claude Avenue et est ouvert les samedis et dimanches de 12h à 17h.

Voir plus de travail de Nurhan Gokturk sur son site Web et Instagram .