Miró-merized

„Staram się stosować kolory jak słowa, które kształtują wiersze, jak nuty, które kształtują muzykę”. — Joan Miró

Moja miłość do Joana Miró i jego sztuki była impulsem do mojej podróży do Barcelony. Trwała spuścizna Miró jest wyryta w mieście, ponieważ pomógł miastu w ciepłym przyjęciu gości przybywających drogą powietrzną, morską i lądową. Miró zrealizował tę wizję, tworząc „ceramiczny mural”, który zdobi fasadę Terminalu 2 na lotnisku. Ci, którzy wkraczają do miasta drogą morską, mogą przejść się po „mozaice Miró” w sercu La Rambla — warto zauważyć, że niezliczeni goście pozostają nieświadomi faktu, że stąpają po prawdziwym arcydziele Miró. Rzeźba „Kobieta i ptak” jest strategicznie zainstalowana w parku Joana Miró, aby serdecznie powitać osoby przyjeżdżające do miasta samochodem.

Chociaż miałem szczęście zobaczyć wystawę „Joan Miró: Painting and Anti-Painting 1927–1937” w MOMA w Nowym Jorku, nic nie może się równać z doświadczeniem w Fundació Joan Miró — muzeum, które sam Miro wymyślił i któremu poświęcił jego własna twórczość. Muzeum to oszałamiający budynek zaprojektowany przez przyjaciela Miro, Josepa Lluísa Serta, przywołujący na myśl wizjonerski kunszt katalońskiego artysty. Ma również wspaniały centralny dziedziniec i uroczy taras na dachu, na którym prezentowane są rzeźbiarskie arcydzieła Miro.

Dostałem przepustkę , która obejmowała sześć muzeów. Polecam zakup biletu online, aby uniknąć kolejek. Fundació Joan Miró , która prezentuje najważniejsze dzieła katalońskiego modernisty, dostarczyła mi multimedialny przewodnik do pobrania z piękną narracją. Tutaj starałem się uchwycić tylko niewielką część ogromnej i zapierającej dech w piersiach kolekcji.

Barcelona, ​​Majorka i Mont-roig: Każde miejsce odegrało wyjątkową rolę w pogłębianiu wizji artysty. Barcelona, ​​jako miejsce jego narodzin i kulturalna stolica Katalonii, zapewniła Miró kształtujące środowisko, które wystawiło go na różnorodne trendy artystyczne i prądy intelektualne. Jako jego ukochane schronienie i sanktuarium, Majorka pozwoliła mu ponownie połączyć się z naturą i ciszą, kultywując jego duchową i poetycką stronę. Mont-roig, jako związek emocjonalny, to wiejska rezydencja jego rodziców, gdzie po raz pierwszy postanowił poświęcić się malarstwu wbrew woli ojca.

„W glebie Mont-roig są korzenie tych dwóch cudownych drzew tego kraju: chleba świętojańskiego i oliwki. Korzenie karobu są dla mnie jak moje stopy, które zapadają się w ziemię, a ten kontakt daje mi ogromną siłę. Podziwiam też tę oznakę witalności drzew chleba świętojańskiego, które nigdy nie zrzucają liści”. — Joan Miró

Wcześniejsze prace Miró przedstawiają liczne krajobrazy wioski Mont-roig i portrety, aczkolwiek w stylu odzwierciedlającym trendy artystyczne tamtych czasów, zamiast mieć własny, odrębny styl. Inspirował się wpływowymi artystami, takimi jak Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, a także żywymi i uderzającymi barwami używanymi przez francuskich malarzy fauve.

W 1920 roku Miró, zaintrygowany gromadzącymi się w Paryżu artystami, postanowił przenieść się do Miasta Świateł. Spotkał Pabla Picassa, André Massona i innych artystów kształtujących pejzaż surrealizmu i kubizmu. Do 1924 roku Miró sprzymierzył się ze zwolennikami surrealizmu, ale pozostał przeciwny jakiejkolwiek nadrzędnej klasyfikacji swojej sztuki. Zamiast tego zamierzał rzucić wyzwanie tradycyjnym pojęciom sztuki i obalić je poprzez „zabójstwo malarstwa”.

„Chcę zamordować malarstwo! Zamierzam zniszczyć, zniszczyć wszystko, co istnieje w malarstwie. Mam całkowitą pogardę dla malarstwa… Złamię ich [kubistyczną] gitarę”. — Joan Miró

Realizując swoją charakterystyczną wizję artystyczną, Miró przyjął taktykę agresji, która polegała na przebijaniu surowych płócien, nakładaniu farby prosto z tuby na niezagruntowane powierzchnie oraz wykorzystywaniu niekonwencjonalnych materiałów, takich jak pióra, korki, sznurki, pinezki, emalia i arkusze gazet. jego kompozycje. Użył gwoździ, papieru ściernego, liny, korka, a nawet kępki włosów w swoim „ Tancerzu hiszpańskim ”, 1928.

Indywidualistyczny styl Joana Miró został ukształtowany przez różnorodne wpływy, w tym spontaniczną twórczość dziecięcą, tradycyjną sztukę ludową Katalonii i eksplorację podświadomości. Dzięki tej fuzji stworzył charakterystyczne, zabawne, enigmatyczne podejście, wykorzystując proste formy i żywe kolory, aby stworzyć prace, które emanują dziecięcym poczuciem cudu i tajemnicy.

„Zawsze lubiłem patrzeć nocą przez okna i patrzeć na niebo, gwiazdy i księżyc, ale teraz nie wolno nam było już tego robić, więc pomalowałem okna na niebiesko i wziąłem pędzle i farbę, i to był początek Konstelacji”. — Joan Miró (do przyjaciela)

Na początku II wojny światowej Miró przeniósł się do Varengeville niedaleko Normandii. Zainspirował go brak prądu, który dotknął wioskę, co doprowadziło do jednego z jego najjaśniejszych dzieł — Konstelacji . Zainspirowane jego pragnieniem ucieczki od rzeczywistości, postacie w tych pracach porzuciły swoje agresywne cechy i przybrały bardziej wyidealizowaną formę, przedstawiając świat, w którym wszystkie istoty pokojowo współistnieją z różnorodnymi mieszkańcami nieba.

Seria Barcelona , ​​będąca reakcją na hiszpańską wojnę domową, emanuje dzikim duchem — zniekształcone i groteskowe postacie oraz warczące pozory twarzy wypełniają serię 50 odbitek. Te przypominające ogry postacie czerpią inspirację z głównego bohatera sztuki Alfreda Jarry'ego, Pére Ubu, tchórzliwego dyktatora, rzekomo od Franco i jego generałów. W Konstelacjach kobieta jest przedstawiana jako delikatna i delikatna istota, kojarzona z miłością, muzyką i poezją. W serii Barcelona Miró przedstawia kobietę jako Ogrzycę — symbol przemocy, agresji i odrazy.

W ostatniej dekadzie swojego życia Miró zagłębił się w świat tradycyjnego katalońskiego rzemiosła znanego jako Sobreteixim . Sobreteixim to archaiczny kataloński termin odnoszący się do małego kawałka materiału używanego do naprawy większej tkaniny; pobudziło wyobraźnię katalońskiego modernisty, bawiącego się pojęciem kolażu. Zainteresowanie Miró tą szczególną formą tekstyliów odzwierciedla jego głębokie zainteresowanie sztuką i kulturą ludową. Jego sobreteiximy są wypełnione łatwymi do zidentyfikowania symbolami, ptasimi postaciami i różnymi rekwizytami, nasyconymi rustykalną i szorstką fakturą. Jednym z jego oszałamiających dzieł w muzeum był „ Sobreteixim z ośmioma parasolami”.

Kolejny wspaniały eksponat, „ Kobieta otoczona lotem ptaków w nocy” — płótno o wymiarach 11 stóp x 11 stóp na plandece, według Miro, „ podarował mi je rolnik, który uważał je za niewidoczne”. Płótno przedstawia surowe i pracowite życie na polach poprzez sęki i uchwyty. Pierwotnie używany do przenoszenia winogron podczas zbiorów, plandeka służy jako podstawa dla tej grafiki. Rama płótna służy jako fizyczna reprezentacja upływu czasu i relacji między człowiekiem a naturą.

„Moje figury zostały poddane takiemu samemu uproszczeniu jak kolory. Choć są uproszczone, są bardziej ludzkie i bardziej żywe, niż byłyby, gdyby były reprezentowane ze wszystkimi szczegółami. Przedstawione w szczegółach, straciłyby swoją wyimaginowaną jakość, która uwydatnia wszystko”. — Joan Miró

Jedną z wielu intrygujących prac jest podwójny i nałożony na siebie „Autoportret” w dwóch zupełnie różnych momentach życia Joana Miró. Pierwszy to cienki rysunek liniowy z 1937 roku, podczas hiszpańskiej wojny domowej, gdzie szczegółowe rysy twarzy artysty to szeroko otwarte oczy i nozdrza oraz zaciśnięte usta. Wierzchnia warstwa pochodzi z 1960 roku, unika ukrywania narządów zmysłów. Jego oczy są otoczone, a jedna ze źrenic jest nawet podświetlona na czerwono.

„Dla mnie pokonanie wolności oznacza pokonanie prostoty. Na samym końcu jedna linia, jeden kolor może stworzyć obraz”. — Joan Miró

Miró stworzył kilka słynnych tryptyków. „ Malarstwo na białym tle do celi pustelnika I, II, III ” — przyglądałem się temu uważnie, mając nadzieję rozwikłać tajemnicę — cienką czarną linię wijącą się w górę płótna. Wszystkie symbole i znaki zniknęły, a my pozostajemy z niestabilną linią, która wygląda jak ścieżka prowadząca z jednego punktu do drugiego. To immersyjny tryptyk — zacierający granicę między widzem a sztuką, stymulujący przeżycie, a nie zwykłe oglądanie.

Miró postrzegał linię jako początek całego malarstwa, a tym samym początek stworzenia i istnienia, temat, który zgłębiał przez całą swoją karierę. Kolejnym tryptykiem w kolejnej sekcji był „ Nadzieja skazańca I, II, III, 1974” — w dziele wyraźnie widoczna jest dominująca linia, dająca poczucie upadku i wzdychania, której towarzyszą sporadyczne, kolorowe bazgroły przypominające zacierające się wspomnienia i odrobina rozpryskanej farby. Wielu sugeruje, że Miró mógł mieć nadzieję na życie Salvadora Anticha, młodego anarchisty z Katalonii, który w tym samym roku został uduszony w więzieniu.

W muzeum znajdują się dwa moje ulubione dzieła sztuki.

„The Gold of the Azure ” — przez dziesięciolecia żyłem z drukiem artystycznym w moim domu. Wreszcie nadszedł moment, aby zobaczyć oryginalne arcydzieło! Przewodnik multimedialny zawierał misterny opis procesu tworzenia płótna. Pokazało to przebłysk wstępnego wstępnego szkicu Miró! To arcydzieło ma nawet związek z jego tryptykiem z 1974 r. „ Nadzieja skazańca”. Trzeba osobiście doświadczyć tej narracji, aby w pełni zrozumieć jej znaczenie.

To samo dotyczy „ Uśmiechu łez ” — proces tworzenia płótna został przedstawiony za pomocą wciągającej opowieści, która łączyła osobiste notatki, bazgroły i zdjęcia Miró. Ten poziom szczegółowości dodał głębi i bogactwa narracji, czyniąc wrażenia niezapomnianymi. W tym arcydziele Joan Miró sugeruje, abyśmy „ szukali hałasu ukrytego w ciszy, ruchu w bezruchu, życia w rzeczach nieożywionych, nieskończoności w skończoności, form w pustce i siebie w anonimowości”.

„Spalone płótna” uosabiają kluczowy aspekt późniejszej twórczości Miró, frankistowską Hiszpanię splecioną z jego krytyką skorumpowanego rynku światowego. W jednym z wywiadów Miró powiedział: „ Spaliłem te płótna na poziomie formy i profesji oraz jako kolejny sposób na obgadanie tych wszystkich ludzi, którzy twierdzą, że te płótna są warte fortunę. Tak więc Miró wznowił „ zabójstwo malarstwa ”, paląc swoje płótna podczas ekonomicznego i politycznego kryzysu późnego frankizmu.

Powstanie spalonych płócien zostało udokumentowane przez Francesc Català-Roca w krótkim filmie, udostępnionym przez Fundació Joan Miró . Oglądanie filmu było mrożące krew w żyłach.

„Namalowałem te obrazy w szale,
z prawdziwą przemocą, żeby ludzie wiedzieli
, że żyję, że oddycham,
że przede mną jeszcze kilka miejsc.
Zmierzam w nowych kierunkach”.

— Joan Miró, 1978

Pod koniec dnia siedziałem w muzealnej kawiarni, wzbogacony, usatysfakcjonowany, popijając kieliszek wina i rozważając rozległe, różnorodne kreacje Joana Miró. Trzeba doświadczyć sztuki Miro. Jest dla mnie nieprawdopodobne rozszyfrowanie, które linie symbolizują jakie emocje, ani analizowanie wykorzystania przez niego ptaków, gwiazd lub koloru niebieskiego. Nawet jeśli nie potrafię opisać jego Niebieskiego I — III ani zrozumieć, jak kochankowie bawili się kwiatami migdałowca, to z pewnością mogę być obecny w jego podróży, która jest złożona, ale piękna.

„Dzieła muszą być poczęte z ogniem w duszy, ale wykonywane z klinicznym chłodem”.
— Joan Miro