10 filmes que mudaram o cinema

Naquela época, os filmes eram tão novos que ver qualquer coisa na tela era uma emoção. Mas com o passar do tempo, espectadores e diretores queriam mais do meio. Hoje, os avanços na tecnologia permitiram aos cineastas fazer coisas que antes pareciam impossíveis. Por exemplo, no filme "Gravidade", de 2013, o diretor Alfonso Cuarón usou fotos de câmera em movimento contínuo para dar aos espectadores a sensação de estar lá no espaço sideral com as estrelas Sandra Bullock e George Clooney. Os atores foram amarrados por horas enquanto enormes painéis de LED os cercavam, transmitindo luz em turbilhão. Isso deu uma representação muito realista de astronautas voando sem peso no espaço [fontes: Hill , Von Baldegg ].

Ir de trabalhadores saindo de uma fábrica para astronautas girando no espaço exigiu a visão e a criatividade de uma enorme quantidade de engenheiros, inventores, diretores de fotografia, diretores, roteiristas e atores. Esta lista cronológica de 10 filmes que mudaram o cinema ilustra a jornada.

1. Encouraçado Potemkin (1925)
2. 'O General' (1926)
3. 'O cantor de jazz' (1927)
4. 'Cidadão Kane' (1941)
5. 'Sem fôlego' (1960)
6. '8 ½' (1963)
7. '2001: Uma Odisseia no Espaço' (1968)
8. 'Toy Story' (1995)
9. 'Avatar' (2009)
10. 'Vergonha' (2011)

Quem disse que propaganda é coisa ruim? Este pequeno pedaço da história do cinema foi criado para homenagear os primeiros revolucionários russos, mas acabou derrubando a forma como os filmes dramáticos eram feitos. O filme mudo conta a história de uma revolta de 1905 em que marinheiros russos frustram a tirania a bordo de um navio, apenas para serem destruídos quando bandidos de mão pesada – cossacos, neste caso – vêm em busca de vingança.

A história se desenrola em cinco atos. "The Odessa Steps" é o mais notável dos cinco, saudado por cineastas, acadêmicos e cinéfilos como um importante avanço na arte da edição. Sergey Eisenstein foi um dos primeiros diretores a usar a montagem – editando uma série de tomadas em uma sequência – ao capturar a destruição climática que ocorre quando as forças cossacas invadem a cidade, tecendo os destinos de várias pessoas da cidade e um bebê muito azarado em uma carruagem. (A cena foi reprisada em "Os Intocáveis" de 1987.) [fontes: Ebert , Encyclopedia Britannica ].

O "encouraçado Potemkin" foi banido em vários países, inclusive, ironicamente, na União Soviética na era stalinista. Joseph Stalin temia que isso pudesse incitar um motim contra seu regime repressivo [fonte: Encyclopedia Britannica ].

Antes de haver Jason Bourne e o detetive John McClane, havia Buster Keaton . O padrinho da atuação física estabeleceu o padrão para dezenas de homens de liderança que viriam. Esta estrela de cinema mudo fez todas as suas próprias acrobacias , começando com uma queda inadvertida de um lance de escadas aos 6 meses de idade. De alguma forma, Joseph Francis Keaton saiu ileso e Harry Houdini, que estava por perto, o pegou e disse que o menino poderia realmente levar um "buster" ou uma queda [fonte: PBS ].

Ao contrário das estrelas de ação de hoje, a maioria dos espancamentos e contusões de Keaton foi feita para rir. Ele era um dos atores inexpressivos originais, nunca mostrando um sinal de emoção, apesar das multidões furiosas, hooligans de vagões de trem ou outras travessuras seguindo logo atrás dele. Ele preparou o cenário para uma ampla gama de atores, de Bill Murray e Alec Baldwin a Michael Cera e Zach Galifinakis [fonte: Barnes ].

"The General" é Keaton no seu melhor: uma perseguição de trem ambientada na era da Guerra Civil que o ator estrelou, escreveu e dirigiu. Duas longas cenas de perseguição mostram todo o seu talento, enquanto ele salta sobre vagões, salta sobre uma ponte em chamas e se esquiva por pouco de uma bala de canhão, tudo sem quebrar aquele rosto de pedra [fonte: Dirks ].

"The Jazz Singer" foi o primeiro filme a quebrar a barreira do som do cinema , abrindo novos caminhos ao adicionar diálogos falados a uma produção cinematográfica. Esse avanço foi bom o suficiente para render ao filme o primeiro Oscar honorário por conquista técnica.

A Warner Bros. Studios usou o que era então uma tecnologia novinha em folha chamada Vitaphone. O sistema de som em disco exigia que um projecionista sincronizasse bobinas de filme com um disco fonográfico para reproduzir diálogos e músicas gravadas. Foi um primeiro passo instável, mas muito importante [fonte: Hart ].

"As canções de Vitaphone e alguns diálogos foram introduzidos com muita habilidade", disse um repórter do New York Times em uma resenha do filme em 1927 . "Isso em si é um movimento ambicioso, pois na expressão da música o Vitaphone vitaliza enormemente a produção."

Embora o Vitaphone e tecnologias semelhantes tenham sido logo substituídos por processos de som em filme, ele continuou a ser usado para Looney Tunes e outros desenhos animados ao longo da década de 1940 [fonte: Hart ].

Se você não viu a interpretação chamativa de Baz Luhrmann de "O Grande Gatsby", não o faça. Em vez disso, passe algumas horas com "Citizen Kane", uma história mais gratificante dos perigos do sonho americano que foi vagamente baseada no livro "Gatsby".

Muitas vezes no topo das listas dos melhores filmes já feitos, "Cidadão Kane" conta a história da busca malfadada de um magnata editorial pela glória. Além disso, algo sobre um botão de rosa... Escrito por Orson Welles e Herman Mankiewicz, a figura central do filme é uma aproximação do gigante da mídia da vida real William Randolph Hearst .

Welles também dirigiu e estrelou esta obra-prima cinematográfica que estabeleceu o padrão para filmes um pouco mais altos. Ele abraçou uma narrativa distorcida no tempo, usou a iluminação para capturar o clima e contou com fotos de foco profundo - nas quais todo o quadro de cada foto permanece em foco o tempo todo - para permitir que os espectadores procurem na tela a resposta para o enigma do "botão de rosa". [fontes: Perez , Brown ].

Discípulos de cineastas como Wes Anderson e Quentin Tarantino podem querer passar algum tempo prestando homenagem a Jean-Luc Godard e François Truffaut. Esses titãs da Nouvelle Vague francesa definiram o rumo de seus descendentes americanos com um punhado de filmes autoconscientes que usaram novas técnicas para contar velhas histórias.

"A Nouvelle Vague francesa influenciou todos os cineastas que trabalharam desde então, quer tenham visto os filmes ou não", disse Martin Scorsese uma vez . "Isso submergiu o cinema como um maremoto."

Uma peça central do movimento New Wave, "Breathless" é mais conhecido entre os cinéfilos por seu uso extensivo de edição de jump cut . O diretor Godard usou várias tomadas do mesmo assunto de ângulos ligeiramente diferentes para expressar a passagem do tempo. A técnica também dá ao filme uma sensação nervosa e irregular enquanto Godard conta a história de um fora-da-lei (Jean-Paul Belmondo) e seu interesse amoroso (Jean Seberg) em movimento.

Desde então, os cortes de salto se tornaram uma maneira usada regularmente para criar tensão no cinema. Os fãs de filmes de gângsteres devem lembrar que Scorsese empregou a técnica nas cenas finais de "Goodfellas", enquanto Henry Hill, viciado em cocaína, dirige pelo Brooklyn e os policiais se aproximam [fontes: Kohn , Casey ].

O ícone do cinema italiano Federico Fellini tece a história (autobiográfica?) de um diretor atormentado que está tendo problemas para colocar seu último projeto em curso através de uma série surreal de cenas de sonho, fantasia e presente que se misturam e deixam para os espectadores que tarefa de separar qual é qual.

"8 ½" abre com uma sequência de sonho que inclui o diretor Guido preso no trânsito impenetrável - lutando até para sair de seu carro - e depois flutuando em direção às nuvens antes de ser puxado de volta à terra por uma corda amarrada ao tornozelo. Guido está indo a todos os lugares em sua mente, enquanto seu projeto de filme persegue o próprio rabo [fonte: Sesonski ]. O título, aliás, refere-se ao fato de que este filme foi o oitavo filme e meio que Fellini dirigiu ou co-dirigiu.

A forma livre do filme ajudou a libertar futuros cineastas dos laços da narrativa tradicional e linear. Abriu as portas para gerações de cineastas surrealistas , incluindo David Lynch, Terry Gilliam, Darren Aronofsky e Michel Gondry. Tente seguir "8 ½" com "Black Swan" de Aronofsky ou "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" de Gondry e a influência será palatável [fonte: Sesonski ].

Um pequeno passo para o homem, um salto gigante para efeitos especiais feitos pelo homem. Stanley Kubrick forçou a indústria cinematográfica a repensar o que era possível com seu retrato alucinante da evolução, dois astronautas condenados e um computador falante chamado HAL. As réplicas do que Steven Spielberg chama de "big bang" de sua geração cinematográfica ainda estão sendo sentidas em filmes de ficção científica modernos como "A Origem" [fonte: Kazan ].

Com apenas 40 minutos de diálogo em quase duas horas e meia de filme. Kubrick contou com imagens, música e vários efeitos de áudio - mais notavelmente, um silêncio penetrante - para guiar os espectadores em sua jornada pelo espaço sideral. Como "8 ½" antes dele, o filme mais uma vez mostrou que uma narrativa convincente não precisa se desdobrar de forma linear [fonte: Suber ].

O verdadeiro impacto do filme não é sua história, mas os efeitos visuais e especiais usados ​​para contá-la. Essas técnicas já foram adotadas por toda uma série de cineastas de ficção científica, de George Lucas em "Star Wars" a Ridley Scott em "Alien" [fonte: Kazan ].

"Depois de '2001: Uma Odisseia no Espaço', a ficção científica está morta", disse Scott sobre o legado do filme, o que significa que todos o imitaram. "Não há nada original. Já vimos tudo isso antes. Estive lá. Feito" [fonte: Kazan ].

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Este filme representou o alvorecer da revolução da Pixar. Sem ele, não haveria " Monstros, Inc. ", " Procurando Nemo ", e nem "Up", sem mencionar "Toy Story 2" e "Toy Story 3". Quando "Toy Story" estreou em 1995, teria sido uma blasfêmia prever que dois filmes animados posteriores da Pixar - "Up" e "Toy Story 3" - seriam indicados a Melhor Filme no Oscar e que "Up " seria selecionado para abrir o venerável Festival de Cinema de Cannes em 2009. Na verdade, "Toy Story" provavelmente teve muito a ver com a notoriamente carregada Academia de Artes e Ciências Cinematográficas criando um novo prêmio Oscar de Melhor Filme de Animação em 2001 [fonte: Lane ].

Este pequeno filme explorou um novo território em muitas frentes. Foi o primeiro filme criado inteiramente por imagens geradas por computador (CGI). O CGI agora é onipresente na indústria cinematográfica, para o bem ou para o mal. Foi também um dos raros filmes infantis cujo diálogo espirituoso atraiu tanto crianças quanto adultos. A combinação se tornou um roteiro para a Pixar, que gerou mais de US$ 6 bilhões em receita com "Toy Story" e os 10 filmes que se seguiram em 2014 [fonte: Lane ].

Com "Avatar", o diretor James Cameron estabeleceu um novo padrão para a ficção científica, misturando ação ao vivo com efeitos especiais gerados por computador. Atores de CG fazem suas coisas em mundos virtuais 3-D cujas configurações vibrantes quase saltam da tela. A realidade alternativa que resulta é como nada antes visto no filme. Entre as inovações criadas para este filme estavam CG de captura de movimento que poderia registrar as expressões faciais de um ator e uma câmera que permitiria ao diretor ver em tempo real como os personagens de CG (baseados em atores reais) interagiam com os mundos virtuais [fontes: Hiscock , Masand ].

Claro, a história – evoluindo em torno de uma missão militar futurista dos EUA ao planeta Pandora – pode não ser um drama emocionante como “Cidadão Kane”, mas é um veículo digno de efeitos visuais impressionantes. E levou o 3-D a um nível totalmente novo. É muito cedo para medir o impacto de longo prazo do filme no gênero de ficção científica e no futuro dos blockbusters de verão. É seguro dizer, no entanto, que nenhum dos dois será o mesmo.

"Vergonha" é diferente de qualquer filme nesta lista. É um filme NC-17 sobre vício em sexo . Os espectadores serão perdoados se optarem por conferir este com as luzes apagadas e as portas trancadas, lentamente se curvando na posição fetal enquanto Michael Fassbender vai cada vez mais fundo na toca do coelho da intimidade física sem sentido [fonte: Lack (em inglês )].

Sim, é um filme convincente e perturbador, em grande parte graças a Fassbender. Mas o impacto duradouro de "Shame" certamente será que foi o primeiro filme do NC-17 a ter um amplo lançamento nos cinemas de todo o mundo. Nesse sentido, o filme pega a tocha de "The French Connection", o thriller policial de 1971 estrelado por Gene Hackman e o primeiro filme com classificação R a ganhar o prêmio de Melhor Filme. Mas é aí que as semelhanças param. O detetive de Hackman, Popeye Doyle, viu algumas coisas em sua época, mas provavelmente nada parecido com o que está acontecendo em "Shame" [fonte: Lack (em inglês )].

Nota do autor: 10 filmes que mudaram o cinema

O "Encouraçado Potemkin" pode ser o responsável pelo nascimento da montagem, mas - pelo meu dinheiro - o melhor uso da técnica foi por Menaham Golan no filme de ação de queda de braço de 1987 "Over the Top". Sylvester Stallone como o motorista de caminhão Lincoln Hawk vence seus inimigos, salva seu relacionamento com seu filho distante e ganha uma nova grande plataforma, enquanto "In This Country" de Robin Zander toca ao fundo. Se isso não faz você querer sair e lutar por algumas armas, ficar atrás do volante de um caminhão e ser americano, nada fará.

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