25 bộ phim hay nhất năm 2024 (tính đến thời điểm hiện tại)

Giờ đây, khi các liên hoan phim đã ổn định và các bộ phim bom tấn đã bắt đầu ra mắt một cách nghiêm túc, đã đến lúc nhìn lại những bộ phim trong năm cho đến nay, để đánh giá cao những gì chúng ta đã quên từ những buổi chiếu đầu mùa đông, hoặc để lên bờ thêm vào danh sách theo dõi của chúng tôi những viên đá quý đã vượt qua chúng tôi. Những bộ phim hay nhất của năm 2024 cho đến nay hoặc đã đến với chúng ta, lẻn vào các bộ truyền phát và lặng lẽ thống trị các cuộc trò chuyện xung quanh thể loại của chúng, hoặc đã được quảng cáo rầm rộ trong một thời gian dài (khi chúng kết thúc vòng chạy roadshow hoặc giành được giải thưởng này đến giải thưởng khác tại Cannes hoặc SXSW). ) rằng họ có nguy cơ làm chúng ta thất vọng khi cuối cùng chúng ta cũng có thể so sánh sự cường điệu với thực tế.

Nhưng cho dù các bộ phim đó là những tác phẩm nhượng quyền khoa học viễn tưởng khổng lồ  hay chỉ đơn giản là những tưởng tượng thể thao hấp dẫn của anh chàng “người bán độc dược” , thì có một điều chắc chắn: Chúng có sự tham gia của Zendaya. Nhưng ngay cả khi không có cô ấy, một số bộ phim vẫn tự xoay xở được. Ryusuke Hamaguchi và George Miller đã không làm họ thất vọng khi tiếp tục phát huy tác phẩm đỉnh cao, hoạt động ở các mức âm lượng hoàn toàn khác nhau. Jane Schoenbrun và Minhal Baig đã có những bước nhảy vọt giữa các thể loại indie của họ, tìm ra những cách thậm chí còn thú vị hơn để khai thác các chủ đề và tính thẩm mỹ thu hút họ. Ryan Gosling đã khóc vì Taylor Swift. Joker, chuyển giới và yêu thích nó, đã nhảy nhót xuống cầu thang — và lần đầu tiên, điều đó thật tuyệt. Phim kinh dị và hành động đã thêm những hương vị mới, đồng thời kết hợp lại những bộ phim yêu thích cũ giống như một trong những máy bán soda màn hình cảm ứng lạ mắt. Và trên hết, những kẻ mặc bộ đồ hải ly đã gây ra bạo lực cho nhau.

Những nhân vật phản diện cũ của điện ảnh có thể vẫn còn ở đây vào năm 2024, cho dù điều đó có nghĩa là tự kiểm duyệt hay (thật đáng kinh ngạc) là sự độc quyền tích hợp theo chiều dọc, nhưng đó cũng là tất cả những lý do khiến chúng ta tiếp tục bám vào loại hình nghệ thuật này. Ngay cả khi những bộ phim hay nhất của năm ẩn bên trong lớp vỏ IP có thể bán được trên thị trường, thì cốt lõi của chúng vẫn tồn tại tất cả những điều mà chúng tôi hy vọng các nhà làm phim, nhạc sĩ, diễn viên hài, nhà văn của chúng tôi có thể đưa vào các sản phẩm để trả các hóa đơn. Những bộ phim này chơi đùa với hình thức ( In A Violent Nature , The People's Joker ), những kỳ vọng của chúng ta về cơ thể mình ( Thelma , I Saw The TV Glow ) và sự hiểu biết của chúng ta về những loại ảo ảnh có thể xảy ra thông qua ánh sáng, máy ảnh và hành động ( The Chàng Trai Mùa Thu , Furiosa, Hàng Trăm Hải Ly ). Nếu kẻ thù của các bộ phim quay trở lại những điều cơ bản, thì tất cả những điều hay nhất về phim sẽ có mặt để gặp họ.

---

Quái vật

Là một bộ phim nhân văn với khái niệm khoa học viễn tưởng về giàn giáo, lấy cảm hứng từ một trong những câu chuyện ám ảnh nhất của Henry James, The Beast của Bertrand Bonello mang lại cảm giác cấp bách, kết hợp nó với hai màn trình diễn trung tâm đáng kinh ngạc và mang đến một trong những trải nghiệm có tác động mạnh nhất đến bạn. có thể sẽ xuất hiện ở rạp chiếu phim năm nay…ngay cả khi bạn phải mất một thời gian mới có thể hiểu rõ những gì bạn vừa xem. Vào năm 2044, phần lớn lực lượng lao động của con người đã được thay thế bằng trí tuệ nhân tạo, được cho là an toàn hơn và ít cảm xúc hơn so với lối suy nghĩ thiếu sót của con người đã tạo ra những thảm họa toàn cầu trước đây. Trong phiên bản Paris tương lai này, Gabrielle (Léa Seydoux) khao khát có được mục đích sống. Háo hức chứng tỏ bản thân, cô đồng ý với một thủ tục được cho là sẽ giúp cô thoát khỏi mọi bất ổn về cảm xúc bằng cách quay trở lại tiền kiếp, ý tưởng là việc đối mặt và cuối cùng loại bỏ mọi tổn thương còn sót lại trong mã di truyền sẽ khiến cô không chỉ đủ điều kiện hơn để một công việc, nhưng hài lòng và ngoan ngoãn hơn. Thông qua tất cả, cô tương tác với ba phiên bản khác nhau của Louis (George MacKay), người có lúc là người yêu, lúc là bạn bè và đôi khi là một thế lực chết người. Có một sự ảm đạm rõ ràng đối với tương lai tưởng tượng này, một tương lai bị đối lập bởi những màu sắc rực rỡ mà máy ảnh của Bonello gợi lên trong màu đỏ và xanh lá cây xum xuê của Paris đầu thế kỷ và màu xanh nước hồ bơi mát mẻ của Los Angeles 2014. Seydoux và MacKay thực hiện công việc to lớn, mạnh mẽ, tận dụng từng chút cảm giác từ ngay cả những phân cảnh chậm nhất trong xi-rô. Khi nó di chuyển một cách cẩn thận và có phương pháp qua ba thời đại trải nghiệm khác nhau của con người, Quái thú cắm móng vuốt vào bạn, sau đó yêu cầu bạn suy ngẫm về những vết thương mà nó để lại. [Matthew Jackson]

Người thách đấu

Challengers , tưởng chừng như kể về ba tay vợt, thực chất là về ba nhân vật chơi tình yêu như một trận đấu quần vợt, để vượt lên và gặt hái những phần thưởng mà họ mong muốn. Bối cảnh phim là sự kết hợp quan trọng trong sự nghiệp của Patrick (Josh O'Connor) và Art (Mike Faist), đối thủ và là bạn thân trước đây. Giữa họ là Tashi (Zendaya), bạn gái cũ của một người và là vợ hiện tại, đồng thời là huấn luyện viên của người kia. Luca Guadagnino luôn sẵn sàng nắm bắt những dòng cảm xúc mãnh liệt trong các mối quan hệ, như anh đã chứng minh trong các bộ phim như I Am Love và Call Me By Your Name . Đối với nhiều nhân vật của anh ấy, ham muốn là lý do tồn tại của họ và là động lực trong câu chuyện của họ. Trong kịch bản của Justin Kuritzkes, khao khát là một thứ vũ khí được ba nhân vật chính sử dụng một cách táo bạo và đôi khi đầy lôi cuốn. Máy ảnh của Sayombhu Mukdeeprom quan sát cơ thể của các diễn viên, ghi lại từng tia sáng lóe lên trong mắt họ, từng đôi môi run rẩy và vầng trán đẫm mồ hôi. Tất cả những điều này tạo nên một bộ phim có sức nóng tình dục cao, một điều chưa từng thấy nhiều trong điện ảnh Mỹ đương đại. Đối với các trận đấu quần vợt, Guadagnino có sẵn một số thủ thuật. Đầu tiên là âm nhạc ầm ĩ, dồn dập của Trent Reznor và Atticus Ross. Sau đó, nhiều cảnh quay chậm lại đến mức gần như đứng yên để thể hiện mọi sắc thái chuyển động trên gương mặt diễn viên mà bỏ qua những quả bóng nhỏ màu vàng không mấy thú vị. Kẻ thách thức thành công nhờ những nhân vật phức tạp, do các diễn viên thủ vai trên con đường trở thành ngôi sao màn ảnh lấp lánh. [Murtada Elfadl]

Cồn cát: Phần thứ hai

Dune: Part Two tiếp tục chính xác những gì phần trước đã dừng lại, sau đó cố gắng giữ nhịp điệu, giao diện giống như phần đầu tiên, dù tốt hơn hay tệ hơn, vì cả hai bộ phim đều không thể đứng một mình. Chúng nên được gộp lại thành một bộ phim chuyển thể dài năm giờ từ tiểu thuyết của Frank Herbert. Đó là một cuộc bút chiến về cách những kẻ môi giới quyền lực tôn giáo thao túng hệ thống niềm tin của mọi người để giành quyền lực, một điều gì đó vượt xa những gì khán giả thường có trong một bộ phim bom tấn Hollywood. Câu chuyện kể về sự thăng thiên của Paul Atreides (Timothée Chalamet) để lãnh đạo người dân trên hành tinh sa mạc đầy bụi bặm Arrakis chống lại thế lực của cái ác. Nó đủ đơn giản và có tất cả những gì được mong đợi ở một bộ phim như vậy: Một tình yêu cần thiết, một kẻ thù hung bạo và việc người anh hùng nhận ra và nắm lấy sức mạnh của họ. Nhưng chính những chủ đề tôn giáo đó đã khiến nó không chỉ là một cảnh tượng. Và nó cũng kiểm tra hộp đó: Mọi thứ đều xa hoa và nổi bật hơn một chút. Những trận chiến lớn hơn, bão cát dữ dội hơn. Dune: Part Two là một chuyến đi ly kỳ hoàn toàn xứng đáng với thời gian chạy kéo dài hai tiếng rưỡi. [Murtada Elfadl]

Cái ác không tồn tại

Cái ác không tồn tại cần có thời gian. Lúc đầu, nhạc nền có điềm báo khi máy quay di chuyển qua thiên nhiên và thảm thực vật. Sau đó, một nhân vật bất ngờ xuất hiện khiến khán giả giật mình. Gần nửa giờ trôi qua trước khi một nhân vật lên tiếng. Trong sự phân đôi giữa kiên nhẫn và cảnh giác đó chính là thiên tài trong bộ phim tiếp theo Drive My Car từng đoạt giải Oscar của Ryusuke Hamaguchi . Đó là một câu chuyện ngụ ngôn, giống như một trò chơi đơn giản giữa thiện và ác, không có lối kể chuyện dày đặc đến mức khiến người xem nghẹt thở. Cách kể chuyện thưa thớt của Hamaguchi bắt đầu bằng việc xây dựng cảm giác về không gian. Khán giả được giới thiệu về ngôi làng nông thôn miền núi Mizubiki. Máy quay cận cảnh địa hình, suối nước, cây cao trước khi lộ ra bất kỳ nhân vật nào. Khi một công ty tiếp thị đến thị trấn tiết lộ kế hoạch xây dựng một địa điểm glamping, một nhân vật chiếm vị trí trung tâm: Takumi (Hitoshi Omika), một người thành thạo mọi ngành nghề và dường như là người biết nhiều nhất về thị trấn. Nhanh chóng, những người trong cơ quan (Ryuji Kosaka và Ayaka Shibutani) bắt đầu coi anh là người có thể giúp họ thuyết phục người dân thị trấn về kế hoạch của họ. Nhưng Takumi cần được dỗ dành và thuyết phục trước. Thế là trò chơi bắt đầu; người chơi được xác định và số tiền đặt cược được tiết lộ. [Murtada Elfadl]

Con người thất bại

Trên hết, The Fall Guy là một bộ phim làm hài lòng đám đông. Được chuyển thể bởi Drew Pearce ( Hotel Artemis ) từ loạt phim truyền hình cùng tên do Glen A. Larson sáng tạo, bộ phim của David Leitch là một lý do lớn và khéo léo để đưa những diễn viên vốn là những quả bom quyến rũ thực sự vào cùng một khung hình. Anh ấy bao quanh họ bằng những vụ nổ và những cuộc rượt đuổi bằng ô tô, tận hưởng khoảng thời gian vui vẻ trong khi nhạc của KISS và The Darkness vang lên trong nền. “Anh chàng sa ngã” là Colt Seavers (Ryan Gosling), một diễn viên đóng thế kỳ cựu đang có công việc mình thích và bạn gái, người quay phim Jody (Emily Blunt), anh ta còn thích hơn thế nữa. Mọi thứ dường như đang diễn ra theo đúng ý của Colt cho đến khi nam diễn viên mà anh đóng vai, Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson), yêu cầu anh thực hiện một pha nguy hiểm ngã lớn một lần nữa. Mọi chuyện trở nên không như ý muốn, và cứ như thế, Colt bị loại khỏi trò chơi đóng thế với một chấn thương ở lưng và một vết thương còn đau đớn hơn đối với lòng kiêu hãnh của anh. Leitch bắt đầu sự nghiệp của mình với vai trò đóng thế, và dồn hết sức lực của mình vào bộ phim này, mang đến cho chúng ta mọi thứ, từ lời ca ngợi Miami Vice đến cảnh đánh nhau bất ngờ với xe chở rác, vâng, rất nhiều màn ca ngợi các đội đóng thế đang thực hiện cảnh đó. làm việc trên các trường quay trên khắp thế giới. Ngay cả khi các pha hành động và đóng thế hoạt động hết công suất, điều thực sự khiến The Fall Guy thành công là sự hợp tác giữa Gosling và Blunt. Anh ấy một lần nữa sẽ vào vai người hùng bị đánh bại trong hành trình tìm kiếm sự cứu chuộc, như anh ấy đã làm rất tốt trong những bộ phim như The Nice Guys , trong khi cô ấy vào vai một người phụ nữ đầy tham vọng đang cân bằng giữa sự nghiệp của mình với những ham muốn trong trái tim mình. Đó là hai giờ các ngôi sao điện ảnh trở thành những cỗ máy quyến rũ tuyệt đối và đôi khi đó là tất cả những gì bạn thực sự cần. [Matthew Jackson]

Lật mặt

Bạn không cần phải ở một độ tuổi nhất định mới có thể đánh giá cao mọi thứ mà Chris Wilcha đặt ra trong bộ phim tài liệu mới Flipside của anh ấy, nhưng điều đó chắc chắn sẽ hữu ích. Cách dự án này nói lên trải nghiệm của Gen X, đặc biệt nếu bạn từng nghĩ mình là một nghệ sĩ, cụ thể đến mức nó gần giống như một cuộc tấn công. Nói rõ hơn thì đó là một lời khen. Ngay cả tiêu đề của bộ phim, giống với cửa hàng băng đĩa cổ điển ở New Jersey, cũng gợi lên thời điểm đó trong cuộc sống khi bạn nhận ra có nhiều điều phía sau hơn là phía trước. Không phải thông điệp của bộ phim sẽ mờ ám đối với bất kỳ ai ngoài thế hệ của Wilcha — nó cũng đề cập đến những khái niệm có thể hiểu được trên toàn cầu như sự hối tiếc và mong muốn để lại dấu ấn của bạn trên thế giới — chỉ là hành trình của đạo diễn để dung hòa cậu bé lý tưởng, đầy tham vọng mà anh ấy đã từng ở bên người đàn ông tuổi 50 mà anh ấy trở thành sẽ gây được tiếng vang sâu sắc hơn với những người cũng đang ở vị trí quan trọng hóa cuộc sống của chính mình. Flipside là nỗ lực của Wilcha nhằm hoàn thiện công việc của cuộc đời anh, quay trở lại với sự tự suy ngẫm cá nhân của The Target Shoots First , với khoảng cách và nhận thức sâu sắc mà 25 năm kinh nghiệm sống sẽ mang lại cho bạn. Nó không giống như cái nhìn chằm chằm vào rốn như người ta tưởng. Để đưa ra quan điểm rộng hơn của mình, Wilcha kết hợp các cảnh quay từ các bộ phim tài liệu bị bỏ rơi của mình và thậm chí quay lại một số chủ đề trước đây của mình để tìm kiếm một kiểu kết thúc nào đó. Wilcha thừa nhận rằng chủ nghĩa lý tưởng của ông đã được thay thế bằng chủ nghĩa hiện thực, tham vọng của ông đã được thay thế bằng sự tự mãn. Anh ấy nhìn chằm chằm vào bản thân trẻ hơn của mình và chống lại sự cám dỗ nao núng. [Cindy Trắng]

Furiosa: A Mad Max Saga

Furiosa: A Mad Max Saga chính thức bước vào thư viện các phần tiền truyện được đánh giá cao được quản lý chặt chẽ của tôi bởi vì George Miller hoàn toàn quan tâm đến việc xây dựng đời sống nội tâm và lịch sử cho Furiosa, thứ có thể tồn tại mà không cần Fury Road và vẫn là một bộ phim hay. Và sau đó Miller thực hiện thủ thuật đỉnh cao của phần tiền truyện là biến các mối quan hệ, kết nối và mất mát thu thập được ở Furiosa thành ẩn ý khiến cho Fury Road vốn đã siêu phàm thậm chí còn trở nên tuyệt vời hơn. Câu chuyện của Furiosa được kể thành năm chương, mở đầu khi chúng ta gặp cô khi còn nhỏ (Alyla Browne) sống trong cộng đồng bình dị, ẩn giấu của Vùng Đất Xanh Của Nhiều Bà Mẹ, sau đó là suốt 15 năm cuộc đời của cô, kết thúc ở tuổi đôi mươi khi cô cô ấy trở thành Thống đốc Furiosa (Anya Taylor-Joy) trong Thành cổ của Immortan Joe (Lachy Hulme) trẻ hơn nhiều. Và Furiosa vẫn là một trải nghiệm. Nó nuốt chửng bạn như cát và giữ chặt bạn cho đến giây phút cuối cùng. Nhà quay phim Simon Duggan ( The Great Gatsby ) không bỏ lỡ một bước nào khi nhận sự chỉ đạo hình ảnh từ nhà quay phim John Seale của Fury Road . Furiosa lấn át các giác quan, đặc biệt là trong IMAX, khi Duggan và Miller khiến bạn đắm chìm trong những chiếc xe khi chúng chạy ầm ầm trên cồn cát hoặc lao vào những dải đường nối Thành cổ với Trang trại Bullet và Gastown. Hầu hết mọi phần của Furiosa đều thể hiện nội tạng và thực tế, điều này nhắc nhở bạn rằng việc thỉnh thoảng có được trải nghiệm như thế này ở các bộ phim sẽ đặc biệt như thế nào. [Tara Bennett]

ánh sáng ma quái

Được đồng đạo diễn bởi Alex Thompson và nhà biên kịch Kelly O'Sullivan, Ghostlight có các ngôi sao trong số đó là một cặp vợ chồng ngoài đời thực và con gái của họ, mang lại cảm giác chân thực cho bộ phim. Kết quả là một viên ngọc nhỏ dành riêng cho việc tìm kiếm các kênh mang tính xây dựng cho những cảm giác sâu sắc và khó chịu. Ở một vùng ngoại ô Illinois, công nhân xây dựng Dan (Keith Kupferer) bị mắc chứng táo bón cảm xúc khiến anh ngày càng xa cách với vợ Sharon (Tara Mallen) và cô con gái tuổi teen Daisy (Katherine Mallen Kupferer), người đang phải đối mặt với nguy cơ bị đuổi học vì tội. sự việc mới nhất của cô về hành động nổi loạn. Khi Dan cáu kỉnh tại nơi làm việc, khoảnh khắc nổi giận thoáng qua này đã thu hút sự chú ý của nữ diễn viên Rita (Dolly De Leon). Cảm nhận được điều gì đó, Rita kéo Dan vào một chiếc bàn đọc sách và mời anh tham gia vở kịch Romeo & Juliet của cộng đồng chân trần của cô , mặc dù anh không quen với văn bản nguồn. Ban đầu, Dan hoàn toàn bác bỏ, sau đó nghi ngờ, nhưng anh thấy mình bị thu hút trở lại với các buổi diễn tập của nhóm — một diễn biến mà anh giữ bí mật với vợ và con gái mình. Khi bộ phim mở ra, những tổn thương không xác định đang đè nặng lên gia đình — và những cảm xúc phức tạp, đôi khi trái ngược nhau của ba người họ — trở nên rõ ràng hơn. Bộ phim gia đình và sự chữa lành này sau đó diễn ra trong bối cảnh của một số tình tiết xoay chuyển dẫn đến đêm khai mạc của vở kịch. O'Sullivan và Thompson có khả năng giám sát gói kỹ thuật khiêm tốn và đơn giản, mang lại sự quyến rũ đơn giản. Con mắt sắc bén của bộ phim về chi tiết nhân vật và sự pha trộn tự nhiên giữa sự hài hước nhẹ nhàng và cảm xúc, được nhà quay phim Luke Dyra ghi lại một cách độc đáo trong những khung hình rộng, đã vượt qua được cảm xúc dâng cao một chút và sự háo hức bẩm sinh để làm hài lòng. Về cơ bản nhất, Ghostlight là một bộ phim nói về sự đau buồn và lợi ích của cộng đồng trong việc xử lý nó, và nếu điều đó có vẻ hiển nhiên thì nó vẫn khá xuyên thấu như được hiển thị ở đây. [Brent Simon]

Đường viền xanh

Green Border , bộ phim mới nhất của nhà làm phim bậc thầy người Ba Lan Agnieszka Holland , không khác gì một lời kêu gọi hành động trực tiếp. Bộ phim cung cấp một câu chuyện đầy sắc thái, nếu đôi khi thẳng thắn tàn bạo, về những điều kiện nguy hiểm mà người di cư phải đối mặt ở biên giới Ba Lan-Belarus, vốn bị các lực lượng quân sự và nhà hoạt động đối lập làm trầm trọng thêm hoặc xoa dịu. Biên giới đặc biệt này được mệnh danh là “biên giới xanh” do khu rừng đầm lầy dày đặc ngăn cách hai nước. Bị lừa bởi một chiến dịch lừa đảo do nhà độc tài Belarus Alexander Lukashenko dàn dựng, những người di cư từ Châu Phi và Trung Đông đến quốc gia Đông Âu này (và đồng minh nổi tiếng của Nga) sau khi được trấn an rằng họ sẽ tìm được lối đi nhanh chóng và an toàn đến Ba Lan, do đó có thể nộp đơn xin định cư. tị nạn ở Liên minh châu Âu. Tuy nhiên, khi họ vượt qua, đội tuần tra biên giới Ba Lan chỉ đơn giản vây bắt những người tị nạn lùi lại và ném họ qua hàng rào thép gai trở lại Belarus, nơi họ bị ngược đãi, cướp bóc và mắng mỏ trước khi bị đẩy trở lại Ba Lan một cách thô bạo. Holland tiếp cận tài liệu với cơn thịnh nộ phẫn nộ và những sự thật không thể chối cãi để chứng minh cho nó. Đối thoại trực tiếp nêu rõ số người di cư chết ngày càng tăng ở châu Âu và các đặc điểm của nó đã được định hình qua hàng giờ phỏng vấn trước khi sản xuất với những người tị nạn, các nhà hoạt động, cư dân vùng biên giới Ba Lan và các sĩ quan tuần tra biên giới ẩn danh. Bằng cách trình chiếu bộ phim với màu đen trắng xa hoa (được cộng tác viên thường xuyên Tomasz Naumiuk hướng dẫn một cách chuyên nghiệp), Green Border cảm thấy cách tiếp cận của nó vượt thời gian, một lần nữa nhấn mạnh bạo lực trong quá khứ và đang diễn ra chống lại những “mối đe dọa” xã hội được coi là. Cách đối xử với những người tị nạn châu Phi và Trung Đông, người Do Thái ở châu Âu, thường dân Palestine, tất cả đều có liên quan đến chủ nghĩa bạo dâm do nhà nước trừng phạt và những người tuân theo tuyên truyền giản lược một cách mù quáng. Điều tuyệt vời nhất về Green Border — ngoài cam kết vang dội của nó đối với việc nhân bản hóa, được củng cố bởi một câu chuyện ly kỳ và đau đớn — là nó không để bất kỳ ai thoát khỏi khó khăn. [Natalia Keogan]

Làm thế nào để quan hệ tình dục

Bộ phim đầu tay của biên kịch kiêm đạo diễn Molly Manning Walker, How To Have Sex tiếp nối truyền thống của nhiều bộ phim hài tình dục tuổi teen. Sự khác biệt là How To Have Sex rất gai góc, thực tế và đề cập đến các chủ đề nghiêm túc về tình dục và sự đồng ý. Tiền đề nghe có vẻ quen thuộc: Ba người bạn người Anh đi nghỉ hè ở Hy Lạp vào năm cuối trung học. Skye (Lara Peake) và Em (Enva Lewis) có nhiều kinh nghiệm hơn Tara (Mia McKenna-Bruce), người hy vọng sẽ mất trinh trong chuyến đi này. Nhà làm phim hòa hợp với cách những người bạn tuổi teen cư xử với nhau. Cách ngọt ngào họ chăm sóc lẫn nhau và thể hiện tình yêu của họ dành cho nhau. Những mối bất bình nhỏ nhặt và sự thù hận không thể giải thích được đôi khi khiến họ phản ứng với nhau. Tình bạn thân thiết và tinh thần đồng đội. Cảm giác bị bỏ rơi khi không có người lớn ở đó. Sự phấn khích đi kèm với rượu. Trên hết, Manning Walker vượt qua ranh giới mong manh đó khi sự đồng ý trở thành bất đồng chính kiến ​​và ham muốn trở thành sự ghê tởm. Máy quay của cô thăm dò một cách nhạy cảm khuôn mặt của các diễn viên và môi trường xung quanh họ để kể câu chuyện mà các nhân vật không thể diễn đạt bằng lời. Gợi nhớ đến Kate Winslet thời trẻ, với sự hiện diện ấm áp trên màn ảnh và sự dũng cảm về mặt cảm xúc, McKenna-Bruce đã neo giữ bộ phim bằng một màn trình diễn tuyệt vời. Manning Walker tập trung vào quan điểm của Tara để khán giả luôn cảm nhận được cảm xúc của cô ấy. Và hầu hết thời gian Tara đều không chắc chắn, và đó là điều khiến câu chuyện của cô ấy trở nên hấp dẫn và khiến bộ phim này trở nên say mê. [Murtada Elfadl]

Hàng trăm hải ly

Một người đánh bẫy ngẫu hứng, Jean Kayak (đồng biên kịch/ngôi sao Ryland Brickson Cole Tews), mới tan băng và cô đơn ở vùng lãnh nguyên, đã thấy mình bị đẩy ngược thời gian, đến một thời đại mà mỗi hành động đều có phản ứng hài hước—đến thời điểm mà bạn có thể cưa đứt phần cuối của một tấm ván rồi đứng đó trong không trung, trọng lực cho chúng ta thời gian để cười sảng khoái trước khi chịu hậu quả. Bộ phim hài đen trắng, không có lời thoại Hàng trăm hải ly được tập hợp từ nhiều phần khác nhau như The Legend of Zelda , The Gold Rush của Charlie Chaplin , JibJabs, phim hoạt hình Terry Gilliam, Guy Maddin và Jackass . Acme được đặt tên giữa các thủ thuật dừng lại giống Méliès và múa rối Muppety, trong khi tính thẩm mỹ của nó chuyển từ việc vẽ ra bạo lực trên diện rộng trên một tấm bạt phủ tuyết thưa thớt đến việc chạy qua những đường hầm tối tăm của một pháo đài phức tạp theo trường phái Biểu hiện của Đức. Nó thật ngu ngốc, nó thật cao siêu. Lần đầu tiên một trong những sinh vật mặc trang phục linh vật ăn cứt trên khung cảnh băng giá, bạn sẽ bật cười. Và bạn sẽ không dừng lại cho đến khi cuộn tín dụng. Là một trong những bộ phim hài hay nhất trong vài năm gần đây, Hàng trăm hải ly thực sự có thể chứa nhiều đường đột hơn hải ly. Bằng cách nhận ra và lấy lại các phương pháp được sử dụng trong những ngày đầu của phim, sự leo thang thái quá của nhà làm phim Mike Cheslik về động lực săn lùng cổ điển trở thành một lễ kỷ niệm DIY kỳ diệu về những sự thật phổ quát, lâu dài về cách chúng ta khiến nhau cười. [Jacob Oller]

Tôi thấy TV phát sáng

Với bộ phim xuất sắc trước đó của họ, We're All Going To The World's Fair , biên kịch kiêm đạo diễn Jane Schoenbrun đã lập biểu đồ cho nỗi ám ảnh đó dưới dạng một trò chơi internet ít người biết đến với những hậu quả nguy hiểm tiềm ẩn. Lần này, Schoenbrun trở nên cá nhân hơn và ám ảnh hơn. I Saw The TV Glow là một bức chân dung đáng chú ý về nỗi ám ảnh về văn hóa đại chúng—cách nó có thể đoàn kết chúng ta, thay đổi chúng ta và lan tỏa khắp cuộc đời chúng ta theo những cách vừa nâng cao tinh thần vừa đáng lo ngại. Nỗi ám ảnh về văn hóa đại chúng đặc biệt thống trị I Saw The TV Glow là The Pink Opaque , một bộ phim truyền hình siêu nhiên dành cho thanh thiếu niên phát sóng muộn vào tối thứ bảy. Phim kể về hai người bạn thân nhất đoàn kết từ xa nhờ một kết nối tâm linh, giúp họ chiến đấu với mọi loại quái vật. Owen (do Ian Foreman thủ vai khi còn là một thiếu niên và Justice Smith khi còn là học sinh trung học) là một đứa trẻ cô đơn, người đã xem thoáng qua chương trình khi đang lướt kênh và đủ tò mò để tiếp cận siêu fan Maddy (Brigette Lundy-Paine) về The Bản chất thực sự của Pink Opaque . Hình ảnh của bộ phim gợi lên cảm giác rằng chúng ta đang chứng kiến ​​hai con người trôi dạt trong một biển thực tế nhàm chán, mờ nhạt, chèo thuyền theo hướng này hướng kia để tìm kiếm mô liên kết mang lại ý nghĩa cho cuộc sống của họ. Tất nhiên, nội dung thực sự của I Saw The TV Glow xuất hiện khi Schoenbrun đề cập đến bản chất biến đổi trong nỗi ám ảnh của các nhân vật của họ, điều này có thể dẫn đến một sự biến thái hoặc có thể chỉ gây ra những tình tiết phân ly nguy hiểm, gây tê liệt. Nếu bạn sẵn sàng đắm mình vào bộ phim và làm theo bản năng làm thơ có giai điệu của Schoenbrun, bạn sẽ thấy điều gì đó kỳ diệu. Họ đã lập biểu đồ cho một câu chuyện đồng thời là câu chuyện về một phương tiện truyền thông thay đổi cuộc đời của một ai đó và câu chuyện về một người nào đó đã trải qua một chặng đường dài để tìm ra con người thật của họ. [Matthew Jackson]

Ý tưởng của bạn

Với sự tham gia của một trong những nữ diễn viên xuất sắc nhất trong thế hệ của cô ấy, mang đến một trong những màn trình diễn xuất sắc nhất và tràn đầy cảm giác đam mê chân thành sẽ khiến khán giả háo hức ngồi trên ghế, The Idea Of You là một trong những bộ phim hài lãng mạn hay nhất mà chúng tôi từng xem trong khá lâu. The Idea Of You theo chân Solène (Anne Hathaway), một bà mẹ đơn thân dành toàn bộ sức lực của mình để nuôi dạy một cô con gái tuổi teen (Ella Rubin) và điều hành một phòng trưng bày nghệ thuật thời thượng ở khu phố Silver Lake của LA. Nhưng Solène cũng không ngại thừa nhận rằng cô đang tìm kiếm điều gì đó hơn thế nữa, cảm giác thỏa mãn mà cô hy vọng sẽ tìm thấy trong chuyến cắm trại một mình mà cô đang lên kế hoạch. Đó là, cho đến khi người chồng cũ bực bội của cô (Reid Scott) bảo lãnh đưa con gái và bạn bè của họ đến Coachella để gặp August Moon, một nhóm nhạc nam mang phong cách One Direction mà cô yêu thích ở trường trung học cơ sở. Solène thấy mình phải đối mặt với Hayes Campbell (Nicholas Galitzine), ca sĩ chính đẹp trai và quyến rũ của August Moon, người bị thu hút bởi sự tự tin của cô và việc cô ban đầu không nhận ra anh. Đó là một cuộc gặp gỡ thú vị-dễ thương, một cuộc gặp gỡ mà Solène nhún vai, ít nhất là cho đến khi Hayes xuất hiện tại phòng trưng bày của cô ấy với nỗ lực làm cho cô ấy biết về cô ấy, tạo nên một mối tình lãng mạn đầy sóng gió sẽ đưa bà mẹ đơn thân 40 tuổi đi khắp thế giới với ngôi sao nhạc pop 24 tuổi. Hathaway thoải mái hóa thân vào một vai rất con người, rất dễ bị tổn thương, ngồi ngay trong những túi cảm xúc chính của câu chuyện và sôi sục với sự pha trộn giữa khao khát, nghi ngờ và niềm vui. Việc Galitzine có thể chia sẻ màn hình với cô ấy mà không bị mất nét hoàn toàn là một thành tựu, nhưng sau đó anh ấy còn tiến xa hơn, kết hợp nhịp điệu cảm xúc của cô ấy cho một số tác phẩm tuyệt vời của riêng anh ấy. Tất cả những điều đó, cộng với một số giai điệu rất bắt tai của nhóm nhạc nam, giai điệu hài hước sảng khoái và màn thứ ba khiến ngay cả những người hâm mộ phim hài lãng mạn dày dạn cũng phải đoán mò ít nhất một chút, có nghĩa là The Idea Of You là một tác phẩm mới rất đáng hoan nghênh đối với bộ phim. rom-com canon. [Matthew Jackson]

Trong bản chất bạo lực

Bộ phim điện ảnh đầu tay của Chris Nash, In A Violent Nature , ngay lập tức lôi kéo khán giả vào vũng bùn đang dịch chuyển của hệ sinh thái kẻ sát nhân, với nhân vật chính Johnny (Ry Barrett) bò ra từ lớp phù sa và lá khô sau một cuộc trò chuyện khá vô thưởng vô phạt giữa những giọng nói quái gở . Nó giống như chính khu rừng bị chiếm hữu, làm mờ đi ranh giới giữa bối cảnh và nhân vật – tất cả đều là đặc điểm trong cách làm phim khác thường của Nash. Hậu cảnh chuyển thành tiền cảnh, hành động chuyển thành không hành động, bạo lực chuyển thành thanh thản tự nhiên. Với một góc nhìn chậm rãi như vậy — một góc nhìn luôn luôn bị khóa trong góc nhìn của nhân vật phản diện — có khả năng khiến nó giống như một mánh lới quảng cáo trò chơi điện tử, nhưng Nash đã chỉ ra giá trị điện ảnh của quan điểm thuận lợi có phương pháp này. Mọi cảm giác bị đánh lừa đều bị gạt bỏ bởi sự kiểm soát chặt chẽ về giọng điệu và không gian của đạo diễn. Các cảnh quay được dàn dựng tỉ mỉ với các cảnh quay dài, hấp thụ âm thanh của cành cây cót két và cành cây gãy mà không có âm nhạc gây nhiễu, cho phép bệnh nhân trải rộng khắp thế giới xung quanh thay thế điểm số. Thông qua bạo lực leo thang — lên đến đỉnh điểm là một trong những vụ giết người đẫm máu nhất từng được ghi lại trong phim (bạn sẽ biết điều đó khi xem) —Nash lôi cuốn cảm giác thuần túy thể chất khi chứng kiến ​​​​cái chết, sử dụng sự đồng cảm về mặt thể xác, nội tạng. Với In A Violent Nature , Nash tạo ra một thứ hoàn toàn mới; sáng tác, gần gũi và chân thực. Nhưng cảm giác về giai điệu và thời điểm của bộ phim chứng tỏ rằng anh ấy cũng hiểu sâu sắc lý do tại sao khán giả luôn quan tâm đến những cuộc đua marathon đẫm máu, máu me và ruột thịt này. [Anna McKibbin]

bị nhiễm khuẩn

Trong Infested của Sébastien Vanicek , một con nhện kỳ ​​lạ đơn độc đột nhập vào một tòa nhà chung cư ở Pháp, nơi một chàng trai trẻ dám nghĩ dám làm (Théo Christine) cùng gia đình và bạn bè của anh đang cố gắng xây dựng một cuộc sống tốt đẹp hơn. Trong những ngày tiếp theo, con nhện đơn độc đó trở thành một đội quân gồm những con nhện chết chóc, tàn nhẫn, liên tục sinh sôi nảy nở trong một bộ phim mang đến cho bộ phim kinh dị về loài nhện Arachnophobia một cuộc chạy đua kiếm tiền. Những gì bắt đầu như một đặc điểm sinh vật rùng rợn đến thỏa mãn, cuối cùng biến thành một cuộc đụng độ kinh dị sinh tồn dành cho mọi lứa tuổi, lên đến đỉnh điểm là một số khoảnh khắc thực sự đáng kinh ngạc, tàn bạo của cơn thịnh nộ tám chân. [Matthew Jackson]

Hành tinh Janet

Lấy bối cảnh ở Tây Massachusetts trong mùa hè mù sương năm 1991, Janet Planet , tác phẩm điện ảnh đầu tay của nhà viết kịch đoạt giải Pulitzer Annie Baker, nắm bắt một cách tinh tế kết cấu của thời gian và không gian này qua cái nhìn của tuổi mới lớn. Trong khi các vở kịch của Baker liên quan đến những cảnh mở rộng trong không gian kín, bước đột phá của cô vào lĩnh vực làm phim chính thức được đảm bảo, thực hiện mối quan tâm lâu dài của cô đối với những đoạn hội thoại sắc nét nhưng quanh co cùng với hình ảnh 16mm sống động. Một số người có thể thấy phong cách kể chuyện của cô ấy vô vị, nhưng những người hâm mộ tác phẩm rộng lớn hơn của cô ấy sẽ tìm thấy sự thoải mái quen thuộc — và niềm đam mê ngày càng mở rộng — trong những chi tiết vụn vặt yên tĩnh mà cô ấy truyền tải sang celluloid. Sau khi gọi điện về nhà với những lời đe dọa tự tử, Lacy, 11 tuổi (người mới ấn tượng Zoe Ziegler) đã thuyết phục đầy đủ mẹ cô, Janet (Julianne Nicholson), đón cô từ nơi được cho là một trại ngủ kéo dài. Chỉ sau đó Lacy mới nhận ra rằng trở về nhà có thể không phải là quyết định sáng suốt nhất, vì cô sẽ cần chia sẻ không gian với bạn trai hiện tại của mẹ mình, Wayne (Will Patton). Trong khi mối quan hệ giữa Lacy và mẹ cô đầy rẫy những dấu hiệu về sự phụ thuộc lẫn nhau trong sách giáo khoa, Janet lại quá háo hức chia sẻ thời gian của mình với cánh cửa quay vòng của những người yêu, bạn bè và những lời khuyên tâm linh, khiến con gái cô vô cùng thất vọng. Janet Planet tập trung vào những điều có vẻ trần tục, từ chuyến đi bộ đơn độc của Lacy đến những bài học piano kinh khủng cho đến những câu chuyện tâm linh lan man dài dòng của Avi. Tuy nhiên, Baker cũng quan tâm đến việc làm thế nào những môi trường thường ngày có thể trở nên nổi bật hơn nhờ góc nhìn lạc quan của một đứa trẻ—trung tâm mua sắm trở thành một sân chơi phức tạp, loại dầu gội đầu mới vào giờ tắm, một thử nghiệm thú vị—được kết hợp ở đây bởi sự kỳ diệu của sương mù mùa hè. Rất ít nghệ sĩ có thể vượt qua các nhãn hiệu nghệ thuật một cách liền mạch như vậy, nhưng Annie Baker đã chứng minh rằng cô ấy sở hữu sở trường bẩm sinh về cách kể chuyện nhẹ nhàng trên các phương tiện. [Natalia Keogan]

Những loại lòng tốt

Có một sự hồi hộp mang tính lật đổ đối với tựa gốc của bộ phim tuyển tập mới của Yorgos Lanthimos, “truyện ngụ ngôn ba bộ” Kinds Of Kindness .  Gọi một bộ phim là “ Và ” gần như đã phá vỡ mọi quy tắc tiếp thị và SEO thông thường; chính ý tưởng về nó giống như một cú chọc ghẹo táo bạo đối với các nhà điều hành hãng phim và các công cụ tìm kiếm ở khắp mọi nơi (ngay cả khi nó có thể gây ra một chút ác mộng cho bất kỳ ai đang cố gắng tìm lịch chiếu). Nhưng xem Kinds Of Kindness — chứng kiến ​​Lanthimos đoàn tụ với Efthymis Filippou, cộng sự viết lách của anh ấy về hầu hết mọi thứ ngoại trừ The Favourite và Poor Things — sự khôn ngoan khi đổi tên nó trở nên rõ ràng và sức hấp dẫn nổi loạn của cái tên gốc nhanh chóng bị lãng quên. Nếu bạn đã từng xem một bộ phim của Lanthimos, bạn sẽ nhận ra ẩn ý mỉa mai rõ ràng trong tựa phim mới này, vì lòng trắc ẩn và lòng vị tha thường xuyên vắng bóng trong thế giới vô trùng của anh ấy. Nhưng hơn cả những sự hợp tác khác của Lanthimos và Filippou, Kinds Of Kindness cũng là một sự đắm chìm băng giá mãnh liệt vào tâm lý lạc hậu của bộ đôi—nơi mà danh tính bị biến dạng một cách siêu thực và cảm xúc lạnh lùng một cách đáng lo ngại—và do đó, sự nhấn mạnh của tiêu đề vào sự kết nối giữa con người với nhau có cảm giác hoàn toàn phù hợp. Ba chương của Kinds Of Kindness  được liên kết rõ ràng nhất bởi các tiêu đề: “Cái chết của RMF”, “RMF đang bay” và “RMF ăn một chiếc bánh sandwich”, tất cả đều đề cập đến một người đàn ông im lặng và ẩn danh, gần giống như một trục cốt truyện hơn là một nhân vật thực tế. Mỗi tập phim cũng có sự góp mặt của một nhóm diễn viên chặt chẽ: Jesse Plemons, Emma Stone, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Hong Chau, Mamoudou Athie và Joe Alwyn (với Hunter Schafer chỉ xuất hiện trong chương kết thúc). Nhưng cốt lõi của chúng, điều gắn kết nhất bộ ba câu chuyện của bộ phim là sự khám phá chung về sự lựa chọn và kiểm soát, sự khuất phục và sự phục tùng. Bộ phim không khác gì việc một kẻ bệnh hoạn đảm nhận Năm ngôn ngữ tình yêu —chỉ ở đây, “những hành động phục vụ” tình nguyện được hình dung lại như những sự hy sinh được thực hiện để thỏa mãn những yêu cầu tàn bạo của những kẻ bạo chúa tình cảm. Thoạt nhìn, Kinds Of Kindness có vẻ thiếu một số yếu tố bề ngoài gắn liền nhất với tác phẩm của Lanthimos: Ví dụ, nhà quay phim Robbie Ryan phần lớn đã loại bỏ ống kính mắt cá của mình ở đây, sau khi xoay nó nhiều trong Poor Things . Nhưng nhìn sâu hơn, bộ phim có cảm giác như Lanthimos đỉnh cao. Sau một vài năm cộng tác với các nhà văn khác để tạo ra những bộ phim dễ tiếp cận hơn, đạo diễn tái hợp với Filippou để bắt kịp phong cách riêng của họ, chưa bao giờ táo bạo hay gây chia rẽ hơn ở đây. Tiếp nối bước đột phá ngắn ngủi của Poor Things đến những kết thúc có hậu, Kinds Of Kindnessthấy Lanthimos quay trở lại thể loại phim mà bạn cảm thấy thật sai lầm khi nói rằng bạn “thích”. Tóm lại: Quái vật Hy Lạp đã trở lại. [Farah Cheded]

La Chimera

Quá khứ gần đến mức bạn gần như có thể chạm vào nó trong cuộc săn tìm kho báu lãng mạn của Alice Rohrwacher, La Chimera . Lấy bối cảnh trong không gian danh nghĩa giữa sự sống và cái chết, được biết đến nhiều hơn là vùng nông thôn Ý, câu chuyện được khai quật cẩn thận của Rohwacher đã khám phá ra một suy ngẫm hài hước và thỏa mãn sâu sắc về sự mất mát và hy vọng. Chúng ta gặp Arthur (Josh O'Connor) trong giấc mơ. Từ góc nhìn thứ nhất, anh ngưỡng mộ khuôn mặt của người phụ nữ anh yêu, đã mất và đang khao khát tìm lại Beniamina (Yile Yara Vianello). Cô ám ảnh Arthur ngay ngoài tầm kiểm soát của anh, để lại sợi dây đỏ từ quá khứ mà anh khao khát được kéo ra. May mắn thay, đó là điều Arthur làm tốt nhất. Nhiệm vụ chính của Arthur là tìm kiếm một loại chén thánh khác. Trở về Ý với hy vọng kết nối lại với Beniamina và trả món nợ kéo dài, Arthur miễn cưỡng tái hợp với nhóm tomaroli Ý hay còn gọi là những kẻ đột kích lăng mộ cũ của mình. Họ lùng sục những đồ vật có giá trị được tìm thấy ở sân sau của họ, được hỗ trợ một phần không nhỏ bởi— ahem— mối liên hệ siêu nhiên của Arthur với các tầng hầm phụ của Tuscany ngày xưa. Người Tomboli sống giữa những đống đổ nát, gọi những căn lều xiêu vẹo không có hơi ấm, đồ đạc hoặc thậm chí cả sàn nhà là nhà. Ở giai đoạn này, trong bộ đồ vải lanh trắng đang phân hủy mà dường như anh đã được sinh ra, Arthur bắt đầu giống với những di vật mà anh săn lùng. Anh tìm thấy ngôi mộ đầu tiên của mình tại nhà của Beniamina, nơi mẹ cô, Flora (một Isabella Rosellini dễ dàng an ủi), cư trú. Với các cạnh tròn gợi nhớ đến nhiếp ảnh 16mm, bộ phim mang lại cảm giác cổ xưa, như thể chúng ta đang nhìn thấy điều gì đó chưa được khám phá từ quá khứ. Được viết bởi Carmela Covino, người đã đóng góp cho Happy As Lazzaro của Rohwacher và phim ngắn Le Pupille được đề cử giải Oscar của cô , và Marco Pettenello, kịch bản của Rohwacher ẩn giấu những điều bất ngờ đằng sau mỗi câu thoại, tiết lộ các yếu tố về quá khứ của Arthur và tái hiện lại hiện tại của anh ấy. La Chimera, một niềm vui trang trọng nhưng không thiếu những điều bất ngờ, mê hoặc người xem bằng không gian mục nát và những màn trình diễn sống động. [Matt Schimkowitz]

người khỉ

Dev Patel đã làm bài tập về nhà của mình. Nhưng biết được những ảnh hưởng của bạn là một chuyện, còn việc áp dụng chúng vào thực tế trên màn ảnh là một chuyện hoàn toàn khác mà không làm mất đi giọng nói riêng của bạn. Với tất cả những chiến thắng của nó—và Monkey Man là một bộ phim chứa đầy những chiến thắng ở cấp độ từng khoảnh khắc—phim của Patel có thể đã đạt được thành công lớn nhất theo cách nó chuyển tải một cách liền mạch và mạnh mẽ tình yêu điện ảnh thuần khiết, đầy động lực của đạo diễn thành một thứ gì đó táo bạo, mới mẻ và khó quên. Patel vào vai Kid, một chàng trai trẻ lếch thếch sống ở khu ổ chuột ở Ấn Độ. Kid có những vết sẹo, cả về tinh thần và thể chất, sẽ không bao giờ mờ đi, ít nhất là cho đến khi anh ấy tiến đủ gần để bóp cò và trả thù những người chịu trách nhiệm cho nỗi đau của anh ấy. Trong nhiều cảnh hành động của Monkey Man , người xem sẽ thấy mọi thứ từ Taxi Driver đến The Big Boss đến The Raid đến The Villainess , v.v., tất cả đều được Patel và nhà quay phim Sharone Meir truyền tải bằng năng lượng điên cuồng, không thể kiềm chế. Nhưng Patel không chỉ xâu chuỗi các tài liệu tham khảo lại với nhau, anh ấy cũng không tuân theo tất cả các quy tắc mà cả đời xem phim hành động có thể đã dạy anh ấy. Đối với tất cả máu me và tất cả sự tàn bạo—và có rất nhiều thứ , tất cả đều được chế tạo một cách chuyên nghiệp— Monkey Man mạnh mẽ nhất khi nó im lặng. Kid không chỉ là một chiến binh gánh chịu nỗi đau hàng chục năm mà còn là một người đàn ông đang cố gắng tìm cách xoa dịu tâm trí bồn chồn và xoa dịu trái tim đau nhức của mình. Patel đi sâu hơn vào những ẩn dụ của câu chuyện mà anh ấy đang kể so với những gì một câu chuyện hành động dường như gợi ý, đưa Kid không chỉ đến với người nghèo mà còn với những người bị ruồng bỏ, những người dám đi theo con đường riêng của họ trong một xã hội luôn đẩy họ lạc hậu. Nó mang đến cho bộ phim cảm giác cộng đồng và thêm vào giai điệu thần thoại theo những cách mà hành trình cô độc của Kid không bao giờ có thể làm được. Monkey Man là một bộ phim thành công về cơ bắp, cảm xúc, hung dữ và khi bộ phim kết thúc, bạn sẽ muốn quay lại ngay và xem lại toàn bộ. [Matthew Jackson]

Orion và bóng tối 

Ý tưởng về một bộ phim hoạt hình dành cho trẻ em được viết bởi Charlie Kaufman, người ghi chép đầy lo lắng về những bộ phim siêu hình về búp bê lồng nhau như Eternal Sunshine Of The Spotless Mind , nghe có vẻ khó giống như một bộ phim Disney xếp hạng G của đạo diễn David Lynch hay Nine. Người đứng đầu Inch Nails, Trent Reznor, đang soạn nhạc cho Pixar. Tuy nhiên, những điều đó đã xảy ra, được ca ngợi rất nhiều, và bây giờ, điều này cũng vậy. Orion And The Dark có thể trông gần như không giống bất kỳ bộ phim nào của Charlie Kaufman cho đến nay, nhưng nó mang đậm cá tính của ông. Mặc dù điều đó có thể hơi nhiều đối với những đứa trẻ nhỏ nhất, nhưng đối với những đứa trẻ 11 tuổi như những đứa trẻ được mô tả trong câu chuyện này, nó có thể gây ấn tượng mạnh chỉ bằng cách từ chối đánh giá thấp trí thông minh của chúng. Ở đây, anh ấy lấy một cuốn sách dành cho trẻ em, một cuốn sách được thiết kế để giúp những đứa trẻ 4 tuổi vượt qua nỗi sợ bóng tối và nói về nỗi sợ hãi hiện sinh, ngay ở độ tuổi mà hầu hết trẻ em bắt đầu trải nghiệm điều như vậy mà không nhất thiết phải có tên cho nó. Nó. Đạo diễn Sean Charmatz ( Trolls: Holiday In Harmony ) giữ hình ảnh thân thiện với trẻ em nhưng ông cũng giữ cho giọng nói của Kaufman dễ nhận biết xuyên suốt. Và mặc dù Orion And The Dark dường như trải qua các chuyển động của một bộ phim gia đình, nhưng nó lại đưa ra một số khúc mắc nghiêm trọng trên đường đến một giải pháp đầy yêu thương nhưng tàn khốc về mặt cảm xúc. Trẻ em sẽ thích nó chứ? Hãy chỉ nói rằng những đề cập đến David Foster Wallace, Saul Bass và Werner Herzog (đóng vai chính mình) có thể không dành cho họ—nhưng chúng rất có ý nghĩa đối với bạn. Cuốn sách gốc đòi hỏi sự phán xét của cha mẹ về việc liệu đứa con 4 tuổi của họ có sẵn sàng đối mặt với nỗi sợ hãi bóng tối hay không; bộ phim yêu cầu một người liên quan đến khả năng của những đứa trẻ 11 tuổi trong việc đối phó với nỗi sợ hãi về cái chết, những kẻ bắt nạt, ngày tận thế về khí hậu và theo đúng nghĩa đen là mọi thứ khác mà chúng có thể nghĩ đến ... và hơn thế nữa. [Luke Y. Thompson]

Joker của nhân dân

Bùng nổ khả năng sáng tạo tự làm, một người quan sát bình thường có thể nghĩ The People's Joker chỉ đơn giản là một dự án dành cho người hâm mộ do một nhà sáng tạo bị gạt ra ngoài lề xã hội dẫn đầu. Tuy nhiên, nhà làm phim Vera Drew, cùng với đồng biên kịch Bri LeRose, sử dụng phác thảo thô của Joker năm 2019 làm bàn đạp để khám phá trải nghiệm của chính cô với những hội trường bị vôi hóa của ngành công nghiệp hài kịch, những cách mà những cá nhân bị tổn thương làm hại nhau vì xấu hổ và thiếu hiểu biết, và cuộc đấu tranh của cô với việc khám phá danh tính người chuyển giới của mình. Kể lại câu chuyện của cô ấy từ những khởi đầu khiêm tốn ở vùng nông thôn khi còn là một đứa trẻ ở Smallville, Joker the Harlequin (Vera Drew) hướng dẫn chúng ta qua tuổi trưởng thành nơi mẹ cô ấy (Lynn Downey) đưa cô ấy vào chế độ điều trị bằng thuốc chống trầm cảm Smylex, và ngôi sao hài kịch là một con đường trốn thoát trên sân khấu của UCB Live , một sự gửi đến không tinh tế của Lữ đoàn Công dân Chính trực, SNL , và người dẫn chương trình Lorne Michaels (một bản fax hoạt hình bay lượn do Maria Bamford lồng tiếng). Được quay hoàn toàn trên phông xanh, The People's Joker mang một vẻ thẩm mỹ nhân tạo đầy kiêu hãnh, bác bỏ những quan niệm thông thường về tính nhất quán. Các nhân vật hoạt hình ở dạng 3D và stop-motion hoặc như những con rối tương tác với diễn viên con người, đôi khi với sự cẩn thận có chủ ý trong quá trình xây dựng, những lần khác lại có sự bất cẩn có chủ ý không kém hậu punk. Một số cảnh hoàn toàn được làm hoạt hình ở dạng 2D, không chỉ dành cho những pha hành động đỉnh cao mà còn dành cho những khoảnh khắc thân mật sâu sắc, báo hiệu sự lựa chọn sáng tạo này không chỉ nhằm mục đích cắt giảm ngân sách. Đó là một thứ thẩm mỹ hỗn loạn có vẻ mạch lạc vì nó quá hỗn loạn. Ở một cấp độ, nó trực tiếp đả kích các cơ chế nhân tạo mà các bộ phim bom tấn kinh phí lớn kể câu chuyện của họ, nhưng nó cũng cung cấp một con đường để kể những câu chuyện mang tính cá nhân sâu sắc trong khuôn khổ thần thoại văn hóa chung của chúng ta. People's Joker là một con chimera được xây dựng từ những xung đột và mâu thuẫn, nhưng tất cả chúng ta cũng vậy. Tập hợp ghép hình của chúng ta về trải nghiệm con người nhìn chung rất lộn xộn, và nếu có một điều mà Drew dường như đang nói với chúng ta, thì đó là chúng ta nên tận hưởng những nghịch lý đó. Khi đó chúng ta sẽ không phải vẽ lên nụ cười nữa. Chúng ta chỉ có thể hạnh phúc. [Leigh Monson]

Giấc mơ robot

Nhà làm phim người Tây Ban Nha theo phong cách chiết trung Pablo Berger đã từng làm phim câm trước đây, nhưng chưa bao giờ có phim nào giống như Robot Dreams . Một quảng cáo du lịch ở New York dành cho những ai nghĩ rằng WALL-E đã bán đứng cho Big Talkie sau khi phá vỡ lời thề im lặng khi mở đầu, Robot Dreams truyền tải những nỗi đau, nỗi đau và niềm vui của một tình bạn bị trì hoãn mà không một lời đối thoại. Mặc dù các nhân vật được thiết kế tối giản của nó không nói được, nhưng những điều cơ bản trong giấc mơ của Robot này đã làm phức tạp chuyến tham quan New York của Berger, nơi chứa đầy những khung cảnh đô thị đích thực và quần thể động vật được nhân hóa và những người bạn đồng hành là robot của chúng. Mở cửa trên Cầu Queensboro dưới ánh hoàng hôn xanh thẳm, Robot Dreams giới thiệu với chúng ta về Dog, một chú chó lai cô đơn sống vào những năm 80 và dành một đêm nữa với Atari cùng món mac và pho mát đông lạnh. Sau khi tự đánh mình ở Pong (một lần nữa), Dog cuối cùng cũng thừa nhận sự cô đơn khi tự đánh mình ở Pong (một lần nữa). Vì vậy, theo lệnh của một quảng cáo thông tin được tính thời gian hoàn hảo, anh ta đặt mua một người bạn mới: Robot. Chỉ cần một cái búng cổ, Robot khởi động giống như một chiếc PC thời Reagan đang tải DOS, và đột nhiên, cuộc sống của Dog có mục đích. Sức mạnh của Robot Dreams nằm ở Robot và Dog, những người giống với những cái bóng hoạt hình của Abbott và Costello hoặc Laurel và Hardy. Với những nguyên mẫu đó, Berger nhấn mạnh sự khác biệt của chúng để đạt được khả năng giao tiếp tối đa. Con chó thực dụng và cẩn thận, nhận thức được hậu quả của những vi phạm xã hội và phải trả giá cho chúng. Robot cởi mở hơn và sẵn sàng chào đón mỗi cuộc phiêu lưu mới bằng nụ cười và cái vẫy tay chào đón. Nhưng khi xa cách, họ cảm thấy khó kết nối với những người xung quanh. Với Robot Dreams , Berger cũng đã tạo ra một Thành phố New York nhẹ nhàng về mặt thẩm mỹ nhưng cứng rắn về mặt cảm xúc. Hoạt động với niềm tin rằng có rất ít người có thể kiểm soát được trong một thành phố có quy mô như vậy, Berger cho phép bộ phim của mình thực hiện những chuyến bay thú vị vòng quanh để trở lại tình bạn. Làm sao một thành phố đông đúc như vậy lại có thể cảm thấy cô đơn đến vậy? Không cần thốt ra một lời, Robot Dreams đã có câu trả lời. [Matt Schimkowitz]

Dừng chuyển động

Aisling Franciosi đóng vai chính trong câu chuyện rùng rợn, khó chịu này trong vai một nhà làm phim hoạt hình stop-motion nhận ra mình bị cuốn vào một ý tưởng mới cho một bộ phim đến mức nó trở nên xa lạ, đáng sợ và cuối cùng là nguy hiểm. Lời hứa khám phá không gian kinh dị thông qua hoạt hình stop-motion là lý do đủ để xem phim của Robert Morgan, nhưng diễn xuất mạnh mẽ của Franciosi đã đẩy Stopmotion vượt ra ngoài những mánh lới quảng cáo và đi vào vương quốc của nỗi kinh hoàng cảm xúc thực sự đau đớn, khi nghệ thuật và nghệ sĩ hợp nhất thành một thứ gì đó mới mẻ, bạo lực , và khó quên. [Matthew Jackson]

Thelma

Có thường xuyên xuất hiện một bộ phim mà bạn có thể thoải mái giới thiệu cho mọi người trong cuộc sống của mình không? Không thường xuyên đủ. Chỉ vì lý do đó thôi, Thelma xứng đáng được tôn vinh. Đó không chỉ là tiền đề giả mạo hành động vui nhộn hay dàn diễn viên đa thế hệ, mặc dù cả hai đều đáng khen ngợi. Thelma chỉ đơn giản là một bộ phim thú vị với một nhân vật chính đáng yêu mà bạn không thể không yêu mến. Trong trường hợp này, điều hữu ích là nhân vật chính do June Squibb bất khuất ( Nebraska , và nhiều, rất nhiều nhân vật khác ) thủ vai. Ở tuổi 93, bà có khả năng giữ vị trí trung tâm của bộ phim này trong vai chính, với sự giúp đỡ nhỏ từ Richard Roundtree quá cố (chính là Shaft) với tư cách là người bạn lâu năm của bà và người bạn đồng hành phiêu lưu Ben. Thật thú vị khi dành thời gian với những nhân vật hung hãn này khi họ băng qua Thung lũng San Fernando bằng xe tay ga có động cơ trong một nhiệm vụ kỳ quặc nhằm truy tìm những tên trộm đã lừa đảo Thelma 10.000 đô la qua điện thoại. Nhà làm phim lần đầu tiên Josh Margolin — người viết kịch bản, đạo diễn và biên tập phim — đã nói rằng anh ấy dựa trên nhân vật Thelma của chính bà của mình. Có rất nhiều chi tiết nhỏ tạo thêm chiều sâu cho các nhân vật, chẳng hạn như một trò đùa trong đó Thelma cứ nghĩ rằng cô ấy nhận ra những người lạ ngẫu nhiên, hoặc Ben đóng vai Daddy Warbucks trong một tác phẩm toàn cao cấp của Annie , hoặc những khoảnh khắc không được diễn ra. cười, giống như khi họ nói về tất cả những người họ biết đã chết. Margolin đã khôn ngoan tránh xa các diễn viên trong những cảnh này. Anh ấy chỉ cho họ không gian và để họ nấu ăn. Ở một cấp độ nào đó, Thelma là một sự thay đổi thú vị và hài hước của thể loại hành động. Đó là một chuyến đi thú vị kéo dài khoảng 90 phút hoặc lâu hơn. Nếu đó là tất cả những gì bạn rút ra được từ nó thì điều đó hoàn toàn ổn. Tuy nhiên, ở mức độ sâu hơn, nó có một số điều quan trọng cần nói về những giai đoạn cuối cùng của cuộc đời. Nó có thể khiến bạn nghĩ đến những từ như “phẩm giá” và “đứng đắn”. Nó yêu cầu bạn đánh giá cao việc giữ vững ý thức về bản thân mình khó đến mức nào khi cơ thể và tâm trí của bạn bắt đầu mất dần đi. Nó khuyến khích bạn nhìn những người lớn tuổi xung quanh bạn với sự tôn trọng. Dù bạn tiếp cận bộ phim theo cách nào thì nó cũng sẽ tạo nên một chuyến đi chơi mùa hè tuyệt vời cho khán giả ở mọi lứa tuổi. [Cindy Trắng]

Bây giờ chúng tôi đã trưởng thành

Ngay từ cảnh quay đầu tiên, We Grown Now tuyệt vời của Minhal Baig đã thu hút bạn. Ảnh tĩnh về một hành lang trống rỗng (như chúng tôi đã tìm hiểu, trong dự án nhà ở Cabrini-Green ở Chicago) vẫy gọi bạn khám phá nó, để cho nhiều sinh mạng trong đó trôi qua bạn. Chúng tôi nghe thấy tiếng cạo. Chúng tôi nghe thấy tiếng giày thể thao kêu cót két. Chúng tôi nghe thấy và sớm nhìn thấy hai đứa trẻ. Họ đang mang một tấm nệm. Có một cảm giác tò mò không ngừng được đánh thức bởi hình ảnh này, bởi hành động này. Và theo thời gian, bộ phim mới nhất của Baig càng khẳng định mình là một viên ngọc quý tuyệt đẹp của một bộ phim với cảm giác về địa điểm khác biệt và hấp dẫn. Năm đó là năm 1992 và hai chàng trai chúng ta gặp lần đầu trong cảnh mở đầu đó là bạn thân Malik và Eric (Blake Cameron James và Gian Knight Ramirez), hai chàng trai da đen đã học được cách biến Cabrini-Green thành một không gian tưởng tượng rộng rãi để chúng ta có thể tưởng tượng. phát triển. Tấm nệm mà họ cẩn thận mang xuống nhiều dãy cầu thang rồi băng qua một khu vực trải nhựa rộng rãi trước khi xếp nó cạnh một số tấm nệm bị bỏ đi khác sẽ sớm trở thành một cách khác để họ nhảy—bay vào tuổi thơ ngây thơ mà họ vô tình trân trọng. Sự ngây thơ như vậy là nguyên tắc chỉ đạo của We Grown Now, tựa đề của nó rõ ràng đã thúc đẩy chúng ta đến kết thúc của bộ phim, vào thời điểm Malik và Eric sẽ phải nói lời chia tay. Xuyên suốt, chúng ta theo dõi hai cậu bé này và gia đình họ đánh giá thế giới luôn thay đổi xung quanh họ: Người mẹ đơn thân của Malik (Jurnee Smollett có tâm hồn) đấu tranh với việc được thăng chức và được coi trọng trong công việc, công việc hầu như không trang trải được chi phí sinh hoạt của họ. Người cha đơn thân của Eric (Lil Rel Howery bị cấm túc) vẫn đang đau buồn, không biết làm cách nào tốt nhất để kiểm soát đứa con trai nhỏ ngang bướng của mình. Có lẽ điều họ cần là một lối thoát. Nhưng nếu họ rời Calibri-Green, điều đó có ý nghĩa gì với cuộc sống mà họ đã tạo dựng ở đó? Giải quyết những câu hỏi đó — và những câu hỏi rộng hơn về nhà ở công cộng, chính sách tàn bạo, phân biệt chủng tộc và quy hoạch đô thị — phim của Baig là sự suy ngẫm dịu dàng về những gì chúng ta tạo ra với những gì mình có và về những chuyến bay của trí tưởng tượng cần thiết để vạch ra những con đường mới phía trước. [Manuel Betancourt]