10 Filme, die das Filmemachen verändert haben

Damals waren Filme so neu, dass es ein Nervenkitzel war, irgendetwas auf der Leinwand zu sehen. Aber mit der Zeit wollten sowohl Zuschauer als auch Regisseure mehr von dem Medium. Heutzutage haben technologische Fortschritte es Filmemachern ermöglicht, Dinge zu tun, die früher unmöglich erschienen. In dem Film „Gravity“ aus dem Jahr 2013 verwendete Regisseur Alfonso Cuarón zum Beispiel ständig bewegte Kameraeinstellungen, um den Kinobesuchern das Gefühl zu geben, direkt im Weltall mit den Stars Sandra Bullock und George Clooney zu sein. Die Schauspieler wurden stundenlang in Geschirre geschnallt, während riesige LED-Panels sie umgaben und wirbelndes Licht ausstrahlten. Dies ergab eine sehr realistische Darstellung von Astronauten, die schwerelos durch den Weltraum rasten [Quellen: Hill , Von Baldegg ].

Um von Arbeitern, die eine Fabrik verlassen, zu Astronauten zu werden, die sich im Weltraum drehen, war die Vision und Kreativität einer ganzen Reihe von Ingenieuren, Erfindern, Kameraleuten, Regisseuren, Drehbuchautoren und Schauspielern erforderlich. Diese chronologische Liste von 10 Filmen, die das Filmemachen verändert haben, illustriert die Reise.

1. "Panzerkreuzer Potemkin" (1925)
2. 'Der General' (1926)
3. "Der Jazzsänger" (1927)
4. "Bürger Kane" (1941)
5. 'Atemlos' (1960)
6. '8 ½' (1963)
7. '2001: Odyssee im Weltraum' (1968)
8. "Spielzeuggeschichte" (1995)
9. 'Avatar' (2009)
10. 'Schande' (2011)

Wer sagt, dass Propaganda schlecht ist? Dieses kleine Stück Kinogeschichte wurde geschaffen, um den frühen russischen Revolutionären Tribut zu zollen, aber es stürzte schließlich die Art und Weise, wie dramatische Filme gemacht wurden, um. Der Stummfilm erzählt die Geschichte eines Aufstands von 1905, bei dem russische Matrosen die Tyrannei an Bord eines Schiffes vereiteln, nur um verwüstet zu werden, als hartnäckige Bösewichte – in diesem Fall Kosaken – nach Vergeltung suchen.

Die Geschichte entfaltet sich in fünf Akten. „The Odessa Steps“ ist der bemerkenswerteste der fünf Filme, der von Filmemachern, Wissenschaftlern und Filmfans als wichtiger Durchbruch in der Kunst des Schneidens gefeiert wird. Sergey Eisenstein war einer der ersten Regisseure, der die Montage einsetzte – eine Reihe von Einstellungen zu einer einzigen Sequenz zusammenfügte – als er die dramatische Zerstörung einfing, die auftritt, wenn die Kosakentruppen in die Stadt einfallen und die Schicksale verschiedener Stadtbewohner und eines sehr unglücklichen Babys miteinander verweben eine Kutsche. (Die Szene wurde 1987 in „The Untouchables“ wiederholt.) [Quellen: Ebert , Encyclopedia Britannica ].

"Panzerkreuzer Potemkin" wurde in mehreren Ländern verboten, darunter ironischerweise in der Sowjetunion in der stalinistischen Ära. Joseph Stalin befürchtete, dass dies einen Aufruhr gegen sein repressives Regime auslösen könnte [Quelle: Encyclopedia Britannica ].

Bevor es Jason Bourne und Detective John McClane gab, gab es Buster Keaton . Der Pate des Physical Acting legte die Messlatte für zahlreiche kommende Hauptdarsteller. Dieser Stummfilmstar hat alle seine Stunts selbst gemacht , angefangen mit einem unbeabsichtigten Sturz eine Treppe hinunter im Alter von 6 Monaten. Irgendwie kam Joseph Francis Keaton unversehrt heraus und Harry Houdini, der zur Stelle war, hob ihn auf und sagte, der Junge könne wirklich einen „Buster“ oder einen Sturz erleiden [Quelle: PBS ].

Im Gegensatz zu den heutigen Actionstars wurden die meisten Schläge und Blutergüsse von Keaton zum Lachen gebracht. Er war einer der ursprünglichen ausdruckslosen Schauspieler, der nie ein Zeichen von Emotionen zeigte, trotz der wütenden Menschenmenge, Waggon-Hooligans oder anderer Scherze, die ihm dicht auf den Fersen waren. Er bereitete die Bühne für eine Vielzahl von Schauspielern, die ihm folgen sollten, von Bill Murray und Alec Baldwin bis hin zu Michael Cera und Zach Galifinakis [Quelle: Barnes ].

„The General“ ist Keaton von seiner besten Seite: eine Verfolgungsjagd im Zug, die in der Zeit des Bürgerkriegs spielt, in der der Schauspieler die Hauptrolle spielte, das Drehbuch schrieb und Regie führte. Zwei erweiterte Verfolgungsszenen zeigen sein gesamtes Talent, als er über Güterwagen springt, über eine brennende Brücke springt und einer Kanonenkugel knapp ausweicht, ohne diese Steinwand zu brechen [Quelle: Dirks ].

„The Jazz Singer“ war der erste Film, der die Schallmauer des Kinos durchbrach und neue Wege beschritt, indem er einer Filmproduktion gesprochene Dialoge hinzufügte. Dieser Durchbruch war gut genug, um dem Film den ersten Ehren-Oscar für technische Leistung zu bescheren.

Warner Bros. Studios verwendete eine damals brandneue Technologie namens Vitaphone. Das Sound-on-Disc-System erforderte einen Filmvorführer, um Filmrollen mit einer Schallplatte zu synchronisieren, um aufgezeichnete Dialoge und Melodien abzuspielen. Es war ein unsicherer, aber sehr wichtiger erster Schritt [Quelle: Hart ].

„Die Vitaphone-Songs und einige Dialoge wurden äußerst geschickt eingeführt“, sagte ein Reporter der New York Times 1927 in einer Rezension des Films . „Das ist an sich schon ein ehrgeiziger Schritt, denn das Vitaphone belebt die Produktion enorm im Ausdruck des Gesangs.“

Obwohl Vitaphone und ähnliche Technologien bald durch Sound-on-Film-Verfahren ersetzt wurden, wurde es in den 1940er Jahren weiterhin für Looney Tunes und andere Zeichentrickfilme verwendet [Quelle: Hart ].

Wenn Sie Baz Luhrmanns auffällige Interpretation von „The Great Gatsby“ noch nicht gesehen haben, tun Sie es nicht. Verbringen Sie stattdessen ein paar Stunden mit „Citizen Kane“, einer erfreulicheren Geschichte über die Gefahren des amerikanischen Traums , die lose auf dem „Gatsby“-Buch basiert.

„Citizen Kane“ steht oft ganz oben auf den Listen der besten Filme aller Zeiten und erzählt die Geschichte des unglücklichen Strebens eines Verlagsmagnaten nach Ruhm. Außerdem etwas über eine Rosenknospe ... Geschrieben von Orson Welles und Herman Mankiewicz, ist die zentrale Figur des Films eine Annäherung an den realen Mediengiganten William Randolph Hearst .

Welles führte auch Regie und spielte in diesem filmischen Meisterwerk, das die Messlatte für Filme ein paar Stufen höher legte. Es umfasste eine zeitverzerrte Erzählung, verwendete Beleuchtung, um die Stimmung einzufangen, und stützte sich auf Aufnahmen mit tiefem Fokus – bei denen das gesamte Bild jeder Aufnahme jederzeit scharf bleibt –, damit die Zuschauer den Bildschirm nach der Antwort auf das „Rosenknospen“-Rätsel durchsuchen konnten [Quellen: Perez , Brown ].

Schüler von Filmautoren wie Wes Anderson und Quentin Tarantino möchten vielleicht einige Zeit damit verbringen, Jean-Luc Godard und Francois Truffaut ihre Aufwartung zu machen. Diese Titanen der französischen New Wave stellten die Weichen für ihre amerikanischen Nachkommen mit ein paar selbstbewussten Filmen, die neue Techniken verwendeten, um alte Geschichten zu erzählen.

„Die französische Neue Welle hat alle Filmemacher beeinflusst, die seitdem gearbeitet haben, ob sie die Filme gesehen haben oder nicht“ , sagte Martin Scorsese einmal . "Es überschwemmte das Kino wie eine Flutwelle."

Als Kernstück der New-Wave-Bewegung ist „Breathless“ unter Cinephilen vor allem für seine umfangreiche Verwendung von Jump-Cut-Bearbeitung bekannt . Regisseur Godard verwendete mehrere Aufnahmen desselben Motivs aus leicht unterschiedlichen Winkeln, um das Vergehen der Zeit auszudrücken. Die Technik verleiht dem Film auch ein kantiges, zerklüftetes Gefühl, wenn Godard die Geschichte eines Outlaws (Jean-Paul Belmondo) und seiner Liebesinteressen (Jean Seberg) auf Reisen erzählt.

Jump Cuts sind seitdem ein regelmäßig verwendetes Mittel, um im Kino Spannung aufzubauen. Fans von Gangsterfilmen werden sich vielleicht daran erinnern, dass Scorsese diese Technik in den Schlussszenen von „Goodfellas“ verwendet hat, als ein kokainvernebelter Henry Hill durch Brooklyn fährt und die Bullen näher kommen [Quellen: Kohn , Casey ].

Die italienische Filmikone Federico Fellini webt die (autobiografische?) Geschichte eines gehetzten Regisseurs , der Schwierigkeiten hat, sein neuestes Projekt auf Kurs zu bringen, durch eine surreale Serie von Traum-, Fantasie- und Gegenwartsszenen, die ineinander übergehen und das dem Zuschauer überlassen Aufgabe, herauszufinden, was was ist.

„8 ½“ beginnt mit einer Traumsequenz, in der Regisseur Guido im undurchdringlichen Verkehr steckt – sich bemüht, überhaupt aus seinem Auto auszusteigen – und dann in die Wolken schwebt, bevor er von einem Seil, das an seinem Knöchel befestigt ist, wieder auf die Erde gezogen wird. Guido geht in Gedanken überall hin, während sein Filmprojekt seinen eigenen Schwanz jagt [Quelle: Sesonski ]. Der Titel bezieht sich übrigens darauf, dass es sich bei diesem Film um den achteinhalbsten Film handelt, bei dem Fellini Regie bzw. Co-Regie geführt hat.

Die freie Form des Films trug dazu bei, zukünftige Filmemacher aus den Fesseln des traditionellen, linearen Geschichtenerzählens zu befreien. Es öffnete die Tür für Generationen surrealistischer Filmemacher, darunter David Lynch, Terry Gilliam, Darren Aronofsky und Michel Gondry. Versuchen Sie, „8 ½“ mit Aronofskys „Black Swan“ oder Gondrys „Eternal Sunshine of the Spotless Mind“ zu folgen, und der Einfluss ist schmackhaft [Quelle: Sesonski ].

Ein kleiner Schritt für einen Menschen, ein riesiger Sprung für künstliche Spezialeffekte. Stanley Kubrick zwang die Filmindustrie mit seiner umwerfenden Darstellung der Evolution, zwei dem Untergang geweihten Astronauten und einem sprechenden Computer namens HAL, die Möglichkeiten zu überdenken. Die Nachbeben dessen, was Steven Spielberg den „Urknall“ seiner Filmgeneration nennt, sind immer noch in modernen Science-Fiction-Streifen wie „Inception“ [Quelle: Kazan ] zu spüren.

Mit nur 40 Minuten Dialog über fast zweieinhalb Stunden Film. Kubrick verließ sich auf Bilder, Musik und verschiedene Audioeffekte – vor allem eine durchdringende Stille – um die Zuschauer auf ihrer Reise durch den Weltraum zu führen. Wie zuvor „8 ½“ zeigte der Film einmal mehr, dass eine fesselnde Erzählung nicht linear ablaufen muss [Quelle: Suber ].

Die wahre Wirkung des Films liegt nicht in seiner Geschichte, sondern in den visuellen und Spezialeffekten , mit denen er erzählt wird. Diese Techniken wurden seitdem von einer ganzen Reihe von Science-Fiction-Filmemachern aufgegriffen, von George Lucas in „Star Wars“ bis Ridley Scott in „Alien“ [Quelle: Kazan ].

„Nach ‚2001: Odyssee im Weltraum‘ ist Science-Fiction tot“, sagte Scott berühmt über das Vermächtnis des Films und meinte damit, dass jeder ihn nachahmte. "Es gibt nichts Originelles. Wir haben alles schon einmal gesehen. Dort gewesen. Geschafft" [Quelle: Kazan ].

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Dieser Film repräsentierte den Beginn der Pixar-Revolution. Ohne sie gäbe es kein „ Monsters, Inc. “, kein „ Findet Nemo “ und kein „Up“, ganz zu schweigen von „Toy Story 2“ und „Toy Story 3“. Als „Toy Story“ 1995 debütierte, wäre es blasphemisch gewesen, vorherzusagen, dass zwei spätere Pixar-Animationsfilme – „Up“ und „Toy Story 3“ – für den besten Film bei den Academy Awards nominiert würden und dass „Up “ wurde ausgewählt, um 2009 die ehrwürdigen Filmfestspiele von Cannes zu eröffnen. Tatsächlich hatte „Toy Story“ wahrscheinlich eine ganze Menge damit zu tun, dass die notorisch traditionsreiche Academy of Motion Picture Arts and Sciences einen neuen Oscar für den besten animierten Spielfilm ins Leben rief im Jahr 2001 [Quelle: Lane ].

Dieser kleine Film hat an vielen Fronten Neuland betreten. Es war der erste Film, der vollständig mit computergenerierten Bildern (CGI) erstellt wurde. CGI ist heute in der Filmindustrie allgegenwärtig, zum Guten oder zum Schlechten. Es war auch einer der seltenen Kinderfilme, dessen witzige Dialoge sowohl Kinder als auch Erwachsene ansprachen. Die Kombination wurde zu einer Roadmap für Pixar, das mit „Toy Story“ und den 10 Filmen, die ab 2014 folgten, mehr als 6 Milliarden US-Dollar Umsatz einbrachte [Quelle: Lane ].

Mit „Avatar“ setzte Regisseur James Cameron einen neuen Standard für Sci-Fi, indem er Live-Action mit computergenerierten Spezialeffekten mischte. CG-Schauspieler tun ihr Ding in virtuellen 3-D-Welten, deren lebendige Einstellungen fast aus dem Bildschirm herausspringen. Die daraus resultierende alternative Realität ist mit nichts zu vergleichen, was jemals zuvor im Film zu sehen war. Zu den Innovationen, die für diesen Film geschaffen wurden, gehörten Motion-Capture-CG, das die Gesichtsausdrücke eines Schauspielers aufzeichnen konnte, und eine Kamera, mit der der Regisseur in Echtzeit sehen konnte, wie die CG-Charaktere (basierend auf echten Schauspielern) mit den virtuellen Welten interagierten [Quellen: Hiscock , Masand ].

Sicher, die Geschichte – die sich um eine futuristische US-Militärmission zum Planeten Pandora entwickelt – ist vielleicht kein fesselndes Drama unter Leuten wie „Citizen Kane“, aber sie ist ein würdiges Vehikel für atemberaubende visuelle Effekte. Und es brachte 3-D auf eine ganz neue Ebene. Es ist noch zu früh, um die langfristigen Auswirkungen des Films auf das Sci-Fi-Genre und die Zukunft der Sommer-Blockbuster zu messen. Man kann jedoch mit Sicherheit sagen, dass keines von beiden jemals dasselbe sein wird.

„Shame“ ist anders als jeder Film auf dieser Liste. Es ist ein NC-17-Film über Sexsucht . Den Zuschauern wird verziehen, wenn sie sich entscheiden, dies bei ausgeschaltetem Licht und verschlossenen Türen zu überprüfen und sich langsam in die fötale Position zu krümmen, während Michael Fassbender immer weiter in den Kaninchenbau bedeutungsloser körperlicher Intimität vordringt [Quelle: Mangel ].

Ja, es ist ein fesselnder und verstörender Film, vor allem dank Fassbender. Aber die nachhaltige Wirkung von „Shame“ wird sicherlich darin bestehen, dass es der erste NC-17- Film war, der weltweit in den Kinos gezeigt wurde. In diesem Sinne nimmt der Film eine Art Fackel von „The French Connection“ auf, dem hartgesottenen Detektiv-Thriller von 1971 mit Gene Hackman und dem ersten R-Rated-Film, der den Preis für den besten Film gewann. Aber hier hören die Ähnlichkeiten auf. Hackmans Detective Popeye Doyle hat zu seiner Zeit einige Dinge gesehen, aber wahrscheinlich nichts Vergleichbares zu dem, was in „Shame“ [Quelle: Lack ] vor sich geht.

Anmerkung des Autors: 10 Filme, die das Filmemachen verändert haben

Das „Panzerkreuzer Potemkin“ mag für die Geburt der Montage verantwortlich sein, aber – für mein Geld – wurde die Technik von Menaham Golan in dem Armwrestling-Actionfilm „Over the Top“ von 1987 am besten eingesetzt. Sylvester Stallone als Truckfahrer Lincoln Hawk besiegt seine Feinde, rettet seine Beziehung zu seinem entfremdeten Sohn und gewinnt einen neuen großen Wagen, während Robin Zanders „In This Country“ im Hintergrund läuft. Wenn das nicht dazu führt, dass Sie hinausgehen und mit den Armen ringen wollen, sich hinter das Steuer eines Lastwagens setzen und Amerikaner sein möchten, nichts wird es tun.

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