Wie Rotoskopie funktioniert

Seit den Anfängen des bewegten Bildes Ende des 18. Jahrhunderts experimentieren Filmemacher mit Möglichkeiten, Filme spannender zu machen. Der Filmpionier Georges Méliès bediente sich allerlei Kameratricks, um Kurzfilme wie seinen „Un Homme de Tête“ von 1898 zu drehen, in dem die von Méliès gespielte Figur wiederholt seinen Kopf abnahm und jeden Kopf auf einen Tisch legte, oder seinen „Le Voyage Dans la“ von 1902 Lune", wo er Männer mit einer Rakete in Form einer Kugel zum Mond mit dem Tortengesicht schickte .

Einige Künstler wandten sich der Animation zu, um phantasievolle Geschichten und Situationen im Film zu erschaffen. Vollständig animierte Zeichentrickfilme gibt es seit 1908, als der Comiczeichner Émile Cohl Hunderte von einfachen Handzeichnungen zeichnete und filmte, um den Kurzfilm „Fantasmagorie“ zu drehen. Andere folgten diesem Beispiel, darunter Winsor McCay mit „Gertie the Dinosaur“ im Jahr 1914, der Tausende von Frames umfasste und länger, flüssiger und realistischer war als die meisten Cartoons der damaligen Zeit. Die meisten waren etwas rau und ruckelig.

Parallel zu dem Bestreben, neue, fantastische Effekte zu schaffen, um zu überraschen und zu unterhalten, gab es ein paralleles und scheinbar (aber nicht wirklich) paradoxes Streben nach Realismus, um Filme glaubwürdiger zu machen. Einige Schöpfer bemühen sich auch, den Grad an Realismus in Cartoons zu erhöhen. Eine Technologie zur Animation lebensechter Bewegungen ist das Rotoskopieren, das vor ziemlich genau 100 Jahren entwickelt wurde.

Das Rotoskopieren erfordert relativ einfache, wenn auch zeitaufwändige Schritte und Geräte. Im Grunde nimmt man Filmaufnahmen von Live-Schauspielern oder anderen Objekten in Bewegung und verfolgt sie Bild für Bild, um eine Animation zu erstellen. Rotoskopie kann jedoch auch verwendet werden, um zusammengesetzte Spezialeffekte in Live-Action-Filmen auszuführen.

In manchen Kreisen hat das Rotoscoping von Cartoons einen schlechten Ruf als Betrug, der sich von "echter" Animation unterscheidet, die von Grund auf neu gezeichnet wurde, und computergenerierte Kunstfertigkeit hat viele der althergebrachten Methoden ersetzt. Aber Rotoskopie ist immer noch ein potenziell nützliches Werkzeug im Arsenal des Animators oder Filmemachers.

1. Die Ursprünge des Rotoskopierens
2. Rotoskopieren in anderen Animationen
3. Old School Rotoscoping von Spezialeffekten
4. Neue Rotoskopie-Werkzeuge
5. Farbkodierung versus Rotoskopie
6. Motion Capture versus Rotoskopie
7. Gegenwart und Zukunft des Rotoscoping

Der Künstler und Technik-Enthusiast Max Fleischer war Kunstredakteur für Popular Science Monthly, als er auf die Idee des Rotoskopierens kam, mit dem Ziel, flüssigere und realistischere Bewegungen in Zeichentrickfilmen zu erzeugen. Er nahm die Hilfe seiner vielen talentierten Brüder (Dave, Joe, Lou und Charlie) in Anspruch, um ein Rotoskopgerät zu entwickeln und zu testen. Max meldete 1915 ein Patent für das Verfahren und den zugehörigen Mechanismus an, das 1917 erteilt wurde.

Der Rotoskopie-Prozess musste mit Filmmaterial beginnen. Für den ersten Versuch der Fleischers gingen sie mit einem Handkurbelprojektor, den sie in eine Filmkamera umgebaut hatten, auf das Dach eines Wohnhauses und filmten über eine Minute Testmaterial von Dave in einem Clownkostüm (das von ihrer Mutter genäht wurde). ). Sobald dieses Filmmaterial erstellt und entwickelt war, wurde der Rotoskopmechanismus, den sie zusammengefügt hatten, verwendet, um den Film Bild für Bild durch eine Glasscheibe auf einem Kunsttisch zu projizieren. Max würde Pauspapier über die andere Seite des Glases legenPanel und verfolgen Sie das Standbild. Wenn er fertig war, bewegte er den Film zum nächsten Bild und begann mit einer neuen Zeichnung über dem nächsten Bild. Das Patent erwähnte einen möglichen Mechanismus, der es dem Künstler ermöglicht, sich zum nächsten Bild zu bewegen, indem er an einer Schnur von seiner aktuellen Position zieht.

Sobald alle Bilder gezeichnet waren, mussten sie einzeln fotografiert werden. Für ihren Clown-Filmtest verwendete Max den Projektor erneut als Kamera, diesmal belichtete er jedes gezeichnete Bild mit einem Filmbild, indem er manuell eine Objektivkappe für genau die richtige Zeit entfernte und wieder aufsetzte und dann den Film weiterzählte. Sie ließen den Film entwickeln, spielten ihn mit dem Projektor ab und stellten fest, dass der Prozess funktioniert hatte. Und der animierte Clown, der später Koko genannt werden sollte, war geboren.

Max fuhr fort, viele erfolgreiche Zeichentrickfilme zu animieren, und sein Bruder Dave führte Regie, beginnend um 1919 mit der Serie „Out of the Inkwell“ mit Koko dem Clown. Zu ihren späteren Arbeiten gehörten die ikonischen Charaktere Betty Boop und Popeye in den 1930er Jahren und die berühmt realistischen (und teuer zu produzierenden) „Superman“-Kurzfilme in den 1940er Jahren. In allen wurde Rotoskopie in unterschiedlichem Maße eingesetzt, um lebensechte Charakterbewegungen zu erzeugen und gleichzeitig die Kreativität und Übertreibung zu ermöglichen, die Animationen ermöglichen.

Drei Betty-Boop-Cartoons („Minnie the Moocher“, „The Old Man of the Mountain“ und „Snow-White“) enthielten sogar rotoskopiertes Filmmaterial von Cab Calloway als verschiedene Charaktere. Die ersten beiden begannen auch mit einem Live-Action-Film von Cab Calloway und seinem Orchester, und „Minnie the Moocher“ enthält das früheste bekannte Filmmaterial von Cab Calloways Auftritt [Quelle: Fleischer Studios ].

Fleischer verwendete die Technik auch in „Gullivers Reisen“, der 1939 veröffentlicht wurde und damit die zweite in den USA produzierte Animation in Spielfilmlänge war

Der erste amerikanische Animationsfilm in Spielfilmlänge war Disneys „Schneewittchen und die sieben Zwerge“. Bevor es animiert wurde, wurde Referenzmaterial von Schauspielern aufgenommen, die an rudimentären Studiosets in Kostümen auftraten, darunter die junge Tänzerin Marjorie Celeste Belcher (später bekannt als Marge Champion) als Schneewittchen, der Tänzer Louis Hightower als Prinz, die Comics Eddie Collins und Billy House als Dopey und Doc und Schauspieler Don Brodie als verkleidete Königin. Dann rotoskopierten sie Keyframes am Anfang und am Ende der Charakteraktionen, und die Animatoren erarbeiteten die Charaktere und Szenerien und erstellten alle Zwischenaufnahmen auf transparenten Animationszellen.

Die Technik wurde auch in „Peter Pan“ mit Aufnahmen mehrerer Schauspieler verwendet, darunter Hans Conried als Mr. Darling und Captain Hook, Buddy Ebsen als Pirat, Tänzer Roland Dupree als Peter Pan und Margaret Kerry als Tinker Bell. Es wurde auch in einigen anderen Disney-Filmen verwendet.

Rotoscoping wurde zwar gut genutzt, aber nicht immer gut angenommen. Wie wir bereits erwähnt haben, betrachteten einige es als Betrug oder Abkürzung, und andere beschwerten sich darüber, dass Charaktere, die lebenden Schauspielern nachempfunden waren, sich in Aussehen und Bewegung von anderen sich bewegenden Charakteren, wie z. B. traditionell animierten Tieren, unterschieden. Disney hat sogar versucht, den Einsatz von Rotoskopie in „Schneewittchen und die sieben Zwerge“ ein Stück weit zu verbergen. Bei der Premiere setzten sie Belcher abseits der Menge auf den Balkon und sagten ihr, sie solle nicht über ihre Rolle in dem Film sprechen. Sie wusste anscheinend nicht, dass das von ihr aufgenommene Filmmaterial rotoskopiert wurde, und erfuhr Jahrzehnte später von dem Prozess, als sie eine Disney-Ausstellung über den Film besuchte. Welche Techniken auch immer verwendet wurden, der Film war unbestreitbar ein Meisterwerk der Animation und hat sich zu einem Klassiker entwickelt.

Und es war bei weitem nicht der letzte Cartoon, der diese Technik verwendete. Einige haben viel stärkeres Rotoskopieren verwendet, was zu Filmen führte, die wie gemaltes Filmmaterial aussehen. Das „Lucy in the Sky with Diamonds“-Segment des „Yellow Submarine“ (1968) der Beatles enthielt einige offensichtliche Rotoskopie. Und der Animator Ralph Bakshi setzte die Technik in mehreren Filmen ein, darunter „Wizards“ (1977), „The Lord of the Rings“ (1978), „American Pop“ (1981), „Fire and Ice“ (1983) und „Cool World“. (1992). Berichten zufolge hat Columbia Pictures die Verwendung von Rotoskopie in „American Pop“ bei seiner Veröffentlichung heruntergespielt.

A-Has Video zu ihrem Song „Take On Me“ aus dem Jahr 1985 verwendete ebenfalls Rotoskopie mit einprägsamer Wirkung und zeigte abwechselnd Menschen in Live-Action-Aufnahmen und skizzenhaften Comic- Animationen. Im selben Jahr wurde es im INXS-Video „What You Need“ verwendet, um Animationen und Farbeffekte hinzuzufügen.

In jüngerer Zeit wurden Richard Linklaters Filme „Waking Life“ (2001) und „A Scanner Darkly“ (2006) beide mit Live-Schauspielern gedreht und mithilfe eines Verfahrens namens interpoliertes Rotoskopieren in Animationen umgewandelt. Viele Animatoren arbeiteten an den Filmen, aber um den Prozess zu beschleunigen und ein reibungsloses Ergebnis zu erzielen, wurde eine vom MIT-Studenten Bob Sabiston entwickelte Software verwendet, die die Bilder für Frames zwischen rotoskopierten Keyframes interpolierte.

Der Prozess wird auch von Animatoren verwendet, um zu lernen, wie man Bewegungen von Grund auf animiert. Aber es ist nicht nur ein Animationstool. Rotoskopie wird auch in Live-Action-Filmen verwendet.

Rotoscoping ist nicht nur für Animationsfilme geeignet. Es wurde verwendet, um Alfred Hitchcocks Film „Die Vögel“ von 1963 mit Spezialeffekten zu versehen, um alle leuchtenden Lichtschwertklingen in die ursprünglichen „Star Wars“-Trilogiefilme zu platzieren und um Effekte zu vielen anderen Filmen hinzuzufügen.

In den Tagen von Filmen, die auf echtem Film gedreht und bearbeitet wurden, wurde Rotoskopie manchmal verwendet, um Spezialeffekte auf Animationszellen über Live-Action-Filmmaterial zu malen, aber es wurde auch verwendet, um Matten (oder Masken) zu erstellen, damit Filmemacher Elemente aus einem Film kombinieren konnten Szene mit Elementen einer anderen, völlig anderen gefilmten Szene. Ein Filmemacher möchte möglicherweise Aufnahmen von einer Person auf einer Tonbühne über Aufnahmen eines Ortshintergrunds legen, z. B. des Ozeans oder des Weltraums oder vor einer Explosion. Dieses Kombinieren von Bildern oder Effekten, die ursprünglich nicht zusammen aufgenommen wurden, zu einem Filmbild wird als Compositing bezeichnet.

Diese Art des Rotoskopierens war eine unglaublich zeitaufwändige Aufgabe, bei der es, wie beim Animationsäquivalent, darum ging, jedes Filmbild auf eine Glasplatte zu projizieren und die Elemente Bild für Bild manuell nachzuzeichnen. Ein Animator oder Spezialeffektkünstler zeichnete alle Elemente, die isoliert werden mussten, auf eine transparente Zelle. Die nachgezeichneten Elemente würden mit Farbe ausgefüllt, um Matten zu erstellen, die auf einem anderen Frame (z. B. Filmmaterial des gewünschten Hintergrunds) platziert werden könnten, um diesen Bereich auf dem Frame effektiv zu blockieren und einen Platz für den Vordergrundeffekt zu lassen.

Der Prozess umfasste oft das Erstellen mehrerer Filmrollen, beispielsweise der ursprünglichen Vorder- und Hintergrundbildaufnahmen, des Films der verdunkelten Matten und des Films einer Negativversion der Matten mit einem verdunkelten Hintergrund. Eine neue Filmrolle würde mehrmals belichtet, um alle Elemente miteinander zu kombinieren. Das Hintergrundbild würde dem Film mit der schwarzen Matte davor ausgesetzt, und das Vordergrundelement würde demselben Filmbild mit der negativen Version der Matte davor ausgesetzt, um das Vordergrundelement dem Film auszusetzen an der Stelle, die bei der ersten Belichtung dafür gelassen wurde. Auf diese Weise wurden die rotoskopierten Matten verwendet, um das Vordergrundelement und den Hintergrund auf jedem Filmbild zu kombinieren.

Es hat viel Arbeit gekostet, es richtig zu machen. Ein typischer 35-Millimeter-Film wird mit einer Rate von 24 Bildern pro Sekunde projiziert, was 1.440 Bildern pro Minute entspricht, sodass Matten für Dutzende, Hunderte oder sogar Tausende von Bildern gemalt werden müssten. In einer einzelnen Action-Aufnahme ändern die sich bewegenden Elemente in jedem nachfolgenden Frame ein wenig ihre Position (eine Matte, die Position und Form von Frame zu Frame ändert, wird als bewegliche Matte bezeichnet). Es kann noch komplizierter werden, wenn mehrere Dinge auf dem Bildschirm interagieren und sich überlappen, was mehrere Matten pro Frame erfordert.

Es waren nicht nur viele Frames beteiligt, sondern auch die Umrisse und gemalten Matten für jeden einzelnen mussten akribisch sein, die Beleuchtung musste übereinstimmen (oder später durch Farbkorrektur angepasst werden) und alle physischen Elemente (die Matten, Film und Ausrüstung) genau ausgerichtet werden mussten, oder die Ergebnisse würden sich seltsam bewegen oder auf andere Weise fehl am Platz aussehen.

Aber wenn es gut gemacht ist, könnte Rotoskopie verwendet werden, um Dinge auf Film zu zeigen, die im wirklichen Leben schwierig oder unmöglich gewesen wären. Und es ist auch für alltäglichere, aber notwendige Zwecke, wie das Entfernen von Kabeln, Mikrofonen , Inszenierungsmarkierungen oder anderen Gegenständen, die absichtlich oder nicht absichtlich in einer Einstellung zurückgelassen wurden, was das Publikum beim Ansehen des Films aus dem Moment reißen könnte.

Die Technik wird in gewissem Umfang bis heute verwendet, aber glücklicherweise entstanden im Computerzeitalter modernere Methoden zum Rotoskopieren, Erstellen von Matten und Zusammensetzen von Elementen.

Die Existenz immer kleinerer, billigerer und leistungsfähigerer Computer hat uns in eine große neue Ära des Filmemachens geführt. CGI ( computergenerierte Bilder ) ermöglicht es, fast alles auf den Bildschirm zu bringen und es zumindest einigermaßen glaubwürdig aussehen zu lassen. Und trotz der Existenz anderer Spezialeffekttechniken (von denen wir einige im nächsten Abschnitt besprechen werden) hat uns die neue Grafiksoftware auch neue Möglichkeiten des Rotoskopierens eröffnet, die weitaus weniger zeitaufwändig sind als dies bei physischem Film der Fall war.

Einige der Konzepte sind die gleichen, aber die Medien und Werkzeuge sind größtenteils digital (einschließlich des Films, der Farbe und der Software). Anstelle einer physischen Animationszelle, die auf einen Glastisch gelegt wird, auf dem ein projizierter Film angezeigt wird, können Sie mit Grafiksoftware häufig in virtuellen Ebenen arbeiten, wobei eine Ebene das digitalisierte Filmbild ist und die anderen die Animationen oder Effekte enthalten, die Sie in jedem Frame platzieren möchten . Anstatt das Endprodukt zu fotografieren, speichern oder exportieren Sie es dann als neue digitale Datei.

Graphics software applications let you do many of the same things you could do with physical film media and equipment. You can paint over each frame of a digitized video using a mouse, trackpad or graphics tablet to create a traditional rotoscoped animation, where you can keep the regular film and animation together or remove the film leaving only the animation. Or you can create complex mattes to composite filmed or computer generated objects into each frame.

Matten können auf einzelnen Frames mit Auswahl- und Malwerkzeugen in der Symbolleiste der Software erstellt werden. Sie können mithilfe von Splines (Linien oder Kurven, die durch Ziehen verschiedener Punkte manipuliert werden können) Umrisse erstellen, um es einfacher zu machen, die Matte auf dem nächsten Bild leicht zu ändern, anstatt ein neues komplett neu zu zeichnen. Einige Dinge können sogar automatisch über mehrere Frames hinweg von der Software gehandhabt werden, die möglicherweise in der Lage ist, die Informationen in den Anfangs- und End-Keyframes zu nehmen und diese zu verwenden, um herauszufinden, welche Informationen in den Frames dazwischen enthalten sein müssen, und sie zu generieren. Eine Menge Software kann die Position von Elementen von Frame zu Frame verfolgen, um zu wissen, wo zusammengesetzte Elemente platziert werden müssen, die zu früheren Frames hinzugefügt wurden.

Mit moderner Grafiksoftware können Sie auch ganz einfach Farben ändern, Elemente von einem Objekt in ein anderes verwandeln, Kanten mit wenigen Tastendrücken verwischen und weicher machen und Teile des Bildschirmbilds von einem Ort zum anderen klonen (oder kopieren). Dieses letztere Werkzeug ist nützlich, um Kabel und verirrte Galgenmikrofone zu entfernen, da Sie andere Teile des Hintergrunds (eine Wand oder den Himmel) darüber platzieren können, damit es so aussieht, als wären sie nie da gewesen.

Early software tools that could be used for rotoscoping and similar techniques began appearing in the 1990s, including Colorburst, Commotion and Matador. More modern software that can be used for various levels of rotoscoping includes Adobe Flash, Adobe Photoshop, Adobe After Effects, Imagineer Systems' Mocha, Silhouette, Autodesk's Flame and Smoke, Blackmagic's Fusion and Foundry's Nuke, Ocula and Mari, among others. Some of these are expensive and require very powerful and likewise expensive computers and other equipment. But some, like Adobe Flash and After Effects, aren't outside the realm of possibility for a home hobbyist or independent filmmaker.

Es gibt einige bemerkenswerte Alternativen zum Rotoskopieren zum Zusammensetzen von Spezialeffekten in Filmen, und eine davon ist Color Keying, das manchmal als Chroma Keying bezeichnet wird und oft mit der Farbe des Hintergrunds bezeichnet wird, auf dem die Schauspieler gefilmt werden (z. B. Blau ). Bildschirm oder Greenscreen ). Blue Screen Color Keying gibt es seit 1940, als es im Film „The Thief of Bagdad“ verwendet wurde.

Eine andere Version der gleichen Idee wurde exklusiv von Disney verwendet, wo sie Schauspieler auf einem weißen Hintergrund filmten und sie mit Natriumdampflampen beleuchteten. Diese proprietäre Methode wurde verwendet, um Effekte in „The Parent Trap“, „The Absentminded Professor“ und „Mary Poppins“ zu filmen und zu komponieren.

Green overtook blue as most commonly used when post production work went digital , since green is easier to light and digital cameras are better able to pick up detail in front of that color. Whatever the color involved, color keying is used to create traveling mattes more automatically by filming actors and other foreground items in front of a single colored backdrop and then using film or digital processing to remove that color (or everything that isn't that color) to produce mattes for background and foreground elements. It eliminated the need to manually outline and matte elements frame by frame and made the process much easier, although it comes with problems of its own. For instance, you have to make sure your actors aren't wearing anything that's the color of the backdrop. Plus most things are multicolored, so faint traces of those colors might be removed from your foreground subjects, requiring color correction.

And it isn't foolproof. Rotoscoping is sometimes used to fix mistakes on set, such as someone or something you are filming moving outside of the color screen area. If someone accidentally waves an arm out of the area, rotoscoping can be used to make a traveling matte of the part that isn't in front of the color screen to composite it into the film properly.

Another comparable and even newer technique is motion capture, sometimes referred to as mocap, and more recently dubbed performance capture. It's akin to both rotoscoping and color keying in that it's used to composite new moving elements (actors in particular) into scenes, and like the rotoscoping of old, it is often used to lend characters realistic motion and appearance. But mocap is a thing of the digital age that's bringing us much more realistic graphics and motion than anything that came before.

Originally developed to study motion, the process has been used in film and video games since the mid-1990s. It involves digitally capturing the motion of a live actor to create a 3-D computer model of the body and its motions. In its earlier incarnations, an actor would don a bodysuit covered with reflective markers or sensors and then perform alone on a sound stage surrounded by cameras. The data from the session would be fed into computer software that would generate a moving 3-D model of the performer and performance. Facial expressions, costumes and other details would be added by animators and other special effects professionals via graphics software in post-production. The technique was used to model some shots of Batman in "Batman Forever" (1995), crowd scenes in "Titanic" (1996), Jar Jar Binks in "Star Wars Episode I: The Phantom Menace" (1999) and Gollum (performed by motion capture virtuoso Andy Serkis) in "The Fellowship of the Rings" (2002).

But every mocap blockbuster seems to bring innovations that make the process even better. One major improvement was facial performance capture, which was used for the titular character in Peter Jackson's "King Kong" (2005), Davy Jones in "Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest" (2006) and all the Na'Vi in James Cameron's "Avatar" (2009). This was at first achieved with the use of sensors or reflective markers on the face, but for "Avatar," the actors wore form fitting helmets that had cameras in front of the actor's faces (attached via a thin arm) and had dots painted onto their faces. The camera captured every facial change, including lip and eye movements, and fed the data into software. The data was used to imbue each computer generated character with as much of the actor's real performance as possible, rather than relying entirely on post production animation using reference footage. The actors still had to perform on a set (wearing the helmets and bodysuits covered with infrared LED sensors and being filmed by Weta's "The Volume" motion capture camera system), but they were able to interact with each other.

Another big breakthrough came with "Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest" (2006) where Bill Nighy was able to do his entire performance on set with other actors (albeit in a marker-covered body suit and with facial markers). Effects house Industrial Light and Magic was able to add all of the CGI elements of Davy Jones later using the data that was captured on-set. In "Rise of the Planet of the Apes" (2011) and "Dawn of the Planet of the Apes" (2014) (also both starring Andy Serkis in mocap roles), performance capture was done outdoors on location using bodysuits with infrared LEDs and the helmet cameras.

And yet another incredible innovation was first used on "Avatar." A virtual camera with a monitor allowed James Cameron to view the actors' as their computer-generated characters along with the CG setting in real-time while the performances were happening. The technology was also used in Peter Jackson's "The Hobbit: An Unexpected Journey" (2012) and its sequels. The final, much more realistic results still come later after many, many man-hours of post-production, but it can be used to better visualize how a shot will really look and give direction accordingly. Plus the immediate on-set graphics are bound to get better with time.

Motion capture has also been used to create fully animated films, including "Final Fantasy: The Spirits Within" (2001), Robert Zemeckis's "The Polar Express" (2004) and "Beowulf" (2007). The former two suffered from complaints that the characters fell into "Uncanny Valley" territory, but those sorts of complaints seem to be diminishing with newer more realistic animations.

Both rotoscoping and motion capture can allow for an actor's performance to come through in action rather than just voice on a graphically rendered character. But performance capture has the potential to turn an actor into any sort of creature the story requires, without the need for hours in makeup and costuming, and with an entirely realistic appearance and movement.

Still, it's an expensive process, and isn't always necessary to tell a good story. Although just about every film has special effects we don't notice, like the stripped out boom mic or day for night shots or more snow on the ground that is generally present during a spring shoot, they don't all have or need entirely CG characters.

All of these techniques give animators and other filmmakers ways to produce creative and stunning visuals. In live-action film, they allow for scenes that would be expensive, difficult, dangerous or impossible to film in a real-world setting. And new and improved digital tools are making it possible to create more realistic effects than ever, faster and more cheaply than before.

Despite all the new shiny toys, rotoscoping still exists as a viable tool in the arsenal of the filmmaker or graphic artist. It can be adopted for stylistic purposes to deliver a certain look and feel, as with Richard Linklater's "Waking Life" and "A Scanner Darkly." But it's also always on standby, ready to be used for filming flubs and other post-production compositing needs.

Author's Note: How Rotoscoping Works

Researching this article has been educational in areas of film and animation history. I knew about some of the more obvious cases of rotoscoping in animations, like Ralph Bakshi's "Lord of the Rings" and Richard Linklater's "A Scanner Darkly," but I didn't realize how widely it has been used, and that it's still used so often. And I've always loved Max Fleischer's cartoons, but didn't know the whole backstory until now. In fact, the most fun thing about researching this article was that it pretty much forced me to watch a bunch of old cartoons.

And as far as motion capture, one only has to look at the differences between Gollum in Peter Jackson's "The Lord of the Rings" films and Gollum in the first "Hobbit" movie. It was fantastic before, but Andy Serkis's performance and the computer generated final character's facial expressions nearly make me cry in the newer film. I can't wait to see what the future of CGI holds for us.

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