Atrás do Véu Negro de Nurhan Gokturk

Nurhan Gokturk encapsula o delicado equilíbrio entre as experiências conscientes e fisiológicas da emoção humana por meio de sua exposição, Behind the Black Veil. Ao envolver suas práticas interdisciplinares de desenho, pintura, instalação e gravuras, ele dá materialidade à condição humana por meio de abstrações e representações estimulantes.

No primeiro encontro, a obra prende o espectador de maneira emocionalmente arrebatadora. A colocação da obra é muito estratégica, assim como a iluminação. A primeira sala, bem iluminada, contém obras que à primeira vista são maiores e naturalmente envolventes, quase como se dessem ao espectador a sensação de uma onda de emoções tomando conta do corpo. Através da utilização de peças com vários painéis e camadas pesadas, Gokturk procura intencionalmente provocar uma resposta emocional que fala a uma consciência perplexa. É por meio dessa consciência que o próprio espectador se expõe e se torna vulnerável ao se deslocar pelo espaço.

O trabalho é inerentemente emocional - existem vários níveis de emoção que irradiam de cada painel individual, mas como todos os trabalhos são polípticos, eles são expandidos pela soma de suas partes. Todo o trabalho consiste em tinta, óleo e cera em consistências variadas em . Uma coisa é certa - todos contêm seu próprio véu. Como observado no título da mostra, o véu é um fator chave para este corpo de trabalho, operando como um objeto transparente que simboliza ocultação ou ofuscamento.

Em Contos Duas Vezes Contados, um políptico contínuo, a dificuldade de reconciliação é explorada nas formas do centro mais claro e pesado de tinta e nos painéis externos de cera e óleo pretos, multicamadas e fortemente texturizados. Segundo o artista, as porções de cera e óleo das obras são indicativas dos extremos das emoções humanas de um lado do véu - sentimentos como ansiedade, tristeza, medo, culpa - que são justapostos pelos painéis mais delicados e dominantes de tinta, notado por sua coloração intocada como a vulnerabilidade do eu e da autoconsciência que existe do outro lado do véu. Há uma renderização de visibilidade e invisibilidade que alude a uma tensão entre o que está na luz, uma valsa de dança de vulnerabilidade que emerge e é velada pela escuridão, extremidades em camadas, uma inundação tórrida de emoções irregulares.

Há uma aspereza nas gravuras deliberadas através das camadas de óleo e cera, uma série de movimentos ansiosos, quase frenéticos, que só observando mais de perto se percebe que é muito controlada. Isso lembra a angústia em meio à emoção extrema, um velamento de si mesmo através da tela como um corpo, a ponto de o políptico quase ser consumido pela intensidade. Os painéis centralizados e carregados de tinta funcionam como uma âncora, um farol de memória que lembra que nem tudo está perdido e que o eu ainda pode ser encontrado. A tinta repetitiva e circular opera como seu próprio mantra reverberante de ser-em-si. Sob as camadas pesadas e texturizadas de óleo e cera, encontram-se os desenhos a tinta em seu estado original, invisíveis, mas inalterados.

Segundo Gokturk, essa flutuação entre precisão e imprudência fala diretamente sobre a dificuldade de reconciliação entre o eu e o não-eu. Os segredos subjacentes, sendo trazidos à tona, ainda mantêm um ar de separação, apesar das contínuas tentativas de reconciliação. Há um desafio, uma tensão de tentar voltar a esse espaço, como evidenciado pelas linhas verticais que vão esculpindo a tela para revelar o que está escondido.

Essa ofuscação visceral é ampliada em Baptized in Dew , um díptico que contém o motivo de alguém usando óculos escuros ou criando um filtro consciente do que é visto ou não visto. Remanescente de água borbulhando, há ainda a sobreposição de tinta, cera e óleo, mantendo a materialidade e o processo de espacialidade observados nas demais obras. No entanto, o pergaminho funciona como um escudo que não se vê nas outras obras, um véu mais consciente e físico que evoca um desejo de expor o que está do outro lado.

Na segunda sala, mais escura, há uma onda diferente de emoções, crescendo de uma pequena peça de painel único e crescendo para um vídeo do tamanho de uma parede. A colocação muda as dimensões entre as duas salas e, assim, muda as camadas de interação do primeiro ao último trabalho. Aqui, somos levados da abstração ao relacional, de trabalhos em tela resistente a trabalhos mais delicados em papel.

Essa relatividade é mais notada em Power Lines , um políptico de 12 papéis que começa com marcas de tinta fragmentadas. Em seguida, cresce em escala para se assemelhar às linhas de energia e postes de energia muito familiares que prendem o espectador na paisagem visual de Nova Orleans fora do French Quarter. À medida que os painéis continuam, o foco se torna mais nos transformadores, tornando-se mais camadas de cera e óleo até que, finalmente, o último painel seja consumido inteiro. Esse velamento específico fala de infraestrutura, algo que pode ser ocultado, mas é extremamente óbvio na miríade de maneiras que afetam a dinâmica de poder em um lugar.

O trabalho mais palpável é The Orchard of Eve, um vídeo animado projetado em mylar de um único desenho que foi colocado em camadas sobre si mesmo várias vezes. Criado em colaboração com Christina Molina e Ryan Wilson, o trabalho apresentava delicadas linhas de tinta e símbolos acompanhados por esferas de vários tamanhos que se invertem à medida que se sobrepõem. O que antes era velado, torna-se desvelado. Há uma dança, um fluxo e refluxo performativo entre revelar e ocultar, quase como se houvesse uma hesitação em ser totalmente um ou outro, ser vulnerável ou ser consumido.

A palpabilidade é evidenciada através do elemento interativo da obra devido a sua dualidade. Quando de um lado, o espectador ofusca o vídeo, mas do outro lado, que pode ser acessado por uma entrada separada, o espectador não pode. O lado não ofuscado também contém uma peça oculta, Memory of a City, uma impressão digital de um desenho intrincado que sugere um centro da cidade. Embora o espectador não seja visto por trás do véu de mylar da animação, ambos os lados podem se ouvir.

O véu tem sido usado em uma infinidade de culturas e religiões por uma infinidade de razões, mas mais comumente como símbolo de um estilo de vida exclusivo, seja por religião ou status social; ou, como escudo para um objeto ou espaço considerado sagrado. Com essas obras, Gokturk obscurece a fisicalidade da gama de emoções sentidas em cada preço, ao mesmo tempo em que permite que fragmentos deliberados e controlados venham à tona. É um confronto direto com o velamento que os humanos fazem na vida, por mais que tentemos, alguma verdade se infiltrará. Essa aceitação acrescenta ainda mais peso à vulnerabilidade do trabalho, uma vulnerabilidade da qual ele permite que os espectadores sejam um participante receptivo. Assim, ao ver a obra, também estamos nos vendo. No entanto, em vez de uma replicação exata,

Quando questionado sobre o que ele quer que o espectador tire do trabalho, Gokturk disse que sua esperança é que eles reflitam sobre a existência de um “mistério” que existe entre eles e aqueles ao seu redor. “E quando digo mistério, quero dizer uma névoa. Não é como um mistério no verdadeiro sentido. Como se houvesse uma névoa. E há um véu, algo que escondemos em nós mesmos e algo que as pessoas veem em nós. E sempre convivemos com isso. Não é tão pronunciado, mas está sempre lá.”

Behind the Black Veil está em exibição na The Front Gallery em Nova Orleans de 11 de novembro a 4 de dezembro de 2022. The Front está localizado na 4100 St Claude Avenue e está aberto aos sábados e domingos das 12h às 17h.

Veja mais do trabalho de Nurhan Gokturk em seu site e Instagram .